Отметьте черты творчества художников итальянского возрождения. Живопись эпохи северного возрождения

В духовной культуре эпохи Возрождения искусство стало главным видом творческой деятельности. Оно было для людей Возрождения тем, чем в средние века была религия. Недаром отстаивалась мысль. Что идеальный человек должен быть художником. Почти не было людей, равнодушных к искусству. Художественное произведение наиболее полно выражало и идеал гармонически организованного мира, и место человека в нем. Этой задаче в различной степени подчинены все виды искусства.

Любая творческая деятельность вызывает уважение в исследуемый исторический период, но именно искусство, – живопись и скульптура – становятся предметом почти священного поклонения. И это, безуслов­но, следствие превознесения отдельной человеческой личности (антропоцентризма), являющегося ядром мировоззрения Ренессанса. Исходная аксиома творчества - утверждение красоты реального мира как одного из существеннейших его объективных свойств. Красота опреде­лялась как «единство в многообразии», или «гармоничность», или «соразмерность», или «пропорциональность», то есть воспроизводилась античная эстетическая традиция. Источником же земной красоты являлся Бог как первый и величайший художник.

Понимание природы и человека как основных объектов прекрасного определяло главную цель искусства как постижение, утверждение и умножение этой красоты. Тезис «искусство есть подражание при­роде» отзывался общепринятым в культуре Ренессанса.

Постижение человеком мира, наполненного божественной красотой, становится одной из мировоззренческих задач возрожденцев. Мир влечет человека, поскольку он одухотворен Богом. А что может лучше помочь ему в познании мира, чем его собственные чувства. Человеческий глаз в этом смысле, по мнению возрожденцев, не знает равных. Поэтому в эпоху итальянского Возрождения наблюдается пристальный интерес к визуальному восприятию, расцветает живопись и другие пространственные искусства. Именно они, обладающие пространственными закономерностями, позволяют более точно и верно увидеть и запечатлеть божественную красоту. Поэтому особое внимание уделяется законам искусства, именно художники ближе других стоят в решении мировоззренческих задач. В плане познания мира у художника все преимущества. Эпоха итальянского Возрождения носит отчетливо художественный характер. П. Муратов, знаток итальянского Возрождения, писал об этом так: «Никогда человечество не было так беззаботно по отношению к причине вещей и никогда оно не было так чутко к их явлениям. Мир дан человеку, и так как это малый мир, то в нем драгоценно все, каждое движение нашего тела, каждый завиток виноградного листа, каждая жемчужина в уборе женщины. Для глаза…художника не было ничего малого и незначительного в зрелище жизни. Все составляло для него предмет познания».

Другими словами, жажда познания, которая так отличала личность эпохи Возрождения, раньше всего вылилась в форму художественного познания. Но, стремясь наиболее полно отразить все природные формы, художник обращается к научному знанию. Тесная связь науки и искусства – характерная черта ренессансной культуры. Занимаясь художественным творчеством, художники выходили через перспективу – в область оптики и физики, через проблемы пропорции – в анатомию и математику и т. д. Это приводило мастеров Ренессанса к отождествлению науки и искусства. Отсюда – поиск числовых отношений в пропорциях прекрасного человеческого тела, с редким упорством проводившейся Дюрером, делившим тело человека на своих чертежах на 1300 частей. Отсюда – утверждение Леонардо да Винчи, что «перспектива – поводья и кормило» живописи. Вырабатывается новая система художественного видения мира, основанная на доверии к чувственным восприятиям, прежде всего зрительным. Изображать так, как мы видим, – вот исходный принцип художников Ренессанса. А мы видим вещи не изолированно, а в единстве со средой, где они находятся. Среда пространственна; предметы, располагаясь в пространстве, видятся в сокращениях.

Соединение ученого и художника в одном лице, в одной творческой личности было возможно в эпоху Ренессанса и станет невозможным позднее. Мастеров Возрождения часто называют «титанами», имея в виду их универсальность. «Это была эпоха, которая нуждалась в титанах и породила их по силе мысли, страсти и характеру, по многосторонности и учености», - писал Ф. Энгельс.

Но хотя природа рассматривалась как истинно прекрасный образец для художника, последний не должен довольствоваться изображением конкретных единичных предметов, ибо не водном из них красота не запечатлена полностью и абсолютно. Художник должен был рассматривать и сопоставлять множество конкретных предметов, отбирать в каждом более красивые элементы и сочетать его в создаваемом им произведении которое оказывалось и подражанием природе, и созданием абсолютной красоты. Художник уподоблялся Богу – Творцу, идеализируя искусством действительность создавая особый мир абсолютной красоты.

В живописи проторенессанса, подготовительного этапа Возрождения, искусство обращается к реалистической убедительности и телесной осязаемости изображений. Это качество сочеталось с другим свойством – сохранением и переосмыслением готической традиции. Чувственно-материальную тенденцию представляет искусство Джотто ди Бондоне (1266/67-1337). С его именем связан переворот в итальянской живописи, основанный на разрыве со средневековой традицией, нарастании реалистических моментов, наполнении религиозных форм светским содержанием, переходом от плоскостных изображений к объемным и рельефным. В своих работах «Оплакивание Христа», «Возвращение Иосифа к пастухам» он передает трехмерное пространство, построенное в линейной перспективе.

Спиритуалистическая тенденция отражена в творчестве Симоне Мартини (ок.1284-1344). В его фресках «Маэста», «Благовещение» развивалась утонченно-поэтическая трактовка образов, отмеченная эстетическим изыском и повышенной эмоциональностью.

В произведениях раннего Возрождения человек еще слит с событиями священной истории, но его облик и внутреннее состояние уже исполнены просветленности. Особенностью этого периода стало постижение равновесия мира и человека. При этом мир ясен, прозрачен и открыт герою, который с достоинством занимает место в мироздании в согласии со всеми его явлениями. Живопись производит скульптурное впечатление. Проблемы колорита отступают на второй план. Художники XV в. открывают законы перспективы и строят сложные многофигурные композиции. Ведущим центром культуры в это время была Флоренция. Изменилась социальная жизнь живописцев, они воспринимается как выдающиеся общественные деятели.

В живописи кватроченто совершается поворот к светскому толкованию изображаемых сюжетов. Высокого подъема достигло искусство фрески. Картина представляла замкнутую композицию, заключенную в раму, пронизана чувством открытия мира. Благодаря перспективе строения и пропорции, тела приобретали новую значимость.

Особое место в культуре этого периода занимает творчество Сандро Боттичелли (1445-1510), которое соотносится с созерцательной традицией. Стиль Боттичелли отличается утонченностью и аристократизмом. Среди аллегорических произведений наиболее известны «Рождение Венеры», «Весна», «Покинутая».

Мазаччо (Томазо ди Джованни ди Симоне Гвиди) (1401-1428) отражает в своих религиозных по тематике картинах («Чудо с сатиром», «Троица», «Изгнание из рая») представление о совершенной человеческой личности. В творчестве заметны античные мотивы, присутствуют портретные изображения заказчиков, что является одним из первых примеров достоверных портретов в живописном произведении на религиозную тему.

В высоком Ренессансе геометризм углубляется, но к нему прибавляются одухотворенность, психологизм, стремление передать внутренний мир человека, его чувства, настроения, характер, темперамент. Разрабатывается воздушная перспектива, материальность форм достигается не только объемностью и пластикой, но и светотенью.

В этот период выделились и обозначили свои позиции две художественные школы – Флорентийская и Венецианская. Флорентийскую школу определяли программность. художественного мышления, теоретические основания предпринимаемым творческим попыткам. Отличительная черта Венецианской школы – эмоциональность. Ее чувственному мироощущению был чужд флорентийский рационализм.

«Титаном» высокого Возрождения был Леонардо да Винчи (1452-1519) – живописец, скульптор, ученый, инженер-изобретатель, математик и механик. Считал живопись универсальным языком, ибо ей доступны все проявления разумного начала, царящего в природе. Реалистичное воспроизведение красоты чувственных земных предметов достигалось посредством отказа от жестких, резких линий в живописи, их замены светотенью. Знаменитая «дымчатая светотень» Леонардо - это нежный полусвет с мягкой гаммой тонов молочно-серебристых, голубоватых, иногда с зеленоватыми переливами, в которых линия сама становится как бы воздушной. Светотень и «пропадающее очертание» - удивительные открытия художников Возрождения, которые использовались для воссоздания в живописи телесности, объемности предметов. Высшими достижениями Леонардо считаются фреска «Тайная вечеря» и живописный портрет флорентийки «Джоконда». Оптические исследования позволили ему заложить основы воздушной перспективы. Свои размышления об искусстве изложил в трактате «Книга о живописи».

Рафаэль Санти (1483-1520) обладал даром художественного синтеза. Особое место в наследии мастера занимает алтарное полотно «Сикстинская Мадонна». Работал в Ватиканском дворце – «Афинская школа». Творчеству присуща монументальность, но есть и графические работы, наброски. В Риме достиг расцвета талант Рафаэля-портретиста. Известные работы –«Дама в покрывале», портрет Папы Юлия II. Искусство Рафаэля долгое время сохраняло значение недосягаемого образца.

Для Микеланджело Буонароти (1475-1564) весь мир заключается в человеке и исчерпывается им. Каждый его персонаж – это воплощение человеческого бытия, понятого как подвиг. Внутренняя конфликтность человеческого существования преодолевается в его образах мощным волевым усилием, что создает в произведениях Микеланджело предельное духовное напряжение. Таков нравственный пафос «Давида», титаническая воля и могучий темперамент «Моисея», предельная концентрация сил «Восставшего раба», мощь и экспрессия росписи Сикстинской капеллы.

Понятие «поздний Ренессанс» обычно применяют к венецианскому Возрождению. На первый план выходят проблемы колорита, материальность изображения достигается градациями цвета. Переработав готику и восточные традиции, Венеция выработала стиль, для которого характерны красочность, романтическая живопись.

Крупнейшим мастером позднего Возрождения был Тициан (1476/77-1576), суть работ которого составляет психологическая глубина человека. Мифологические композиции Тициана заключали в себе ясную нравственную идею и воспринимались как аллегорическое воплощение современности, и как образ красоты человеческих чувств и отношений. Это работы «Даная», «Венера перед зеркалом».

Веронезе (1528-1588) избирает темой для творчества величие и победы Венецианской республики. Жизнерадостность, декоративность присуща работам «Триумф Мардохея», «Юнона, раздающая дары Венеции». Бытовые мотивы не являются определяющими в творчестве, они лишь вносят достоверность. Композиции сложны, многофигурны. В работе «Брак в Канне» евангельская тема решена в духе праздничной светской картины, персонажи одеты в современные костюмы.

Кризис ренессансной художественной культуры остро проявился во второй четверти XVIв. Идеальный утопический антропоморфизм Ренессанса более не соответствовал действительности, что и вызывало сложные кризисные процессы в культуре эпохи. Эстетические нормы и гуманистические установки переосмысливались. Утрачена прежняя уверенность в разумности мира, в особом предназначении человека. Он ощущает себя не связью всех элементов мира, а местом их столкновения. Смятение, неуверенность, сомнение определяют теперь душевное состояние людей. Все это побуждает к отказу от идеалов Ренессанса. Основной темой культуры становится взаимосвязь человека и среды, а главным персонажем – толпа, масса людей.

Кризис культуры выражался в противопоставлении идеалам субъективной воли художника, представлении об эфемерности мира, шаткости человеческой судьбы, находящейся во власти иррациональных сил. Таким направлением стал маньеризм. В произведениях маньеризма разрушаются внутрисюжетные психологические связи, логика рассказа, нарастает напряжение. Беспокойное, тревожное чувство, мистическая экзальтация, вычурность и манерность вытесняют простоту стиля.

В творчестве Понтормо (1494-1557) наблюдаются поиски нового стиля. Мистическая экспрессия работ идет вразрез с канонами ренессансного искусства – «Портрет юноши», «Встреча Марии и Елизаветы». Вершиной трагизма творчества является работа «Положение во гроб», язык которой стилизован, обладает условностью, ирреальностью сцены.

Пармиджанино (1503-1540) завершает своим творчеством первый этап маньеризма. Уже в ранний период мастер отходит от ренессансных традиций, заменяя интерес к человеку преследованием чисто формальных задач, стремлением к передаче с иллюзорной точностью интересного оптического эффекта. Венцом творчества является работа «Мадонна с длинной шеей», исполненная нереальности, бестелесности, утонченной красоты. В портретах присутствует психологическая зоркость – «Автопортрет».

Наиболее полно эстетико-художественный идеал Возрождения выразили архитектура и скульптура. Ярким примером этому могут служить работы известного архитектора Филиппо Брунеллески (1377-1446). Он был и скульптором, и ученым, одним из авторов научной теории перспективы, создателем грандиозного для того времени купола над хором Флорентийского собора, который стал первым крупным памятником архитектуры и инженерной мысли Ренессанса и определил характерный силуэт Флоренции.

Леон Батиста Альберти (1404-1472) – ученый, архитектор, писатель, музыкант, один из наиболее одаренных людей своего времени, приобрел широкую известность теоретическими работами. Его трактат «Десять книг о зодчестве» был, чуть ли не единственным трудом об архитектуре. Используя разные античные источники, Альберти создал новую теорию архитектуры, основанную на понимании практических задач своего времени.

В архитектуре XV в. переосмысливалась античная ордерная система. Все известные итальянские зодчие искали соответствия логичности и ясности греческой конструкции с роскошью и изяществом целостного решения светской постройки. В городах возводились дворцы (палаццо) с мощными монументальными фасадами и легкими аркадами во дворах, виллы с прекрасными садами, портиками лоджиями. Строились базилики и центрические церкви, демонстрирующие разнообразие возможностей ново стиля.

Направление скульптуры было представлено таким мастером, как Донателло (Донато ди Никколо ди Бетто Барди) (1386-1466), в творчестве которого нашли свое отражение все важнейшие вехи эволюции и вершинные достижения эпохи, и кризисные повороты ее истории. В работах проявлял интерес к духовному и физическому бытию реального человека, уделял внимание античному наследию. Отходит в творчестве от готической пластики. Ему принадлежит сооружение и скульптурный декор гробницы Папы Иоанна XXIII. «Давид» – первое изображение обнаженной натуры в стиле Ренессанса. Поздние произведения отмечены чертами душевного надлома, возвращается к тематике страсти и страдания, религиозного аскетизма – «Юдифь и Олоферн».

Прогрессивное гуманистическое содержание культуры Возрождения получило яркое выражение в театральном искусстве, испытавшем значительное воздействие античной драматургии. Его характеризует интерес к внутреннему миру человека, наделенного чертами мощной индивидуальности. Отличительными особенностями театрального искусства эпохи Возрождения явилось развитие традиций народного искусства, жизнеутверждающий пафос, смелое сочетание трагического и комического, поэтического и буффонно-площадного элементов. Таков театр Италии, Испании, Англии. Высшим достижением итальянского театра стала импровизационная комедия дель арте (XVI в.).

В эпоху Возрождения профессиональная музыка теряет характер чисто церковного искусства и испытывает влияние народной музыки, проникаясь новым гуманистическим мироощущением. Появляются различные жанры светского музыкального искусства – фронттала и вилланелла. Мадригал, возникший в Италии, получил повсеместное распространение. Светские гуманистические устремления проникают и в культовую музыку. Складываются новые жанры инструментальной музыки, выдвигаются национальные школы исполнения. Эпоха Возрождения завершается появлением новых музыкальных жанров – сольных песен, ораторий, оперы.

Основные этапы и жанры литературы эпохи Возрождения связаны с эволюцией гуманистических концепций в периоды раннего, высокого и позднего Возрождения. Для литературы характерна новелла, особенно комическая, с антифеодальной направленностью, прославляющая предприимчивую и свободную от предрассудков личность.

Среди представителей культуры эпохи Возрождения есть личности, наиболее полно выразившие черты того или иного ее периода. Крупнейший представитель периода проторенессанса – Данте Алигьери (1265-1321). Его перу принадлежит оригинальная лирическая автобиография «Новая жизнь», философский трактат «Пир». Более известен как автор «Илиады средних веков» – «Комедии», названной потомками Божественной. В самом начале творческой деятельности Данте обращается к «новому сладостному стилю» – направлению, полному эмоций, но в то же время углубленного философского содержания. Этот стиль отличается разрешением проблемы – взаимоотношениями «земной» и «небесной» любви. Новый стиль, сохраняя образ земной любви, одухотворяет его. Он предстает как доступное чувственному восприятию воплощение Бога.

Ранний Ренессанс – это произведения Джованни Бокаччо (1313-1375), написанные в традициях рыцарской литературы, привлекшей его своими светскими мотивами, возможностью изобразить психологические переживания человека. Вершиной творчества писателя явился сборник новелл «Декамерон», где содержится критика церкви, духовенства, осуждается аскетическая мораль средневековья и ханжество, защищается право людей на чувственное наслаждение и любовь.

Итальянский поэт Франческо Петрарка (1304-1374) высоко оценивал и утверждал свободу индивидуальности. Стремление воспевать любовь к женщине отразилась в его автобиографии «Письмо к потомкам». Вошел в историю как автор любовной лирики. Его стихи посвящены Лауре, ей же посвящена поэма «Триумф». Также Петрарка автор сонетов и сборников биографий прославленных людей античности.

Высокое Возрождение отмечено расцветом героической поэмы: в Италии – Л. Пульчи , авантюрно-рыцарская сюжетика которой поэтизирует представление Возрождения о человеке, рожденном для великих дел.

Философская гуманистическая мысль эпохи Возрождения представлена широким спектром мыслителей. Идейным фактором, оказавшим влияние на развитие культуры Возрождения, стало складывание морали, престиж семьи и уважение потомков, сограждан.

Колюччо Салютати (1331-1406) понимал ренессансную культуру как воплощение общечеловеческого опыта и мудрости. Выдвигал на первый план новый комплекс гуманитарных дисциплин, теоретически обосновал значение каждой из них в воспитании высоконравственного и образованного человека. Особое внимание уделял вопросам этики. В его концепции главным был тезис о том, что земная жизнь дана в удел людям и их собственная задача – построить ее согласно природным законам добра и справедливости. Отсюда и нравственная норма – творческая активность во имя блага всех людей.

Леонардо Бруни (1370/74-1444) основоположник гражданского гуманизма, написал работы на моральные и педагогические темы. Отстаивал гражданские свободы, равенство всех перед законом, справедливость как моральную норму. Путь к воплощению этих норм он видит в воспитании граждан в духе патриотизма, высокой социальной активности, подчинения личной выгоды общим интересам.

Маттео Пальмиери (1406-1475) прославился сочинением «О гражданской жизни», публичными речами. Он выдвинул толкование понятия «справедливость», настаивал на том, чтобы законы соответствовали интересам большинства. Главным в воспитании добродетели он полагал обязательный для всех труд, оправдывал стремление к богатству, но допускал лишь честные методы накопительства. Цель педагогики – воспитание идеального гражданина.

Аламанно Ринуччини (1426-1499) в своих сочинениях – «Диалог о свободе», «Речь на похоронах Маттео Пальмиери», «Исторические записки» - отстаивал принцип гражданского гуманизма. Политическуюсвободу возводил в ранг высшей моральной категории – без нее невозможно подлинное счастье людей, их нравственное совершенство, гражданская активность.

Марсилио Фичино (1433-1499) занимался переводами, разработкой проблем космологии, антропологии. Он утверждал единство прекрасного, упорядоченного космоса, проникнутого божественным светом. Жизненное, движущее начало космоса – душа мира, к которой причастна и душа человека. Человек – связующее звено мира, в его душе идеи всего сущего, поэтому он обращается к самопознанию. Фичино признает равноправными чувственную и духовную стороны человеческой натуры, признает безграничными возможности человеческого познания.

Джованни Пико делла Мирандола (1463-1494) автор трудов «900 тезисов по философии, кабалистике, теологии», «Речь о достоинстве человека», «О сущем и едином». Главное – учение о достоинстве человека, об уникальном его положении в космической иерархии: наделенный свободой воли, он сам формирует свою сущность и определяет свое место в мире. Он богоподобен, в познании человек способен охватить весь космос, следовательно, он – связующее звено мира. Ступени познания проходят через овладение этикой, свободное постижение законов окружающего мира, через философию.

Самобытный характер Северного Возрождения проявился, в первую очередь, в культуре Нидерландов и Германии. Городами, оказавшимися главными центрами этой культуры, были Антверпен, Нюрнберг, Аугсбург, Галле. Позднее лидером стал Амстердам. Северный Ренессанс запаздывает по отношению к итальянскому на целое столетие и начинается тогда, когда Италия вступает в высшую стадию своего развития. Он характеризуется сложным сочетанием мистического мироощущения и гуманистического мышления. Познание мира и человеческой личности художниками Северного Возрождения происходило не через отрицание идеалов средневековья, как у итальянцев, а через развитие традиций национального готического искусства. В искусстве Северного Возрождения больше средневекового мировоззрения, религиозного чувства, символики, оно более условно по форме, более архаично, менее знакомо с античностью.

Характерное для всей ренессансной культуры стремление распространить идею божественной гармонии и благодати на весь материальный мир претворилась в творчестве северян по-иному, нежели в Италии. Итальянские художники наделяли образы идеальной гармонией, а северяне копировали мельчайшие детали, так что их творения своим натурализмом производили несколько странное впечатление.

Художников Северного Возрождения, в отличие от итальянских, мало волновали красота человеческого тела и иллюзорная глубина изображаемого пространства. Для них выразительной была готическая экспрессивность, состоящая в нарушении пропорций фигур, беспокойном движении складок одежды, в напрягшихся мускулах и жилах на шее.

Для итальянских художников идеалом считались точные пропорции и симметрия, а северянам любая закономерность считалась нарочитой. По этим причинам искусство Северного Ренессанса называют еще «магическим реализмом». Оно было стилистическим и неоднородным и по-разному проявлялось в Нидерландах и Германии.

Нидерланды, как и Германия, сохранили связь с духовной культурой средневековья и традициями готики. Специфика сложившегося в Нидерландах стиля живописи определялась тем, что Нидерланды находились под игом феодальной власти Бургундского герцогства, где возникла одна из самых ярких и уникальных художественных школ – бургундская, или франко-фламандская. На формирование стилистических признаков нидерландской живописи оказала влияние франко-фламандская миниатюра, в которой изображение реальной жизни со множеством конкретных подробностей проявилось раньше, чем в других видах изобразительного искусства.

Рост городов и уклад городской жизни способствовали формированию нового отношения к конкретной повседневной деятельности. Повседневные жизненные явления окружались благоговейным почитанием и ореолом святости: свое дело, свой дом, свое имущество, своя капелла, свой покровитель – святой, своя семья. Во всех слоях общества чрезвычайно повышалось стремление к украшению и опоэтизированию повседневности. Нидерландские художники обожествляли каждую травинку своего северного пейзажа, копировали мельчайшие детали быта и во всем видели прекрасное. Кредо нидерландской живописи стало понятие «праведной повседневности». Философской основой Северного Ренессанса был пантеизм. Пантеизм, не отрицая прямо существование Бога, растворяет его в природе, наделяет природу божественными атрибутами, такими, как вечность, бесконечность, безграничность. Поскольку пантеисты считали, что в каждой частице мира есть частица Бога, то делали вывод: каждый кусочек природы достоин изображения. Такие представления приводят к появлению пейзажа как самостоятельного жанра.

Великим мастером нидерландской живописи, которому принадлежит первенство в нидерландском Ренессансе, является Ян ван Эйк (1390-1441). В 20-30 гг. XV в. он создал новый тип картины, соединивший традиционную готическую алтарную композицию и портрет. Скрытый символизм картины указывал на ее связь с готикой, но по той роли, которая отводилась в ней человеку и окружающему его миру, она являлась ренессансной. Он писал алтарные образы, величайшим из которых является Гентский алтарь для капеллы в церкви св. Бавона. Образ мира, разработанный в Гентском алтаре, где совместно пребывали религиозные персонажи и жители земли, повторялся в последующих живописных полотнах художника, к примеру в «Мадонне канцлера Ролена». Реалистический характер искусства Яна ван Эйка ярко проявился в жанре светского «Портрета четы Арнольфини». Решая чисто светскую задачу портретирования, мастер сумел выявить психологический подтекст события, сделав акцент на душевном состоянии персонажей.

Новая нидерландская живопись завершила свой путь болезненным демонизмом Иеронима Босха (ок.1460-1516), творчество которого стоит особняком в искусстве Нидерландов XV-XVI вв. В своем творчестве он проникает в глубину человеческой психики, показывает то мрачное и трагическое, чем больна его эпоха. Большая часть его картин написана на религиозные темы, но поражает соединение мрачных средневековых фантазий и элементов фольклора, мистической символики и точности реалистических деталей.

Сюжетная основа картин Босха направлена на демонстрацию отрицательных явлений жизни, сохранение средневековой уничижительной оценки человека, постоянно подчеркнутое греховное земное существование людей и движение человечества по кривому пути безумия к Страшному суду. Главная тема бытоописательных картин – «Несение креста», «Корабль глупцов», «Блудный сын» – нелицеприятная оценка человечества. Лица людей уродливы, безумны, они – носители зла. Демонические «фантасмагории Босха» - явление уникальное в мировом искусстве. Он воплотил бредовое мировоззрение конца средневековья в вымышленных образах, строй которых был порожден жизнью.

В XV в. искусство в Германии стремилось точно фиксировать увиденное, раскрывать и поучать. Оно было стилистически неоднородным. Основоположником немецкого Возрождения считается Альбрехт Дюрер (1471-1528), сумевший в своем творчестве передать дух эпохи, где были распространены настроения хилиазма (веры в тысячелетнее правление Христа и праведников), предчувствие конца света, но вместе с тем и появление нового гуманистического мышления. Специфика видения мира Дюрера состоит в поисках возможности объективного отражения мира, полной достоверности.

Поражают гравюры Дюрера, например «Четыре всадника»; в величайшем творении – «Апокалипсисе» – отразилась религиозная тематика, ожидание пришествия антихриста и гибели мира, надежды на божью справедливость. Рационализм и мистика присущи гравюрам «Меланхолия», «Всадник, смерть и дьявол», в которых он передает мощь человеческого гения и осознание его ограниченности.

Помимо гравюр Дюрер писал портреты, для которых типично ассиметричное, некрасивое, полное сосредоточенной мысли лицо – «Автопортрет», «Портрет молодой женщины» и т.д. Итог своим взглядам на человека Дюрер подвел в работе «Четыре апостола».

Особенностью изобразительного искусства Германии, обусловленного глубокой религиозностью немцев, было то, что каждый человек переживал страдания Христа как трагедию собственной жизни, как ужасное событие, происходящее для верующей души ежедневно. Именно этим объясняется создание такого потрясающего по совмещению уродливого и прекрасного, натуралистического и метафизического произведения, каким является Изенгеймский алтарь, автором которого был Матис Нитхард , известный под именем Грюневальд (ок.1470/75-1528). Алтарь состоит из 9 частей. Нитхард неоднократно возвращается к теме распятия, евангельским сюжетам. В алтарь вписана одна из самых мистических картин художника «Вознесение Христа». Тело Спасителя как бы растворяется во вспышке цветных лучей. Стиль Изенгеймского алтаря несколько противоречив, т. к. вобрал в себя художественные изыски разных школ и направлений.

В последующие годы Нитхард обращается опять к теме страстей Христовых, – это «Таубербишофсгеймский алтарь», «Оплакивание Христа».Не смотря на мистический характер искусства Нитхарда, его творчество следует рассматривать как «осень средневековья», поскольку мистицизм его работ наполнен земными страданиями и надеждами.

В области архитектуры собственно возрожденческие планировочные и пластические принципы сливаются с традициями готики, что придает германской ренессансной архитектуре изощренность и вычурность. Во многих сооружениях, строительство которых продолжалось многие десятки лет, вообще невозможно установить границу, разделявшую готику и более поздние стили. Сюда может быть отнесен самый грандиозный собор католического мира в Кельне (начатый в 1248 г., совершенствуемый, реставрируемый и ремонтируемый до сегодняшнего дня), собор в Ульме (1377-1529), а также целый ряд замковых и дворцовых сооружений. Интерьеры церквей украшаются скульптурами, фресками, реже – витражами, складными алтарями, станковой живописью. Церкви выполняли функции музея наряду с отправлением культовых моментов. В целом же достижения архитектуры Северного Возрождения менее самобытны, чем достижения живописи. То же можно сказать и о скульптуре. Чрезвычайно интересная готическая скульптура переходит в маньеристское украшательство, почти не задерживаясь на ступени Ренессанса.

Музыка времен Северного Возрождения очень интересна. К XVI в. существовал богатый фольклор, в первую очередь вокальный. Музыка звучала в Германии повсеместно: на гуляньях, в церкви, на светских мероприятиях и в военном лагере. Крестьянская война и Реформация вызвали новый подъем народного песенного творчества. Есть немало выразительных лютеранских гимнов, авторство которых неизвестно. Хоровое пение стало неотъемлемой формой лютеранского богослужения. Протестантский хор оказал влияние на позднейшее развитие всей европейской музыки, но в первую очередь на музыкальность самих немцев, которые и сегодня музыкальное образование считают не менее важным, чем естественное.

Многообразие музыкальных форм в Германии XVI в. поражает: на масленицу ставились балеты, оперы. Нельзя не назвать таких имен, как К. Пауман (ок.1415-1473), П. Хофхаймер (1459-1537), Г. Изак (ок.1450-1515), это композиторы, сочинявшие светскую и церковную музыку, в первую очередь для органа, прелюдии, песнопения. К ним примыкает и выдающийся нидерландский композитор О. Лассо (ок.1532-1594), писавший музыку к псалмам и мессам.

Но настоящую революцию в немецкой музыке делает Г. Шютц (Шюц) (1585-1673), которым написана первая немецкая опера «Дафна» и первый немецкий балет «Орфей и Эвридика».

Возрожденческая литература в Германии опиралась на средневековые традиции мейстерзингеров. Наиболее совершенные образцы поэзии того времени представил продолжатель этих народных традиций Ханс Сакс . Он может считаться создателем современного немецкого языка. Зависимость от времени готики отразилась на развитии литературы Германии.

В книгопечатных мастерских Базеля и Страсбурга, где сосредоточилась вся современная интеллектуальная жизнь, вышла книга светского содержания «Корабль дураков»Себастиана Брандта (1457-1511), которую оформлял Дюрер. Эта книга дидактического характера была выдающимся явлением в литературе, т. к. была написана на немецком языке, а главное – подвергала сомнению прежние представления о морали, об источниках зла. В средневековых поэмах людские беды объяснялись кознями дьявола, который следовал за человеком по пятам. А «Корабль дураков» показывал, что не дьявол калечит и портит мир, а пошлость и глупость. И Брандт, «ради искоренения глупости, слепоты и предрассудков во имя исправления рода человеческого», наставлял «зерцало» на все пороки человека – невежество, распутство, пьянство, лень и т.д.

Общественная критика была возможна лишь под прикрытием шутовского колпака. Сатира являлась наилучшим способом осуждения. Наиболее выдающимся прозаиком, философом, гуманистом был Эразм Роттердамский (1469-1536), называвшим свое мировоззрение «христианским гуманизмом». Рассматривал христианство не как отрицание античной культуры, а как ее продолжение. Стремясь к «возрождению» идей и идеалов раннего христианства, главным истоком Эразм считает Писание. Нравственное и историческое толкование Писания важнее любых догматических дискуссий. Христа он ставит в одном ряду с мудрецами античности. Его лучшая книга «Похвала глупости» (1511) является сатирой на современное общество. Все слои и нации, все сословия, все люди подвержены глупости, причем «каждый дурачится на свой лад». Автор проводит мысль о том, что глупость заключена в самой человеческой природе. Но глупость преодолима и разум, в конечном счете, должен восторжествовать.

Многочисленные выступления против церкви, постоянная критика пороков католической иерархии не оттолкнули от Эразма римских пап, неоднократно предлагавших ему кардинальскую мантию. Э. Роттердамский видит добродетели в свободе и ясности духа, в миролюбии, воздержанности, образованности, простоте. Пороками считает фанатизм, невежество, насилие, лицемерие, интеллектуальную вычурность. Он считает, что для человеческого бытия наиболее пагубны одержимость, склонность к эксцессам, интеллектуальная ослепленность.

Век Северного Возрождения был недолог, но в истории культуры эта эпоха осталась как поразительно ценное явление, как клуб гениев, мастеров слова и живописи. Готический мистицизм в большей степени служил основой Северного Возрождения, но преодоление мрачных сторон национального мироощущения народа, вовлечение северных стран в общеевропейский культурный процесс началось именно в эпоху Северного Возрождения.

Специфика развития художественного стиля Нидерландов в эпоху Возрождения. Северным Возрождением называют период в культурном развитии стран, расположенных к северу от Альп, - Нидерланды, Германии, Франции 1-й трети 15-16 вв. Сев. Возрождение зародилось под влиянием Италии. Готическое искусство было той почвой, на которой взошло сер. Возрождение. В Северной Европе на становление новой культуры наибольшее влияние оказало не античное наследие, а христианство. Как и в Сред. Века, так и позднее, художники понимали что Бог в принципе неизобразим. Считалось, что образ Бога яснее всего запечатлен в окружающем мире. Поэтому предметом внимания североевропейского художника эпохи Возрождения сделались небеса и солнечный свет, вода и камни, растения и животные, сам человек, его жилище. Североевропейское искусство осмысливало место человека в мироздании иначе, чем итальянское. В искусстве Италии человек, наделенный безграничными творческим возможностями, способный преобразовать мир, рассматривался как центр Вселенной. В искусстве Сев. Европы человек – не вершина творения, а лишь одно из многочисленных свидетельств всемогущества Творца. Для них человек и прекрасен, и величав, но все же не более, чем любой камень или травинка.

Северное Возрождение - образы не наделялись гармонией (как в Италии), а копировали мельчайшие детали до натурализма. Худ-ков Северного Возрождения мало волновали красота человеческого тела, для них выразительней была готическая экспрессивность, нарушение пропорции фигур, складки одежды в беспокойном движении, мускулы и жилы на шее. Искусство этого времени было стилистически неоднородным и по-разному проявлялось в Нидерландах, Германии, Франции.

Новые черты ренессансного искусства проявились в Нидерландах. Эта страна была одной из самых богатых промышленно развитых стран Европы. Здесь свой идеал человека – ясный, трезвый, деловой. Обширные связи позволяли быстро воспринимать новые направления. Художники копировали каждую травинку своего пейзажа, мельчайшие детали быта, они во свеем этом видели прекрасное. В нидерландском искусстве сильны черты фольклора, фантастики, гротеска, острой сатиры, но главная его особенность – глубокое чувство национального своеобразия жизни, народных форм культуры, быта, нравов, типов, а также отображение социальных контрастов в жизни различных слоев общества. Стиль Возрождения в Нидерландах открыл Ян Ван Эйк. Одно из самых замечательных произведений - Гентский алтарь . Это двухъярусный складень, на 26 картин. Картины, составляющие алтарь объединены в 2 изобразительных цикла: повседневной жизни (живопись с внешней стороны алтарных створок, доступная зрителю, когда алтарь закрыт) и праздничная (внутренняя). Картина повседневности мгновенно сменяется зрелищем земного рая. Это прославление красоты земной жизни. Здесь видны наблюдения с натуры, фигуры и предметы в трехмерном объеме и весомы. В др. картине земной и небесный миры встречаются лицом к лицу – «Мадонна канцлера Ролена». Батья Ван Эйк открыли масляную живопись. Реалистическое содержание искусства Яна Ван Эйка проявилось в жанре портрета. Впервые в Европе был создан парный портрет «Портрет четы Арнольфине» на фоне жилой комнаты. Переданы черты индивидуального характера через копирование мельчайших деталей быта, одежды, фигур. Образ человека в окружении конкретных вещей. Передача перспективы и воздушной среды передана при помощи зеркала, в котором они отражаются, углубляет пространство.

Рогир Ван дер Вейден воспринял элементы реалистического изображения действительности от учителя Ян Ван Эйка, но остался под влиянием готики. В картине «Снятие с креста» отразился собственный экспрессивный стиль. Признаки этого стиля: силуэтная линия, четкие линейные контуры, большие яркие плоскостные цветовые пятна и богатый орнаментальный декор. Вейдена не привлекало многообразие мира. Он сосредоточен на человеке, видел в них источник красоты и духовного совершенства. Поэтому окружающую человека среду он передает без скрупулезности, это фон. А вот орнамент и детали выписывает скрупулезно в духе нидерландского натурализма. Например, алтарная картина «Поклонение волхвов» в Мюнхене. Тема религиозная, но из-за предельного реализма в передаче фигур обрела светское звучание. Поэтому напоминает жанровую сцену. Портреты, созданные художником, отличаются вниманием к сложному миру человеческих чувств и настроений.

Вторая половина 15 века - это политические и религиозные раздоры. В это время творил Иероним Босх. Его творчество стоит особняком в искусстве Нидерландов. Его живопись проникнута глубоким пессимизмом. В его творчестве проступает связь с народными поверьями, с фольклором, резче выявлена тяга к низменному, уродливому, к социальной сатире, облаченной в аллегорическую, религиозную или мрачную фантастическую форму. Он проник в глубину человеческой психики. Он сохранил средневековую уничтожительную оценку человека, от которой отказались все художники нидерландского Возрождения. В своем творчестве бичует пороки безвольного, бессильного, погрязшего в грехах человечества. Босх жил в своем собственном, страшном мире. Сюжет его картин показывали отрицательные явления жизни. Земное существование людей это греховное, за это будет Страшный суд. Образ преисподней вырос до грандиозных размеров. «Сад наслаждений», «Страшный суд», «Воз сена». В его композициях нет центра, нет главных действующего лица. Пространство заполняется многочисленными фигурами и предметами: преувеличенными гадами, жабами, пауками, в них соединены части разных существ и предметов. Цель композиции Босха – моральное назидание. Даже в бытовых картинах Босх дает низкую оценку человечеству. Он основоположник жанровой живописи. «Несение креста», «Корабль глупцов», «Блудный сын» – здесь люди носители зла и безумия. Для его творчества характерна связь с народными традициями. В свои картины художник вводил пейзажные и жанровые мотивы. Босх писал прозрачными голубыми, розовыми, изумрудными красками, создавал нежные колористические сочетания.

Новый подъем нидерландской живописи наступил в 16 в. Сопровождался разнообразием исканий, мучительной ломкой старых традиций, борьбой между новыми художественными течениями. Это привело к отказу от художественных традиций 15 в.. Художники обращались к более непосредственному отражению действительности, современности. В нидерландской живописи окреп источник народного реалистического искусства. К сер 16 в. не только изменился характер религиозной живописи, но и все более утверждались темы, посвященные жизни народных масс – крестьян, бедняков, бродяг, нищих, - развился монументальный бытовой жанр, натюрморт, индивидуальный и групповой портрет. Особого расцвета достигает «гротескный реализм» с характерными для него сказочно-смеховыми сюжетами и фольклорными мотивами.

Вершиной нидерландского Возрождения был Питер Брейгель Старший, его можно назвать певцом толпы. Его прозвали Мужицкий за любовь к народной тематике. Картины показывают жизненный уклад и обычаи своего народа в серед.16 века. Его искусство выросло на нидерландских традициях и народном фольклоре. «Нидерландские пословицы», «Игры детей» отражена активная бессмысленная деятельность людей. Они живут по законам безумного «перевернутого мира». Картины Брейгеля создавались не для крестьян, она для знатоков. Он не писал картины для общественных зданий, церквей. Мрачный дух того времени (притеснения и казни испанцами) отразились в картинах «Безумная Грета» и «Триумф Смерти». С его именем связано развитие жанра пейзажа. Он изображает множество мелких фигур на бескрайних просторах природы. Особенность композиций - взгляд сверху («Зимний пейзаж», «Охотники на снегу», «Падение Икара», «Детски игры»). Пейзажная и жанровая живопись Брейгеля – это его философские размышления. Создал серию «Времена года» где впервые изобразил полезную и осмысленную деятельность человека. Человек составная часть природы, зависит от нее и ищет гармонию с ней. В конце жизни Брейгель пишет картину «Слепые» – иллюстрация евангельской притчи о слепых. Слепота здесь символизирует слепой рок. Художник в образе калек символизирует образ человечества, физически и духовно слепого.

Своим творчеством Брейгель завершил искания нидерландских живописцев 15-16 вв. Вместе с тем он проложил путь к искусству 17 в., искусству Рубенса и Рембрандта.

Конец работы -

Эта тема принадлежит разделу:

Особенности культуры древнеегипетского рабовладельческого общества. Периодизация искусства. Влияние культа на развитие искусства

искусстве В основе расцвета искусства Древней Греции лежит прежде всего развитие в греческих.. рабовладельческих городах государствах свободной гражданской жизни Греческая.. демократией ограниченной рабовладельческой обеспечивавшей интересы только свободных и в первую..

Если Вам нужно дополнительный материал на эту тему, или Вы не нашли то, что искали, рекомендуем воспользоваться поиском по нашей базе работ:

Что будем делать с полученным материалом:

Если этот материал оказался полезным ля Вас, Вы можете сохранить его на свою страничку в социальных сетях:

Твитнуть

Все темы данного раздела:

Особенности культуры древнеегипетского рабовладельческого общества. Периодизация искусства. Влияние культа на развитие искусства
Эпоха древней цивилизации охватывает более трех тысячелетий. Начало этого периода связано с появлением первых государств в Египте и Шумере (конец 4 т.д.н.э.). Конец эпохи древности совпадает с паде

Рельефная пластика и живопись в искусстве Древнего Египта. Каноничность, особенности композиции
Большое место в искусстве Древнего царства занимают рельефы и росписи на стенах гробниц и храмов. Подобно скульптуре, рельефы и росписи были тесно связаны с заупокойным культом и находилис

Истоки проторенессанса и его значение в формировании культуры
Возрождения в Италии. Джотто и Н.Пизано как реформаторы итальянского искусства. Тринадцатое (его вторая половина) и четырнадцатое столетия сыграли очень большую роль в развитии итальянского

Ранний ренессанс в Италии. Скульптура раннего Возрождения в Италии. 19. Формирование новых принципов в живописи раннего Возрождения в Италии
Ранее Возрождение (Кватроченто). Это 15 век. Возникают художественные школы. Итальянские города отражают различные исторические эпохи. Раннее Возрождение во Флоренции. Новое направление в архитекту

Позднее Возрождение в Италии. Формирование маньеризма. Венецианская живописная школа
Позднее Возрождение. (с 40-х гг. 16в.) Италия под властью иностранных держав. Католичество переживает кризис. Лишь богатая Венеция свободна и может развивать искусство. Представители Позднего Возро

Искусство немецкого Возрождения. Противоречивый характер искусства, ведущие представители
Противоречия общественного развития Германии нашли свое отражение в немецком зодчестве 15 века. Как и в Нидерландах, здесь не было того решительного поворота к новому образному содержанию и новому

Формирование художественных стилей в искусстве Италии 17 века. Караваджизм и его влияние на европейскую живопись 17 века
Разница в понимании места, роли и возможностей человека и отлича-ет искусство XVII столетия от Ренессанса. Мировоззрение Ренессанса строилось, прежде всего, на безгра­ничной вере в гармонию мира, в

Искусство Франции 18 века. Формирование стиля рококо
Искусство Франции века Просвещения развивалось в условиях упадка феодально-абсолютистской системы, роста и сплочения демократических антифеодальных сил общества накануне буржуазной революции.

Развитие живописного портрета в искусстве Англии 18 века. Пейзаж в творчестве
Д.Констебля. Героика английской буржуазной революции не получила сколько-нибудь значительного отражения в изобразительном искусстве. На это были свои причины. Революция осуществлял

Особенности постимпрессионизма, его представители
4.1 Постимпрессионизм как концептуальное искусство Следующий этап развития французской живописи связан с творчеством художников, получивших имя постимпрессионистов. Фактически, п

Модернизм в искусстве 20 века
38. Основные направления модернизма. ХХ век подарил миру то, чего не знала вся история культуры: невиданное разнообразие школ и направлений, объединенных по необходимости широким те

Русское искусство 12-13 веков. Влияние феодальной раздробленности на его развитие
Во второй половине 12 в. произошел окончательный распад Киевского государства. Возник ряд феодальных княжеств, оспаривавших друг у друга первенство. Прогрессивное значение этого пер

Особенности развития русского искусства в период монголо-татарского ига 13 -15вв
Трудно до конца представить урон, который нанесло монголо-татарское завоевание русской земле, и без того ослабленной усобицами. В «Повести о приходе Батыя в Рязань» читаем со скорбью: «Погибе град

Творчество великих мастеров Ф.Грека, А.Рублева, Дионисия.(Творчество рублева описано выше)
Творчество Феофана Грека В XIV столетии в Новгороде работал и создал целое художественное направление художник ярчайшей индивидуальности - Феофан Грек. Родился он, по-видимому, в 30-х года

Русское искусство 15 -17 веков
XVII столетие – один из самых сложных и противоречивых периодов в средневековой русской истории. Недаром его называли «бунташным» – оно взрывалось «Медным» и «Соляным» бунтами. Народное недовольств

Формирование светского искусства в России 18 века. Роль Петра I в его становлении
РУССКАЯ АРХИТЕКТУРА XVIII ВЕКА XVIII век был знаменателен для России заметными переменами и значительными достижениями в области искусства. Изменились его жанровая структура, содержание, х

Развитие портрета в русском искусстве 18 века
XVIII век был знаменателен для России заметными переменами и значительными достижениями в области искусства. Изменились его жанровая структура, содержание, характер, средства художественного выраже

Русское искусство первой половины 19 века. Синтезирующий характер его развития
Введение Под искусством понимается одна из важнейших форм общественного сознания, в основе которой лежит образное отражение действительности, прежде всего жизни человека, всей совок

Пейзажная живопись в русском искусстве 19 века
В творчестве художников-передвижников расцвета достиг и жанр пейзажа. Горячая любовь их к родной стране выразилась в стремлении передать красоту и выразительность русской природы. И если художники-

Русское искусство второй половины 19 века. Многообразие видов и жанров
С 40-х годов заслугами «натуральной школы» Гоголя русская литература становится трибуной, с которой провозглашаются, дебатируются, исследуются «больные вопросы современности». Тургенев, Толстой, До

Возникновение Товарищества передвижных выставок. Его характеристика. Представители
Товарищество Передвижных Художественных Выставок является ключевой вехой в развитии русского искусства. Художники-передвижники стали, своего рода, символом русской живописи 19 века. Возникшее как р

Яркие представители русского искусства рубежа 19-20 вв. М.А. Врубель, В.А.Серова, И.Е.Репин
Тема 31. Русское изобразительное искусство на рубеже ХIХ-ХХ веков Начиная с 60-х годов в истории русского изобразительного искусства утверждается социально-бытовой жанр. Э

Многообразие в развитии отечественного искусства второй половины 20 века
В 1947 г. была создана Академия художеств СССР, и к 50-м гг. в области изобразительного искусства утвердилась жёсткая учебно-производственная система. Будущий художник должен был пройти ряд обязате

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV-XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность - человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение - это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан - титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. .

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой - Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа - золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто - это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто - прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи - один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо - это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

. 1503-1519 гг. Лувр, Париж.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин - и он - величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы - это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни - это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. . 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы - это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509-1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен..

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого - образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты - ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников XIX века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.

Художники эпохи Возрождения - это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

Собственно эпоху Итальянского Возрождения условно подразделяют на ряд этапов:

Проторенессанс (дученто «двухсотые», т.е. 1200-е) – XIII век.

Ранний Ренессанс (триченто и кватроченто) - с середины XIV - XV вв.

Высокий Ренессанс (чинквеченто) - до второй трети XVI в.

Поздний Ренессанс - вторая треть XVI - первая половина XVII вв.

Проторенессанс. Уже в ранних произведениях Данте (1265 -1321) цикле сонетов, канцон и баллад, объединенных в произведение «Новая жизнь», неоконченном произведении «Пир» и других - поэт начинает опыты по использованию итальянского язы­ка , доказывая тем самым его жизнеспособность. Ве­личайшим шедевром поэта, обессмертившим его имя, стала «Божественная комедия», благодаря которой Дан­те вошел в историю культуры как создатель итальянс­кого литературного языка. Сюжет произведения, весьма традиционный для Средневековья, тем не менее наполнен новыми элементами, часто противоречащими церковным ка­нонам, ярко выражающими мнение и вкусы самого автора. Весьма сложна структура «Божественной комедии». Произведение состоит из трех частей: «Ад», «Чистилище» и «Рай». Характерно, что провожатым по Аду и Чистилищу Данте выбирает римского поэта Вергилия, называя его «Учителем». Каждая из трех частей поэмы содер­жит тридцать три песни. Содержание подчинено последовательной символи­ке чисел.

В «Божественной комедии» Данте упоминает своего великого современ­ника - архитектора, скульптора и художника Джотто. С именем Джотто ди Бондоне (1266/1267 - 1337) связан решительный поворот к реалистическому искусству . Наиболее известными произведениями Джотто, дошедшими до нашего времени, считаются росписи на евангельские сюжеты в капелле дель Арена в Падуе и росписи на темы из жизни Францис­ка Ассизского в церкви Санта Кроче во Флоренции. В этих шедеврах мастер отказывается от плоскостного характера иконописных изображений на осно­ве синтеза объема и плоскости. Одним из наиболее трогательных образов, созданных Джотто, по праву считается образ Христа в сцене «Поцелуй Иуды» (фрески капеллы дель Арена в Падуе, 1304-1306). Мастеру удалось передать высокий драматизм сцены через пристальный и многозначительный взгляд Христа, обращенный на предателя. При этом Джотто сумел передать спокой­ствие Христа в соединении с ясным осознанием предначертанной ему судь­бы. Тема фрески «Христос и Иуда» проходит лейтмотивом через весь падуанский цикл («Встреча Марии и Елизаветы», «Бегство в Египет», «Оплакивание Христа» и др.). Новаторство Джотто оказало колоссальное воздействие на изоб­разительное искусство эпохи Возрождения.

Ранний ренессанс. К периоду Раннего Ренессанса относится литературное творчество Франческо Петрарки и Джованни Боккаччо. Наряду со своим земляком Данте эти ве­личайшие поэты Италии считаются создателями итальянского литературного языка.

Петрарка (1304-1374) остался в истории Возрождения как первый гума­нист, поставивший в центре своего творчества не Бога, а человека. Всемир­ную известность получили сонеты Петрарки на жизнь и смерть мадонны Ла­уры, вошедшие в сборник «Книга песен». Петрарка известен и как страстный популяризатор наследия античных авторов, о чем свидетельствует его трактат «О великих мужьях древности».

Учеником и последователем Петрарки был Боккаччо (1313-1375) - автор известного сборника реалистических новелл «Декамерон». Глубоко гуманистическое начало произведения Боккаччо, насыщенного тонкими наблюдениями, великолепным знанием психологии, юмором и оптимизмом, остается весьма поучительным и сегодня. Достаточно отметить, что в наше время новеллы Боккаччо легли в основу сценических и экранных версии шедевра, созданного более шестисот лет назад. Последующая литература Итальянского Возрождения равнялась на великих флорентийцев: Данте, Петрарку и Боккаччо, хотя и не смогла превзойти их славы.

Выдающимся мастером Раннего Возрождения, продолжившим реалистическую традицию, идущую от Джотто, считается Мазаччо (1401-1428). Россписи художника (капелла Бранкачи во Флоренции) отличают энергичная светотеневая лепка, пластическая телесность, трехмерность фигур и их композиционная увязка с пейзажем. Искусство Мазаччо стало образцом для творчества последующих поколений художников.

Наследие выдающегося мастера кисти Раннего Возрождения Сандро Боттичелли (1445-1510), работавшего при дворе Медичи во Флоренции, отличают тонкий колорит и настроение грусти. Мастер не стремится следовать реалистической манере Джотто и Мазаччо, его изображения плоскостны и как бы бесплотны. Среди работ, созданных Боттичелли, наибольшую известность приобрела картина «Рождение Венеры», ярко характеризующая особенность его творчества.

Наиболее известный скульптор первой половины XV в. Донателло (ок. 1386-1466). Возрождая античные традиции, он первым представил в скульптуре обнаженное тело, создал классические формы и виды ренессансной скульптуры: новый тип круглой статуи и скульптурной группы, живописного рельефа. Его искусство отличает реалистическая манера.

Выдающийся архитектор и скульптор Раннего Возрождения Филиппа Брунеллески (1377-1446) - один из основоположников архитектуры Ренессанса. Ему удалось возродить основные элементы античной архитектуры, которым, впрочем, художник придал несколько иные пропорции. Это позволило мастеру ориентировать постройки на человека, а не подавлять его, на что, в частности, были рассчитаны сооружения средневекового зодчества. Брунеллески талантливо решал сложнейшие технические задачи (строительство купола Флорентийского собора), внес большой вклад в фундаментальную науку (теория линейной перспективы).

Высокий ренессанс. Период Высокого Ренессанса был сравнительно коротким. Он связан прежде всего с именами трех гениальных мастеров, титанов Возрождения - Леонардо да Винчи, Рафаэля Санти и Микеланджело Буонарроти. А также творчество крупнейшего итальянского поэта Лудовико Ариосто (1474-1533), продолжившего литературные традиции Данте, Петрарки и Боккаччо. Наиболее известное его произведение - героическая рыцарская поэма «Неистовыи Роланд», проникнутая тонкой иронией и воплощающая идеи гуманизма.

Характерным фоном взлета Ренессанса был экономический и политический упадок Италии - закономерность, не раз повторявшаяся в истории. В творчестве представителей Высокого Возрождения достигли вершины реалистические и гуманистические основы культуры Ренессанса.

Леонардо да Винчи (1452-1519) едва ли имеет равных себе по степени одаренности и универсальности среди представителей Возрождения. Сложно назвать отрасль, в которой бы он не достиг непревзойденного мастерства. Леонардо одновременно был художником, теоретиком искусства, скульптором, архитектором, математиком, физиком, механиком, астрономом, физиологом, ботаником, анатомом, обогатив эти и многие другие сферы знаний открытиями и гениальными догадками. В его художественном наследии особо выделяются такие дошедшие до нас шедевры, как «Тайная вечеря» - фреска в трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие в Милане, а также самый знаменитый портрет эпохи Возрождения «Джоконда» («Мона Лиза»).

Среди многочисленных новаций Леонардо следует назвать особую манеру письма, получившую название дымчатой светотени (сфумато, от итал. fumo - дым), которая в сочетании с линейной перспективой передавала глубину пространства.

В творчестве Леонардо наиболее полно выразился универсализм представителей Возрождения, где сложно обнаружить резкие грани между наукой, художественной фантазией и воплощением замыслов. Об этом свидетельствуют, и частности, дошедшие до нас зашифрованные Записные книжки и рукописи титана Возрождения, насчитывающие около 7 тысяч листов.

Младший современник Леонардо великий живописец Италии Рафаэль Санти (1483-1520) вошел в историю мировой культуры как создатель ряда живописных шедевров. Это ранняя работа мастера «Мадонна Конестабиле», проникнутая изяществом и мягким лиризмом. Зрелые работы живописца выделяются совершенством композиционных решений, колоритом и экспрессией. Это росписи парадных залов Ватиканского дворца и, конечно, величайшее творение Рафаэля - «Сикстинская мадонна». Мастер получил также известность благодаря своим архитектурным проектам дворцов, вилл, церкви и небольшой часовни в Ватикане. Папа Лев Х назначил художника руководителем строительства купола Собора св. Петра.

Последним титаном Высокого Возрождения был Микеланджело Буонарроти (1475-1564) - великий скульптор, живописец, архитектор и поэт. Несмотря на его разносторонние таланты, его называют прежде всего первым рисовальщиком Италии благодаря самой значительной работе уже зрелого художника - росписи свода Сикстинской капеллы в Ватиканском дворце (1508- 1512). Общая площадь фрески 600 кв. метров. Многофигурная композиция фрески представляет иллюстрацию библейских сюжетов от сотворения мира. Особенно выделяется из живописных работ мастера фреска алтарной стены Сикстинской капеллы «Страшный суд», написанная спустя четверть века после росписи потолка Сикстинской капеллы. В этой фреске воплотились лучшие гуманистические идеалы Возрождения. Смелость художника в изображении обнаженных тел вызвала негодование части клира", что свидетельствовало о начале наступления реакции на основы идеологии Возрождения.

Как скульптор Микеланджело стал известен благодаря своему раннему произведению «Давид». Но подлинное признание как архитектор и скульптор Микеланджело обрел в качестве проектировщика и руководителя строительства основной части здания Собора св. Петра в Риме, остающегося и до настоящего времени самым крупным католическим храмом в мире, а также за скульптурное оформление лестницы и площади Капитолийского холма. Не меньшую известность принесли ему архитектурные и скульптурные работы во Флоренции, в частности, скульптурная композиция в капелле Медичи. Четыре обнаженные фигуры на саркофагах властителей Флоренции «Вечер», «Ночь», «Утро» «День» весьма ярко иллюстрируют осознание мастером ограниченности человеческих возможностей, отчаяние перед быстротекущим временем.

На период Высокого и Позднего Возрождения пришелся расцвет искусства в Венеции . Во второй половине XVI в Венеция, сохранившая республиканское устройство, становится своеобразным оазисом и центром Ренессанса. Среди художников венецианской школы рано умерший Джорджоне (1476-1510), обессмертивший свое имя полотнами «Юдифь», «Спящая Венера», «Сельский концерт». В творчестве Джорджоне проявились особенности венецианской школы, в частности, художник первым начал придавать пейзажу самостоятельное значение, в качестве приоритетных решать задачи колорита и света.

Величайший представитель венецианской школы - Тициан Вечеллио (1477 или 1487 -1576). При жизни он получил признание в Европе. Ряд значительных работ был выполнен Тицианом по заказу европейских монархов и папы римского. Работы Тициана привлекают новизной решения прежде всего колористических и композиционных задач. Впервые на его полотнах появляется изображение толпы как части композиции. Наиболее известные работы Тициана: «Кающаяся Магдалина. «Любовь земная и небесная», «Венера», «Даная», «Святой Себастьян» и др. Галерея выполненных им портретов современников была предметом глубокого изучения и подражания для последующих поколений европейских живописцев.

Поздний ренессанс. Период Позднего Возрождения был отмечен наступлением католической реакции. Церковь небезуспешно пыталась восстановить частично утраченную безраздельную власть над умами, поощряя деятелей культуры, с одной стороны, и используя репрессивные меры в отношении непокорных - с другой. Так, многие живописцы, поэты, скульпторы, архитекторы отказались от идей гуманизма, унаследовав лишь манеру, технику (так называемый «маньеризм») великих мастеров Возрождения. Среди наиболее крупных основоположников маньеризма Якопо Понтормо (1494-1557) и Анджело Бронзино (1503-1572), работавшие в основном в жанре портрета.

Однако маньеризм, несмотря на мощное покровительство церкви, не стал ведущим направлением в период Позднего Возрождения. Это время было отмечено реалистическим, гуманистическим творчеством живописцев, относящихся к венецианской школе: Паоло Веронезе (1528 - 1588), Якопо Тинторетто (1518 - 1594). Микеланджело да Караваджо (1573-1610) и др.

Караваджо является основоположником реалистического направления в европейской живописи XVII в. Полотна мастера отличаются простотой композиции, эмоциональным напряжением, выраженным через контрасты света и тени, демократизмом. Караваджо первым противопоставил подражательному направлению в живописи (маньеризму) реалистические сюжеты народного быта - караваджизм.

Последним из наиболее крупных скульпторов и ювелиров Италии был Бенвенуто Челлини (1500-1571), в творчестве которого отчетливо проявились реалистические каноны Возрождения (например, бронзовая статуя «Персей»). Челлини остался в истории культуры не только как ювелир, давший свое имя целому периоду в развитии прикладного искусства, но и как незаурядный мемуарист, талантливо воссоздавший портреты своих современников в книге «Жизнь Бенвенуто Челлини», не раз издававшейся и на русском языке.

Отличие от итальянского Возрождения

Духовное пробуждение Европы, которое началось в к. XII века, было следствием подъема средневековой городской культуры и выразилось в новых формах деятельности - интеллектуальной и культурной. В частности - расцвет схоластической науки, пробуждение интереса к античности, проявление самосознания личности в религиозной и светской сфере, в искусстве - готический стиль.

Этот процесс духовного пробуждения шел двумя путями (из-за социально-экономических, национальных и культурных особенностей):

развитие элементов светского гуманистического мировоззрения

развитие идей религиозного «обновления»

Оба эти течения нередко соприкасались и сливались, но по сути все же выступали как антагонисты. По первому пути пошла Италия (см. Ренессанс, с его антикизирующими и реалистическими тенденциями), по второму - Северная Европа, пока еще - с формами зрелой готики, с её общим спиритуалистическим настроем и натурализмом деталей .

Основные отличия: большее влияние готического искусства, меньшее внимание к изучению анатомии и античного наследия, тщательная и детализированная техника письма. Кроме того, важной идеологической составляющей явилась Реформация.

Северное Возрождение.

До конца XV в. Ренессанс был явлением только итальянской культуры. Но на рубеже XV-XVI вв. возрожденческая культура преодолела национальные границы Италии и быстро распространилась по странам Западной Европы к северу от Альп - в Нидерландах, Германии и Франции. Каждая страна имела свои особенности в становлении культуры Возрождения, но наиболее самобытный характер Северного Ренессанса проявился в художественной культуре Нидерландов и Германии. Главными центрами искусства были Антверпен, Нюрнберг, Аугсбург, Галле, Амстердам.

Использование термина «Возрождение» по отношению к культуре этих стран довольно условно, так как ее формирование опиралось не на возрожденное античное наследие, а на идеи религиозного обновления. Тем не менее сущность происходивших процессов и в Италии, и в этих странах была общей - расшатывание феодального мировоззрения, становление буржуазного гуманизма, рост самосознания личности.

Развитие Северного Ренессанса на целое столетие запоздало по отношению к итальянскому и происходило на совершенно другой основе. Так, в Италии основой гуманизма служили учения античных философов-язычников, а в северных странах он основывался на воскрешении демократической религии ранних христиан с ее требованием социальной справедливости. Если идеалом итальянского Ренессанса была сильная героическая личность, то в северных странах идеалом стала христианская любовь к ближнему. Поэтому в художественной культуре Северного Возрождения сохранилось значительно больше черт средневекового мировоззрения, религиозного чувства, символики, она более условна по форме, более архаична и меньше знакома с античностью.

Философской основой Северного Возрождения был пантеизм (обожествление вселенной, природы). Не отрицая прямо существование Бога, это учение растворяет его в природе, наделяя ее божественными атрибутами, такими, как вечность, бесконечность, безграничность. Пантеисты считали, что в каждой частице мира есть частица Бога, и делали вывод, что любое проявление природы достойно изображения. Такие представления привели к появлению в художественной культуре Северного Возрождения пейзажа как самостоятельного жанра.

В Германии в последней трети XV в. возник и получил развитие в искусстве Северного Ренессанса портрет. Немецкий портрет отличался от портретной живописи итальянского Возрождения. Если итальянские художники в своем преклонении перед человеком создавали идеал красоты, то немецкие мастера были безразличны к красоте, для них главным было передать характер, добиться эмоциональной выразительности образа. В итальянском Возрождении на первом плане была эстетическая сторона, в Северном - этическая.

В искусстве Северного Ренессанса сформировался и получил развитие (прежде всего в Нидерландах) такой жанр, как бытовая картина. Нидерландских художников отличала необычайная виртуозность письма: любая мельчайшая подробность изображалась с большой тщательностью. Это делало картины очень увлекательными для зрителя: чем больше разглядываешь, тем больше находишь интересных деталей.

Главное различие между итальянским и Северным Возрождением заключается в том, что первому присуще стремление к восстановлению античной культуры, к раскрепощению, освобождению от церковных догм, светской образованности, тогда как в

Северном Возрождении главное место занимали вопросы религиозного совершенствования, обновления католической церкви и ее учения. Северный гуманизм привел к реформации и протестантизму.

Возрождение в Нидерландах

Нидерландами в XV в. называли земли у берегов Северного моря, где теперь расположены Голландия и Бельгия. Богатые области, объединенные под властью бургундских герцогов, первенствовали среди европейских стран в экономическом и культурном отношении. Рост городов и уклад городской жизни способствовали формированию нового отношения к конкретной повседневной деятельности. Обыденные жизненные явления окружались благоговейным почитанием и ореолом святости: мое дело, моя семья, мой дом, мое имущество, моя капелла, мой святой покровитель. Во всех слоях общества чрезвычайно усилилось стремление к украшению и опоэтизированию повседневности. Нидерландские художники буквально обожествляли каждую травинку своего северного пейзажа, копировали мельчайшие детали быта и во всем этом видели прекрасное. Становление нового искусства началось в первой трети XV в.Живописцу Яну ваи Эику безоговорочно принадлежит первенство в нидерландском ренессансе. Главное творение ван Эйка- грандиозный Гентский алтарь - полиптих (т.е. сложенный много раз) для одной из капелл в Генте, в котором выражено новое мировоззрение, новое представление о человеке и вселенной. Образ вселенной создают 12 изображений на наружных створках полиптиха (в закрытом виде) и 14 на внутренних (в раскрытом виде) - небесные сферы, населенные небожителями, и земля с се далями, лесами, долинами и горами.

Ван Эйку традиционно приписывают изобретение техники масляной живописи. Это не совсем точно, поскольку способ применения растительных масел как связующего вещества для краски был известен и раньше. Но художник усовершенствовал этот способ и впервые применил масляную живопись при создании алтарных картин. Из Нидерландов эта техника постепенно распространилась в Италию и другие страны, вытеснив темперу.

В XV в. впервые в европейском искусстве бытовой жанр становится самостоятельным направлением в живописи. У нидерландских художников не было стремления к идеализации, героизации, возвеличиванию человека и его деяний. Напротив, их отличали пристальный взгляд на мир и его правдивое, непосредственное изображение, уважение к будничной жизни и любовь к миру вещей. Все это привело к появлению картин на бытовые темы. Особое место в формировании и утверждении этого жанра принадлежит Босху и Брейгелю.

Творчество Хиеронимуса Босха современным зрителем воспринимается как очень сложное и загадочное, поскольку он постоянно прибегал к иносказаниям. Вероятно, современникам аллегорический смысл его образов был понятен, ибо его произведения пользовались большой популярностью. Сюжеты ею картин демонстрировали отрицательные явления жизни. В своем творчестве Босх выступал как моралист, страстный проповедник, бичующий зло и пороки погрязшего в грехах мира. В его картинах дьявол принимает разнообразные причудливые обличья, зло проникает повсюду, а человек предстает как раб греховности, как безвольное, бессильное и ничтожное существо.

Свои картины на темы ада, рая, Страшного Суда, искушения святых художник населил легионами фантастических тварей, у которых самым невероятным образом сочетаются части разных животных, растений, предметов, а иногда человека. Полные злобной активности, эти существа объединяются с маленькими беспомощными фигурками людей, птицами, рыбами, зверями, порождая ощущение низменного, суетного, лишенного разумной основы существования. Ни один из последующих мастеров живописи не создал столь фантастических, граничащих с безумием образов.

Сложные процессы общественной жизни середины XVI в. в Нидерландах оказали влияние на развитие живописи. Страна находилась под властью Габсбургов, которые ее беззастенчиво грабили. Когда правителем стал герцог Альба, в стране установился режим кровавого террора. Испанская инквизиция проводила массовые аресты, повсюду горели костры и воздвигались виселицы. Это неизбежно порождало мысль о ничтожности отдельного человека и его деятельности. В результате оказались окончательно изжитыми принципы искусства XV в. Творчество нидерландских художников все больше ориентировалось на изображение жизни народа. Наиболее выразительными в этом плане стали работы последнего художника нидерландского Возрождения Питера Брейгеля Старшего.

Творчество Брейгеля характеризуют жизненный уклад и обычаи страны середины XVI в. Для мировосприятия Брейгеля были характерны представление об извечно существующем в мире противостоянии добра и зла, умение видеть глубоко заложенный высший смысл в любых проявлениях жизни. В его картинах отражается активная деятельность людей, не имеющая никакого смысла. Картины объединяет мысль о безумии человеческого существования в условиях «перевернутого мира». Композиционно это множество мелких суетящихся фигурок, которые снуют между домами, выходят из дверей, выглядывают из окон и т.д. Они не составляют единого целого, их облик - это облик людей, живущих по законам «перевернутого мира». На них печать глупости, дурашливого веселья, бессмысленного внимания. Их веселые и бестолковые забавы - своего рода символ абсурдной деятельности всего человечества. В мировой живописи пейзажи Брейгеля занимают особое место, ибо нет других таких изображений природы, где космический аспект мироощущения был бы гак органично слит с житейской повседневностью. Поэтому не случайно Брейгель считается основателем пейзажного жанра в нидерландской живописи.

Возрождение в Германии

Становление культуры Возрождения в Германии происходило значительно позже, чем в Италии и Нидерландах. Это объясняется особенностями ее исторического развития. Еще в начале XV в. Германия была типичной средневековой страной, раздробленной на множество мелких княжеств. Средоточием и центром культурной жизни были города, которые представляли собой оазисы в феодальной стране, вся культура которой была под контролем церкви и сохраняла средневековый характер.

В Германии идеи гуманизма становятся известны к середине XV в. благодаря торговым связям с итальянскими городами. Распространение этих идей вызвало борьбу против феодального строя и католической церкви, общий культурный подъем, обновление литературы и искусства. В этом процессе главным для немецких художников было не само по себе овладение новыми формами изображения, а стремление с их помощью придать религиозному содержанию новую силу и близость к жизни, выразить мысли и чувства, тревожившие людей в это время.

Альбрехт Дюрер был основоположником немецкого Возрождения и единственной универсальной фигурой, подобной итальянским титанам Ренессанса. Великий гравер, живописец и рисовальщик в своем творчестве сумел оченьтонко пере дать дух эпохи с ее настроениями хилиазма (вера в тысячелетнее правление Иисуса Христа и праведников), предчувствием конца света, но вместе с тем и появлением нового гуманистического мышления. При этом Дюрер в своем творчестве с наибольшей полнотой выразил особенности именно немецкого Возрождения, отличного от искусства не только Италии, но и Нидерландов: в его творчестве рациональное и классическое неотделимо от готической экспрессивности и одухотворенности, тяга к знаниям соединяется с глубокой, страстной религиозностью.

На художественное сознание Дюрера оказало большое влияние его путешествие по Италии, поэтому его манера письма близка к итальянской. Его художественное видение мира отличается стремлением как можно более объективно отразить действительность, добиться от живописи и рисунка полной достоверности. По разнообразию сюжетов, широте восприятия действительности Дюрер является типичным представителем Высокого Возрождения. В изобразительном языке мастера нет дробности, красочной пестроты, линеарной жесткости. Его портреты цельны по композиции, пластичны по форме. Высокая одухотворенность отличает каждое лицо. Это становится возможным при сочетании идеального образа с конкретно-индивидуальным прототипом.

Выбор тематики и особенности стиля Дюрера, как и всех немецких художников, обусловлены его глубокой религиозностью. Накаленная религиозными распрями атмосфера, ожидание пришествия антихриста и гибели мира, надежда на Божью справедливость воплотились в величайшем творении Дюрера «Апокалипсис». Вершиной творчества мастера стали три знаменитые гравюры: «Всадник, смерть и дьявол», «Святой Иероним», «Меланхолия», в которых ярче всего выражены стой кость духа людей того времени, их готовность отвергнуть любые искусы, их горестные размышления о конечном результате борьбы. В этих работах сосуществуют рационализм и мистика, вера в мощь человеческого гения и осознание его ограниченности. Не связанные сюжетно, эти произведения составили единую образную цепь, в основу которой положена вера.

Среди огромного творческого наследия Дюрера особое внимание привлекают многочисленные автопортреты, что было необычно для искусства Возрождения. Особенно интересен и примечателен автопортрет 1500 г.; здесь Дюрер пишет л и по по закону идеальных пропорций и совмещает в нем облик Христа и свой. В этом можно видеть характерное для того времени стремление человека к единению с Богом и в то же время - высокое понимание миссии художника.

Творчество Лукаса Кранаха Старшего является неотъемлемой частью культуры Северного Возрождения. Круг его сюжетов очень широк: распятия, множество триптихов на евангельские темы, Мадонна с младенцем, античные сюжеты, портреты. На искусство Кранаха определенный отпечаток наложили вкусы саксонского двора, с которым художник был связан почти всю жизнь. В его живописи особенно отчетливы готические мотивы. Множество деталей, некоторая манерность нейтрализовались удивительной красотой колорита. Его мадонны и другие библейские героини - явные горожанки, современницы художника. Они излишне хрупки, но на них роскошные модные платья, прекрасные прически. Тем не менее его лучшие работы, написанные в начале XVI в., остаются образцом возрожденческой художественной культуры. Среди них - знаменитое «Распятие».

Ганс Гольбейн Младший был величайшим портретистом в немецкой живописи XVI в. Ему принадлежат портреты Эразма Роттердамского, Томаса Мора, Джейн Сеймур, трактующие образ современников как людей, полных достоинства, мудрости, сдержанной духовной силы. Гольбейн работал также как иллюстратор, создав очень разные, но яркие и выразительные иллюстрации к Библии и «Похвале Глупости» Эразма Роттердамского. Им был создан также цикл гравюр «Пляска смерти», перекликавшийся с творчеством Дюрера.

Век немецкого Возрождения был недолог. Начавшаяся Тридцатилетняя война (1618-1648) надолго задержала развитие немецкой культуры. Но в истории культуры эта эпоха осталась как целостное явление, давшая миру плеяду мастеров слова и живописи. Благодаря этой эпохе народы северных стран были вовлечены в общеевропейский культурный процесс.

Революционное значение Ренессанса для всех последующих времен в том, что именно в этот период были заложены основные гуманистические взгляды, развитие которых актуально и в наши дни. Возрождение открыло эру нового человека в истории мировой культуры, что отразилось в мировоззрении, убеждениях, во всех областях деятельности человека.

Возрожде́ние , или Ренесса́нс (фр. Renaissance , итал. Rinascimento ; от «re/ri» - «снова» или «заново» и «nasci» - «рождённый» ) - имеющая мировое значение эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену Средним векам и предшествующая Просвещению. Приходится - в Италии - на начало XIV (повсеместно в Европе - с 15-16 вв.) - последнюю четверть XVI веков и в некоторых случаях - первые десятилетия XVII века. Отличительная черта эпохи Возрождения - светский характер культуры, её гуманизм иантропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Расцветает интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» - так и появился термин.

Термин Возрождение встречается уже у итальянских гуманистов, например, у Джорджо Вазари. В современном значении термин был введён в обиход французским историком XIX века Жюлем Мишле. В настоящее время термин Возрождение превратился в метафору культурного расцвета .

Общая характеристика

Новая культурная парадигма возникла вследствие кардинальных изменений общественных отношений в Европе.

Особое значение в становлении Возрождения имело падение Византийского государства и бежавшие в Европу византийцы, взявшие с собой свои библиотеки и произведения искусства, содержавшие множество античных источников, неизвестных средневековой Европе, а также являвшиеся носителями античной культуры, в Византии никогда не забывавшейся. Так, под впечатлением от выступления византийского лектора, Козимо Медичи основал Академию Платона во Флоренции.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма - общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. Новое мировоззрение обратилось к античности, видя в ней пример гуманистических, неаскетичных отношений. Изобретение в середине XV века книгопечатания сыграло огромную роль в распространении античного наследия и новых взглядов по всей Европе.

Возрождение возникло в Италии, где первые его признаки были заметны ещё в XIII и XIV веках (в деятельности семейства Пизано, Джотто, Орканья и др.), но оно твёрдо установилось только с 20-х годов XV века. Во Франции, Германии и других странах это движение началось значительно позже. К концу XV века оно достигло своего наивысшего расцвета. В XVI веке назревает кризис идей Возрождения, следствием чего является возникновение маньеризма и барокко.

Периоды эпохи Возрождения

Возрождение делят на 4 этапа:

Проторенессанс (2-я половина XIII века - XIV век)

Раннее Возрождение (начало XV - конец XV века)

Высокое Возрождение (конец XV - первые 20 лет XVI века)

Позднее Возрождение (середина XVI - 90-е годы XVI века)

Проторенессанс

Проторенессанс тесно связан со средневековьем, с романскими, готическими, византийскими традициями, этот период явился подготовкой Возрождения. Он делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию. В конце XIII века воФлоренции возводится главное храмовое сооружение - собор Санта Мария дель Фьоре, автором был Арнольфо ди Камбио, затем работу продолжил Джотто, спроектировавший кампанилу Флорентийского собора.

Беноццо Гоццоли изобразил поклонение волхвов как торжественную процессию придворных Медичи

Раньше всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре (Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио, Андреа Пизано). Живопись представлена двумя художественными школами: Флоренции (Чимабуэ, Джотто) и Сиены (Дуччо, Симоне Мартини). Центральной фигурой живописи сталДжотто. Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло её развитие: наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности, ввёл в живописи пластический объём фигур, изобразил в живописи интерьер.

Раннее Возрождение

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится приблизительно до середины следующего века.

Высокое Возрождение

Сюда перенаправляется запрос «Высокое Возрождение». На эту тему нужна отдельная статья

Пьета (Микеланджело) (1499): в традиционном религиозном сюжете на первый план вынесены простые человеческие чувства - материнская любовь и скорбь

Третий период Возрождения - время самого пышного развития его стиля - принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II - человека честолюбивого, смелого, предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античность изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они с большой находчивостью и живостью фантазии свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства.

Творчество трех великих итальянских мастеров знаменует собой вершину Ренессанса, это - Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело Буонарроти (1475-1564) и Рафаэль Санти (1483-1520).

Позднее Возрождение

Кризис Возрождения: венецианецТинторетто в 1594 г. изобразил тайную вечерю как подпольную сходку в тревожных сумеречных отсветах

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590-1620-е годы. Некоторые исследователи причисляют к Позднему Возрождению и 1630-е, но эта позиция вызывает споры среди искусствоведов и историков. Искусство и культура этого времени настолько разнообразны по своим проявлениям, что сводить их к одному знаменателю можно только с большой долей условности. Например, Британская энциклопедия пишет, что «Возрождение как целостный исторический период закончилось с падением Рима в 1527 году». В Южной Европе восторжествовала Контрреформация, которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий - маньеризм. В Парму, где работал Корреджо, маньеризм добрался только после смерти художника в 1534 году. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х гг. там работали Тициан и Палладио, чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.

Северное Возрождение Итальянский Ренессанс практически не имел влияния на другие страны до 1450 г. После 1500 г. стиль распространился по континенту, но многие позднеготические влияния сохранялись даже до наступления эпохи барокко.

Период Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть«Северное Возрождение».

«Любовное борение во сне Полифила» (1499) - одно из высших достижений ренессансного книгопечатания

Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследия и познанию анатомии человека.

Выдающиеся представители - Альбрехт Дюрер, Ганс Гольбейн Младший, Лукас Кранах Старший, Питер Брейгель Старший. Предренессансным духом проникнуты и некоторые произведения мастеров поздней готики, таких, как Ян ван Эйк и Ганс Мемлинг.