Натюрморты с фруктами известных русских художников. Лучшие натюрморты

И. Машков "Натюрморт" (1930)

Слово «натюрморт» с французского языка переводится как «мёртвая природа» (фр. nature morte).

О натюрморте

Всё, что уже не живёт, не дышит, что сорвано, срезано, но продолжает радовать человека своим существованием – всё это является предметом натюрморта.

Как самостоятельный жанр живописи натюрморт начинает существовать в XVII в. в творчестве голландских и фламандских художников. А раньше он был лишь украшением и выполнял утилитарную функцию.

Ранние натюрморты часто содержали скрытую аллегорию (иносказание), которая выражалась через обыденные предметы, наделённые символическим значением. Иногда в натюрмортах изображали череп, который должен был напоминать о быстротечности жизни и неизбежности смерти.

Аллегорический натюрморт назывался Ванитас (лат. vanitas , букв.: «суета, тщеславие»). Его композиционным центром традиционно является человеческий череп.

Бартоломеус Брейн Старший (I пол. XVI в.). Ванитас

«Суета сует, – сказал Екклесиаст, – суета сует, - всё суета!».

Виллем Клас Хеда. Ванитас

Череп символизирует бренность человеческой жизни. Курительная трубка – символ быстротечных и неуловимых земных наслаждений. Стекло символизирует хрупкость жизни. Ключи – власть домашней хозяйки, управляющей запасами. Нож напоминает об уязвимости человека и о его смертности. Лист бумаги обычно с нравоучительным (часто пессимистическим) изречением. Например:

Hodie mihi cras tibi – сегодня мне, завтра тебе;

Memento mori – помни о смерти;

Aeterne pungit cito volat et occidit – слава о геройских поступках развеется точно так же, как и сон;

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum – всё разрушается смертью, смерть – последняя граница всех вещей;

Nil omne – всё - это ничего.

Но чаще всё-таки в натюрмортах чувствуется любование художника предметами: кухонной утварью, цветами, фруктами, предметами быта – такие картины заказчики приобретали для украшения интерьеров своих домов.

С середины XVII в. натюрморт в нидерландской живописи получил широкое распространение уже как самостоятельный жанр. И одним из самых первых выделился цветочный натюрморт, особенно в произведениях Амброзиуса Босхарта Старшего и Бальтасара ван дер Аста, а далее продолжал своё развитие в роскошных натюрмортах Яна Давидса де Хема во второй половине XVII в. Популярен цветочный натюрморт и у художников нашего времени.

Тематика натюрмортов обширна: это уже упомянутые цветочные натюрморты, изображение завтраков, сервированных столов, учёных натюрмортов, на которых изображались книги и другие предметы человеческойдеятельности, музыкальные инструменты и др.

Рассмотрим некоторые наиболее известные натюрморты.

Виллем Клас Хеда (1594-1682) «Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой» (1649)

Виллем Клас Хеда «Натюрморт с ветчиной и серебряной посудой» (1649)

В этой картине заметно виртуозное мастерство художника в передаче обычных, повседневных предметов быта. Хеда так изображает их, что очевидно, что он сам любуется ими: создаётся ощущения осязаемости каждого из предметов.

На небольшом столе, покрытом богатой тяжёлой скатертью, мы видим лимон и любуемся его янтарной мягкостью, ощущаем аромат свежей ветчины и слышим звон сверкающего серебра. Завтрак окончен, поэтому предметы на столе – в естественном беспорядке.

Серебряная посуда означает земное богатство, ветчина – чувственные радости, лимон – внешнюю красоту, внутри которой скрывается горечь. Картина заключает размышление о том, что следует позаботиться не только о теле, но и о душе.

Натюрморт выдержан в едином коричнево-сером тоне, характерном для всей голландской живописи того времени. Полотно не только красиво, оно ещё и рассказывает о скрытой «тихой жизни» предметов, увиденной внимательным взором художника.

Натюрморт находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.

Поль Сезанн (1830-1906) «Персики и груши» (1895)

Поль Сезанн "Персики и груши" (1895)

Поль Сезанн был крупнейшим французским художником конца XIX в. Испытав влияние импрессионизма, Сезанн противопоставил им свой метод. Он выступил против их стремления следовать в искусстве лишь своему зрительному впечатлению – он был за объективную передачу действительности, основанную на закономерности в природе. Он хотел видеть не изменчивые, а постоянные её качества. Сезанн говорил: «Я хочу вернуть природе вечность». Художник вёл свои творческие поиски через синтез формы и цвета, формы и пространства. Особенно этот поиск прослеживается в его натюрмортах.

Каждый из предметов в данном натюрморте изображён с разной точки зрения. Мы видим стол сверху, скатерть и фрукты – сбоку, столик – снизу, а кувшин – одновременно с разных точек зрения. Сезанн стремится максимально полно показать форму и объём, свойственные персикам и грушам. Его приём основан на оптическом законе: тёплые цвета (красный, розовый, жёлтый, золотистый) кажутся нам выступающими, а холодные (синий, голубой, зелёный) – отступающими в глубь холста.

Форма предметов в натюрмортах Сезанна не зависит от случайного освещения, а становится постоянной, присущей каждому предмету. Поэтому натюрморты Сезанна кажутся монументальными.

Картина находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.

Анри Матисс (1869-1954) «Голубая скатерть» (1909)

Анри Матисс «Голубая скатерть» (1909)

Знаменитый французский художник Анри Матисс в зарубежном искусстве XX в. занимает одно из ведущих мест. Но место это особое.

В самом начале XX в. Матисс стал главой первой новой группы в европейской живописи, которое назвали фовизм (от французского «дикий»). Особенностью этого направления была свобода в использовании любого цвета, произвольно выбранного художником, стремление к декоративной красочности. В этом ощущался вызов устоявшимся нормам официального искусства.

Но через некоторое время эта группа распалась, и Матисс более уже не примыкал ни к какому направлению, но избрал свой путь. Своим ясным, жизнерадостным искусством Матиссстремился дать покой измученным душам людей в эмоциональной атмосфере XX в.

В натюрморте «Голубая скатерть» Матисс использует свой любимый композиционный приём: спускающуюся сверху ткань. Материя на переднем плане как бы замыкает пространство полотна, делает его неглубоким. Зритель любуется прихотливой игрой синего орнамента на бирюзовом фоне скатерти, линиями предметов натюрморта. Формы золотистого кофейника, зелёного графина и румяных яблок в вазе художник обобщил, они утратили свою объёмность, а маленькие предметы подчинились ритму ткани, они дополняют красочный акцент картины.

Натюрморт в русской живописи

Натюрморт как самостоятельный жанр живописи появился в России в начале XVIII в., но первоначально он рассматривался как «низший» жанр. Чаще всего он использовался как учебная постановка и допускался лишь в ограниченном понимании как живопись цветов и фруктов.

Но в начале ХХ в. натюрморт в русской живописи получил расцвет и впервые стал равноправным жанром. Художники искали новые возможности в области цвета, формы, композиции натюрморта. Среди русских натюрмористов можно назвать И.Ф. Хруцкого, И.Э. Грабаря, П.П. Кончаловского, И. Левитана, А. Осмеркина, К. Петрова-Водкина, М. Сарьяна, В. Нестеренко и др.

Самым известным натюрмортом П. Кончаловского является его «Сирень».

П. Кончаловский «Сирень» (1939)

П. Кончаловский "Сирень" (1939)

П. Кончаловский в живописи был последователем Сезанна, он стремился выразить праздничность цвета, свойственную русскому народному творчеству, при помощи конструктивности цвета Поля Сезанна. Известность художник получил именно благодаря своим натюрмортам, часто исполненным в стиле, близком кубизму и фовизму.

Его натюрморт «Сирень» полна этим праздничным цветом, радующим глаз и воображение. Кажется, что весенний аромат сирени доносится с полотна.

Гроздья сирени изображены обобщённо, но внутренняя память подсказывает нам очертания каждого цветочка в грозди и оттого живопись Кончаловского кажется реалистичной.

Не менее щедрым в изображении материальности мира, красочности палитры был и современник Кончаловского – И. Машков.

И. Машков «Ягоды на фоне красного подноса» (1910)

В этом натюрморте также буйство красок, умение радоваться каждому мгновению, которое дарит жизнь, потому что каждое мгновение – прекрасно.

Все предметы натюрморта знакомы нам, но чувствуется, что художник любуется щедростью природы, богатством окружающего мира и приглашает нас разделить с ним эту радость.

В. Нестеренко «Отец Отечества» (1997)

В. Нестеренко «Отец Отечества» (1997)

Это натюрморт современного художника В. Нестеренко. Тема картины выражена в её названии, а содержание раскрывается в изображении предметов натюрморта – символов императорской власти Петра I . Портрет императора расположен на фоне батальной сцены, которых было много в его жизни. Нет смысла пересказывать все те дела, за которые Петра I называют отцом Отечества. Можно слышать различные мнения о деятельности первого русского императора, но в данном случае художник выражает своё мнение, и это мнение выражено им очень убедительно.

Натюрморт находится в Кремле, в приемной Президента РФ.

З нойным дачным летом или в затяжную вьюгу. Не выходя из дома, можно найти вдохновение в обычных фруктах или необычных цветах. Объект не пытается повернуть голову, как на портрете, и не меняет ежесекундно тени на свет, как на пейзаже. Тем и хорош жанр натюрморта. И «мертвая природа» в переводе с французского, или «тихая жизнь вещей» в голландской версии, очень даже оживляет интерьер. Наталья Летникова представляет топ-7 натюрмортов русских художников .

«Лесные фиалки и незабудки»

Лесные фиалки и незабудки

Картина Исаака Левитана словно синее небо и белое облако - от певца русской природы. Только на полотне не родные просторы, а букет полевых цветов. Одуванчики, сирень, васильки, бессмертник, папоротник и азалия... Мастерская художника после леса превращалась «не то в оранжерею, не то в цветочный магазин». Левитан любил цветочные натюрморты и учил своих учеников видеть и цвет, и соцветия: «Надо, чтобы от них пахло не краской, а цветами».

«Яблоки и листья»

Яблоки и листья

Работы Ильи Репина органично оттеняют блестящую обстановку Русского музея . Художник-передвижник составил композицию для своего ученика - Валентина Серова . Вышло столь живописно, что учитель и сам взялся за кисть. Шесть яблок из обычного сада - помятые и с «бочками», и ворох листьев, подернутых осенними красками, в качестве источника для вдохновения.

«Букет цветов. Флоксы»

Букет цветов. Флоксы

Картина Ивана Крамского . «Не станет же талантливый человек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже всё, а у нас дела непочатый угол», - писал Крамской Васнецову . И все же жанр натюрморта в конце жизни известный портретист вниманием не обошел. Букет флоксов в стеклянной вазе был представлен на XII передвижной выставке. Картину купили еще до открытия вернисажа.

«Натюрморт»

Натюрморт

Казимир Малевич на пути к «Черному квадрату» через импрессионизм и кубизм, минуя реализм. Ваза с фруктами - плод творческих исканий, даже в рамках одной картины: густые черные линии французской техники «клуазоне», плоская посуда и объемные фрукты. Все составляющие картины объединяет только цвет. Свойственный художнику - яркий и насыщенный. Словно вызов пастельным тонам реальной жизни.

«Селедка и лимон»

Селедка и лимон

Четверо детей и живопись. Такое сочетание в жизни художника безошибочно диктует жанр. Так вышло у Зинаиды Серебряковой. Многочисленные семейные портреты и натюрморты, по которым можно составлять меню: «Корзина с фруктами», «Спаржа и земляника», «Виноград», «Рыба на зелени»... В руках настоящего мастера и «селедка и лимон» станут произведением искусства. Поэзия и простота: спиралью кожица лимона и лишенная изысков рыба.

«Натюрморт с самоваром»

Натюрморт с самоваром

Ученик Серова, Коровина и Васнецова, «Бубновый валет» - Илья Машков любил изобразить окружающий мир, да поярче. Фарфоровые фигурки и бегонии, тыквы... Мясо, дичь - в духе старых мастеров, и хлебы московские - зарисовки со Смоленского рынка столицы. И по русской традиции - куда ж без самовара. Натюрморт из области праздничного бытия с фруктами и яркой посудой дополняет череп - напоминание о бренности жизни.

«Этюд с медалями»

Этюд с медалями

Натюрморт по-советски. Художник ХХ века Анатолий Никич-Криличевский на одной картине показал целую жизнь первой советской чемпионки мира в конькобежном спорте - Марии Исаковой. С кубками, за каждым из которых - годы тренировок; медалями, которые доставались в упорной борьбе; письмами и огромными букетами. Красивая картинка для художника и художественная летопись спортивных успехов. Натюрморт-история.

Какая это странная живопись - натюрморт: она заставляет любоваться копией тех вещей, оригиналами которых не любуешься.

Блез Паскаль

И правда, задерживал ли Ты когда-нибудь взгляд на фруктах из кухонного стола? Ну... разве что, когда был голоден, правда? А вот картиной с фруктовой композицией или роскошным букетом цветов можно любоваться часами. Именно в этом - особая магия натюрморта.

В переводе с французского языка натюрморт означает «мертвая природа» (nature morte). Однако это лишь дословный перевод.

На самом деле натюрморт - это изображение неподвижных, застывших предметов (цветов, овощей, фруктов, мебели, ковров и т. д.). Первые натюрморты встречаются на фресках Древней Греции и Древнего Рима.

Натюрморт (фреска из Помпей) 63-79 г., Неаполь, Национальная галерея Каподимонте. Автор неизвестен.

Когда в гости к римлянину приходил друг, правила хорошего тона требовали, чтобы хозяин дома показал лучшее из своей серебряной посуды. Эту традицию ярко отражает натюрморт из гробницы Вестория Приска в Помпеях.

В центре композиции - сосуд для смешивания вина и воды, воплощение бога плодородия Диониса-Либера. По обе стороны на золотом столе симметрично расставлены кувшины, черпаки, рога для вина.

Однако натюрморт - это не только фрукты, овощи и цветы, но и... человеческий череп, призванный отразить быстротечность человеческой жизни. Именно так представляли натюрморт сторонники жанра «Ванитас», представители ранней стадии развития натюрморта.

Выдающийся пример - аллегорический натюрморт голландского художника Виллема Класа Хеды , где рядом с черепом изображена трубка - символ неуловимости земных наслаждений, стеклянный сосуд - отражение хрупкости жизни, ключи - символ власти домашней хозяйки, управляющей запасами. Нож символизирует уязвимость жизни, а жаровня, в которой едва теплятся угли, значит ее угасание.

Суета сует. Ванитас, 1628, Виллем Клас Хеда.

Виллема Хеду по праву называют «мастером завтраков». С помощью интересной расстановки пищи, посуды и кухонных принадлежностей художник удивительно точно передавал настроение картин. А его мастерство изображать блики света на идеально гладких поверхностях серебряных чаш и стеклянных кубков поражала даже именитых современников художника.

Невероятно, насколько точно и деликатно Хеда умел передавать каждую мелочь: игру света, особенности формы, цвета предметов. Во всех картинах голландца - таинственность, поэтичность, искреннее восхищение миром предметов.

Натюрморты известных художников

Натюрмортом часто увлекались знаменитые художники. Именно о мастерах кисти и об их восхитительных произведениях я расскажу Тебе дальше.

Пабло Пикассо - самый дорогой художник мира

Уникальный и неподражаемый - именно так называют выдающегося испанского художника ХХ в. Пабло Пикассо. Каждая работа автора - тандем оригинального замысла и гениальности.

Натюрморт с букетом цветов, 1908 г.

Натюрморт с луковицами, 1908 г.

Кроме традиционно совершенных реалистичных, наполненных света и ярких красок, или же мрачных, выполненных в голубовато-серых тонах натюрмортов, Пикассо увлекался кубизмом . Художник раскладывал предметы или героев своих картин на мелкие геометрические фигуры.

И хотя искусствоведы не признали кубизм Пикассо, сейчас его работы прекрасно продаются и принадлежат самым богатым коллекционерам мира.

Гитара и ноты, 1918 г.

Эксцентричный Винсент Ван Гог

Наряду со знаменитой «Звездной ночью» серия картин с подсолнухами стала уникальным символом творчества Ван Гога. Художник планировал украсить подсолнухами свой дом в Арле к приезду друга Поля Гогена.

«Небеса - восхитительного голубого цвета. Солнечные лучи - бледно-желтые. Это мягкое, волшебное сочетание небесной лазури и желтых тонов из картин Вермеера Делфтского... Я не могу написать что-то столь прекрасное...» - обреченно говорил Ван Гог. Возможно, именно поэтому художник рисовал подсолнухи бесчисленное количество раз.

Ваза с 12 подсолнухами, 1889 г.

Несчастная любовь, бедность и непринятие его творчества побуждают художника к безумным поступкам и изрядно подрывают здоровье. Но о живописи талантливый художник упорно писал: «Даже если я упаду девяносто девять раз, я все равно поднимусь в сотый раз».

Натюрморт с красными маками и ромашками. Овер, июнь 1890 г .

Ирисы. Сен-Реми, май 1890 г.

Всеохватывающие натюрморты Поля Сезанна

«Я хочу вернуть природе вечность», - любил повторять великий французский художник Поль Сезанн. Художник изображал не случайную игру света и тени, не меняющиеся, а постоянные характеристики предметов.

Стремясь показать предметы со всех сторон, он описывает их так, что зритель любуется натюрмортом, словно под разными углами. Мы видим стол сверху, скатерть и фрукты - сбоку, ящик в столе - снизу, а кувшин - с разных сторон одновременно.

Персики и груши, 1895 г.

Натюрморт с вишнями и персиками, 1883-1887 гг.

Натюрморты современных художников

Палитра цветов и самых разнообразных оттенков позволяет нынешним мастерам натюрморта достичь невероятной реалистичности и красоты. Хочешь полюбоваться впечатляющими картинами талантливых современников?

Британец Сесил Кеннеди

От картин этого художника невозможно оторвать взгляд - настолько чарует его разнотравье! М-м-м… Кажется, я уже чувствую запах этих удивительно красивых цветов. А Ты?

Сесила Кеннеди по праву считают самым выдающимся британским художником современности. Обладатель нескольких престижных премий и любимец многих «сильных мира сего», Кеннеди все же стал известным, только когда ему исполнилось далеко за 40.

Бельгийский художник Джулиан Стапперс

Сведения о жизни бельгийского художника Джулиана Стапперса скудны, чего не скажешь о его картинах. Жизнерадостные натюрморты художника - в коллекциях самых богатых людей мира.

Грегори Ван Раальте

Современный американский художник Грегори Ван Раальте особое внимание обращает на игру света и тени. Художник убежден, что свет должен падать не прямо, а через лес, листья деревьев, лепестки цветов, или отображаться от поверхности воды.

Талантливый художник живет в Нью-Йорке. Увлекается рисованием натюрмортов в технике акварель.

Иранский художник Али Акбар Садехи

Ali Akbar Sadeghi - один из самых успешных иранских художников. В своих работах он искусно сочетает композиции традиционных иранских картин, персидские культурные мифы с иконописью и искусством витража.

Натюрморты современных украинских художников

Что ни говори, а в украинских мастеров кисти - свое, уникальное видение его величества натюрморта. И сейчас я Тебе это докажу.

Сергей Шаповалов

Картины Сергея Шаповалова пестрят солнечными зайчиками. Каждый его шедевр наполнен светом, добром и любовью к родной земле. А родился художник в селе Ингуло-Каменка Новгородковского района Кировоградской области.

Сергей Шаповалов – заслуженный художник Украины, член Национального союза художников.

Игорь Деркачев

Украинский художник Игорь Деркачев родился в 1945 году в Днепропетровске, где проживает и сейчас. Двадцать пять лет посещал художественную студию Дома культуры студентов им. Ю. Гагарина, сначала как студиец, а потом в качестве преподавателя.

Картины художника пронзены теплом,любовью к родным традициям и дарам природы. Эта особая теплота через картины автора передается и всем поклонникам его творчества.

Виктор Довбенко

По словам автора, его натюрморты - зеркало собственных чувств и настроений. В букетах роз, в россыпях васильков, астр и георгинов, в «душистых» лесных картинах - неповторимый летний аромат и бесценные дары богатющей природы Украины.

Переходим к заключительной стадии этой серии постов о жанре натюрморта. Он будет посвящен творчеству художников России.

Начнем пожалуй с Федора Петровича Толстого (1783-1873). Натюрмортная графика Ф.П. Толстого, известного русского скульптора, медальера, рисовальщика и живописца, наверно, наиболее выдающаяся и ценная часть его творческого наследия, хотя сам художник говорил, что создавал эти произведения “в свободное от серьезных занятий время”.

Главное свойство натюрмортных рисунков Толстого — их иллюзорность. Художник тщательно копировал натуру. Он пытался, по его собственным словам, “со строгой отчетливостью передать с натуры на бумагу копируемый цветок так, как он есть, со всеми малейшими подробностями, принадлежащими этому цветку”. Чтобы ввести зрителя в заблуждение, Толстой использовал такие иллюзионистские приемы, как изображение капелек росы или полупрозрачная бумага, прикрывающая рисунок и помогающая обмануть зрение.

Илья Ефимофич Репин (1844-1930) также не раз обращался к такому мотиву натюрморта, как цветы. К таким произведениям можно отнести картину “Осенний букет” (1892, Третьяковская галерея, Москва), где художник с равным вниманием изображает осенний пейзаж, молодую женщину, стоящую на фоне золотистых деревьев, и скромный букет из желтых и белых цветов в ее руках.

И. Репин. Осенний букет. Портрет Веры Репиной. 1892, Третьяковская галерея

История картины “Яблоки и листья” несколько необычна. Натюрморт, сочетавший фрукты и листья, был поставлен для ученика Репина, В.А. Серова. Предметная композиция настолько понравилась учителю, что он решил сам написать такой натюрморт. Цветы и плоды привлекали многих художников, предпочитавших из других вещей именно эти, наиболее поэтично и красиво показывающие мир природы. Даже И.Н. Крамской, пренебрежительно относившийся к подобному жанру, также отдал дань натюрморту, создав эффектную картину “Букет цветов. Флоксы” (1884, Третьяковская галерея, Москва).

Валентин Александрович Серов (1865-1911) известен большинству из нас как художник, уделявший в своем творчестве внимание в области пейзажа, портрета и исторической живописи. Однако, следует заметить, что предмет в его творчестве всегда играл важную роль и нередко занимал такое же равноправное положение, как и другие элементы композиции. Чуть выше я уже упомянул его ученическую работу "Яблоки на листьях", 1879 года, выполненный под руководством Репина. Если сравнить эту работу с произведением, написанным на ту же тему Репиным, можно увидеть, что натюрморт Серова отличается большей этюдностью, чем полотно его учителя. Начинающий художник использовал низкую точку зрения, поэтому первый и второй планы совмещены, а фон уменьшен.

Известная всем с детства картина "Девочка с персиками" выходит за рамки портретного жанра и не случайно названа она “Девочка с персиками”, а не “Портрет Веры Мамонтовой”. Мы можем видеть, что здесь соединились черты портрета, интерьера и натюрморта. Художник уделяет равное внимание изображению девочки в розовой кофточке и немногочисленным, но умело сгруппированным предметам. На белой скатерти лежат нежно-желтые персики, кленовые листья и блестящий нож. Любовно выписаны и другие вещи, находящиеся на дальнем плане: стулья, большая фарфоровая тарелка, украшающая стену, фигурка игрушечного солдата, подсвечник на подоконнике. Солнечный свет, льющийся из окна и ложащийся на предметы яркими бликами, придает изображению поэтическое очарование.

Михаил Александрович Врубель (1856-1910) писал: “И опять меня обдает, нет, не обдает, а слышится мне та интимная национальная нотка, которую мне так хочется поймать на холсте и в орнаменте. Это музыка цельного человека, не расчлененного отвлечениями упорядоченного, дифференцированного и бледного Запада”.

В Академии художеств любимым преподавателем Врубеля был Павел Чистяков, учивший молодого живописца "рисовать формой" и утверждавший, что объемные формы не следует создавать в пространстве тушевкой и контурами, их следует строить линиями. Благодаря ему Врубель научился не просто показывать натуру, а словно вести с ней задушевную, почти любовную беседу. В таком духе выполнен чудесный натюрморт мастера “Шиповник” (1884).

На фоне изысканной драпировки с цветочными мотивами художник разместил изящную округлую вазочку, расписанную восточными узорами. Отчетливо выделяется нежный белый цветок шиповника, оттененный сине-зеленой тканью, а листья растения почти сливаются с тускло мерцающим черным горлышком вазы. Эта композиция исполнена невыразимой прелести и свежести, которой зритель просто не может не поддаться.

Большого мастерства в создании натюрмортов-“обманок” достигли Г.Н. Теплов и Т. Ульянов. Чаще всего они изображали дощатую стенку, на которой были прорисованы сучки и прожилки дерева. На стенках развешаны или заткнуты за прибитые гвоздями тесемочки разнообразные предметы: ножницы, гребешки, письма, книги, нотные тетради. На узких полочках расставлены часы, чернильницы, флаконы, подсвечники, посуда и другие мелкие вещицы. Кажется, что подобный набор предметов совершенно случаен, но на самом деле это далеко не так. Глядя на такие натюрморты, можно догадаться об интересах художников, занимавшихся музицированием, чтением, увлекавшихся искусством. Мастера любовно и старательно изображали дорогие им вещи. Эти картины трогают своей искренностью и непосредственностью восприятия натуры.

Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) также много уделял в своем творчестве жанру натюрморта. На его жизнерадостных полотнах можно увидеть яркие атласные ткани, сверкающие медью самовары, блеск фаянса и фарфора красные ломти арбуза, виноградные грозди, яблоки, аппетитные кексы. Одной из его замечательных картин является "Купчиха за чаем", 1918 г. Невозможно не восхищаться ярким великолепием показанных на полотне предметов. Сверкающий самовар, ярко-красная мякоть арбузов, глянцевые яблоки и прозрачный виноград, стеклянная вазочка с вареньем, позолоченная сахарница и чашка, стоящие перед купчихой, — все эти вещи вносят в изображение праздничное настроение.

В жанре натюрморта большое внимание уделялось так называемым "натюрмортам-обманкам". Многие натюрморты-“обманки”, несмотря на то, что их главной задачей было введение зрителя в заблуждение, обладают несомненными художественными достоинствами, особенно заметными в музеях, где, развешанные по стенам, такие композиции, конечно же, не могут обмануть публику. Но есть здесь и исключения. Например, “Натюрморт с книгами”, выполненный П.Г. Богомоловым, вставлен в иллюзорный “книжный шкаф”, и посетители не сразу догадываются, что это всего лишь картина.

Очень хорош “Натюрморт с попугаем” (1737) Г.Н. Теплова. С помощью ясных, четких линий, переходящих в мягкие, плавные контуры, легких, прозрачных теней, тонких цветовых нюансов художник показывает разнообразные предметы, развешанные на дощатой стене. Виртуозно передана древесина, голубоватые, розовые, желтоватые оттенки которой помогают создать почти реальное ощущение свежего запаха только что выструганного дерева.

Русские натюрморты-“обманки” XVIII века свидетельствуют о том, что художники еще недостаточно умело передают пространство и объемы. Более важно для них показать фактуру предметов, словно перенесенных на холст из реальной действительности. В отличие от голландских натюрмортов, где вещи, поглощенные световой средой, изображены в единстве с ней, в картинах русских мастеров предметы, выписанные очень тщательно, даже мелочно, живут как бы сами по себе, вне зависимости от окружающего пространства.

В начале XIX века большую роль в дальнейшем развитии натюрморта сыграла школа А.Г. Венецианова, выступавшего против строгого разграничения жанров и стремившегося научить своих воспитанников целостному видению натуры.

А.Г.Венецианов. Гумно, 1821-23 г.

Венециановская школа открыла новый для русского искусства жанр — интерьер. Художники показывали различные помещения дворянского дома: гостиные, спальни, кабинеты, кухни, классные комнаты, людские и т.п. В этих произведениях важное место отводилось изображению различных предметов, хотя сам по себе натюрморт почти не интересовал представителей круга Венецианова (во всяком случае, сохранилось очень немного натюрмортов, выполненных учениками знаменитого живописца). Тем не менее, Венецианов призывал своих воспитанников тщательно прорабатывать не только лица и фигуры людей, но и окружающие их вещи.

Предмет в живописи Венецианова не является аксессуаром, он неразрывно связан с остальными деталями картины и часто является ключом к пониманию образа. Например, подобную функцию выполняют серпы в картине “Жнецы” (вторая половина 1820-х, Русский музей, Санкт-Петербург). Вещи в венециановском искусстве кажутся вовлеченными в неспешную и безмятежную жизнь персонажей.

Хотя Венецианов, по всей вероятности, не писал собственно натюрмортов, он включал этот жанр в свою обучающую систему. Художник писал: “Неодушевленные вещи не подлежат тем разнообразным изменениям, кои свойственны предметам одушевленным, они стоят, держатся перед неопытным художником смирно, неподвижно и дают ему время точнее и рассудительнее вникнуть, всмотреться в отношения одной части к другой как в линиях, так в свете и тени самим цветом, кои зависят от места, занимаемого предметами ”.

Конечно, натюрморт играл большую роль и в педагогической системе Академии художеств в XVIII-XIX столетиях (в учебных классах воспитанники делали копии с натюрмортов голландских мастеров), но именно Венецианов, призывавший молодых художников обращаться к натуре, ввел в свою программу первого года обучения натюрморт, составленный из таких вещей, как гипсовые фигуры, посуда, подсвечники, разноцветные ленты, фрукты и цветы. Предметы для учебных натюрмортов Венецианов подбирал так, чтобы они были интересны начинающим живописцам, понятны по форме, красивы по цвету.

В картинах, созданных талантливыми учениками Венецианова, вещи переданы правдиво и свежо. Таковы натюрморты К. Зеленцова, П.Е. Корнилова. В творчестве венециановцев есть и работы, которые по своей сути не являются натюрмортами, но, тем не менее, роль вещей в них огромна. Можно назвать, например, полотна “Кабинет в Островках” и “Отражение в зеркале” Г.В. Сороки, хранящиеся в собрании Русского музея в Санкт-Петербурге.

Г.В. Сорока. “Кабинет в Островках”. Фрагмент, 1844, Русский музей, Санкт-Петербург

Натюрморты в этих произведениях выступают не самостоятельно, а как своеобразно скомпонованные мастером части интерьера, соответствующие общему композиционному и эмоциональному строю картины. Главным связующим элементом здесь является свет, мягко переходящий от одного предмета к другому. Глядя на полотна, понимаешь, насколько интересен окружающий мир художнику, любовно изобразившему каждый предмет, каждую самую мелкую вещицу.

Натюрморт, представленный в “Кабинете в Островках”, хотя и занимает небольшое место в общей композиции, кажется необыкновенно значительным, выделенным благодаря тому, что автор отгородил его от остального пространства высокой спинкой дивана, а слева и справа обрезал рамой. Кажется, что Сорока настолько увлекся лежащими на столе предметами, что почти забыл об остальных деталях картины. Мастер тщательно выписал все: гусиное перо, карандашик, циркуль, транспортир, перочинный ножик, счеты, листы бумаги, свечу в подсвечнике. Точка зрения сверху позволяет рассмотреть все вещи, ни одна из них не загораживает другой. Такие атрибуты, как череп, часы, а также символы “земной суеты” (статуэтка, бумаги, счеты), позволяют некоторым исследователям причислить натюрморт к типу vanitas, хотя такое совпадение чисто случайно, скорее всего, крепостной художник воспользовался тем, что лежало на столе его хозяина.

Известным мастером предметных композиций первой половины XIX столетия был художник И.Ф. Хруцкий, написавший множество прекрасных картин в духе голландского натюрморта XVII века. Среди самых лучших его работ — “Цветы и плоды” (1836, Третьяковская галерея, Москва), “Портрет жены с цветами и фруктами” (1838, Художественный музей Белоруссии, Минск), “Натюрморт” (1839, Музей Академии художеств, Санкт-Петербург).

В первой половине XIX века в России большой популярностью пользовался “ботанический натюрморт”, пришедший к нам из Западной Европы. Во Франции в это время выходили сочинения ботаников с прекрасными иллюстрациями. Большую известность во многих европейских странах получил художник П.Ж. Редуте, который считался “самым прославленным живописцем цветов своего времени”. “Ботанический рисунок” был значительным явлением не только для науки, но и для искусства и культуры. Подобные рисунки преподносились в подарок, украшали альбомы, что таким образом ставило их в один ряд с другими произведениями живописи и графики.

Во второй половине XIX века большое внимание изображению предметов уделял П.А. Федотов. Хотя он не писал собственно натюрмортов, мир вещей, созданный им, восхищает своей красотой и правдивостью.

Предметы в произведениях Федотова неотделимы от жизни людей, они принимают самое непосредственное участие в драматических событиях, изображенных художником.

Глядя на картину “Свежий кавалер” (“Утро после пирушки”, 1846), поражаешься обилию предметов, тщательно выписанных мастером. Настоящий натюрморт, удивляющий своей немногословностью, представлен на знаменитой картине Федотова “Сватовство майора” (1848). Осязаемо реально передано стекло: фужеры на высоких ножках, бутылка, графин. Тончайшее и прозрачное, оно как будто издает нежный хрустальный звон.

Федотов П.А. Сватовство майора. 1848—1849. ГТГ

Федотов не отделяет предметы от интерьера, поэтому вещи показаны не только достоверно, но и живописно тонко. Каждый самый обычный или не слишком привлекательный предмет, занимающий свое место в общем пространстве, кажется удивительным и красивым.

Хотя Федотов не писал натюрмортов, он проявлял несомненный интерес к этому жанру. Чутье подсказывало ему, как расположить тот или иной предмет, с какой точки зрения его представить, какие вещи будут выглядеть рядом не только логически обоснованно, но и выразительно.

Мир вещей, помогающий показывать жизнь человека во всех ее проявлениях, наделяет произведения Федотова особой музыкальностью. Таковы картины “Анкор, еще анкор” (1851-1852), “Вдовушка” (1852) и многие другие.

Во второй половине XIX века жанр натюрморта практически перестал интересовать художников, хотя многие жанристы охотно включали элементы натюрморта в свои композиции. Большое значение приобретают вещи в картинах В.Г. Перова (“Чаепитие в Мытищах”, 1862, Третьяковская галерея, Москва), Л.И. Соломаткина (“Славильщики-городовые”, 1846, Государственный исторический музей, Москва).

Натюрморты представлены в жанровых сценах А.Л. Юшанова (“Проводы начальника”, 1864), М.К. Клодта (“Больной музыкант”, 1855), В.И. Якоби (“Разносчик”, 1858), А.И. Корзухина (“Перед исповедью”, 1877; “В монастырской гостинице”, 1882), К.Е. Маковского (“Алексеич”, 1882). Все эти полотна ныне хранятся в собрании Третьяковской галереи.

К.Е. Маковский. “Алексеич”, 1882, Третьяковская галерея, Москва

В 1870-1880-х годах ведущим жанром в русской живописи оставался бытовой, хотя пейзаж и портрет также занимали важное место. Огромную роль для дальнейшего развития русского искусства сыграли передвижники, стремившиеся показать в своих произведениях правду жизни. Художники стали придавать большое значение работе с натуры и потому все чаще обращались к пейзажу и натюрморту, хотя многие из них считали последний напрасной тратой времени, бессмысленным увлечением формой, лишенной внутреннего содержания. Так, И.Н. Крамской упоминал об известном французском живописце, не пренебрегавшем натюрмортами, в письме к В.М. Васнецову: “Не станет же талантливый человек тратить время на изображение, положим, тазов, рыб и пр. Это хорошо делать людям, имеющим уже все, а у нас дела непочатый угол”.

Тем не менее, многие русские художники, не писавшие натюрмортов, восхищались ими, глядя на полотна западных мастеров. Например, В.Д. Поленов, находившийся во Франции, писал И.Н. Крамскому: “Посмотришь, как тут дело идет, словно по маслу, работает каждый в своем роде, в самых различных направлениях, что кому по душе, и все это ценится и оплачивается. У нас главным образом значение имеет, что сделано, а тут — как сделано. Например, за медный таз с двумя рыбами платят по двадцати тысяч франков, да еще в придачу считают сего медных дел мастера первым живописцем, и, пожалуй, не без резону”.

Побывавший в 1883 году на выставке в Париже В.И. Суриков восторгался пейзажами, натюрмортами и картинами с изображением цветов. Он писал: “Хороши рыбы Гиберта. Рыбья склизь передана мастерски, колоритно, тон в тон замешивал”. Есть в его письме к П.М. Третьякову и такие слова: “А рыбы Жильберта — чудо что такое. Ну совсем в руки взять можно, до обмана написано”.

И Поленов, и Суриков могли бы стать прекрасными мастерами натюрморта, о чем свидетельствуют виртуозно написанные предметы в их композициях (“Больная” Поленова, “Меншиков в Березове” Сурикова).