Кубизм как направление в искусстве. Школьная энциклопедия

Подробности Категория: Разнообразие стилей и направлений в искусстве и их особенности Опубликовано 14.07.2015 13:25 Просмотров: 5447

Возникновение кубизма относят к 1906-1907 гг. Обычно это направление в искусстве связывают с именем Пабло Пикассо и считают его родоначальником кубизма.

Это так. Но новое явление в искусстве никогда не появляется внезапно: всегда есть предшественники и предпосылки. Вот об этом мы и поговорим.

О термине

Термин «кубизм» пришёл в искусство с французского языка: cubismе, cube – куб. А впервые применил его критик Леон Восель в 1908 г., описывая работы Ж. Брака.

Жорж Брак (1882–1963) – французский художник, график, скульптор и декоратор; он является создателем кубизма вместе с Пикассо. В 1908 г. Брак создал серию пейзажей, по тем временам новаторских. Эти пейзажи не были приняты Осенним Салоном (объединение деятелей искусства во Франции, основанное в 1903 г.). Анри Матисс сказал тогда, что пейзажи составлены из кубиков. Отсюда и произошло слово «кубизм». Давайте рассмотрим эти работы Ж.Брака.

Ж. Брак «Дорога близ Эстака» (1908)

Ж. Брак «Гавань в Нормандии» (1909)

История кубизма

В 1907 г. П. Пикассо создал картину «Авиньонские девицы», она произвела сильное впечатление на Ж. Брака . В 1908 г. Брак и Пикассо начали работать в тесном сотрудничестве, развивая принципы нового художественного направления. Сначала они аналитически разрушали привычные образы предметов, как бы «разбирая» их на отдельные формы и пространственные структуры. Ж. Брак считал, что «чувства деформируют, рассудок – формирует». Таким образом, можно предполагать, что к кубизму художник пришёл не интуитивно, а рассудочным путём – именно в этом направлении он смог более полно реализовать себя.
В 1912 г. они начали работать в технике коллажа и аппликации и увлеклись обратным процессом – синтезированием объектов из разнородных элементов.
Как пришёл к кубизму П. Пикассо? Тоже не сразу.

Пабло Пикассо (1881-1973)

П. Пикассо «Автопортрет»

П. Пикассо – испанский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер. Его творчество оказало исключительное влияние на развитие изобразительного искусства XX в. Он является известнейшим художником среди живших за последние 100 лет, к тому же очень «популярным» среди похитителей картин.

Х. Грис «Портрет П. Пикассо» (1912). Художественный институт (Чикаго)
Сначала были эксперименты с цветом. С 1901 по 1906 гг. – «голубой» и начало «розового» периода его живописи. Затем было стремление к передаче настроения – это стремление к формулам, отображающим типическое, универсальное в искусстве, что отвечало глубинным процессам европейской цивилизации на рубеже веков. Наконец, Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация и деструкция (от лат. destructio – «разрушение, рассыпание конструкции») натуры.

П. Пикассо «Авиньонские девицы» (1907). Холст, масло. 243,9 х 233,7 см. Музей современного искусства, Нью-Йорк
В 1907 г. им были написаны «Авиньонские девицы». Считается, что эта картина положила начало кубизму в творчестве художника, а затем и целого художественного направления. А истоки его – в односторонней интерпретацией системы Сезанна, который рекомендовал молодому художнику Пикассо «рассматривать натуру как совокупность простых форм – сфер, конусов, цилиндров». Считается, что Пикассо, как и Ж. Брак, этот совет воспринял буквально. К тому же в этот период Пикассо интересовался африканской скульптурой, что также отразилось в его новой работе.
На картине мы видим деформированные, огрубленные фигуры при отсутствии перспективы и светотени. Картина демонстрирует радикальный разрыв с традиционной точкой зрения в живописи. Пять обнаженных женщин с фигурами, состоящими из плоских геометрических фигур и неровных осколков, некоторые из них в африканских масках. Эта картина – стратегия будущего развития кубизма в творчестве Пикассо.
Кубизм отвергал традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства. Он означал полный разрыв с реалистическим изображением натуры, преобладавшим в европейской живописи со времён Ренессанса. Творческой целью Пикассо и Брака было конструирование объёмной формы на плоскости, расчленение её на геометрические элементы. Сюжеты картин художников-кубистов (пока мы говорим только о творчестве Пикассо и Брака) незамысловаты, особенно это относится к раннему периоду – его называют «сезанновским» кубизмом (1907-1909). Он сложился под влиянием африканской скульптуры и работ Сезанна. На холсте изображены мощные объёмы, а цвет этот объём усиливает ещё больше.

П. Пикассо «Женщина с веером» (1908)

П. Пикассо «Три женщины» (1909)
Период в кубизме 1910-1912 гг. называют «аналитическим»: предмет дробится на мелкие грани, чётко отделяющиеся друг от друга, предметная форма на холсте теряется, цвет практически отсутствует.

Ж. Брак «Посвящение И.С. Баху» (1912)

П. Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара» (1910)

П. Пикассо «Скрипка» (1912)
Последний период известен как «синтетический» кубизм (1913-1914). Для него характерны красочность, бо́льшая декоративность, картины становятся похожими на красочные панно. В рисунке появляются буквенные трафареты, наклейки, образующие коллажи.

П. Пикассо «Харчевня («Ветчина») (1914)

П. Пикассо «Ваза для фруктов и гроздь винограда» (1914)

В этот период к кубистам присоединяется Хуан Грис (1887-1927), испанский живописец, скульптор, график и декоратор. Работал главным образом в Париже, где жил с 1906 г. Именно он считается родоначальником «синтетического» кубизма. В 1920-х гг. Грис отходит от строгих геометрических форм. В числе его работ – ряд книжных иллюстраций и многочисленные театральные декорации и костюмы, в том числе для балетных постановок Дягилева.

Х. Грис «Мужчина в кафе» (1914), Нью-Йорк
Конечно, Пикассо считается наиболее выдающимся представителем кубизма. Он виртуозно превращал формы в целые геометрические блоки, как сделано это на картине «Фабрика в Орта-де-Эбро».

П. Пикассо «Фабрика в Орта-де-Эбро» (1909)
В «Портрете Фернанды Оливье» он рассекает форму на плоскости и грани и заполняет ими всю картину.

П. Пикассо «Портрет Фернарды Оливье» (1909)
Иногда кажется, что Пикассо уже отходит от кубизма – первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, но картины Пикассо часто становятся непонятными ребусами. Например, картина «Обнажённая».

П. Пикассо «Обнажённая» (1910)
Первая мировая война положила конец сотрудничеству Брака и Пикассо. В это же время заканчивается и кубистический период в творчестве Пикассо, хотя в некоторых произведениях художник использует отдельные кубистические приёмы вплоть до 1921 г.

«Это начало совершенно нового искусства, призванного спасти мир»

Андре Сальмона

Кубизм

Пабло Пикассо «Три музыканта» 1921г.

Что такое кубизм?

Кубизм — это Авангардистское художественное направление изображавшее предметы действительности деформированными либо разложенными на простые геометрические формы. Основной идеей кубизма было отрицание трехмерной реальности. Кубисты не хотели, чтобы их картины были похожи на фотографии, и не считали такие достижения академической живописи как «светотень», «переспектива», «оптический реализм» ведущими средствами художественной выразительности. Таким образом, главное отличие кубизма от классического искусства является то, что он не основан на имитации.

Жорж Брак «Дома в Эстаке» 1908г.

Что за кубики?

Термин «Кубизм» появился в 1908г., мне известны две версии его появления. По первой, термин появился после того как Анри Матисс увидев пейзажи «Дома в Эстаке», написанные Жоржем Браком, воскликнул: «Что за кубики» (фр. bizarreries cubiques); по второй — после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами». Насмешливое название вошло в обиход, но, акцентируя внимание на внешних признаках, оно уводило от подлинной новизны метода и художественного мышления.

«Когда кубисты, в свою очередь, показали условный характер пространства, как его понимал Ренессанс, так же как импрессионисты в свое время показали условный характер цвета предметов, — их встретило такое же непонимание и такие же оскорбления»

Роже Гароди

Фазы кубизма

Поль Сезанн -Гора Сент-Виктуар вблизи Гардана-1885

Сезановский кубизм 1907-1909г.

Так обычно называется первая фаза кубизма, для которой характерна склонность к абстракции и упрощению форм предметов. По словам одного из первых исследователей современного искусства Андре Сальмона , кубизм явился реакцией на отсутствие формы в импрессионизме, а его развитие обязано идеям постимпрессионистов, особенно художников-символистов, которые противопоставили чисто живописным целям и интересам импрессионистов явления смыслового порядка. Они утверждали, что настоящей реальностью обладает идея, а не ее отражение в материальном мире.

Роль художника, таким образом, состоит в том, чтобы создавать символические формы для воплощения идей, а не имитировать изменчивый облик вещей.

Поль Сезанн. «Гора Сент Виктуар». 1906г.

К первой стадии кубизма относятся произведения искусства, созданные под влиянием французского художника Поля Сезанна .

Сезанн подчеркиваем устойчивость и предметность мира: граненые объемы образуют подобие рельефа, а цвета выделяют определенные грани предметов, одновременно усиливая и дробя объем.

Сезанн говорил своему другу Иоахиму Гаске (Гаше), указывая на свою любимую гору Сент-Виктуар: «Какой взлет, какая властная жажда солнца и какая печаль, особенно вечером, когда вся тяжеловесность как бы опадает. Эти гигантские глыбы образовались из огня. В них до сих пор бушует огонь…»

Пабло Пикассо «Фабрика в Хорта де Эбро», 1909г.

Жорж Брак «Замок Ла-Рош-Гюйон» 1909 г.

Призматические постройки теснятся и громоздятся друг над другом, плоскости начинают раскачиваться и разворачиваться в разных направлениях. Геометрический костяг, не поддерживает а разрушает её промахами линий и произвольными переносами плоскостей. Отличительная черта Сезановского кубизма, это упрощение объемов на основе пейзажей, фигур, натюрмортов, написанных непосредственно с натуры. В композициях этого периода, созданных Пабло Пикассо и Жоржем Браком, большие граненые объемы плотно раскладывались на плоскости полотна, что создавало ощущение рельефности в изображении. Колористическая палитра, оттеняя отдельные стороны объекта, подчеркивала и дробила объем.

Пабло Пикассо «Авиньонские девицы», 1907г.

Осенью 1907 произошли два важных события: ретроспективная выставка Сезанна и знакомство Брака и Пикассо. Лето 1907 Брак провел в Эстаке, где увлекся живописью Сезанна. С конца 1907 Брак и Пикассо начали работать в кубистическом стиле.

В одном из писем Сезанн рекомендует молодому художнику Пабло Пикассо рассматривать нитуру как совокупность простых форм — сфер, конусов, цилиндров. Он имел в виду, что эти базисные формы нужно держать в сознании как организующее начало куртины, но Пикассо и Брак восприняли совет буквально.

Пабло Пикассо. «Портрет Амбруаза Воллара» 1910 г.

Аналитический кубизм 1909-1912г.

Различия между пространством и формой стираются. Исчезают образы предметов. Кубизм переходит в следующую фазу — аналитического кубизма. Этот период характеризуется появлением переливчатых цветов полупрозрачных пересекающихся плоскостей. Формы постоянно располагаются в пространстве по-разному. На полотне Пабло Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара» 1910 г. к онтрасты цвета и фактурысведены до минимума, чтобы они не мешали выявлению конструкции, и картина с ее приглушенной тональностью кажется почти монохромной. Построение усложняется, и последовательно проводится единый принцип.

Пабло Пикассо «Портрет Даниэля-Анри Канвайлера» 1910 г.

Предмет разбивается на мелкие части, легко отделимые друг от друга. Таким образом художник пытается представить объект вне времени и пространства, игнорируя привычные законы восприятия. В результате полотна приобретали разнообразные стереометрические эффекты: объем превращался в плоскость, передняя грань – в боковую, линии внезапно разрывались, формы смешивались.

То есть на аналитической стадии предмет полностью дробился на составляющие его части, расслаивался на мелкие грани, отделенные друг от друга. Р. Делоне по этому поводу говорил: «Элементы объемов еще более распадаются, палитра сводится к черному, белому, к их распаду на промежуточные тона и к землистым краскам. Линии становятся более ломанными, формы являющегося мира – менее артикулированными… Перед нами эпоха аналитического кубизма».

Пабло Пикассо «Девушка, играющая на мандолине» 1910 г.

Альбер Глез «Две женщины сидящие у окна»

Перспектива окончательно сломана. Вместо предмета, изображенного в ракурсе, художник стремится перенести на полотно его след, геометрическое место точек, плоский отпечаток, и притом с разных сторон одновременно. Таким образом, картина становится коллекцией отдельных аспектов формы, разрезанной на мелкие куски.

Жорж Брак. Газета, бутылка, пачка табака («Курьер»). 1914 г

Синтетический кубизм 1912-1914 г.

Синтетическим называют эту фазу кубизма из-за того, что формы в этом случае воссоздаются заново. Но есть и другое название — «коллажный кубизм», от французского слова «collage» — техники склеивания, с которой все началось. В течение года Пикассо и Брак создавали натюрморты, почти полностью составленные из приклеенных кусочков разных материалов, с последующим приданием композиции завершенности всего несколькими линиями.

Характерной особенностью синтетического кубизма является отрицание третьего измерения в живописи и акцент на живописной поверхности. Фактура поверхности, линия и узор – все используется для того, чтобы сконструировать новый объект.

Пабло Пикассо «Гитара». 1920 г.

Картины становятся более декоративными и красочными. Когда разложение форм достигает максимума, угрожая перейти в абстракцию, появляются графические знаки — надписи, цыфры, ноты, буквы, а так же газеты, цветная бумага. Французский критик Ален Жуфруа заметил, что они заимствованы из типичного антуража кафе — ценники, этикетки, меню, вывески, газеты на столе. Картина становится похожей на коллаж. Нередко художники не составляли коллажи из дополнительных материалов, а полностью рисовали его.

Системе перспективы , — пишет Голдинг, — которая господствовала в европейской живописи со времен Ренессанса, кубисты противопоставили право художника двигаться вокруг его предмета, включая в его облик информацию, почерпнутую из предшествующего опыта или знания…»

«Время -форма», пишет католический мистик Глез, становится на место «пространства-формы».

Х. Грис. Рюмки, газета и бутылки вина, 1913

Хуан Грис испанский декоратор, живописец иллюстратор, скульптор в 1913 году создает натюрморты в стиле синтетического кубизма, отказавшись от монохромности. Подражая Ж.Браку и П.Пикассо он использовал прием коллажа – аппликации из газетных вырезок, кусочков обоев или разбитого стекла.

Критический реализм, который достиг расцвета во второй половине XIX в., только частично отвечал новым социальным и идейным запросам. Искусство критического реализма не воплощало в себе революционных идеалов, не указывало новых реальных путей прогрессивного преобразования общества.

Реализм вступал в новую, высшую стадию своего развития - созревал метод социалистического реализма, значительно расширявший возможности социального и эстетического воздействия искусства.

Экспериментировавшие в области формы художники не ставили перед собой задач более полного воплощения в своих произведениях прогрессивных социальных и эстетических идеалов, ограничиваясь решением узких, частных задач. Эти частные вопросы - передача средствами живописи и скульптуры объёмности, движения, времени, цвета и света - были поставлены и по-своему решены художниками-модернистами путем чистого формотворчества, который подразумевал разрушение единства формы и содержания. Это, в свою очередь, в качестве закономерного итога приводило к отрицанию необходимости осмысленного содержания в художественном произведении.

Характеристика направления

Кубисты объявили художника автономным творцом «иной» действительности. Именно кубисты стали создавать произведения больше не для подражания природе, не для её организации, а для создания, в свою очередь, творения, несущего печать человека, истинное произведение архитектуры, т. е. произведение, способное заставить временами поверить в онтологическую свободу.

Формируя своё направление, кубисты подчеркивали его противоположность всему ранее созданному изобразительному искусству, которое пренебрежительно определялось ими как «подражательное».

Особенно подчеркивается кубистами «аскетизм» их направления, «строгость, доходящая до иррационализма». Этому способствовала цветовая неиндивидуализированность кубистских произведений искусства, их колористическая невыразительность. Каждый цветовой оттенок, каждая модуляция цвета превращается у кубистов в плоскость (т. е. в элемент формы). Выраженные таким способом плоскости кубисты сочетают резко, не избегая контрастов. Они пытаются этим более четко выразить плоскость, представить её более «твердой».

Формалистическая узость задачи художника-кубиста, ограниченность художественных средств приводят к снижению художественных возможностей, к стиранию индивидуальности художника. Задачу живописи кубисты сводят к изображению цветного объёма на плоской поверхности. К решению этой задачи они подходят абстрактно, без учета материальных закономерностей реального мира. Создаваемые кубистами объекты изобразительного искусства приобретают самодовлеющее значение. «Приверженность кубиста объектам такова, - пишет французский историк искусства Б. Дориваль, - что он ищет их внутри себя, независимо от правдоподобия и каких-либо изменений».

Антидиалектическое отношение к действительности определяет статичность кубистского искусства. Скульпторы и художники-кубисты нарочито избегают всяких элементов, передающих жизненную динамику, мрачные грани тяжеловесных геометрических фигур придают произведениям искусства этого направления незыблемость, давящую тяжесть.

Отвергая динамизм, кубисты отрицают само понятие времени, восприятие во времени различных сторон объекта. Многоплановость объекта передается на их полотнах через единовременное изображение его черт. Попытка показать лицо человека как бы видимым одновременно с разных сторон приводит к появлению, например, изображений лица в профиль с двумя глазами и несколькими носами. В искусстве кубизма этот прием вызывает резкое нарушение норм восприятия картины, что делает её мало коммуникативной.

Прогрессирующий процесс потери коммуникативности в произведениях кубистского искусства прослеживается довольно отчетливо. В ранних полотнах, ещё не совсем оторванных от действительности, наблюдаются отдельные моменты деформации, затрудняющие восприятие произведения.

С развитием кубизма исчезают и те немногие «опорные пункты», которые в какой-то степени позволяли воспринять замысел художника, - отдельные детали, отражающие действительность. Замена частей предмета или человеческого тела геометрическими фигурами делает кубистское изображение неузнаваемым, а замысел художника невоспринимаемым зрителями. Такова, например, кубистская скульптура Жака Липшица «Человек с гитарой». Не прочитав подписи под произведением или его репродукцией, невозможно соотнести изображение с каким-либо реальным предметом или явлением.

Геометрия кубизма

Нагромождение геометрических плоскостей не вызывает у зрителя никаких ассоциаций с формами реальности.

Такого рода «обессмысленные» произведения кубизма не поддаются эстетическому анализу, и эстетики долгое время подменяли критическое осмысление произвольным формалистическим толкованием, лишенным всякой основательности. Так, в книге «Мастера искусства модернизма» скульптура Ж. Липшица «Человек с гитарой» описывается следующим образом: «Липшиц в своем «Человеке с гитарой» свел взаимозамыкающиеся и взаимопроникающие плиты и призмы в монументальную конструкцию, которая допускает рассмотрение её почти под любым углом зрения. Ее прямые линии разнообразятся случайными кривыми. В частности, круглую резонаторную дырку гитары скульптор с исключительным формальным остроумием проделал через все тело музыканта». Подобный критический анализ не раскрывает ни художественной ценности, ни смысла произведения. Впрочем, уровень анализа в данном случае «задан» уровнем анализируемого произведения.

Производимое в картинах и скульптурах искажение реальности кубисты упорно называют не деформацией, а «реформацией» и, создавая разумно не воспринимаемые произведения, претендуют на «тотальное изображение предметов». Свои притязания на «тотальность» кубисты реализуют чисто формалистическим путем - посредством отказа от изображения самого предмета. Художники-кубисты выработали определённую схему расположения на полотне геометрических фигур, заменяющих части предмета. Следуя такой схеме, художники-кубисты создают однотипные произведения, составляющие определённый период в существовании этого направления. Наиболее характерной для кубизма являемся схема, созданная и использованная художниками этого направления в 1910-1912 гг. Она отчетливо видна в картине кубиста Хуана Гриса «Гитара и цветы»: он пользуется очевидной геометрической схемой рисунка, при помощи которой композиции придается основной порядок путем разделения полотна на четыре части: вертикально, горизонтально и дважды по диагонали. Совершенно аналогично строится картина Жоржа Брака «Девушка с гитарой» и многие другие.

Сезанн

Определение раннего периода существования кубизма как «сезанновского» вызывает самые решительные возражения: ни в одной из стадий своего существования кубизм не был непосредственно связан с Сезанном - ни с его эстетическими воззрениями, ни с практикой его искусства. Кубизм противоположен творчеству Сезанна по своему художественному методу.

Объектом искусства Сезанна является окружающий материальный мир. Кубисты же пользовались методом формализма, объекты их искусства - само произведение. Сезанн посвятил жизнь задаче «развития искусства в контакте с природой». Кубисты оторвали своё искусство от природы, пойдя по пути абстрактного формотворчества и деформации реальности. Сезанн предостерегал художников от опасности искажения жизни в угоду теориям. «Художник должен отказаться от всякой точки зрения, которая не основывается на вполне сознательном наблюдении характерного. Он должен опасаться следовать теоретической установке, которая так часто побуждает художника отступить от истинной дороги - это значит от конкретного изучения природы, - чтобы надолго заблудиться в непостижимой спекулятивности... Все же я вновь и вновь возвращаюсь к следующему: художник должен посвятить себя целиком изучению природы и создавать картины, которые служат делу познания». Эту точку зрения, основанную на его художественной практике, Сезанн высказал в 1904 г., оставаясь ей верным всю свою долгую творческую жизнь.

Кубисты объявили своё искусство «концептуальным» и всю свою практическую деятельность посвятили, выражаясь словами Сезанна, «непостижимой спекулятивности», от которой Сезанн как раз и предостерегал художников. Сезанн использовал геометрические формы как одно из средств, один из приемов отражения в искусстве действительности. Но отдельный прием ещё не определяет творческого метода. Кубисты не заимствовали и не развили творческий метод Сезанна в его целостности, они выхватили один из его приемов, выхолостили его и превратили в самоцель, противопоставили его реализму. Спекулируя на авторитете Сезанна, они попытались придать значимость своим лишенным смысла формалистическим изысканиям.

Проблема соотношения творчества Сезанна и кубизма выходит за рамки частных вопросов оценки живописи Сезанна и определения истоков кубизма. Она имеет общее методологическое значение. Вопрос об использовании отдельных приемов не может решаться отвлеченно от общих эстетических позиций художника, пользующегося тем или иным приемом. Характер использования конкретного приема в художественном творчестве определяется прежде всего творческим методом художника. Один и тот же прием может служить самым противоположным целям. Деформация в реалистическом искусстве, применяемая, например, в гротеске, в дружеском шарже, карикатуре, является средством отражения реальности, она не снимает, а усиливает элемент оценки художником отражаемого явления, подчеркивает творческую индивидуальность художника.

Художественный прием в процессе творчества не выступает в чистом виде, он опосредован мировоззрением художника, его творческим методом. Абстрактное выделение художественного приема неизбежно приводит к путанице в оценках явлений искусства. Примером такого антинаучного смещения оценок является приравнивание приема «геометризации» у Сезанна к формотворчеству кубистов.

Эволюция кубизма

Абстрактное рассмотрение приемов художественного творчества вне связи с творческим методом нередко используется теоретиками искусства в их попытках «растворить» реализм в различных направлениях модернистского искусства.

Говоря о стадиях (периодах) в эволюции кубизма, исследователи исходят из сугубо формальных оснований периодизации. Теоретик искусства модернизма К. Грей в своей книге «Эстетические теории кубизма» определяет «аналитическую» фазу существования этого направления следующим образом: «Первая фаза кубизма характеризуется более или менее острым различием между проблемами формы и пространства. Имеется известная «логика», но имеется и объект, к которому эта логика обращена. Объект анализируется и интерпретируется, но он все ещё сохраняет свою объективную реальность».

Кубизм усматривает задачу искусства в выражении «идей», предшествующих формам.

Процесс эволюции кубизма демонстрирует усиление в нём по мере его развития идеалистических элементов, постепенный отрыв кубистского искусства от жизни вплоть до полной потери им коммуникативности.

Пикассо

Возникновение кубизма связывается, как правило, с именем Пабло Пикассо. Критика видит достоинства его «Авиньонских девиц» в «резкости почерка, острой свежести палитры, отсутствии всякой перспективы и настоящей светотени». Пикассо работает параллельно и рядом (в одном доме) с кубистами, не будучи формально участником этого направления. Он строит свои картины по тем же принципам, что и художники-кубисты, но к кубизму как школе относится скептически. Он рассматривает свои эксперименты как поиски новых средств художественной выразительности. Пикассо стремится найти новые формальные художественные средства, в то время как кубисты ставят себе целью искать независимо от результатов этих поисков.

Принципы направления

Формулируя в своих теоретических работах основные принципы художественной практики направления, кубисты прежде всего обозначили как порочное всякое искусство, связанное с жизнью и стремящееся отразить явления действительности: «Единственное возможное заблуждение в искусстве - это подражание», - пишут французские кубизма А. Глез и Ж. Метценже.

Кубисты заявляют, что, после того как живопись отказалась от подражания предмету линиями и цветом, задача художника - выразить средствами искусства «пластическое осознание инстинкта». «Мы далеки от мысли, - поясняют при этом кубисты, - ставить под сомнение существование объектов, воздействующих на наши чувства. Но, подходя разумно, мы не можем иметь уверенности ни в чем, кроме образов, которые они создают в нашем уме». И далее: «Мы ищем главное, но мы ищем его в нашей личности, а не в некой вечности, которую математики и философы так усердно фабрикуют». Приведенные высказывания обнаруживают субъективно-идеалистический, интуитивистский характер мировоззрения кубистов - философская основа, на которой базировался модернизм с самого начала в качестве направления в искусстве.

Отказавшись от попыток отобразить реальный мир, кубисты сосредоточились на формотворчестве, откровенно провозгласив его целью своей деятельности. В теоретическом плане кубисты пытались найти соответствия между линиями и цветом, утверждая, например, что кривые линии так же соотносятся с прямыми, как холодные тона с тёплыми.

Некоммуникативные творения кубистов вызывали у зрителей недоумение, а часто и возмущение. Однако кубисты не желали объяснять подобную реакцию особенностями своего творчества, они винили в непонимании, косности зрителей, к которым относились свысока. Называя зрителей «толпой», они претендовали на безоговорочное превосходство над ней.

Отношения обоюдного непонимания художников-кубистов и зрителей стали характерными и для других направлений модернистского искусства. Искусство кубизма оторвалось от зрителей и по существу своему стало антинародным.

При сопоставлении теоретических положений и художественной практики кубизма с современными им и распространенными в XX в. идеалистическими философскими теориями становится очевидной связь кубистов с учениями А. Шопенгауэра и А. Бергсона. Взаимосвязь реальных объектов и явлений, с их точки зрения, не может интересовать художника, это - предмет науки как низшего по сравнению с искусством типа познавательной деятельности.

Кубисты сделали попытку реализовать в своих произведениях понимание идеи как единства, нерасчлененного в пространстве и времени. Вслед за Шопенгауэром они выступили против реальности категории времени. Статичность как атрибут кубистских полотен была, по существу, символом отрицания динамики, движения материи. У Шопенгауэра же была позаимствована идея о безличном характере искусства, о деперсонализации художника.

В философско-эстетическом отношении теоретические программы кубистов были шагом назад даже в сравнении с Шопенгауэром: они изгнали из искусства прекрасное и возвышенное, тем самым лишив его главных средств эстетического воздействия на человека. В отличие от Шопенгауэра, кубисты настаивали на интрансцендентном, «несерьёзном» характере искусства.

Арсенал своих философских идей кубисты обновили учением А. Бергсона. Под воздействием Бергсона искусство модернизма приобрело очевидный субъективистский характер. У кубистов разум ещё не был отброшен полностью (как позднее у сюрреалистов), хотя и участвовал только как инструмент деформации реальности.

Кубизм – уникальное направление в искусстве начала 20-го века. Пластический язык направления основывается на разложении и деформации предметов на несколько геометрических плоскостей и на пластических сдвигах формы. Большинство русских художников провели свой творческий путь именно сквозь увеличения кубизмом, зачастую соединяя его принципы с интересными приемами иных художественных и современных направлений, например, примитивизма и футуризма.

Специфическим типом интерпретации кубизма с ярко выраженным русским оттенком искусства стал кубофутуризм. Рождение направления датируется 1907-08 годами – как раз накануне первой мировой войны. Новое течение в устаревшем модернистском искусстве вызвало неминуемое бешенство со стороны мещан. В свое время за кубизмом в искусстве стоял круг критиков и поэтов, которые следовали философии Бергсона, как ни странно, они то же именовали себя кубистами.

Ушли из дома в музей кубизма? Не забудьте сделать запись аудио на автоответчик , чтобы узнать кто вам звонил пока вы наслаждались прекрасным.

Одной из основных тенденций кубизма стало доминирование основной концепции над художественной и личной ценностью картины. Еще Гегель заметил, что искусство новых времен все больше будет проникаться рефлексией, а привитое обществом образное мышление постепенно вытиснится абстрактным. Иными словами грань между практическим творчеством и искусствоведением становилась очень тонкой. Если в кубизме данная тенденция присутствовала в виде зачаточного состояния, то в постмодернизме она стала доминирующей.

Отцами кубизма принято считать Пикассо и Брака. Но к новому течению сразу примкнули Делоне, Хуан Грис и Фернан Леже. Они сумели произвести на мир искусства того времени сенсационное преобразование существующей художественной реальности, которую доселе никто видеть и представить не мог – разложение формы на кубы.

• Московская галерея «Наши художники» представила полотна Кристиана Крона
• Шикарный подарок музею Метрополитен от наследника Estee Lauder

(и в меньшей степени в скульптуре) 1-й четверти 20 века. Его возникновение относят к 1907 г. и связывают с творчеством Пикассо и Брака , в частности с картиной Пикассо "Авиньонские девицы", на которой изображены деформированные, огрубленные фигуры, а перспектива и светотень отсутствуют.

Кубизм означал полный разрыв с реалистическим изображением натуры, преобладавшим в европейской живописи со времён Ренессанса . Цель Пикассо и Брака - конструирование объёмной формы на плоскости, расчленение её на геометрические элементы. Оба художника тяготели к простым, осязаемым формам, незамысловатым сюжетам, что особенно характерно для раннего периода Кубизма, так называемого "сезанновского" (1907-1909 гг.), сложившегося под влиянием африканской скульптуры и работ Сезанна . Мощные объёмы как бы укладываются на холст, цвет усиливает объём (Пикассо "Три женщины", 1909 г.).

Следующий период (1910-1912 гг.) называют "аналитическим": предмет дробится на мелкие грани, которые чётко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте, цвета как такового практически нет (Брак "В честь И.С. Баха", 1912 г.). В последнем, известном как "синтетический" Кубизм, картины превращаются в красочные, плоскостные панно (Пикассо "Харчевня", 1913-1914 гг.), формы становятся более декоративными, в рисунок вводятся буквенные трафареты и различные наклейки, образующие коллажи. В этой манере вместе с Браком и Пикассо пишет Хуан Грис .

1-я мировая война положила конец сотрудничеству Брака и Пикассо, однако их творчество оказало большое влияние на другие течения, в том числе на футуризм, орфизм, пуризм и вортицизм.

Художники кубизма

Примеры кубизма в изобразительном искусстве:

Кубизм – узнаваемый, необычный стиль, отображающий природу, людей, неодушевленные предметы, не прибегая к имитации. Кубизм в живописи зародился в первой четверти XX века и стал одним из направлений развития модернистской культуры.

Особенности стиля

Главная особенность – отказ от объемного изображения реальности. Картины в стиле кубизм узнаваемы, благодаря плоскому виду без светотени и перспективы. Изображения деформированы, нелогичны, иррациональны, разбиты на отдельные детали – натюрморт, портрет похожи на набор взаимодействующих геометрических фигур.

Это направление искусства стало особой формой авангарда, где доминирующую роль играют острые углы, прямые линии, нейтральная цветовая гамма. Изображения – натюрморт, портрет – не должны выглядеть реалистично, они походят на пазл, который предстоит мысленно собрать зрителю. Кубизм относят к разным направлениям живописи – абстракционизму, примитивизму, авангардизму.

Основание течения и первые творцы

Первые работы связаны с творчеством Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Временем возникновения направления считают 1907 год. Одна из первых ярких и репрезентативных работ – картина «Авиньонские девицы». Творение Пикассо отличалось рубленными, грубыми линиями, острыми углами, отсутствием игры теней и перспективы. Нереалистичное изображение обнаженных женщин характерно для кубизма.

Имприматура в живописи

Художник использовал нейтральные, природные цвета. Африканские маски, по мнению искусствоведов, являются символом зарождения нового течения живописи.

Основоположник кубизма дал картине название «Философский бордель», а переименована она была Андре Сальмоном – писателем, другом художника. В полотне отслеживаются влияния картины Сезанна «Купальщицы».

По мнению искусствоведа Эрнста Гомбриха, основатель кубизма – Поль Сезанн, а Пабло Пикассо был его учеником. Именно Сезанн в письме к Пикассо изложил совет применять простые, геометрические формы: сферы, цилиндры, конусы. Автор письма имел в виду основу, базу для создания изображения, но Пабло Пикассо истолковал этот совет буквально.

Со времен эпохи Возрождения художники стремились к максимальной реалистичности передаваемого изображения. Кубизм полностью оторвался от реалистичности, натуральности, гармонии передачи света и тени. Стремление к созданию плоского изображения в натюрморте, портрете, вместо объемного – главная черта творчества первых кубистов. Они использовали геометрические фигуры для абстрактной передачи изображений людей, природы, предметов. Формы, переданные на картинах – осязаемые, незамысловатые, простые. Натюрморт и портреты отображают суть, эмоции, но не истинное, реалистичное изображение.
Термин «кубизм» появился в 1908 году, благодаря критику Луи Вокселю. Излагая мнение о картинах Брака, он назвал их «кубическими причудами».

Стиль живописи арт-деко

Родиной кубизма считается Франция, но направление живописи активно развивалось и за ее пределами – в России (в форме кубофутуризма), Чехословакии. Современный стиль кубизм тяготеет к абстракции, футуризму.

Кубизм не сразу прижился в мире искусства – он часто становился предметом насмешек и жесткой критики. Это радикальное для живописи течение, пришедшее на смену реализму, было предметом нелестных отзывов. Также представители стиля, работавшие в этом стиле, стали предметом интереса прессы. Кубический натюрморт и другие жанры были смелым творческим экспериментом. Поклонников нового, необычного стиля, было немного, но среди них были критики и меценаты.

Развитие направления

В процессе эволюции стиля выделяется три периода:

Сезан

Ранний период развития или «сезанновский кубизм» — становление нового направления в живописи под влиянием работ Сезанна и африканских скульптурных композиций. Длился период с 1907 до 1909 года. В работах художников передается объем при помощи цвета – мощные изображения еще не укладываются в рамки плоского изображения.

Постимпрессионизм в живописи

Аналитика

Аналитический период (1910 – 1912) – этап переосмысления кубизма. Цвет на картине практически отсутствует, формы расплывчатые, нечеткие, каждый предмет делится на небольшие грани. Одна из наиболее репрезентативных работ второго периоды – «В честь И.С. Баха» Ж. Брака. Жанры – натюрморт, портрет.

Художники подают объекты более детализовано, исходя из собственного видения. Предметы разбиты на блоки, детали геометрических форм. Иногда виденье художника нарушает пространство и время. Путем дробления целого на геометрические фигуры, художники пытались проникнуть в суть вещей.

Работы, характерные для аналитического периода, считаются наиболее показательными для кубизма – у многих именно с такими полотнами ассоциируется все направление. Наиболее известные примеры аналитического кубизма – работы Пабло Пикассо «Бутылка и книги», «Стол архитектора», «Человек с кларнетом», «Человек со скрипкой».

Развитие

Синтетический период (1913 – 1914) – период развитого кубизма. Картины становятся более выразительными, яркими, декоративными. Основателем этого направления считается Хуан Грис. Время появления – 1912 год, но наиболее полно стиль раскрылся в 1913 году. Творцы стремились передать на картине самодостаточный, а не иллюзорный объект. Наиболее развитый жанр – натюрморт.

Маньеризм как стиль в живописи

Изображение плоское, комбинированное с наклейками, надписями. Популярны коллажи из необъемных геометрических фигур, из цветной бумаги или газет, некоторые художники полностью рисовали их, не используя дополнительные материалы. Представители синтетического кубизма – Пабло Пикассо, Жорж Брак.

Цвета и объем утратили привычное значение. С развитием кубизма, оттенки стали схематичными: чтобы передать выступающие объекты в натюрморте или другом жанре, изображенные на переднем плане, использовали светлые, теплые тона, для удаленных предметов – темные оттенки.

После Первой мировой войны Брак и Пикассо, которые работали совместно, прекратили сотрудничество. Творчество каждого из них оказало заметное влияние на футуризм, пуризм, вортицизм.

Известные полотна

«Мандора», Ж. Брак

Пример кубизма ранней аналитической стадии, натюрморт, представленный в нейтральных, мрачных тонах. На картине изображен музыкальный инструмент – мандора. Специалисты называют картину пробой работы с мрачными тонами. Художник решил отказаться от ярких красок, остановив внимание на композиции, деталях.

«Три музыканта в масках», П. Пикассо

Работа представляет синтетический кубизм, написана незадолго до переориентации живописца на сюрреализм. Используются яркие тона, четкие геометрические формы. Центральные персонажи полотна похожи на аппликацию из цветной бумаги, наклеенную на холст.

Живопись эпохи северного возрождения

«Фантомас», Х.Грис

Грису искусство обязано за разработку техники создания коллажей. Абстрактные изображения переплетаются с газетными и журнальными вырезками. «Фантомас» — яркий пример синтетического кубизма. Именно Грис первым начал использовать яркие тона в работах – это оказало влияние на творчество Пабло Пикассо и Жоржа Брака.

«Мужчина в кафе», Х.Грис

Живописец удачно использовать яркие цвета и текстуры. Картину можно назвать репрезентативным образцом синтетического кубизма – используется техника создания коллажа.

«Дама в голубом», Ф.Леже

Изображение выполнено с использованием ярких красок. Полотно относят как к синтетическому кубизму, так и к ранней абстракции. Главная идея Леже – передать характер, внутренний мир женщины, не останавливаясь на детализации ее внешности.