Мотивы орнамента ар-нуво(модерн). Известные художники, работавшие в стиле ар деко
Долго собиралась, и вот наконец-то я посмотрела эту крупнейшую коллекцию предметов ар-деко. Московский музей Ар Деко находится в историческом здании, являющимся памятником промышленной архитектуры (1883 г., архитектор - В.В. Столяров), на Лужнецкой набережной, дом №2/4. Изначально в нём был завод по производству химических красителей и фармацевтики Фридриха Байера, затем военной и авиационной промышленности, сейчас - это территория бизнес-центра. Пешком минут за десять - пятнадцать можно дойти от станций метро: Воробьевы горы, Спортивная и Университет. На прилегающей территории есть небольшая стоянка для машин.
Музей Ар Деко создан два года назад предпринимателем и меценатом М.О. Окрояном. Музейная коллекция, кроме произведений из бронзы и слоновой кости периода 1920-1930-х годов, включает мебель, светильники, много ковки, а также лампы и всевозможные консоли.
В период с 1918 по начало 30-х годов Европа переживала настоящий художественный, культурный и социальный бум, главными центрами которого стали Париж и Берлин, отчасти Вена.
В 1925 году в Париже прошла "Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств", в которой приняли участие художники из Японии и практически из всех европейских государств, кроме Германии. Сокращенное название выставки дало жизнь термину "ар-деко", хотя были и альтернативные названия - "стиль джаз", "зигзаг модерн", "стиль Пуаре". Пик популярности ар-деко пришёлся на период с 1925 по 1935 годы.
Раньше эта музейная коллекция размещалась в двух залах, теперь - в одном. И мне показалось, что выставочное пространство слишком перегружено изящными предметами и больше напоминает антикварный салон, чем музей.
В одном зале такому количеству разнообразных предметов тесно, тем более, что здесь намеренно придерживаются кабинетного принципа экспонирования, т.е. без витрин.
Зато ничто не мешает рассматривать статуэтки близко, иногда лица девушек из слоновой кости кажутся живыми. Выражение их глаз, изгиб губ меняются в зависимости от того, с какого ракурса вы на них смотрите.
Предшественником стиля ар-деко был стиль ар-нуво, возникший на рубеже XIX-XX веков. В каждой стране ар-нуво приобрел национальные особенности и имел своё название: во Франции - ар-нуво, в Англии и России - модерн, в Италии - либерти, в Германии - югендштиль. В Австрии использовался термин сецессион, по названию группы Sezession
, созданной в 1897 году в Вене, в Шотландии - макинтош, по фамилии архитектора Чарльза Ренни Макинтош, работавшего в стиле ар-нуво. В эти же годы в США художник и дизайнер Луис Комфорт Тиффани создавал изделия в том же стиле, поэтому ар-нуво по-американски стал называться просто - стиль Тиффани.
Объединяющей стилистической особенностью ар-нуво стал отказ от прямых линий в пользу плавных изогнутых. Главный мотив стиля - это цветы. Ими украшали любые части интерьера, ткани, витражи, ювелирные изделия, они появлялись на картинах. В это же время стали популярны японские мотивы, переработанные на европейский манер. Фирменным знаком ар-нуво стала знаменитая вышивка Германа Обриста "Удар бича" 1895 года.
Эту линию можно увидеть практически в любой работе в стиле ар-нуво, например в витрине Эмиля Галле (1846-1904). Витрина выполнена из орехового дерева и бронзы в технике маркетри - мозаики из разных пород дерева, которые наклеивают на основу. Для украшения мебели Галле, кроме вставок из экзотических пород дерева, использовал отделочные и полудрагоценные камни, из которых составлял не только растительные узоры, но и строки из стихов Вийона, Бодлера, Верлена. За это его мебель стали называть "говорящей" (meubles parlantes ).
Всё изменилось после Первой мировой войны - изменилась политическая ситуация, изменились социальные и экономические условия. Популярность спорта в конце 1920-х годов выросла во всех слоях населения, что отразилось в работах художников. Ведущий мастер немецкого течения ар-деко Фердинанд Прайсс создал серию "Олимпийцы", представляющую одетых в спортивную одежду молодых людей, играющих в теннис, гольф и метающих копья.
Прайсс со своим компаньоном Артуром Касслером открыли в Берлине небольшой цех, где Касслер занимал пост финансового директора, а Прайсс решал все художественные вопросы. Ему в создании скульптур отводилась важная функция дорабатывать самые мелкие части фигурок - лица, руки с ноготками и волосы. Для такой ювелирной работы Прайсс использовал бормашину.
Некоторые статуэтки Прайсса лепились с тогдашних олимпийских чемпионок и чемпионов.
Статуэтки из бронзы и слоновой кости стали символом ар-деко в декоративно-прикладном искусстве.
Художники ар-деко проявляли интерес к искусству Древнего Египта, что связано с раскопками в Фивах и открытием гробницы Тутанхамона в 1922 году.
В целом, их интересовала любая экзотика, в ней они черпали новые художественные идеи, часто настолько переработанные, что увидеть в них первоисточник и прототип практически нереально. Отсюда же берет начало тема восточного танца в живописи и скульптуре. В музее собраны статуэтки разных авторов, но все они изображают восточных цариц или танцовщиц.
Лоран Эли. Танцующая пара
Большую часть коллекции музея составляют статуэтки Дмитрия Чипаруса (1886-1947). Он был родом из Румынии, но в начале 20 века переехал в Париж. В творчестве Чипаруса повторяются сюжеты русских балетов. Большинство скульптур датируются серединой 1920-х годов, все они выполнены из бронзы и слоновой кости. Слоновая кость была тогда доступна, потому что у Франции были колонии, откуда этот материал поставляли в большом количестве. Постаменты делали из мрамора или оникса.
Дмитрий Чипарус. Танго. Бронза, холодное окрашивание, патинирование, слоновая кость, постамент из оникса
Еще одним мощным источником вдохновения художников ар-деко стал русский балет. С 1909 по 1929 год балетная труппа "Русские Сезоны" выступала в Европе под руководством Сергея Дягилева. Сила и самобытность русской культуры поразила европейцев. Более того, "Русские Сезоны" изменили стиль жизни и поведения европейцев. Вскоре после премьеры балета "Шахерезада" у парижских дам вошло в моду одеваться a la Bakst - в легкие шаровары и цветистые тюрбаны. Наиболее ярко эти мотивы воплотились в творчестве скульптора Дмитрия Чипаруса, произведения которого в России не представлены ни в одном из государственных музейных собраний.
Дмитрий Чипарус. Русский крестьянский танец
Интерес модной публики к русскому иногда проявлялся весьма неожиданным образом. На одной из выставок начала XX века была представлена русская борзая, поразившая европейцев, а следом и американцев, своей грацией. И вот уже в 1920-х годах модные девушки выбирали своим аксессуаром борзую. Собака с вытянутым изогнутым экстерьером должна была подчеркнуть элегантность своей хозяйки. Как, например, демонстрировала звезда немого кино Теда Бара. Этот же модный живой атрибут представлен в работах Отто Пёрцель "Аристократы" и Дмитрия Чипаруса "Друзья навеки"
Дмитрий Чипарус. Друзья навеки
Пёрцель Отто (1876-1963). Аристократы
На работы мастеров ар-деко оказал влияние и стиль авангард. Этот стиль, активно развивающийся в начале XX века, органично вплетен в декоративно-прикладные предметы интерьера, к которым относятся и вот эти часы. Постаменты некоторых музейных скульптур становились значимой частью всего художественного образа.
Небольшая группа скульптурных миниатюр на комоде принадлежит австрийскому мастеру Герде Готтштайн, работавшей под псевдонимом Гердаго. Она прожила 97 лет, и, будучи художником по костюмам в театре и кино, успела поработать с разными стилями в одежде. Ей принадлежат модели роскошных бальных платьев для Роми Шнайдер в фильмах об императрице Сисси. Но это было в середине 1950-х, а в 1920-х годах у Гердаго был совсем иной взгляд на тему моды, о чём она поведала, создав эти бронзовые, покрытые яркой эмалью фигурки.
Огромные головные уборы, которые невозможно было бы носить, рукава с раструбами, шаровары и многослойность - модные атрибуты предполагаемого будущего от Гердаго двадцатых годов.
Помимо скульптур и мебели, в музее есть несколько декоративных панно. Одно из них - "Охота" - выполнено в 1935 французским мастером Жаном Дюнаном для курительного салона французского океанского лайнера "Нормандия". Это авторский повтор, а подлинник погиб при пожаре. "Нормандию" называли плавучей выставкой французского декоративного искусства: там были зимний сад, сад с экзотическими птицами, кинотеатр и множество предметов современного европейского искусства. "Охота" входила в серию панно на тему мужских игр и удовольствий. Кроме охоты, художник изобразил сцены рыбалки, сбора винограда и объездку дикой лощади. Панно выполнено в традиционной японской технике "уруши" - лакирование, которой Жан Дюнан обучался у переехавшего в Париж японского художника Сейзо Сугоара. Лак защищал панно от воды, огня и даже от электрического разряда.
"Нормандию" спроектировал русский инженер Владимир Юркевич, эмигрировавший после революции во Францию. Его проект трансатлантического лайнера был признан лучшим среди конкурсных работ, т.к. им была предложена оптимальная форма корабля, позволявшая при меньших затратах топлива развивать большую скорость. Благодаря этому "Нормандия" получила "Голубую ленту Атлантики" как самое быстрое судно в мире.
С начала Второй мировой войны, после сдачи Франции немцам, "Нормандия" была арестована и оставалась у берегов Америки. В феврале 1942 года на судне произошёл пожар. Лайнер стали заливать водой, из-за чего оно накренилось набок и стало тонуть. На тот момент в Америку перебрался и Владимир Юркевич, хорошо знавший устройство своего судна. Он предлагал доступный и простой способ, при котором можно было посадить "Нормандию" вертикально на дно, что избавило корабль от повреждений, и облегчило его последующий подъем. Но американские власти проигнорировали советы Юркевича, и судно бесславно погибло. А вместе с "Нормандией" затонули и все предметы искусства.
Возможно поэтому, став профессором Колумбийского университета, при всем сложном отношении с родиной, свои архивы он завещал Санкт-Петербургу, хотя американцы и желали заполучить эти документы для своих библиотек.
Обаяние двадцатых во многом заключалось в роскошной и лихорадочной атмосфере кабаре и мюзик-холлов с их яркими и экзотическими шоу. Центральное место в экспозиции занимает монументальное панно парижского декоратора Пьера Бобо, созданное по заказу для легендарного бального зала Roseland в Нью-Йорке, на сцене которого выступали все ведущие джазовые исполнители и биг-бэнды.
Пьер Бобо (1902-1974). Панно, созданное для Roseland Ballroom в Нью-Йорке около 1947 г. Гипс, масло, золочение, лак
В собрании музея широко представлено и творчество Эдгара Брандта - ведущего мастера по художественной ковке эпохи ар-деко. В основной экспозиции музея можно увидеть набор стульев для столовой, дизайн которых был разработан Брандтом в середине 1920-х годов и представляет очень редкий образец творчества мастера. В 1960-е годы, в период возрождения интереса к ар-деко, аналогичный набор стульев Брандта был приобретен Энди Уорхолом. Несколько экземпляров в настоящий момент находятся также в музее Метрополитен в Нью-Йорке.
Развитие стиля ар-деко было прервано Второй мировой войной. Вторая волна интереса к стилю ар-деко пришлась на 1960-е годы. В 1966 году на вновь возрожденной выставке в парижском "Musee des Arts Decoratifs" (Музее декоративных искусств) официально утверждается термин "ар-деко". Теперь и в Москве есть свой музей, посвященный этому стилю. Именно в московском музее хранится самое большое собрание работ признанного мастера французского ар-деко Дмитрия Чипаруса.
Мотивы орнамента ар-нуво(модерн)
Модерн обнаружили определенные пристрастия ко всему томному, блеклому, чахлому, как бы умирающему «красивой», эффектной смертью. Ирисы, орхидеи, лилии, похожие на асфодели, болотный тростник, ползучие, переплетающиеся, тянущиеся стебли, корни растений...И вместе с тем возникает интерес к таинственно-демоническим силам природы коварным, хищным животным, представителям земноводного мира, среди которых змеи, жабы, насекомые. В центре эстетики модерна женщина-вамп, юное погибшее существо, исполненное таинственной, обольстительной силы, одновременно привлекательной и губительной. Она как сказочная сирена, манящая, влекущая изведать непостижимо-утонченное, мучительное наслаждение, цена которого -- смерть.
Модерн изобрел и свой специфический колорит, напитанный болотными,
травянистыми оттенками буро- зеленого, коричневого, мутного,
нечистого с примесью лилового, розового и проч. В нем могут проявиться
и более сильные тона багрово-красный с контрастно-черным, как пылающий перед ненастьем закат. Но такие цвета лишь более откровенно
проявляют зловещий характер этого стиля, и чаще они скрыты блеклой,
непрозрачной пеленой. Вполне естественно, что никакой четкой, раппортной орнаментальной системы модерн породить не мог. Есть лишь некие характерные декоративные образования в виде асимметрично поднимающихся и вяло опадающих масс, подчиненных общим ритмическим закономерностям. Стилистическая доминанта их ассоциируется с образом переплетающихся стеблей ползучих растений или корней. Конкретные изобразительные мотивы как будто тают, растворяются, появляются и исчезают в тягучей, вязкой, медленно движущейся массе. От предшествующего этапа историзма у модерна сохранилась стойкая
приверженность к «всеядности»: он перепробовал в своей стилистической
кухне буквально все -- от мотивов древнеегипетского искусства
до изображения капли воды под увеличительным стеклом.
Но при этом и в самой истории художественной культуры модерн обнаружил
свои пристрастия. Он -- классическое художественное воплощение
культуры декаданса, аналоги которого мы проследили во многих предшествующих культурах. И вот теперь, в период тотального кризиса западноевропейской культуры, новый стиль как бы по крупицам собрал черты своих предшественников. Мы уже говорили о том, что эгейская культура по странному (а вернее сказать закономерному) стечению исторических обстоятельств была открыта именно в эпоху модерна; большой популярностью в этот период пользовалось искусство
рококо, кельтская культура, вызвавшие множество всякого рода подражаний. Сильное впечатление на европейцев произвела в середине века состоявшаяся выставка японского искусства, которая ознаменовала собой окончание двухсотлетней изоляции этой страны для внешнего мира. Искусство
Японии основано на совершенно иных эстетических канонах неприятии симметрии, раппорта, необычайной утонченности, эстетизме. Все это сыграло свою роль в формировании будущего стиля. Но наиболее существенной исторической составляющей модерна стала стилистика поздней готики. Именно в ней увидел образец для подражания основоположник западноевропейского модерна, английский художник, предприниматель и теоретик Уильям Моррис. В своих утопических проектах он обратился к позднему Средневековью как к образцу доиндустриальной промышленности ремесленного типа, в которой творческое человеческое начало еще не было отторгнуто от создания самих вещей. Тот факт, что Моррис и его единомышленники обратились именно к поздней готике, имеет весьма глубокий смысл, состоящий в том, что
художественная культура в период назревавшего в Европе декаданса интуитивно искала родственные корни в истории, обратившись за вдохновением к эпохе, в которой аналогичные явления духовного порядка приобрели столь мощное, всеохватывающее значение. Модерн со своей стилистикой буквально вырос из пламенеющей готики, явившись во многом как бы продолжением и развитием этого стиля. Начиная с почти буквального подражания, стилизаций, постепенно впитывая в себя самые разнородные впечатления, он породил и свою собственную стилистику, в которой уже наметившаяся в поздней готике напряженная вибрация ритмов теперь развилась с предельной для художественной системы возможностью. Готические композиции стали словно расплываться, деформироваться, превращаясь из математически выверенных когда-то структур в аморфные, вялые, словно растительные переплетения. Характерная для готики идея непрерывного, постоянного роста, в конечном счете -- в никуда, к Недостижимому, сохраняется, но меняет свой ориентир, ибо вместо движения в определенном направлении в ней возникает хаотический, беспорядочный рост. Идея незаконченности, непредсказуемости результата доводится здесь до полного абсурда. Наглядный пример тому созданный в псевдоготическом стиле собор в Барселоне (архитектор А. Гауди), строительство которого было начато в разгар эпохи модерна, а завершено в середине 30-х годов. В колорите модерна, о котором мы говорили выше, своя логика развития, ибо вначале имели место преимущественно звучные, лихорадочно-экзальтированные, близкие к готике тона, которые позже как бы затуманились, подернулись блеклой, мутной пеленой.
Эпоха модерна проявляла необычайный интерес к тематике средневековых ведьминских шабашей, к друидским тайнам, к любовным шалостям и оккультным увлечениям галантного века. И в то же время сама она увлекалась спиритизмом, месмеризмом и прочими способами «научных» связей с нечистой силой. Демонический культ женщины- вамп этой ведьмы эпохи модерна был тесно связан с театрально-богемной средой, в которой царили разврат и извращения. Флер этого образа набросил свою тень на эстетический идеал модерна -- бесстыдная, экзотично одетая особа, обольстительница, весь вид которой исполнен ложной значительности, была в то же время совершенно невежественным, заблудшим, падшим существом.
Сюжеты в произведениях модерна часто наполнены поистине бесовским смыслом, сочетая откровенное бесстыдство с чудовищным кощунством (достаточно вспомнить в этой связи творения Обри Бердслея).
Если в первый период своего существования стиль модерн имел во многом как бы прикладной характер, часто просто украшая своим декором индустриальные поверхности архитектурных фасадов или предметов быта, то постепенно ритмы, рожденные его стилистикой, начинают втягивать в свою орбиту и саму форму. Зрелый стиль модерн породил причудливые очертания вещей различного назначения, вплоть до интерьеров и экстерьеров зданий. Рациональная, конструктивная основа оказалась глубоко спрятанной в толще массы, словно растекающейся, расплывающейся. Аморфные, асимметричные формы вторили ритмам декора. Развивались виды декора, наиболее созвучные новым исканиям.
В наследство от готики модерн получил интерес к цветному стеклу, к витражам. Особый успех они имели в более раннем, подражательном периоде. Постепенно их готически лихорадочная яркость тускнеет, приобретая характерную для модерна гамму блеклых тонов, среди которых особенно популярен лиловый цвет.
Но наиболее выразительной декоративной находкой стиля модерн следует, конечно, считать его знаменитый орнамент в виде резкой, петлеобразной кривой, как бы впитавший реминисценции готического шрифта, чрезвычайно популярного в эпоху модерна, и кельтского орнамента, рококо и японских росписей. Он ярко проявился в декоре кованых решеток благодаря своей внешней выразительности и в то же время совершенной элементарности решения, в связи с чем имел широкое распространение в архитектуре модерна. Его изображали на афишах, искусство которых благодаря техническим достижениям также получило чрезвычайное развитие в этот период. Им украшали швейные машинки и витрины магазинов, дамские платья. Эффектный силуэт этого орнамента вобрал в себя всю квинтэссенцию стиля модерн и стал его своеобразной визитной карточкой, как рокайль в стиле рококо.
Ар деко (фр. art déco - декоративное искусство) - особое течение декоративно-прикладного искусства, зародившееся в начале XX века. Термин «ар деко» произошел от названия выставки, прошедшей в Париже в 1925 году. Отличительными чертами стиля ар деко являются строгость и смелость геометрических форм. Данное течение было очень влиятельным в декоративном искусстве первой половины прошлого века. Зародившись во Франции, к 30-м годам стало необыкновенно популярным во всем мире.Особенности стиля ар деко
К основным особенностям стиля ар деко можно отнести следующее:Использование экзотических и дорогих материалов – слоновой кости, бронзы, перламутра, кокоса, кожи акулы, бамбука, кожи крокодила, угря, ящериц;
сочетание металла и стекла;
предпочтение отдается геометрическим орнаментам и формам. В композициях и сюжетах часто присутствуют африканские мотивы.
Стиль ар деко – это продукт сочетания кубизма, конструктивизма и модернизма. Все это гармонично дополняется шиком Африки, Востока и Древнего Египта.
Особенности орнамента стиля ар деко
Орнаментальное искусство ар деко – одно из ярчайших явлений мировой культуры. Появившийся между двумя войнами этот интересный стиль воплотил в себе стремление человека к гармонии, эстетике и счастью. Первые изделия ар деко производят поистине незабываемое впечатление необычностью форм и линий. Орнамент используется для их украшения очень широко. При этом художники применяют следующие формы:Круги, квадраты, треугольники, спирали. Использование простейших геометрических форм стало отражением стремления общества начала века к технократической цивилизации;
использование изображений пароходов, самолетов, автомобилей и т.д., часто цветных. Таким образом, орнамент становится неким отражением единения человека и машины;
экзотические животные и непривычные для европейцев восточные аксессуары и предметы одежды.
Стиль ар деко предполагал использование огромного количества новейших на тот момент материалов и сюжетов. Казалось бы орнамент в этом случае – декор излишний. Однако именно он придает вещам шик и пикантность. Многочисленные круги, зигзаги, квадраты и треугольники придают поверхностям динамичность. Линии при этом могут расходиться под разными углами, а геометрические фигуры накладываться друг на друга.
Конечно же, орнамент ар деко не ограничивается применением только простых форм и техногенных мотивов. Мастера часто используют и растительные элементы. Особенно широко данные мотивы применяли европейские художники. В Америки они были не слишком в ходу. Чаще всего в качестве дополнения к геометрическим формам использовались листья, колосья, лилии, экзотические растения. Что касается зигзага, то он применялся настолько часто, что зачастую украшение им зданий и предметов быта выделялось в отдельное направление, называемое «стилем зигзага». Именно этот элемент стал своеобразным символом индустриальности и самого стиля ар деко. Обычно композиции, выполненные на основе зигзага – длинные линии, разворачивающиеся под прямым углом. Именно в начале века очень модными становятся путешествия в экзотические страны – Африку, Азию, Мексику, Австралию, Перу. В изображении разного рода необычных для европейца животных нашло свое отражение желание запечатлеть незнакомый таинственный мир.
В орнаменте часто используются рисунки фламинго, охотящиеся тигры, антилопы в беге и т.д. Интерес к загадочному Востоку проявился не только в нанесении изображений животных. Очень часто в орнаментах ар деко можно увидеть такие элементы, как китайские зонтики, японские кимоно и т.д. Применяются и мотивы экзотических растений – цветущая сакура, заросли бамбука. Образ человека в орнаменте данного стиля превращается в некий символ, логотип. Женщин часто рисуют в широкополых шляпах с бусами на шее. Дамы в круглых шапочках, коротких платьях и дорогих шубах используются в орнаменте повсеместно. Мужчины изображаются в смокингах и фраках. Одной из особенностей социальной жизни начала века было стремление к здоровому образу жизни. Поэтому на орнаментах так же часто можно видеть спортивные атрибуты – теннисные ракетки, бассейны, мячи и т.д. Орнамент ар деко можно считать некой иллюстрацией жизни общества того времени. Воплощая свои идеи в узоре, мастера создали оригинальный и неповторимый мир, в котором живые формы совершенно гармонично сочетаются с простыми геометрическими фигурами.
Известные художники, работавшие в стиле ар деко:
Жан Дюнан (1877—1942) – швейцарский художник. Создавал ткани, оформленные африканскими и абстрактными мотивами;Александра Экстер (1882 – 1949) – русско-французский живописец, график, авангардист, художник театра;
Вадим Меллер (1884-1962) – советский театральный художник, иллюстратор и архитектор.
В Википедии есть статьи о других людях с такой фамилией, см. Цирулис. Ансис Цирулис латыш. Ansis Cīrulis … Википедия
Декор - (от лат. decoro украшаю) элемент отделки сооружения, интерьера или предмета, дополняющий форму, материал и осн. отделку. Является осн. средством выражения связи декорируемого с культурными ценностями, т. е. либо непосредственно выражает его… … Российский гуманитарный энциклопедический словарь
Предположительно, эта страница или раздел нарушает авторские права. Её содержимое, вероятно, скопировано с http://nestudent.ru/show.php?id=80519 p=4 практически без изменений. Пожалуйста, проверьте … Википедия
И; ж. [франц. meuble] собир. Предметы обстановки какого л. помещения. Полированная м. Детская м. Кухонная м. М. для прихожей, для кабинета. Обставить мебелью. Снимать квартиру с мебелью, без мебели. Мягкая м. (предназначенная для сидения и… … Энциклопедический словарь
ДРАГОЦЕННЫЕ И ПОДЕЛОЧНЫЕ КАМНИ, минералы, используемые для изготовления украшений и художественных изделий. Основными критериями для отнесения минерала к драгоценным и поделочным служат красота (цвет, блеск, прозрачность, «игра», иризация (см.… … Энциклопедический словарь
Прага … Википедия
Собор в Кутансе, Франция Готика период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области материальной культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика пришла на… … Википедия
Готический собор в Кутансе, Франция Готика период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области материальной культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика… … Википедия
Готический собор в Кутансе, Франция Готика период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области материальной культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика… … Википедия
- «Офелия», Д. Э. Милле, одна из самых известных картин прерафаэлитов. 1852 г., галерея Тейт, Лондон Прерафаэлитизм (англ. Pre Raphaelitism) направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX века, образовавшееся в начале 50 х годов… … Википедия
