Реализм карандашом. Реализм, фотореализм и стиль в рисовании
Сергей Георгиевич Архипов (12 января 1897 - 25 марта 1991) - советский художник, педагог. Член Союза художников РСФСР; почётный гражданин города Мичуринска.
Биография
Архипов родился и работал в городе Мичуринске (Козлове) Тамбовской области. Учился в Козловском коммерческом училище (1907-1915), где брал уроки рисования у художника-педагога П. Я. Арклина; в 1915-1916 гг. - в Московском коммерческом институте. Но образование не закончил, был призван в армию, в чине прапорщика участвовал в первой мировой войне. Вернувшись в Козлов, стал заниматься в мастерской А. М. Герасимова, который создал и руководил деятельностью «Коммуны творчества Козловских художников». Однако вскоре Архипов снова был призван - теперь уже в РККА. В её составе сражался на фронтах гражданской войны. После демобилизации продолжил образование. В 1924 году закончил Московский институт народного хозяйства. Вернувшись в Мичуринск, преподавал в техникумах и плодоовощном институте (ныне Мичуринский государственный аграрный университет). Участник Великой Отечественной войны.
Творчество
На раннем творчестве Архипова сказались события первой мировой и гражданской войны. Лейтмотив творчества художника этих лет - торжество смерти. К этому периоду относится создание им рукописной иллюстрированной книги «Апокалипсис», представляющей собой сокращенный вариант «Откровения Иоанна Богослова». Книга была создана им в 1919 году, когда он находился в Казани. Здесь же «Апокалипсис» для музейной коллекции приобрел заведующий художественным отделом губернского музея Петр Максимилианович Дульский. В настоящий момент книга хранится в фондах Государственного музея изобразительных искусств Татарстана.
Архипов входил в козловскую коммуну художников «Творчество» под руководством А. М. Герасимова, с которым поддерживал дружеские отношения. Знакомство с А. М. Герасимовом оказало большое влияние на Архипова, изменило его взгляды на живопись:
В то время я увлекался импрессионизмом, любил и изучал русскую иконопись и писал как символист. Однако любил и ценил Рылова, Туржанского, Жуковского, а узнав Герасимова, полюбил и его. Под его влиянием я стал заметно отходить от символизма, начал больше работать на природе. Интересно то, что Александр Михайлович никогда не говорил мне ничего отрицательного о моих работах, но, тем не менее, я начал уходить от символизма к реализму, стал понимать, что надо много и упорно учиться и работать
В своем творчестве Архипов большое внимание уделял своему родному городу - Козлову-Мичуринску. Благодаря его картинам сохранен облик его старых улиц, домов и церквей, многие из которых утрачены в настоящее время. Автор картин на исторические и религиозные темы («Основание Козловской крепости», «Наказание разинцев», «Спас»); портретов знаменитых земляков - И. В. Мичурина и И. Г. Рахманинова; книжных иллюстраций. Фундаментальный труд Архипова - рукописный текст «Слова о полку Игореве». Картины С. Г. Архипова выставляются в Мичуринском городском краеведческом музее, в картинной галерее при Доме-музее А. М. Герасимова в Мичуринске, в Тамбовской областной картинной галерее. В Мичуринском краеведческом музее хранятся рукописные воспоминания С. Г. Архипова.
Литература
- Архипов Сергей Георгиевич // России Чернозёмный край. - Воронеж, 2000. - С. 766.
- Воронова Т. И. Архипов Сергей Георгиевич // Тамбовская энциклопедия. - Тамбов, 2004. - С. 39.
Сергей Георгиевич Архипов (1897–1991), талантливейший художник, родился в городе Мичуринске (Козлове) Тамбовской области член Союза художников РСФСР; почётный гражданин города Мичуринска), известен современной широкой публике как мастер реалистического искусства. Графические и живописные работы с изображением городских пейзажей старого Козлова, жанровых сцен, безусловно, имеют не только художественную, но и историко-краеведческую ценность. Однако как художника, воплотившего своё изобразительное мастерство и духовные устремления в символизме, его знает исключительно узкий круг специалистов и почитателей. Когда в рамках официальных мероприятий речь заходит о творческой биографии Сергея Архипова, то музейные работники упоминают об этом факте вскользь, словно о незначительном случайном промежутке жизни, более того, об увлечении символизмом художника говорят снисходительно или называют «ошибкой молодости».
Произведения Архипова символистского направления никогда не были в полном объёме тематически экспонированы по причине их большого количества и чрезмерной разрозненности.
Из огромного архива художника, оставшегося в семье, после его смерти очень малую часть работ приобрели Тамбовская картинная галерея, Тамбовский областной краеведческий музей, Мичуринский краеведческий музей, Музей-усадьба А.М. Герасимова.Но основная часть наследия, а это тысячи произведений, была распродана, разошлась по частным коллекциям, многие их них находятся за границей, поэтому недоступны для изучения или утрачены безвозвратно.
Необходимо отметить, что именно работы символистского периода ценились коллекционерами чрезвычайно высоко и были востребованы в первую очередь, что косвенно также подтверждает их художественную ценность. Однако теперь, вследствие неизмеримой утраты, невозможно не только систематизировать и проследить эволюцию мастерства художника именно в этом направлении, но и показать в полном великолепии удивительный талант Архипова-символиста, его изящный изобразительный язык, изощрённый рисунок, утончённую мысль, обогащающую художественное наследие русского символизма.
Пожалуй, самый полный спектр работ символистского периода Архипова был представлен в 1997 году на мичуринской выставке, посвящённой 100-летию со дня рождения художника, а также на выставке «Послание Сергея Архипова», из частного собрания Сергея Денисова, которая экспонировалась в 2010 году в филиале Тамбовского краеведческого музея.
В 2017 году исполнилось 120 лет со дня рождения художника.
Небольшая камерная экспозиция Мичуринского краеведческого музея в его честь показала ничтожно малую часть достояния, оставленного художником, и никак не может претендовать на объективное освещение его многогранного таланта.
«Карусель». Продана во Франции с аукциона
Но даже имея в своём распоряжении столь невеликое количество работ, оставшихся на родине, а также благодаря счастливой случайности сохранившихся фотографий и копий, мы можем судить о том, что именно период увлечения Архипова символизмом и составил главную и самую важную часть его жизни в искусстве.
Это был необычайно продуктивный и выдающийся период его творчества, в котором началось его становление не только как художника, но и как мыслителя, философа.
Необходимо отметить, что никто из мичуринских и тамбовских художников ни до, ни после Сергея Архипова не работал в стиле символизма. Более того, творчество Сергея Георгиевича, бесспорно, имеет весомое значение в рамках развития самого русского символизма, и особенно в графическом искусстве, которое во второй половине XIX века и начале ХХ века оставалось на ролях искусства служебного, прикладного. В России графика почти не знала художников, для которых бы имела самостоятельное творческое значение. Рисунок оставался интимной лабораторией живописца, средством накопления впечатлений и формирования образов, а печатная графика – виды городов, портреты, произведения сатирического жанра – не выходила далеко из своей информационно-документальной или развлекательной бытовой роли. Большинство же графических работ Сергея Архипова имеют статус самодостаточных единиц, произведений искусства, обладающих уникальной идеей и смысловым сюжетом.
Можно назвать множество причин, почему именно символизм для Архипова стал стилем, в котором он не только максимально реализовал себя, но и внёс ощутимую лепту в его развитие. Но ключевым стало поразительное совпадение, когда в одном историческом моменте слились воедино рождение и трансформация самого стиля в русле изобразительного искусства, политические метаморфозы в России начала ХХ века, заложником которых стал художник, но прежде всего – мироощущенческий инстинкт, философский склад ума и таланта самого Сергея Архипова, который проявился стихийно и мощно в форме духовной экзальтации, трагедийной или восторженной, в течение всех тяжелейших событий, которые ему уготованы были судьбой.
«…Философами родятся, так же как и поэтами, и притом гораздо реже» – это утверждение Шопенгауэра как нельзя лучше определяет личность Сергея Георгиевича. Его особый склад ума, стремление к постоянному наблюдению за порядком вещей, стремление проникнуть в суть явлений, поиски духовных истин выдают в нём весьма неординарного человека. Ещё в детстве он проявлял романтическое влечение к основам мироустройства, таинственному и непостижимому:
«…Надо заняться химией. Химия – это нечто романтическое! Это яды, это эликсир жизни. Это таинственные опыты! Затем предстоит игра на мандолине, а когда я стал постарше – на скрипке. Это тоже романтично. Знаменитые скрипачи… тень Паганини, играющего калабрийским бандитам, стоит около меня, а названия пьес: “Серенада Гретри”, “Пляска ведьм”, “Серенада Брега”». Один из его любимых писателей – Гофман. Достоевского на протяжении всей жизни он легко цитировал. «Многое на земле от нас скрыто, но взамен того даровано нам тайное сокровенное ощущение живой связи нашей с миром иным, да и корни наших мыслей и чувств не здесь, а в мирах иных» – эти мысли Достоевского, видимо, сыграли свою роль в причастности юного художника к мировой символической культуре. Архипов в юности не мог не испытать на себе влияние философии второй половины XIX – начала XX века – начала формирования мировоззренческой платформы символизма с характерными экспрессионистическими интонациями.
Художественная система символизма опиралась на мощную и разностороннюю философскую парадигму. Символисты считали, что окружающая реальность есть отблеск реальности более высокого порядка, мир рационально не познаваем. А задача искусства не копировать повседневность, а выражать идеи, движения глубинной жизни души. По этой причине мистические сюжеты – неотъемлемая часть художественных произведений, выполненных в этом стиле. Чрезвычайно широко были распространены в среде творческой интеллигенции учения, утверждающие «восстание души», а также субъективное начало в художнике, приоритет интуиции в творческом процессе – Ф. Ницше, К. Эдшмида, А. Шопенгауэра, К. Фидлера и др.
Ещё будучи студентом Московского коммерческого института, молодой художник пробует себя в символизме. Его работы 1915–1916 годов посвящены не столько новаторским поискам художественной формы, сколько установлению мировоззренческого «моста» со своим временем, своего места в нём. Всегда отличавшийся буйной фантазией, юноша экспериментирует с сюжетами и темами. Однако уже тогда становится отчётливо видно, что в искусстве он видит деятельность, призванную обновить и преобразить человеческую натуру, усовершенствовать человека.
Страшные испытания, которым был подвергнут Сергей Архипов, призванный на фронт Первой мировой войны в июле 1916 года, а затем, после короткой мирной передышки, в августе 1919 года уже в Красную армию, становятся мощным катализатором и в прикладном понимании основ символистской философии, и в реализации себя как художника-символиста. Философия символизма, утверждающая, что каждый человек и каждый земной предмет существует одновременно в реальном мире и «ином бытии», среди ужасов войны была своего рода спасительной идеей для художника Сергея Архипова, юноши двадцати двух лет с ранимой психикой. Став очевидцем грандиозных драматических событий, он был одарён фатальной способностью концентрировать и обобщать эти ощущения в своём искусстве. Его графические листы того времени доказывают это с непогрешимой точностью. К счастью, его уникальный талант действительно позволял ему «видеть прекрасное в безобразном». В графических работах тех лет он создаёт неповторимую эстетику мистического сюжета, таинственную и трагичную, обладающую превосходным художественным качеством. Крошечные работы, размер которых не превышал размеров военного планшета, выполненные им во время коротких передышек тяжёлых военных будней, убедительнее всех слов показывают, как стремился Архипов-символист постичь это «иное бытие», преобразовать реальность в иные категории. А может, таким образом спастись самому? Сохранить рассудок? «Вечером работал при свете керосиновой лампы, за которой ухаживал особо и берёг как зеницу ока, ибо в ней был свет, а значит, и возможность рисовать, писать, читать, жить… Зима, ветры, гололедица, метели. В комнатушке я отгорожен от всего мира. Ничего нет, кроме моих мечтаний, моих призрачных грёз. В эти часы я отдыхал душой, если бы не это, можно бы было сойти с ума, дойти до самоубийства. Совершенно один! Что давало мне силы переносить ужасы города: одиночество, серый мрак? Искусство, надежда на весну…», – писал в своих воспоминаниях Сергей Георгиевич в 1919 году.
Столкновения добра и зла, боль, кровь, страдания, смерть – это его новая реальность, которую он легко трансформирует в совсем иной мир с помощью своей неисчерпаемой одарённости и фантазии. В его новой действительности мы видим реально существующие предметы, пейзажи, людей и т.п., а также всевозможных необычных, вымышленных существ. Этот мир словно параллелен существующему, в нём также главенствует смерть, разрушение. Но это всё же проекция реальности – сублимация духовного напряжения человека, который, столкнувшись с теневой стороной человеческой души и испытав отвращение и ужас, пытается сохранить в себе свет и жизнь, преобразуя события в эстетическую категорию и наделяя качествами чувственного восприятия. Персонажи в странных позах, перекошенные маски, застывшие взоры чёрных глаз на смертельно бледных лицах, знаки роковых предчувствий, жуткие фантастические существа, скелеты, черепа – все приметы стиля нашли здесь отображение.
Сложно переоценить высочайшее достоинство его художнического таланта. Архипов выступает здесь настоящим виртуозом рисунка, его линии великолепны, композиции идеальны, а образы совершенны. Прибегая к одной только графической манере, не пользуясь преимуществом сюжета, ему удаётся передавать душевное напряжение, светящиеся на черноте фона, вылепленные тончайшими штрихами и скрупулёзно-точнейшими линиями фигуры, таинственные, мерцающие светотени пейзажей. Художественное пространство рисунков открывает нам необычайно бережное и трепетное отношение художника к процессу созидания в противовес разрушительной ипостаси бытия. Его абсолютное погружение в творчество проявляется в превосходном качестве малейших деталей. Если использует цвет, то осторожно, прибегая к камерности и приглушённости палитры в основном тёмных оттенков. В рамках стиля Сергей Архипов создаёт выдающиеся пластические формы, неуловимые деформации и диспропорции которых в изображении работают на результат, усиливая эстетический характер и художественную ценность рисунка.
Символизм продолжает оставаться для него актуальным и после демобилизации в 1921 году. Тема военной катастрофы, вечной борьбы добра и зла ещё долго не оставляет его. Сергей Георгиевич продолжает работать, создавая истинные шедевры. Мудрец и мыслитель, он имеет незаурядную способность наделять обыденные вещи философскими категориями и создавать совершенно причудливые произведения. «Мэтр» – так зовут его близкие и почитатели. Традиционные понятия «поиск» или «трактовка» могут показаться достаточно условными в разговоре о его творчестве в ту пору. Глядя на работы Архипова, мы можем говорить о переживании куда более масштабного эзотерического чувства, причастности мастера к божественным процессам мироздания и ощущения себя – художника – в роли провидца, пророка в отношении с реальностью. Подтверждение тому – литературные опыты Сергея Георгиевича, в которых он также проявляет себя символистом: «…Я жил другой воображаемой жизнью, реальной, как сон. Я наметил себе неверный план и точно следовал ему. Впрочем, чтобы понять это, надо сказать об этом несколько слов. Я решил воспроизвести несколько жизней со всеми подробностями быта или эпохи. В центре, конечно, я… Например, я рождаюсь в том же городе, в той же семье, от тех же родителей, но, скажем, с 10–12 лет судьбу моего героя начинаю строить сам. Я наделяю его некоторыми особенностями и талантами. Он развивается, растёт, становится юношей, судьба его влечёт в неизведанное, он живёт (то есть я) вполне реально, у него полная жизнь, любовь, приключения, романтика. Мир раскрывается перед ним весь. Я воспроизвожу его жизнь шаг за шагом…»; «…Я встретил на дороге несколько почтенных скелетов. Они переселялись на новые места, захватив с собой дорогие сердцу предметы. Один нёс свой крест с могилы, довольно ветхий и видавший виды, другой тащил с трудом гроб, к которому он, видимо, очень привык, третий какую-то рухлядь в мешке и свой саван весь в лохмотьях. <…> …по дороге двигались тоже со своим скарбом ничуть не лучшим и люди, суетливые, с ужасом в глазах, они внушали меньше доверия, чем призраки, восставшие из могил. Около сравнительно неплохо сохранившегося дома скелет в стальной каске, положив перед собой мешок и шпагу в ножнах, рассказывал окружившим его слушателям о своих военных подвигах».
Архипов, человек Космоса, исследует жизнь как объект. Такого взгляда он придерживается в искусстве. В тяжёлые времена создаваемые им в рамках стиля образы в большинстве своём есть олицетворения страстей и скорби. Но наступает момент, когда художник возвращается в творчество, где любовь и созидание постепенно вытесняют смерть и разрушение, его искусство рассматривает этот прекрасный мир как стоящий над временем и ужасной реальностью. Такие преобразования происходят в пору знакомства его с будущей супругой, Лидией Шапоревой, в 1920–1921 годах. Он отдаёт дань восхищению красотой человеческого тела, герои графических работ не уродливые монстры, а прекрасные девы и юноши, образы которых насыщены эротизмом, теплом. Сергей Георгиевич возвращается мыслями к радостям жизни, красоте мироустройства. Его стиль перевоплощается в более обобщённый, лаконичный. Изменяется динамика линии, она делается более мягкой, текучей, округлой. Стало сказываться влияние модерна (арт-нуво).
20-е годы ознаменовали собой закат в России символизма как эстетического течения. Этому, несомненно, способствовали и социальные потрясения: война с Германией, Октябрьская революция, обозначившая резкий слом всего жизненного уклада страны. Кроме того, официальной идеологией стал общественный оптимизм и пафос созидания. От художника требовалось заниматься проблемами одного-единственного, угодного новой власти класса – пролетариата. В эпоху соцреализма поборники искусства, не озабоченные экономическими и классовыми вопросами, попросту выбрасывались из контекста русской культуры или объявлялись «упадочническими последователями идеалистической философии». Понятно, что символизм, выражающий многоплановость художественного мышления, восприятие искусства как способа познания, заострение религиозно-философской проблематики, неоромантические тенденции, не мог существовать в постреволюционной России. Сергей Георгиевич не стал исключением – время оказало влияние на развитие его творчества. Он сближается с апологетом реализма Александром Герасимовым, занимается натурным пейзажем и отходит от символизма. Но никогда больше в своём искусстве он не достигнет такой напряжённой эстетики, такой захватывающей глубины и художнической энергии, которые он воплотил в графическом искусстве символизма 1916–1921 годов.
К величайшему сожалению, мы лишены возможности узнать нюансы его творческой деятельности в те годы, проследить этапы становления стиля, ознакомиться с исследованиями художника и теоретическими измышлениями об искусстве. Автобиография и краеведческие материалы были переданы Сергеем Георгиевичем в Мичуринский музей-усадьбу им. А.М. Герасимова. «Эти краеведческие материалы представляют огромный интерес не только для работников музея, но и для всех жителей Мичуринска», – пишет директор музея Т.И. Воронова («Александр Герасимов и Сергей Архипов». «Мичуринская правда», 1997 г.). С тех пор минуло уже двадцать лет, но, несмотря на огромную значимость этого культурного наследия, воспоминания великого мастера так и не увидели свет, хотя за это время художественных и краеведческих альбомов тем же музеем было издано немало. На сегодняшний день не существует ни одной книги, ни одного альбома об искусстве выдающегося художника. Нет пророка в своём Отечестве!
Символизм, всегда считавшийся элитарным стилем, видимо, и сейчас сложно понимаем зрителем, однако это никак не умаляет его красоты и великолепия. Художник и мыслитель, подобно божеству, пребывает по ту сторону цивилизационного измерения, и в то же время сам и формирует это измерение. Он не пытается быть понятым, не ищет компромисса с обществом. Его миссия гораздо важнее, он заглядывает за горизонт обозримого и формирует субъекты новой культуры, новых изобразительных форм, новых эстетических категорий, а значит, и нового мышления. Из глубины времён искусство Сергея Георгиевича Архипова видится ещё более значимым, оно стоит вне времени и пространства, являясь составляющей частью мировой культуры.
В материале использованы работы С.Г. Архипова из собрания тамбовского коллекционера Сергея Денисова.
Елена Владимировна Закревская
(г. Мичуринск), публицист, теоретик искусства. Работала заместителем главного редактора мичуринского литературно-художественного альманаха «Соборная площадь», публикации в газетах «Мичуринская правда», «Мичуринская мысль», «Наше слово», «Воскресенье», автор обзорных и вступительных статей художественных и выставочных каталогов.
Умения рисовать предметы и людей так, чтобы они выглядели реалистично – верный способ впечатлить окружающих. К тому же, основы такого рисования постичь довольно просто, а с практикой вы вполне можете стать мастером. Читайте дальше, – вас ждет полезная инструкция, которая научит рисовать реалистичные картины.
Шаги
Часть 1
Освойте конкретные навыкиНаучитесь рисовать человеческую фигуру. Если вы хотите научиться рисовать людей, вам нужно научиться реалистично рисовать их тела. Мультфильмы дают довольно искаженное представление о том, как должно выглядеть человеческое тело, однако с опытом вы научитесь делать это правильно! Поищите статьи об этом на wikiHow.
Научитесь рисовать детали лица. Человеческие лица – один из наиболее сложных элементов в рисовании. Насколько широко расставлять глаза? Как сделать их реалистичными, чтобы они не напоминали мультфильм? Изучая человеческое лицо в реальной жизни, и применяя приемы, показанные в статьях wikiHow по этой теме, вы научитесь рисовать человеческие лица действительно реалистично.
Научитесь рисовать пейзажи. Вы собираетесь в поездку и хотите запечатлеть в рисунке прекрасные виды вашего путешествия? Или же просто хотите нарисовать место, в котором вы живете? Какова бы ни была причина, вы можете с легкостью освоить рисование пейзажей, используя несколько простых хитростей. Этому – как и всем перечисленным здесь элементам – вы также можете научиться из статей wikiHow
Научитесь рисовать животных. Возможно, что вам больше хочется рисовать животных. Это занятие принесет вам массу веселья, к тому же рисовать животных не так трудно, как кажется! Тренировка и несколько полезных советов, – теперь вы тоже умеете рисовать животных.
Научитесь рисовать автомобили. Вы также можете рисовать автомобили и другие механизмы. Это весело и довольно популярно! Попробуйте сегодня же нарисовать автомобиль вашей мечты!
Научитесь рисовать тень и свет. Тень и блики – это то, благодаря чему ваши рисунки обретают глубину и реалистичность. Научитесь в правильных местах рисунка добавлять тень и блики, – так изображение будет выглядеть объемным и даже осязаемым.
Научитесь использовать перспективу. Перспектива (то, как меняется размер объекта, когда он от нас удаляется) – еще один элемент рисунка, который делает его реалистичным. Это может показаться слишком сложным, но на самом деле это очень просто. Просто попробуйте, изучив соответствующие статьи на wikiHow!
Эту страницу просматривали 109 074 раз.
Была ли эта статья полезной?
Что такое гиперреализм?
Реализм – это стиль живописи, цель которого – передать на картине мир таким, какой он есть. Приставка «гипер» означает – больше, чем реализм. Стиль возник под влиянием фотографии – художники решили проверить свое мастерство: получится ли нарисовать картину, которая будет выглядеть как фото? И у многих получается.Картины в стиле гиперреализм удивляют своей правдоподобностью. Каждая картина – результат детальной работы над каждым штрихом. Во многих .
1. Лучано Вентроне
Лучано Вентроне – итальянский художник, который получил мировое признание, как реалист. А потом решил поэкспериментировать в стиле гиперреализм – и ему это удалось. Секрет его живописи – в правильном выборе цветов. Художник говорит:«Картина – это не просто предмет, который нарисован на ней. Настоящая картина – это цвет и свет предмета» .
На этой картине мы видим тысячи оттенков синего. Кажется, что вода освещена, вода сверкает на солнце. Солнце – сзади нас, светит в спину, а перед нами – темное небо в тучах. Все это ощущается очень реалистично.
Еще во время обучения в школе искусств у художника проявлялся будущий талант гиперреалиста. Учителя замечали любовь Вентроне к деталям, а некоторые его рисунки даже вошли в учебники анатомии.
Художник проработал каждую деталь граната. На каждом зерне фрукта – блик от света, именно такой, какой он и есть в жизни.
В последнее время художник работает с натюрмортом. Он кладет фрукты под яркие лампы, так, чтобы свет и тени красиво ложились на предметы, а еще – фотографирует их и, рисуя, всегда сравнивает рисунок с фото.
Обратите внимание на вазу: на первый взгляд она сливается с фоном. Но если присмотреться, то заметно, как тщательно Лучано работал над ней.
Вентроне рисует масляными ядовитыми красками. Ядовитая краска – это древняя художественная традиция. Если такая краска попадает на кожу – может оставить ожог. Но зато такие краски – самые яркие и качественные.
Черный фон служит контрастом для красного цвета – и краски играют особенно ярко.
2. Сергей Гета
Сергей – современный график и живописец. Учился в Киевском художественном институте, живет и работает в Москве. К гиперреализму пришел, вдохновившись искусством фотографии.Картина называется «Солнечный день». Все гиперреалисты говорят про важность освещения в своих картинах. Здесь «персонажем» картины оказывается не зелень, а солнце, свет.
Сначала срисовывал фотографии карандашами – свинцовый карандаш создавал эффект фото на бумаге. А потом начал экспериментировать с разными техниками.
Сейчас Сергей – известный во всем мире художник, его картины выставляются в Третьяковской Галерее, музеях Вроцлава в Польше, Нюрнберга в Германии, художественных галереях Японии и США.
Направление, в котором работает Гета, называется «Экологический реализм». Художник любит рисовать пейзажи – природу, зелень, воду.
Листья падают. И каждая прожилка играет на солнце.
3. Патрик Крамер
Художник родился в Америке, штате Юта. Картины рисует с фотографий. Сначала он придумывает, что хочет нарисовать, фотографирует это, из нескольких фото выбирает лучшее, немного обрабатывает в фотошопе – и приступает к рисованию.
У многих возникает вопрос – зачем рисовать точно так же, как выглядит фото. Патрик поясняет это так: если зритель в галерее видит фотографию, пускай даже очень красивую, он смотрит несколько секунд и идет дальше. Но когда вместо фотографии – картина, и зритель понимает это – он восхищен, он подходит ближе, пытается рассмотреть картину внимательнее, увидеть, где краска на полотне...
Картина называется «Три бокала». Нарисована маслом. Обратите внимание на фон – он размытый точно так, как получается фон на фото при съемке предметов крупным планом. Благодаря таким деталям и получается гиперреалистическая картина.
4. Гарриет Уайт
Гарриет Уайт – британская художница. Рисует в основном портреты. Ее стиль называется макро-гиперреализм. То есть лица, нарисованные на картине, как будто «сфотографированы» с очень близкого расстояния.Здесь, как и на любой фотографии, есть «фокус». Четкими мы видим ресницы, а все, что за ними – размытое.
Картины Гарриет популярны среди частных коллекционеров.
Художница с мастерством подходит к цветовой гамме картин – работает на контрасте. Бежевый, цвет кожи – выступает фоном. А дальше добавляется черный и яркие цвета макияжа.
Благодаря «смазанности» красок возникает эффект движения. Кажется, что на картине пойман случайный момент, модели не позировали, а чувствовали себя непринужденно.
5. Сюзанна Стоянович
Сюзанна Стоянович – сербская художница, которая увлекалась живописью с самого детства. В 11 лет начала рисовать маслом. Позже овладела всеми возможными техниками, пробовала себя в акварели, мозаике, пастели, графике, иконописи, гравюре и даже скульптуре.На этой картине особенно заметно, что художница увлекалась скульптурой. Фигуры лошадей – «скульптурные». Здесь мы видим застывший момент.
Кроме того, художница занималась литературным творчеством и музыкой – участвовала во многих музыкальных конкурсах. Первую музыкальную композицию написала, когда ей было 15 лет. Но, несмотря на такую широту интересов, призванием Сюзанны остается живопись. Многие из ее картин находятся в частных и государственных коллекциях в США, Швейцарии, Италии, Дании, Сербии, Хорватии, Черногории, Словении и Македонии.
Размытый фон дает почувствовать скорость, с которой несется лошадь:
Художница рисует лошадей, тщательно изучает их анатомию. Самая популярная серия картин художницы называется «Волшебный мир лошадей». Интересное решение – стилизация картины под старинное фото:
Сейчас художница работает над новой живописной серией и пишет короткие рассказы. Мечта художницы – попробовать себя в съемках анимационных фильмов.
6. Эндрю Тэлбот
Эндрю Тэлбот – современный художник родом из Англии. Рисует натюрморты.
Благодаря ярким краскам создается эффект присутствия – кажется, что предметы лежат прямо перед нами. Обратите внимание, насколько правдоподобно художник передал отражение на столе от каждой конфетки. Из подобных мелочей и складывается гиперреалистическая картина. Здесь важна каждая деталь.
В этом году Эндрю вошел в список 15-ти лучших гиперреалистов мира.
7. Рафаэлла Спенс
Рафаэлла Спенс – итальянская художница. Ее хобби – путешествия, и поэтому художница с удовольствием работает над пейзажами, перенося впечатления от поездок на бумагу.
Подобные работы вызывают искреннее восхищение. Художница обратила внимание на каждую высотку, каждое окно и даже оконную раму. Над такими картинами приходится очень долго работать, но результат того стоит.
А это небо над городом никого не оставит равнодушным:
8. Янни Флорос
Янни Флорос – художник из Австралии. Его работы выставлялись в галереях Берлина, Сиднея, Мельбурна и Брисбена, завоевывали много почетных премий. Его рисунки – стилизация под черно-белые фотографии.Здесь эффект фото возникает благодаря складкам на одежде. Художник тщательно вырисовывал каждую складку.
Также Янни занимается живописью, скульптурой и графикой. В своих гиперреалистических работах художник изображает людей за разными занятиями и хочет показать, как они влияют на нашу жизнь и ощущения мира.
Гиперреализм становится все более популярным. Поэтому, когда в следующий раз вы придете в галерею и увидите фотографию – не проходите мимо ее описания. Вполне возможно, что «фото» окажется картиной – и вы познакомитесь с гиперреализмом в реальной жизни.
Ищите искусство в повседневности! Если вас интересует жизнь известных художников, то рекомендуем посмотреть
Казалось бы, первоклассные снимки, а на самом деле — гиперреалистичные картины, на которых с поразительной четкостью запечатлена реальная действительность.
AdMe.ru раньше уже рассказывал о шедеврах гиперреализма , которые поражают своей правдоподобностью. Но творчество художников не стоит на месте и они постоянно повышают качество исполнения своих работ. В погоне за техникой и детализацией, они достигли небывалой схожести. Однако немалое упорство и талант авторов делают эти портреты чем-то больше, чем просто копией фотографии. В них жизнь, видение художника, эмоции и иллюзия мира, в котором мы живем.
Линнеа Стрид
Линнеа Стрид родилась в 1983 году в маленькой шведской деревушке. В 16 лет ее семья переехала в Испанию, а в 2004 снова вернулась в Швецию, где она 4 года проучилась в художественной школе. В настоящее время художница работает в жанре гиперреализма и участвует в выставках по всему миру.
Севостьянова Галина
Галина Севостьянова — художник-самоучка из российского города Кемерово. Серьезно увлеклась рисованием с 2010 года и с тех пор добилась невероятного успеха в технике и искусстве гиперреализма.
Хуан Карлос Маньярес
Хуан Карлос Маньяарес родился в 1970 году в городе Гвадалахара, Мексика. Будучи художником-самоучкой, он представил свою первую экспозицию в возрасте 24 лет в галерее «La Escalera». Спустя время его имя и прекрасные картины стали хорошо известны в США и за ее пределами.
Калли Хаун
Немецкий художник Калли Хаун во всем мире известен прежде всего как автор эпатажных и вызывающих работ. Начав свою карьеру с дизайна вывесок, Калли превратился в одного из самых уважаемых художников-гиперреалистов.
Патрик Крамер
Патрик Крамер родился в городе Кейсвилл, штат Юта, США. Художник не ограничивается какой-то одной темой и рисует все: от классических натюрмортов и портретов до живописных пейзажей и городских сцен.
Виллиам Лазос
Канадский художник Виллиам Лазос уже много лет работает над созданием гиперреалистичных картин. Главная особенность его работ — потрясающая игра света и тени.
Дамьен Леб
Некоторые критики ругают картины гиперреалистов за отсутствие оригинальности, однако работы художника Дамьена Леба являются исключением из ряда правил. С помощью множества деталей он подчеркивает естественную красоту женского тела, со всеми ее недостатками и совершенством.
Гарриет Уайт
Гарриет Уайт родилась в городке Тонтон, Великобритания. Она окончила местное художественное училище, в котором совершенствовала навыки гиперреализма. Сегодня ее работы выставляются преимущественно в коммерческих галереях.
Винсент Фатауззо
Работы известного австралийского художника Винсента Фатауззо выставлены по всему миру. Его картина Heath получила приз зрительских симпатий в престижном конкурсе живописцев Archibald Prize 2008. Портрет Хита Леджера был написан за несколько недель до смерти актера.
Филипп Мюноз
Художник-самоучка Филипп Мюноз живет в Бристоле, Великобритания. Картины автора посвящены гламуру и его влиянию на современное общество. Как признается сам Филипп, цель его работы — отразить бурную городскую жизнь, поэтому на портретах чаще всего можно встретить тусовщиков и прочих любителей развлечений.
Натали Воджел
На большинстве картин Натали Воджел изображены загадочные женщины, которые околдовывают зрителя своей красотой и трагичностью. Умение тонко распознавать язык человеческого тела является отличительной чертой всего ее творчества.
Робин Элей
Робин Элей родился в Британии, вырос в Австралии, получил образование в Америке. Каждая его картина — это примерно 5 недель работы по 90 рабочих часов в неделю. В качестве основной темы выступают люди, обёрнутые в целлофан.
Иван Франко Фрага
Испанский художник Иван Франко Фрага получил художественное образование в университете городка Виго, Испания. Его работы выставлялись во многих галереях Испании и принимали участие во всевозможных конкурсах.
Канг Канг Хун
Корейский художник Канг Канг Хун использует в своих картинах самые разные предметы, смешивая их с потрясающими портретами людей.
Дэнис Петерсон
Денис Петерсон считается одним из основателей направления гиперреализма в США. Его работы первыми появились в Бруклинском музее, галерее Тейт Модерн и других известных местах. Художник предпочитает рисовать гуашью и акриловыми красками.
Шэрил Люксенбург
Канадская художница Шэрил Люксенбург вот уже 35 лет совершенствует технику в своих работ. В качестве основного материала она использует смесь акриловых и акварельных красок, благодаря которым достигает эффекта «зернистости». В своих работах она стремится отобразить мельчайшие детали человеческого лица и тела.
Парк Хенг Джин
Корейский художник Хенг Джин Парк окончил факультет изящных искусств в Сеуле, после чего выставлял часть своих работ в галереях Пекина. В настоящее время живет в Нью-Йорке.
Руфь Тайсон
Британская художница Руфь Тайсон как и многие ее коллеги не имеет художественного образования, однако имеет хорошую манеру исполнения своих работ. Она рисует графитом и акварельными карандашами, но иногда берется и за краски.
Катарина Зимничка
О 22-х летней польской художнице Катарине Зимничке почти ничего не известно, однако реалистичность ее работ поражает воображение.
Сюзана Стоянович
Сербская художница Сюзана Стоянович является одним из самых опытных мастеров гиперреализма. Увлекаясь живописью с 4-х лет, со временем она стала известнейшим художником, чье творчество не ограничивается какой-то одной техникой и материалом. Сюзана является участницей многих международных выставок, где ее работы высоко оценили искусствоведы и эксперты.
Лесли Харрисон
Американская художница Лесли Харрисон на протяжении более чем 30 лет своей профессиональной деятельности создает превосходные реалистичные портреты животных.
Род Чейз
Род Чейз один из лучших и известных художников-гиперреалистов. Настоящий фанат своей работы, он получил высокую оценку многих «коллег по цеху». На каждую из своих картин от тратит сотни часов и невероятные усилия. На его полотнах изображены известные достопримечательности США и Великобритании.
Род Пеннер
Американский художник Род Пеннер живет в Техасе и очень любит изображать маленькие городки этого штата. В своих картинах он пытается запечатлеть неспешную жизнь и царящее спокойствие американской глубинки.
Педро Кампос
Мадридский художник Педро Кампос рисует на холсте масляными красками. Свою карьеру он начал, будучи ещё совсем мальчишкой, в творческих мастерских, занимавшихся оформлением ночных клубов. Достигнув 30-летнего возраста, Педро всерьёз задумался о профессии независимого художника. И сегодня, в свои 44 года, он уже признанный мастер, чьи работы выставлены в известной лондонской художественной галерее Plus One.
Шерил Келли
Американская художница Шерил Келли рисует исключительно старые машины. Для Келли ее любовь к автомобилям — это прежде всего глубокое инстинктивное влечение к их форме, а не пристрастие к реву мотора. Сама художница так описывает свою страсть: «Первое, что меня пленяет, это красота. Я могу буквально заблудиться в отражениях красивых автомобилей, когда они останавливаются на светофоре».
Джейсон де Граф
Канадский художник-гиперреалист Джейсон де Граф родился в 1971 году в Монреале. Автор потрясающих натюрмортов говорит о своем творчестве так: «Мое основное желание — создать иллюзию глубины и присутствия, которую очень сложно добиться фотографией».
Стив Милз
Художник-гиперреалист Стив Милз родом из Бостона. Свою первую работу он продал в 11 лет. По словам Милза, он всегда считал увлекательным вплотную рассматривать и изучать те вещи, на которые в обычной жизни люди не обращают внимания. На это он и делает основной упор в своих работах, заставляя зрителя обращать внимание на текстуру и игру света в стеклянной банке.
20 художников, которые готовы потягаться с фотоаппаратом
AdMe.ru раньше уже рассказывал о некоторых талантливых авторах , творчество которых поражает своей правдоподобностью. Казалось бы, первоклассные снимки, а на самом деле — гиперреалистичные картины, на которых с поразительной четкостью запечатлена реальная действительность.
Для создания таких фотореалистичных рисунков требуется значительное время, ведь буквально каждая мелочь должна быть прорисована очень точно. Художники сидят над каждой картиной десятки, а то и сотни часов, перед тем как выставляют свою работу на суд критиков. Немалое упорство и талант авторов делают эти портреты чем-то больше, чем просто копией фотографии. В них жизнь, видение художника, эмоции и иллюзия мира, в котором мы живем.
Диего Фацио
Появление каждой новой картины художника Diego Facio в Сети сопровождается волной комментариев в духе «не верю, что это рисунок», «неубедительно» и все в том же духе. Пришлось 22-летнему мастеру карандашного рисунка делиться секретами творчества. Гиперреалист-самоучка Диего Фацио начинал с эскизов для татуировок. Вдохновленный творчеством японских художников периода Эдо, великим Кацусика Хокусай в частности, Диего начал оттачивать свое мастерство, вырабатывая собственную технику рисунка. Он работает как струйный принтер, начиная рисовать с края листа. Использует простые карандаши и уголь. На создание одного портрета у художника уходит по 200 часов работы.
Игаль Озери
Yigal Ozeri — это современный художник из Нью-Йорка. Игаль невероятно точно передаёт игру света и тени, блики и солнечные засветы, и тем самым мастерски создает иллюзию фотографии. Процесс создания этих удивительных гиперреалистичных картин состоит из нескольких этапов. Сначала художник делает снимки моделей в естественном окружении. Далее, в своей творческой мастерской, он обрабатывает и печатает фотографии, и лишь затем пишет картины. Многие картины Игаль создаёт целыми сериями, что ещё больше вводит людей в заблуждение относительно подлинности работ, что, в общем, и понятно — редкий мастер способен столь точно создать иллюзию реального мира.
Готфрид Хельнвайн
Gottfried Helnwein — австрийский и ирландский художник. В своих работах он использует преимущественно акварельные краски. Хельнвайн — концептуальный художник. Он работал как живописец, чертёжник, фотограф, скульптор и артист, используя все стороны своего таланта.
Камалки Лауреано
Мексиканский гиперреалист Kamalky Laureano специализируется на портретной живописи. Как и все произведения гиперреалистов, картины Камалки выглядят фотографически естественно и натурально. Камалки применяет технику письма акриловыми красками на холсте. Для него работа это не просто подражание фотографии, а подражание жизни, которую он воплощает на холсте.
Мэттью Доуст
Художник Mattew Dust родился в 1984 в Санта Монике, Калифорния (США). Несмотря на свой еще юный возраст уже достаточно известен. Выставки его реалистичных картин проходят по всему миру и украшают многие знаменитые галереи.
Рикардо Гардуно
Художник Ricardo Garduno использует для воплощения своих задумок акварель и пастель. Процесс этот довольно трудоёмкий, но результат действительно впечатляет.
Рубен Беллосо
Всемирно известный художник Ruben Belloso рисует людей такими, какие они есть, со всеми их недостатками и достоинствами, не упуская ни одного штриха, досконально вырисовывая каждую морщинку, каждую складку, каждую точку на лице и каждый волос на голове. Портреты как будто живые. Они способны общаться со зрителем и следить за каждым вашим взглядом и невзначай обращать свой пристальный взор на ваши эмоции.
Симон Хеннесси
Британский художник Simon Hennessey рисует портреты в стиле гиперреализма, создавая картины почти не отличимые от фотографий. В основном он работает с акриловыми красками. Его произведения часто выставляются в различных художественных галереях. «Мои картины воспринимаются как отражение реальности, но на самом деле это не так, они выходят за рамки искусства в свою собственную, абстрактную реальность. Используя камеру, как источник реальной картины, я могу создать ложные иллюзии, которые расцениваются как наша собственная действительность», — говорит о своем творчестве художник.
Еще один турецкий художник, который с точностью воспроизводит лица людей в портретах. В настоящий момент преподает в факультете графического дизайна основы иллюстрации.
Ольга Ларионова
«Вы еще верите, что фотография лучше портрета? Вы сильно заблуждаетесь!» — пишет на своей странице автор портретов Ольга Ларионова. Будучи дизайнером интерьеров, а по образованию архитектором, Ольга всю свою жизнь любила рисовать. Несколько лет назад она увлеклась гиперреализмом — детальной передачей изображаемого предмета, от чего рисунки становятся похожими на фотографию.
Только простой карандаш средней твердости и бумага, — больше ничего, что бы автор использовал в работе. И никаких растушёвок, разве что небольшие «разрисовки» пальцем и грифельной крошкой для создания текстур, придания картинам объема, а портретам — реалистичности. Разумеется, больше всего времени уходит на вырисовывание деталей и мелочей, ведь без них картина будет просто недоделана, а образ — незавершенным.
Дирк Дзимирски
Талантливейший немецкий художник Dirk Dzimirsky использует в своих работах уголь, карандаш и пастель. Как и большинство гениев в художественном творчестве, работы этого автора заслуживают самых высоких похвал.
Пол Кэдден
Трудно поверить, но шотландский художник Paul Cadden предпочитает творчество Веры Мухиной. Причем влияние гениального советского скульптора начинает чувствоваться, если взглянуть на его картины очень отвлеченно. Ничего непонятного в них нет: цвета основной и единственной темы абсолютно те же: серый и темно серый. Здесь нечему удивляться — единственный инструмент автора — грифельный карандаш. Его вполне достаточно, чтобы передать эффект капель воды, замерших на лице ровно на мгновение. Сомневаться в гениальности автора не приходится, эти произведения в недалеком будущем будут востребованы в музее современного искусства.
Брайан Друри
Американский художник Bryan Drury окончил в 2007 году Нью-Йоркскую Академию Искусств и с тех пор работает в жанре реализма. Призер множества престижных премий США и Европы.
Элой Моралес
Eloy Morales Romiro — испанский художник, который обладает уникальным талантом детального отображения фотографии на холсте. Автор говорит о своем творчестве: «Мне интересно работать с реальностью, отражать ее в моих картинах, я стараюсь придерживаться линии, где реальность сосуществует в естественной форме с моим внутренним миром. Для меня важно передать через картины мое видение вещей. Я верю в безмерную силу воображения и его бесконечные возможности».
Рафаэлла Спенс
Впечатленная видами умбрийской местности, Raphaella Spence обратилась к созданию урбанистических пейзажей. В 2000 состоялась ее первая персональная выставка в Италии, получившая признание искусствоведов и признание многих критиков художественной прессы. Картины художницы находятся во многих частных, общественных и корпоративных собраниях в Соединенных Штатах Америки, Канаде, Англии, России, Италии, Австрии и Германии.
Сэмюэль Сильва
29-летнему адвокату из Португалии Samuel Silva удалось потрясти и позабавить бесчисленных интернет-пользователей по всему миру, создав и загрузив в Сеть потрясающую картину с рыжеволосой девушкой, которую многие приняли за фотографию.
Художник-самоучка объясняет, что при работе над своими рисунками он использует только восемь цветов. «У меня есть восемь цветных шариковых ручек, для этого рисунка я использовал шесть из них плюс черный цвет. Это обычные шариковые ручки». При этом, по словам Сильвы, он никогда не смешивает цвета: он просто штрихами накладывает несколько слоев чернил, таким образом создаются иллюзия смешения и иллюзия использования цветов, которых у него на самом деле нет.
