Брюссель. Королевские музеи изящных искусств

Л. Алешина

Небольшая страна, давшая миру в прошлом ряд величайших художников- достаточно назвать братьев ван Эйков, Брейгеля и Рубенса,-Бельгия к началу 19 в. переживала длительный застой искусства. Известную роль в этом играло политически и экономически подчиненное положение Бельгии, вплоть до 1830 г. не обладавшей национальной независимостью. Лишь когда с начала нового столетия все сильнее развертывается национально-освободительное движение, оживает и искусство, занявшее вскоре же очень важное место в культурной жизни страны. Показательно хотя бы то, что по сравнению с другими европейскими странами количество художников в маленькой Бельгии относительно к численности населения было очень велико.

В формировании бельгийской художественной культуры 19 в. большую роль играли великие традиции национальной живописи. Связь с традициями выразилась не только в непосредственном подражании многих художников своим выдающимся предшественникам, хотя это и было свойственно бельгийской живописи, особенно в середине века. Воздействие традиций сказалось на специфике бельгийской художественной школы нового времени. Одной из таких специфических особенностей является приверженность бельгийских художников к предметному миру, к реальной плоти вещей. Отсюда успехи реалистического искусства в Бельгии, но отсюда и некоторая ограниченность в истолковании реализма.

Характерной чертой художественной жизни страны было тесное взаимодействие на протяжении всего столетия бельгийской культуры с культурой Франции. Молодые художники и архитекторы ездят туда совершенствовать свои знания. В свою очередь многие французские мастера не только посещают Бельгию, но и живут в ней по многу лет, участвуя в художественной жизни своей маленькой соседки.

В начале 19 столетия в живописи, скульптуре и архитектуре Бельгии, как и во многих других странах Европы, господствует классицизм. Крупнейшим живописцем этого периода был Франсуа Жозеф Навез (1787-1869). Он учился сначала в Брюсселе, затем с 1813 г. в Париже у Давида, которого сопровождал и в эмиграцию в Брюссель. В годы своего бельгийского изгнания замечательный французский мастер пользовался величайшим авторитетом среди местных художников. Навез был одним из любимых учеников Давида. Творчество его неравноценно. Мифологические и библейские композиции, в которых он следовал канонам классицизма, безжизненны и холодны. Портреты же, составляющие большую часть его наследия, весьма интересны. В его портретах пристальное и внимательное наблюдение и изучение натуры сочетались с возвышенно идеальным представлением о человеческой личности. Лучшие черты классицистического метода - крепкая композиционная построенность, пластическая наполненность формы - гармонически сплавляются в портретах Навеза с выразительностью и характерностью жизненного образа. Наиболее высоким по своим художественным качествам представляется портрет семьи Хемптинне (1816; Брюссель, Музей современного искусства).

Трудная задача портрета с тремя персонажами удачно разрешена художником. Все члены молодой семьи - супружеская чета с маленькой дочкой - изображены в живых непринужденных позах, но с ощущением крепкой внутренней связи. Цветовое решение портрета свидетельствует о стремлении Навеза к постижению классических традиций фламандской живописи, восходящих к ван Эйку. Чистые сияющие краски сливаются в радостный гармонический аккорд. Превосходный портрет семьи Хемптинне близок своей пластической силой, документальной точностью поздним портретным работам Давида, а лирикой, стремлением передать внутреннюю жизнь души связан с уже рождающимся романтизмом. Еще более близким романтизму представляется автопортрет Навеза в молодом возрасте (1810-е гг.; Брюссель, частное собрание), где художник изобразил себя с карандашом и альбомом в руках, живо и пристально вглядывающимся во что-то перед собой. Навез сыграл весьма значительную роль и как педагог. У него учились многие художники, составившие впоследствии ядро реалистического направления в живописи Бельгии.

Нарастание революционных настроений в стране способствовало торжеству романтического искусства. Борьба за национальную независимость привела к революционному взрыву летом 1830 г., в результате которого Бельгия порвала связь с Нидерландами и образовала самостоятельное государство. Искусство играло немаловажную роль в развернувшихся событиях. Оно возбуждало патриотические чувства, разжигало бунтарские настроения. Как известно, непосредственным поводом к революционному восстанию в Брюсселе послужило представление оперы Обера «Немая из Портичи».

В канун революции в бельгийской живописи складывается патриотическое направление исторического жанра. Вождем этого направления стал молодой художник Гюстав Вапперс (1803-1874), выставивший в 1830 г. картину «Самопожертвование бургомистра ван дер Верфа при осаде Лейдена» (Утрехт, Музей). Воспевая героические деяния предков, мастера этого направления обращаются к романтическому языку форм. Патетическая приподнятость образного строя, повышенное красочное звучание колорита воспринимались современниками и как возрождение исконно национальных живописных традиций, ярче всего представленных Рубенсом.

В 30-е гг. бельгийская живопись благодаря полотнам исторического жанра завоевывает признание в европейском искусстве. Ее программно-патриотический характер, ставший на службу общим задачам развития страны, обусловил этот успех. Вапперс, Никез де Кейзер (1813-1887), Луи Галле были одними из самых популярных художников Европы. Однако очень скоро это направление выявило и свои ограниченные стороны. Наиболее удачными были те произведения, в которых отразился пафос национально-освободительного движения народа, которые вдохновлялись героикой прошлых и нынешних боев за свободу. Не случайно наибольший успех выпал на долю картины Вапперса «Сентябрьские дни 1830 года» (1834-1835; Брюссель, Музей современного искусства). Художник создал историческое полотно на современном материале, выявил значение революционных событий. Показан один из эпизодов революции. Действие происходит на центральной площади Брюсселя. Бурный всплеск народного движения передается неуравновешенной диагональной композицией. Расположение групп и некоторые фигуры вызывают в памяти картину Делакруа «Свобода, ведущая народ», явившуюся несомненным образцом для художника. Вместе с тем Вапперс в этом полотне несколько внешен и декларативен. Образам его отчасти свойственна театральная Эффектность, демонстративность в высказывании чувств.

Вскоре же после завоевания Бельгией независимости историческая живопись утрачивает глубину содержания. Национально-освободительная тематика теряет свою актуальность, свою общественную основу. Историческая картина превращается в пышное костюмированное зрелище с занимательным сюжетом. Выкристаллизовываются два направления в исторической живописи; с одной стороны, это монументальные помпезные полотна; для другого направления характерна жанровая трактовка истории. Национальные традиции живописи понимаются весьма поверхностно - как сумма приемов и средств, не обусловленных воздействием эпохи. Появляется множество художников, видящих все свое призвание в том, чтобы писать жанры, как «мастера 17 в.», или исторические сцены, «как Рубенс».

Антуан Жозеф Вирц (1806-1865) претенциозно, но безуспешно стремится в своих громадных историко-символических полотнах сочетать достижения Микел-анджело и Рубенса. Хендрик Лейс (1815-1869) пишет сначала небольшие жан-рово-исторические картины, подражая колориту Рембрандта. С 60-х гг. он переключается на обширные многофигурные композиции с бытовыми сценами из эпохи Северного Возрождения, в манере исполнения которых он следует наивной точности и подробности мастеров этого периода.

Среди многочисленных исторических живописцев середины века заслуживает упоминания Луи Галле (1810-1887), картины которого отличаются сдержанностью и лаконизмом композиции, а образы - известной внутренней значительностью и благородством. Характерным примером является полотно «Последние почести останкам графов Эгмонта и Горна» (1851; Турне, Музей, повторение 1863 г.- ГМИИ). Эти же качества в еще большей мере присущи его жанровым картинам, таким, как «Семья рыбака» (1848) и «Славонец» (1854; обе-Эрмитаж).

Постепенно историческая живопись Бельгии теряет свою ведущую роль в системе жанров, и на первый план примерно с 60-х гг. выдвигается бытовая живопись. Жанристы середины века, как правило, подражали художникам 17 в., обращаясь к созданию развлекательных сцен в трактирах или уютных домашних интерьеров. Таковы многие картины Жана Батиста Маду (1796-1877). Очень традиционен в своих сюжетах Хендрик де Бракелер (1840-1888), изображавший одинокие фигуры за спокойным занятием в залитых светом интерьерах. Его заслуга состоит в решении задачи освещения и воздушной атмосферы средствами современной живописи.

Капиталистическое развитие страны, проходившее после завоевания независимости очень быстрыми темпами, уже в 60-е гг. поставило перед искусством новые проблемы. В художественную культуру Бельгии все активнее начинает вторгаться современность. Молодое поколение художников выдвигает лозунг реализма, отображения характерных сторон окружающей жизни. В своих стремлениях они опирались на пример Курбе. В 1868 г. в Брюсселе было основано Свободное общество изящных искусств. Наиболее значительными из его участников были Шарль де Гру, Константен Менье, Фелисьен Ропс, Луи Дюбуа. Все они выступили с лозунгом реализма, с призывом к борьбе со старым искусством, с его далекими от жизни темами и устарелым художественным языком. Глашатаем эстетических взглядов этого общества стал журнал «Свободное искусство», начавший выходить в 1871 г. Активнейший участник Свободного общества изящных искусств - Шарль де Гру (1825-1870) уже с конца 40-х гг. стал известен картинами из жизни низших слоев общества. Его манера письма близка Курбе. Колорит выдержан в темных сдержанных тонах, эмоционально соответствующих тягостной мрачности изображенного. Такова картина «Жаровня для кофе» (60-е гг.; Антверпен, Музей); здесь показаны бедняки, греющиеся темным, холодным зимним днем на улице у жаровни, где поджариваются кофейные зерна. Глубокое сочувствие обездоленным характеризует творчество художника.

Реализм в Бельгии очень скоро завоевал прочные позиции во всех жанрах искусства. Появляется целая плеяда пейзажистов, правдиво и в то же время разнообразно отображающих родную природу, - так называемая школа Тервюрена (по названию местечка, расположенного в лесу неподалеку от Брюсселя). Глава школы Ипполит Буланже (1837-1874) пишет тонкие, несколько меланхолические лесные пейзажи, близкие по колориту барбизонцам. Более энергично воспринимает природу Луи Артан (1837-1890). Чаще всего он изображал виды моря и побережья. Мазок его динамичен и упруг; художник стремится передать изменчивую атмосферу, настроение пейзажа.

Особое место занимал в бельгийском искусстве Фелисьен Ропс (1833-1898). Несмотря на то, что мастер значительную часть своей творческой жизни провел во Франции, он был активным участником бельгийского художественного процесса. Довольно скандальная известность художника - как певца парижских кокоток заслоняет часто его весьма важную роль в культурной жизни Бельгии. Ропс - один из создателей литературно-художественного журнала «Уленшпигель» (основан в Брюсселе в 1856 г.) и первый иллюстратор знаменитого романа Шарля де Костера (1867). Исполненные в технике офорта иллюстрации дают острые и интересные воплощения образов главных героев романа. Ропс был блестящим мастером рисунка и внимательным наблюдателем современного быта, о чем свидетельствуют многие его произведения.

Архитектура Бельгии вплоть до конца 19 в. не создала ничего значительного. В первой половине века было еще построено несколько сооружений в стиле классицизма, отмеченных строгим вкусом (дворец Академии в Брюсселе -1823-1826, архитектор Шарль ван дер Стратен; оранжереи в Ботаническом саду Брюсселя - 1826-1829, архитекторы Ф.-Т. Сейс и П.-Ф. Жинест). С середины века в архитектуре нарастает безудержный эклектизм и стремление к созданию пышных помпезных построек. Характерны, например, здание биржи в Брюсселе (1873- 1876, архитектор Л. Сейс), здание Музея старинного искусства там же (1875-1885, архитектор А. Бала). Процветающий бельгийский капитализм стремится создать памятник своего могущества. Так возникает здание Дворца Правосудия в Брюсселе (1866-1883, архитектор Ж. Пуларт -одно из самых грандиозных по размерам сооружений Европы, отличающееся претенциозным и нелепым нагромождением и смешением всевозможных архитектурных форм. Одновременно в архитектуре Бельгии большую роль играет стилизаторство. Строится множество церквей, ратуш и других общественных зданий, подражающих готике, фламандскому Ренессансу, романскому стилю.

Бельгийская скульптура вплоть до последней четверти 19 в. отставала в своем развитии от живописи. В 30-е гг. под воздействием патриотических идей было все же создано несколько интересных статуй. В первую очередь здесь надо отметить произведения Виллема Гефса (1805-1883 - его надгробие графа Фредерика де Мероде, павшего в революционных боях в Брюсселе (1837, Брюссель, собор св. Гудулы), и статую генерала Бельяра, стоящую на одной из площадей столицы (1836). Середина же века в Бельгии, как и во многих других странах, отмечена упадком искусства ваяния.

В эти трудные для монументального искусства годы формируется творчество крупнейшего бельгийского художника Константена Менье (1831-4905). Менье начал свое обучение в Брюссельской Академии художеств в классе скульптуры. Здесь в середине века господствовала консервативная академическая система; педагоги в своем творчестве и в своем преподавании следовали шаблону и рутине, требуя приукрашивания натуры во имя отвлеченного идеала. Первые пластические работы Менье были еще очень близки этому направлению («Гирлянда»; была выставлена в 1851 г., не сохранилась). Вскоре, однако, он бросает скульптуру и обращается к живописи, став учеником Навеза. Последний, хотя и был в те годы символом отжившего классицизма, мог научить уверенному владению рисунком, пластической лепке формы в живописи, пониманию большого стиля. Другая струя воздействий на молодого мастера связана в это время с дружбой с Шарлем де Гру, со знакомством с работами французских реалистов - Курбе и Милле. Менье ищет глубоко содержательного искусства, искусства больших идей, но обращается вначале не к современной теме, а к религиозной и исторической живописи. Особенно интересна картина «Эпизод из крестьянской войны 1797 года» (1875; Брюссель, Музей современного искусства). Художник избирает одну из финальных сцен восстания, закончившегося поражением. Он изображает случившееся как народную трагедию и в то же время показывает несгибаемую волю народа. Картина очень отличается от других произведений бельгийского исторического жанра тех лет. Здесь и иной подход к пониманию истории, и реализм в обрисовке действующих лиц, и проникновенная эмоциональность изображаемого, и введение пейзажа как активно звучащей среды.

В конце 70-х гг. Менье попадает в «черную страну»- промышленные районы Бельгии. Здесь он открывает совершенно новый мир, еще никем не отраженный в искусстве. Жизненные явления со своими совсем иными аспектами прекрасного диктовали новый художественный язык, свой особый колорит. Менье создает картины, посвященные труду горняков, он пишет типы шахтеров и женщин-шахтерок, запечатлевает пейзажи этой «черной страны». Главная нота в его картинах не сострадание, а сила трудового народа. В этом-то и заключается новаторское значение творчества Менье. Народ не как объект жалости и сочувствия, народ как созидатель больших жизненных ценностей, тем самым уже требующий к себе достойного отношения. В этом признании великого значения трудящихся в жизни общества Менье объективно встал в уровень с самыми передовыми мыслителями эпохи.

В своих картинах Менье пользуется языком обобщения. Он лепит форму при помощи цвета. Колорит его строг и сдержан - в серые землистые тона вкраплены одно-два ярких красочных пятна, заставляющих звучать всю суровую гамму. Композиция его проста и монументальна, в ней использован ритм простых, четких линий. Характерна картина «Возвращение из шахты» (ок. 1890; Антверпен, Музей). Трое рабочих, как бы проходящие вдоль полотна, рисуются четким силуэтом на фоне продымленного неба. Движение фигур повторяет друг друга и в то же время варьирует общий мотив. Ритм группы и ритм пространства картины создают гармоничное уравновешенное решение. Фигуры сдвинуты к левому краю картины, между ними и правой боковой рамой - открытый свободный кусок пространства. Четкость и обобщенность силуэта группы, лаконизм образа каждой фигуры придают композиции характер почти пластического барельефа. Обратясь к новой увлекшей его теме, Менье очень скоро вспомнил свое первоначальное призвание. Обобщение, лаконизм средств языка пластики могли как нельзя лучше быть использованы для воспевания красоты человеческого труда. С середины 80-х гг. один за другим появляются статуи и рельефы Менье, прославившие его имя, составившие эпоху в развитии пластики 19 в. Главной темой и образом скульптора является труд, люди труда: молотобойцы, шахтеры, рыбаки, девушки-шахтерки, крестьяне. В скульптуру, ограниченную ранее узким кругом условных, далеких от современности сюжетов и фигур, тяжелой уверенной поступью вошли люди труда. Пластический язык, до этого совершенно выхолощенный, вновь приобрел весомую грубую силу, могучую убедительность. Тело человека показало скрытые в нем новые возможности прекрасного. В рельефе «Индустрия» (1901; Брюссель, музей Менье) напряжение всех мышц, упругая гибкость и сила фигур, затрудненное дыхание, разрывающее грудную клетку, тяжелые набрякшие руки - все это не уродует человека, а дает ему особую мощь и красоту. Менье стал родоначальником новой замечательной традиции - традиции изображения рабочего класса, поэзии процесса труда.

Люди, изображаемые Менье, не принимают изысканно красивые или традиционно классические позы. Они увидены и представлены скульптором в подлинно реальном положении. Их движения грубоваты, как, например, у крепкой задиристой «Откатчицы» (1888; Брюссель, музей Менье), порой даже неуклюжи («Пудлинговщик», 1886; Брюссель, Музей старинного искусства). В том, как стоят или сидят эти фигуры, ощущаешь отпечаток, положенный трудом на их облик и характер. И одновременно их позы полны покоряющей пластической красоты и силы. Это скульптура в подлинном смысле слова, живущая в пространстве, организующая его вокруг себя. Тело человека выявляет под рукой Менье всю свою упругую мощь и суровую напряженную динамику.

Пластический язык Менье обобщен и лаконичен. Так, в статуе «Грузчик» (ок. 1905; Брюссель, музей Менье) создан не столько портрет, сколько обобщенный тип, и это-то и придает ему большую силу убедительности. Менье отказывается от условных академических драпировок, его рабочий носит, так сказать, «прозодежду», но эта одежда не дробит и не мельчит формы. Широкие поверхности ткани как бы облепляют мускулы, отдельные немногие складки подчеркивают движение тела. Одной из лучших работ Менье является «Антверпен» (1900; Брюссель, музей Менье). Олицетворением трудолюбивого и деятельного города скульптор избрал не какие-либо отвлеченные аллегории, а вполне конкретный образ портового рабочего. Вылепленная с предельным лаконизмом суровая и мужественная голова крепко посажена на мускулистые плечи. Воспевая труд, Менье не закрывает глаза на его тяжесть. Одним из самых потрясающих его пластических произведений является группа «Шахтный газ» (1893; Брюссель, Музей старинного искусства). Это подлинно современный вариант извечной темы оплакивания матерью погибшего сына. Здесь запечатлено трагическое последствие катастрофы на шахте. Скорбная женская фигура склонилась в сдержанном немом отчаянии над судорожно вытянувшимся обнаженным телом.

Создав бесчисленные типы и образы людей труда, Менье задумал в 90-х гг. монументальный памятник Труду. В него должны были войти несколько рельефов, прославляющих различные виды труда,-«Индустрия», «Жатва», «Порт» и т. п., а также круглая скульптура - статуи «Сеятель», «Материнство», «Рабочий» и др. Этот замысел так и не нашел окончательного воплощения из-за смерти мастера, однако в 1930 г. он был осуществлен в Брюсселе по имевшимся оригиналам скульптора. Памятник в целом не производит монументального впечатления. Более убедительны его отдельные фрагменты. Сочетание их воедино в том архитектурном варианте, который был предложен архитектором Орта, оказалось довольно внешним и дробным.

Творчество Менье своеобразно подытожило развитие бельгийского искусства 19 в. Оно оказалось высшим достижением реализма в этой стране в рассматриваемый период. Вместе с тем значение реалистических завоеваний Менье вышло за пределы только национального искусства. Замечательные произведения скульптора оказали громадное влияние на развитие мировой пластики.

Среди них можно видеть также портрет одного из известнейших мастеров Фландрии той эпохи Адриана Брауера (1606-1632) , картины которого коллекционировал сам Рубенс (в его собрании их насчитывалось семнадцать штук) . Каждое произведение Брауера- жемчужина живописи. Художник был наделен огромным колористическим талантом. Темой своего творчества он избрал повседневную жизнь фламандских бедняков - крестьян, нищих, бродяг, - томительную своим однообразием и пустотой, с ее убогими развлечениями, иногда нарушаемую вспышкой диких животных страстей. Брауер продолжил в искусстве традиции Босха и Брейгеля своим активным неприятием убожества и уродства жизни, глупости и животной низменности человеческой натуры и вместе с тем острым интересом к неповторимо характерному. Он не ставит своей целью развернуть перед зрителем широкий фон социальной жизни. Его сила в изображении конкретных жанровых ситуаций. Особенно владеет он умением выразить в мимике лица различные аффекты чувств и ощущений, испытываемых человеком. В противовес Рубенсу, ван Дейку и даже Иордансу он не помышляет ни о каких идеалах и благородных страстях. Он саркастически наблюдает человека таким, каков он есть. В музее можно видеть его картину «Собутыльники», замечательную нежным светлым колоритом, поразительно передающим освещение и атмосферное состояние. Убогий городской пейзаж около крепостного вала вместе с игроками-бродягами вызывает в душе щемящую сердце тоску. Это настроение самого художника, говорящего о тупой безнадежности существования, безусловно глубоко драматично.

Франс Хальс

Голландский отдел живописи сравнительно невелик, но в нем есть полотна Рембрандта, Якоба Рейсдаля, малых голландцев, мастеров пейзажа, натюрморта, жанровых сцен. Любопытен портрет купца Виллема Хейтхейссена, работы великого голландского художника Франса Хальса (1581/85-1666) . Хейтхейссен был богатым, но недалеким и крайне тщеславным человеком. Простоватый по натуре, он стремился тем не менее походить на знатных аристократов элегантностью, которую, казалось бы, разрешали приобрести его богатства. Хальсу смешны и чужды притязания этого выскочки. Потому так настойчиво, с определенной долей сарказма он делает двойственным портретный образ. Сначала мы замечаем непринужденную позу Хейтхейссена, его богатый нарядный костюм, шляпу с щегольски заломленными полями, а затем - невыразительное, бледное, уже немолодое лицо с тусклым взглядом. Прозаическая сущность этого человека проступает, несмотря на все ухищрения спрятать ее. Внутреннюю противоречивость и неустойчивость образа раскрывает более всего оригинально решенная композиция портрета. Хейтхейссен с хлыстом в руке, словно после верховой прогулки, сидит на стуле, который он как бы раскачивает. Эта поза наводит на мысль о быстрой фиксации художником состояния модели за короткий промежуток времени. И та же поза придает образу оттенок некоторой внутренней расслабленности и вялости. Что-то жалкое есть в этом человеке, пытающемся скрыть от самого себя неизбежное увядание, суетность желаний и внутреннюю пустоту.

Лукас Кранах

В разделе немецкой живописи брюссельского музея обращает на себя внимание блестящая работа Лукаса Кранаха Старшего (1472-1553) . Это портрет доктора Иоганна Шеринга, датированный 1529 годом. Образ волевого, сильного человека типичен для искусства немецкого Возрождения. Но Кранах всякий раз улавливает индивидуальные качества ума и характера и раскрывает их в остро схваченном по своей неповторимости физическом облике модели. В суровом взгляде Шеринга, в его лице чувствуется какая-то холодная одержимость, жесткость и неуступчивость. Его образ был бы просто неприятен, если бы огромная внутренняя сила не вызывала чувства уважения к своеобразному характеру этого человека. Поражает виртуозность графического мастерства художника, так остро передавшего некрасивые крупные черты лица и множество мелких деталей портрета.

Итальянская и французская коллекции

Коллекция картин итальянских художников может вызвать интерес посетителей музея, так как в ней находятся произведения Тинторетто, великого живописца, последнего титана итальянского Возрождения. «Казнь св. Марка» - полотно цикла, посвященного жизни святого. Картина пронизана бурным драматизмом, страстной патетикой. Не только люди, но и небо в разорванных тучах и бушующее море, казалось, оплакивают гибель человека.

Шедеврами французской коллекции являются портрет молодого человека Матье Ленена и пейзаж Клода Лоррена.

В его разделе старого искусства насчитывает в настоящее время более тысячи ста художественных произведений, из которых многие способны доставить зрителю глубокое эстетическое наслаждение.

Жак Луи Давид

Вторая часть Королевского музея изящных искусств - коллекции искусства XIX и XX веков. Они содержат в основном работы бельгийских мастеров. Наиболее выдающимся произведением французской школы, хранящимся в музее, является «Смерть Марата» Жака Луи Давида (1748-1825) .

Давид - знаменитый художник Франции, глава революционного классицизма, чьи исторические полотна сыграли огромную роль в пробуждении гражданского сознания его современников в годы, предшествовавшие Французской буржуазной революции. Большинство предреволюционных картин художника было написано на сюжеты из истории Древней Греции и Рима, но революционная действительность заставила Давида обратиться к современности и в ней найти героя, достойного быть идеалом.

«Марату - Давид. Год второй» - такова лаконичная надпись на картине. Она воспринимается как эпитафия. Марат - один из вождей Французской революции-был убит в 1793 году (по революционному исчислению во втором году) роялисткой Шарлоттой Корде. «Друг народа» изображен в момент смерти, сразу же последовавшей за нанесенным ударом. Окровавленный нож брошен возле лечебной ванны, где он работал, несмотря на физические страдания. Суровая тишина наполняет картину, которая звучит как реквием павшему герою. Его фигура мощно вылеплена светотенью и уподоблена статуе. Закинутая голова и упавшая рука как бы застыли в вечном торжественном покое. Композиция поражает строгостью отбора предметов и четкостью линейных ритмов. Смерть Марата воспринята Давидом как героическая драма судьбы великого гражданина.

Учеником Давида, жившего последние годы жизни в изгнании и Брюсселе, стал бельгиец Франсуа Жозеф Навез (1787-1863) . До конца жизни Навез остался верен традиции, созданной его учителем, особенно в портрете, хотя и внес в этот жанр некоторый налет романтической трактовки образа. Одна из известных работ художника «Портрет семьи Эмптинн» написана в 1816 году. Зрителю невольно передается, что Молодую и красивую чету объединяют чувства любви и счастья. Если образ женщины полон спокойной радости, то мужской таит в себе некоторую романтическую загадочность и легкий оттенок печали.

Бельгийская живопись XIX XX веков

В залах музея можно видеть произведения крупнейших бельгийских живописцев XIX века: Анри Лейса, Жозефа Стевенса, Ипполита Буланже. Ян Стоббартс представлен одной из лучших своих картин «Ферма в Крейнингене», правдиво рисующей крестьянский труд в Бельгии. Хотя художник был самоучкой, картина великолепно композиционно построена и отличается высоким качеством живописного выполнения. Ее тема, возможно, навеяна картиной Рубенса «Возвращение блудного сына». Стоббартс был одним из первых живописцев XIX века, провозгласивших принципы реализма.

Начало его художественной карьеры было трудным. Привыкшая к романтической концепции художественного образа антверпенская публика отвергла с возмущением его правдивые картины. Этот антагонизм оказался столь сильным, что Стоббартс вынужден был в конце концов переехать в Брюссель.

Музей обладает двадцатью семью полотнами известного бельгийского художника Анри де Бракелера (1840-1888) , который был племянником и учеником А. Лейса, выдающегося исторического живописца. Повышенный интерес к национальной истории Бельгии, ее традициям, быту, культуре соединился у де Бракелера с каким-то странным чувством любви, полной легкого сожаления и тоски о прошлом. Его жанровые сцены пронизаны воспоминаниями о минувшем, его герои напоминают людей ушедших столетий, будучи окруженными старинными вещами и предметами. В творчестве де Бракелера присутствует несомненно момент стилизации. В частности, его картина «Географ» напоминает работы голландских мастеров XVII века Г. Метсю и Н. Маса. На картине мы видим старика, сидящего на бархатном табурете XVII столетия и погруженного в созерцание старинного раскрашенного атласа.

Картина Джеймса Энсора (1860-1949) «Дама в голубом» (1881) несет следы сильного влияния французского импрессионизма. Живописная гамма состоит из голубых, голубовато-серых и зеленых тонов. Живой и свободный мазок передает вибрацию и движение воздуха.

Живописная интерпретация картины превращает будничный мотив в поэтическую сцену. Обостренное живописное восприятие художника, склонность к фантазии, постоянное желание преобразить увиденное в нечто необычное сказываются и в его блестящих натюрмортах, наиболее удачным примером которых может служить брюссельский «Скат». Морская рыба отталкивающе красива своим резким розовым цветом и как бы расплывающейся на глазах формой, и есть что-то неприятное и беспокоящее в ее завораживающе пронзительном взгляде, устремленном прямо на зрителя.

Энсор прожил долгую жизнь, но активность его творчества падает на период с 1879 по 1893 год. Ирония Энсора, неприятие уродливых черт человеческой натуры с беспощадным сарказмом проявляются в многочисленных картинах с изображением карнавальных масок, которые также можно видеть в брюссельском музее. Несомненна преемственная связь Энсора с искусством Босха и Брейгеля.

Прекраснейший колорист и одареннейший скульптор, погибший в первую мировую войну, Рик Ваутерс (1882-1916) представлен в музее как живописными, так и скульптурными работами. Художник испытал сильнейшее влияние Сезанна, примкнул к течению так называемого «брабантского фовизма», но тем не менее стал глубоко оригинальным мастером. Его темпераментное искусство пронизано горячей любовью к жизни. В «Даме с желтым ожерельем» мы узнаем его жену Нэл, примостившуюся в кресле. Праздничное звучание желтого цвета занавесок, красного - клетчатого пледа, зеленых гирлянд на обоях, синего - платья вызывает чувство радости бытия, захватывающей всю душу.

Музей хранит несколько работ выдающегося бельгийского живописца Пермеке (1886-1952) .

Констан Пермеке широко известен как глава бельгийского экспрессионизма. Бельгия была второй после Германии страной, где это течение получило большое влияние в художественной среде. Герои Пермеке, в основном люди из народа, изображены с нарочитой огрубленностью, которая, по идее автора, должна выявить их природную силу и мощь. Пермеке прибегает к деформации, упрощенной колористической гамме. Тем не менее в его «Обрученных» чувствуется своеобразная монумента л изация, пусть примитивных образов, желание раскрыть характер и взаимоотношения моряка и его подруги.

Среди мастеров реалистического направления XX века выделяются Исидор Опсомер и Пьер Полюс. Первый известен как замечательный портретист («Портрет Жюля Дестре») , второй - как художник, посвятивший свое творчество, подобно К. Менье, изображению трудной жизни бельгийских шахтеров. В залах музея представлены также работы бельгийских художников, принадлежащих другим направлениям в современном искусстве, в основном сюрреализму и абстракционизму.

Кто стоит у руля бельгийского арт-рынка? Ян Фабр, Люк Тюйманс и Франсис Алюс

В 2011 году на европейском арт-рынке со скромной долей 1,11 % Бельгия заняла только шестое место, пропустив вперед не только Великобританию, Францию и Германию, но и Швецию с Италией. Впрочем, невысокое положение бельгийского арт-рынка отнюдь не отражает того успеха, которого добились на международном уровне бельгийские художники. Четыре бельгийца вошли в Тор-30 современных европейских авторов в 2011 году, а это значит, что Бельгия стала третьей наиболее широко представленной страной в этом рейтинге после Великобритании и Германии.

Тор-10 аукционных результатов современных бельгийских художников в 2011 году

		Работа	Результат, долларов	Аукцион
	Люк Тюйманс	Deal - No deal (2011)
	Люк Тюйманс	Пасха (2006)
	Вим Дельво	Модели грузовика и экскаватора Caterpillar 5C (2004)
	Люк Тюйманс	Берег (2011)
		Человек, измеряющий облака (1998)
	Франсис Алюс	Вечный жид (2011)
		Человек, дающий огонь (2002)
		The Battle in the Hour Blue (1989)
	Франсис Алюс	Без названия (Мужчина / женщина с туфлей на голове) (1995)
		Антропология планеты (2008)

В 2011 году среди бельгийских художников Люк Тюйманс (Luc Tuymans) был не только самым продаваемым, но и самым щедрым. По сути, два из трех его лучших результатов за год были достигнуты на благотворительных аукционах. Его работа «Deal - No deal» («Везет - не везет») была предложена покупателям 22 сентября на нью-йоркских торгах Christie"s «Художники для Гаити» (выручка пошла на помощь пострадавшим от землетрясения 2010 года). Картину Тюйманса купили за 956 500 долларов, значительно дороже эстимейта 600–800 тысяч долларов. Работа «Deal - No deal» была создана Тюймансом в Брюгге. Автор рассказывает, что его вдохновил одинокий мужчина, игравший на автомате в углу ночного бара после полуночи. На масштабном (200 х 130) полотне Тюйманса игрок пребывает в смятении и растерянности.

ЛЮК ТЮЙМАНС Deal - No deal. 2011 Источник: christies.com

ЛЮК ТЮЙМАНС Берег. 2011 Источник: arcadja.com

Несколько недель спустя Такаси Мураками организовал благотворительный аукцион в пользу жертв землетрясения в Японии, на котором работа Тюйманса «Берег» (2011) была продана за 260 тысяч долларов. В этой картине маслом художник переработал свою более раннюю шелкографию «Берег» 2005 года, основанную на фотографии Polaroid с ночным прибоем. В новом варианте набегающая на берег волна и ночное небо приобрели оттенки серого и белого. В этой работе автор выразил свое личное отношение к трагедии страны, пострадавшей от землетрясения и цунами.

Еще одна работа Тюйманса - «Пасха» (2006) - в мае была продана на нью-йоркских торгах Sotheby"s за 800 тысяч долларов. Картина относится к серии работ Тюйманса, исследующих влияние ордена иезуитов на различные системы принятия решений (политическую, религиозную и проч.). С этими рекордными результатами цены на Тюйманса почти что вернулись к пиковому уровню 2005 года, когда в Тейт Модерн проходила его ретроспектива. А совсем недавно в Брюсселе завершилось путешествие передвижной выставки Тюйманса, посетившей до этого Чикаго, Коламбус, Даллас и Сан-Франциско.

ВИМ ДЕЛЬВО Модели грузовика и экскаватора Caterpillar 5C. 2004 Источник: m.sothebys.com

ВИМ ДЕЛЬВО Модели грузовика и экскаватора Caterpillar 5C (фрагмент) . 2004 Источник: m.sothebys.com

Бельгийский художник Вим Дельво (Wim Delvoye) занимает третью строчку рейтинга со своими «Моделями грузовика и экскаватора Caterpillar 5C» (2004), проданными на лондонских торгах Sotheby"s 13 октября за 297,7 тысячи долларов. Выполненные в знаковом для художника стиле маленький грузовичок и экскаватор стали самой дорогой работой Дельво, проданной на открытых торгах. Вырезанные из стали при помощи лазера ажурные готические узоры напоминают о фламандских корнях художника. Дельво долго считали «плохим мальчиком» бельгийского современного искусства - именно он попробовал набивать татуировки свиньям и изобрел аппарат по производству экскрементов «Клоака». За последний год помимо скандальной известности к художнику пришел и коммерческий успех: три его произведения были проданы дороже 150 тысяч долларов - столько же, сколько за предыдущие четыре года.

Яна Фабра (Jan Fabre) так же, как и Дельво, нельзя причислить к ангелам, но репутация провокатора не помешала ему занять четыре строчки в рейтинге самых преуспевающих бельгийских авторов. Его лучший результат 2011 года стоит на пятом месте в общенациональном зачете. Вторичный рынок работ Фабра наконец начал соответствовать тому уровню международного признания, которого добился художник в последнее время (Ян Фабр, например, был приглашенным художником бельгийского павильона на Венецианской биеннале). Бронзовая статуя «Человек, измеряющий облака» (1998) на торгах Christie"s 15 октября достигла цены молотка 252,4 тысячи долларов - лучшей для художника в 2011 году. Всего Фабр изготовил 8 слепков этой скульптуры; один из них в 2009 году ушел с молотка примерно за 230 тысяч долларов; а еще один уже в этом году, 16 февраля, был продан за 267 тысяч, чем обновил прошлогодний персональный рекорд художника и подтвердил рост цен на рынке его работ. В текущем рейтинге есть еще парочка скульптур Яна Фабра: «Человек, дающий огонь» (233,6 тысячи долларов, Christie"s, Лондон) и «Антропология планеты» (197,9 тысячи долларов, Sotheby"s, Амстердам). Интересно, что одна из самых дорогих работ Фабра в 2011 - «The Battle in the Hour Blue» (221,6 тысячи долларов, Christie"s, Лондон) - рисунок, в то время как все предыдущие результаты графических работ Фабра не превышали 28 тысяч долларов. Работа представляет собой трех жуков-оленей, закрепленных в центре листа бумаги, сплошь закрашенного шариковой ручкой. Это самая старая работа рейтинга - Фабр создал ее еще в 1989.

С ноября 2004 по май 2008-го 12 работ Франсиса Алюса (Francis Alys) ушли с молотка дороже 150 тысяч долларов. С июня 2008 по май 2011 лишь одна его работа достигла результата свыше 80 тысяч долларов. На рынок произведений Алюса кризис повлиял кардинальным образом: в период 2008–2010 цены на его работы упали на 37 процентов. В 2011 в Тейт Модерн прошла одна из самых исчерпывающих выставок бельгийца - «История обмана». Сейчас спрос на работы Алюса снова вырос: в 2011 году без покупателей остался только 21 процент его работ, в то время как в 2009-м этот показатель равнялся 40 процентам. Поэтому не удивительно, что две из них попали в текущий рейтинг. Начинавший как архитектор, Франсис Алюс в своих работах исследует взаимодействие человека и пространства при помощи разнообразнейших техник - от живописи до перформанса. На уже упомянутом благотворительном аукционе «Художники для Гаити» большая работа Алюса маслом «Le juif errant» («Вечный жид») и несколько подготовительных рисунков к ней ушли за 248 тысяч долларов. Картина отражает тему миграции с точки зрения мифологии. Другой превосходный результат принесла работа «Без названия» («Мужчина/женщина с туфлей на голове»): при довольно смелом эстимейте 100–150 тысяч долларов (если учитывать последнюю продажу этой работы в 2004 за 70 тысяч долларов) работа была продана вдвое дороже - за 200 тысяч долларов.

Пока что свои лучшие аукционные результаты бельгийские художники зарабатывают не у себя дома. Тем не менее Бельгия ответственна за четверть от всех проданных лотов этих четырех авторов, которая соответствует 11 процентам от суммарной выручки за их работы на аукционах.

Материал подготовила Мария Онучина, AI

О бельгийских художниках читайте также:
Ян Фабр - художник и энтомолог ;
Третья Московская биеннале современного искусства. Люк Тюйманс ;
Top-10 Newsweek. Франсис Алюс: искусство как комментарий к экзистенции .

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов сайт, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. сайт не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.

Современная бельгийская художница Дебора Миссуртен (Debora Missoorten) родилась и до сих пор живет в Антверпене, Бельгия, где работает как независимый профессиональный художник. Она закончила учебу в академии художеств по специальности "дизайн Костюма для театра".

Современные художники Бельгии. Jean-Claude Dresse

Жан-Клод является одним из немногих художников современности, которые, опираясь на великие примеры прошлого, смог пересмотреть и отредактировать их в соответствии с личным видением. Он наполняет свои работы эмоциями таким образом, что они возвращают зрителя к источнику этой эмоциональности, обогащенному, стараниями автора, тщательно разработанной концепцией картины, цветом и гармонией. Художник делает это для того, чтобы заставить нас наслаждаться разгадыванием тайн, окружающих этот источник.

Я стараюсь показать невидимое. Juan Maria Bolle

Хуан Мария Болле (Juan Maria Bolle) известный фламандский (бельгийский) художник, родился в Вилвурде, недалеко от Брюсселя, Бельгия, в декабре 1958 года. В 1976 году он заканчивает среднюю школу Королевский Атенеум в родном городе. В 1985 году завершает учебу в институте искусств Санкт-Лукас в Брюсселе.

Страсть не нуждается в этикетке. Peter Seminck

Питер Семинк (Peter Seminck) - известный бельгийский художник, родился в Антверпене, в 1958 году. Образование получил в в художественной академии Schoten, получил сначала степень бакалавра, а затем и магистра изобразительных искусств. В темах себя не ограничивает, пишет различные картины, в основном маслом на холсте. В настоящее время живет и работает в Малле, пригород Антверпена, Бельгия.

Современная бельгийская художница. Debora Missoorten

Современная бельгийская художница Дебора Миссуртен (Debora Missoorten) родилась и до сих пор живет в Антверпене, Бельгия, где работает как независимый профессиональный художник. Она закончила учебу в академии художеств по специальности "дизайн Костюма для театра".

Современные художники Бельгии. Frederic Dufoor

Современный художник Фредерик Дюфор родился в 1943 в Турнее, Бельгия, образование получил в институте Сен-Люк в Турнее, а затем в Академии Монса. После небольшого перерыва был зачислен в студию Луи Ван Линта в институте Сен-Люк в Брюсселе. С 1967 года, после окончания, в течение 10 лет преподавал в институте Graphic Communications, а затем занял пост преподавателя в институте Сен-Люк в Брюсселе, где работал до декабря 1998.

Moussin Irjan. Современная живопись

Мусин Иржан, современный художник , родился в Алма-Ате, Казахстан, в 1977 году. С 1992 по 1995 учился в художественном училище в Алма-Ате. Затем поступил и успешно окончил в 1999 году Академию художеств И. Е. Репина в Санкт-Петербурге. После этого несколько лет обучался современной живописи в Художественной школе "RHoK" в Брюсселе и в Академии Искусств в Антверпене.
Начиная с 2002 не однократно выставлялся и участвовал в различных конкурсах, в которых не раз занимал призовые места и получал награды. Его картины находятся в частных коллекциях в Англии, Франции, Голландии, США, Колумбии, Бельгии и России. В настоящее время живет и работает в Антверпене, Бельгия.

Pol Ledent. Современный художник-самоучка. Пейзажи и цветы

Главная тема картин этого художника - живая природа, пейзажи и времена года, но немало работ Пол посвятил силе, энергии и красоте человеческого тела.

Pol Ledent. Современный художник-самоучка. Люди

Пол Легент родился в 1952 году в Бельгии. Но к живописи пришел не сразу, только в 1989 году. Начал с акварели, но быстро понял, что это не то, что ему необходимо, масляная живопись будет больше соответствовать его образу мысли.
Главная тема картин Пола - живая природа, пейзажи и времена года, но немало работ он посвятил силе, энергии и красоте человеческого тела.

Современная бельгийская художница. Christiane Vleugels

Stephane Heurion. Рисунки акварелью

Пол Ледент родился в 1952 году в Бельгии. Он не сразу решил заняться живописью, а лишь после нескольких лет работы инженером, в 1989 году. Начал Пол с акварели, но быстро почувствовал, что масляная живопись будет больше соответствовать его образу мыслей.

Седрик Леонард молодой дизайнер из Бельгии. Родился в 1985 году. Он окончил школу искусств St.Luc со степенью бакалавра в области изобразительного искусства. Вскоре после этого он начал работать в небольшой компании, веб мастером. В настоящее время он работает в качестве внештатного дизайнера. Седрик ищет оригинальность во всем, чем бы не занимался и верит в привлекательность современных визуальных эффектов.

Ян ван Эйк - ключевая фигура Северного Возрождения, его основоположник.

Ван Эйк считался изобретателем масляных красок, хотя на самом деле он лишь усовершенствовал их. Однако благодаря ему масло получило всеобщее признание.

В течение 16 лет художник был придворным живописцем герцога Бургундского Филиппа Доброго, господина и вассала также связывала крепкая дружба, герцог принимал живое участие в судьбе художника, а ван Эйк стал посредником в женитьбе господина.

Ян ван Эйк был настоящей «личностью эпохи Возрождения»: хорошо знал геометрию, имел определенные познания в химии, увлекался алхимией, интересовался ботаникой, а также весьма успешно выполнял дипломатические поручения.

Где купить: Галерея De Jonckheere, Галерея Oscar De Vos, Галерея Jos Jamar, Галерея Harold t’Kint de Roodenbeke, Галерея Francis Maere, Галерея Pierre Mahaux, Галерея Guy Pieters

Рене Магритт (1898, Лессин — 1967, Брюссель)

Большой шутник и каверзник Рене Магритт однажды сказал: «Смотрите, я рисую трубку, но это не трубка». Используя абсурдное сочетание обычных предметов, художник наполняет свои картины метафорами и скрытыми смыслами, которые заставляют задуматься об обманчивости видимого, таинственности обыденного.

Однако Магритт всегда был в стороне от остальных сюрреалистов, а скорее причислял себя к магическим реалистам, в частности из-за того, что как ни удивительно, не признавал роли психоанализа.

Мать художника покончила с собой, спрыгнув с моста, когда ему было 13 лет, некоторые исследователи считают, что «фирменный» образ загадочного мужчины в пальто и котелке родился под впечатлением этого трагического события.

Где посмотреть:

В 2009 году Королевские музеи изящных искусств в Брюсселе выделили коллекцию художника в отдельный музей, посвященный его творчеству.

Где купить: Галерея De Jonckheere, Галерея Jos Jamar, Галерея Harold t’Kint de Roodenbeke, Галерея Pierre Mahaux, Галерея Guy Pieters

Поль Дельво (1897, Анте - 1994, Вёрне, Западная Фландрия)

Дельво был одним из наиболее успешных художников-сюрреалистов, несмотря на то, что никогда официально не состоял в этом движении.

В печально-таинственном мире Дельво женщина всегда занимает центральное место. Особое глубокое молчание окружает женщин на картинах, они словно находятся в ожидании мужчин, которые пробудят их.

Классический сюжет в изображении Дельво — женская фигура на фоне городского или сельского пейзажа, данного в перспективе, окружённая загадочными элементами.

Писатель и поэт Андре Бретон даже как-то заметил, что художник делает «наш мир Царством Женщины — повелительницы сердец».

Дельво учился на архитектора в Королевской академии изящных искусств в Брюсселе, но потом перешёл в класс живописи. Однако архитектура всегда принимает активное участие в его картинах.

Где купить: Галерея Jos Jamar, Галерея Harold t’Kint de Roodenbeke , Галерея Lancz, Галерея Guy Pieters

Вим Дельвуа (род. 1965)

Остросовременное, нередко провокационное и ироничное творчество Вима Дельвуа демонстрирует обычные предметы в новом для них контексте. Художник соединяет современные и классические сюжеты в тончайшие ссылки и параллели.

К числу самых известных произведений художника относятся «Клоака» (2009-2010) - машина, пародирующая действие пищеварительной системы человека, и «Арт-ферма» около Пекина, на которой Дельвуа создает тату-картины на спинах свиней.

Наибольшую популярность получила его серия псевдоготических скульптур, в которой ажурная резьба сочетается с современными сюжетами.Одна из таких («Cement Truck») стоит возле брюссельского театра KVS.

Где посмотреть:

В Королевском Музее Изящных Искусств Брюсселя, M HKA (Антверпен), в январе в Maison Particuliere Вим Дельвуа станет приглашенным художником на коллективной выставке «Табу». Также скульптура «Бетономешалка» установлена напротив театра KVS (Королевского Фламандского Театра) на площади между улицами Hooikaai /Quai au Foin и Arduinkaai / Quai aux pierres de taille.

Большинство его работ постоянно колесят по миру, экспонируясь на самых лучших арт-площадках.

Где купить:

Ян Фабр (род.1958, Антверпен)

Всесторонне одаренный Ян Фабр известен своими провокационными перформансами, он также писатель, философ, скульптор, фотограф и видеоартист и считается одним из самых радикальных современных хореографов.

Художник - внук неутомимого исследователя бабочек, букашек и паучков

Жана-Анри Фабра. Возможно поэтому мир насекомых является одной из ключевых тем его творчества, наравне с человеческим телом и войной.

В 2002 Фабр по заказу королевы Бельгии Паолы оформил потолок Зеркального зала Королевского дворца в Брюсселе (кстати, впервые после Огюста Родена) миллионами крылышек жуков. Композиция носит название Heaven of Delight (2002).

Однако за переливающейся поверхностью художник напоминает королевской семье о страшном позоре — огромных человеческих жертвах среди местного населения Конго во время колонизации короля Леопольда II ради добычи алмазов и золото.

По словам художника, консервативному бельгийскому обществу это, мягко говоря, не понравилось: «Простого обывателя зачастую раздражает мысль о том, что Королевский Дворец оформлен художником, который открыто призывает не голосовать за правых».

Где посмотреть:

Кроме Королевского дворца, работы Яна Фабра можно увидеть в Королевском Музее Изящных Искусств Брюсселя , где установлена среди прочих его инсталляция «Синий взгляд», Музее Актуального Искусства Гента (S.M.A.K .), M HKA (Антверпен), Belfius Art Collection (Брюссель), Музей Икселя (Брюссель), а также на кураторских временных выставках в Maison Particuliere , Villa Empain , Vanhaerents Art Collection и др.

Где купить: Галерея Jos Jamar, Галерея Guy Pieters