Главная › Развитие › Русская музыкальная культура XVII века. Музыкальная культура России xіx-начала XX вв Нужна помощь по изучению какой-либы темы

Русская музыкальная культура XVII века. Музыкальная культура России xіx-начала XX вв Нужна помощь по изучению какой-либы темы

Особенности исторического развития

XVII век выделяется как один из важнейших этапов развития истории Русского государства. В XVII в. происходят крупные перемены и преобразования в русской общественной жизни и культуре. Эти преобразования были обусловлены концом развития средневековой Руси и началом новой эпохи, связанной с западноевропейской культурой, что привело к столкновению двух различных систем мышления и последовавшим затем конфликтам. Изменения коснулись всех сторон жизни России XVII в., в том числе культуры и искусства. Путь развития русской культуры в XVII в. пересекся с западноевропейским. В русском искусстве, развивавшемся изолированно на протяжении всего Средневековья до второй половины XVII в., появляются новые формы западноевропейского искусства. Постепенно меняется уклад русской жизни.

Процессы исторического развития в XVII в. характеризуются социальными конфликтами. В середине XVII в. Русское государство укрепляется и расширяется, но одновременно с этим постепенно происходит закрепощение крестьян, в результате которого утверждается крепостное право, на долгие годы легшее тяжелым бременем на русское крестьянство. Это вызвало недовольство, бунты, крестьянские войны.

XVII в. стал одной из наиболее драматических страниц русской истории. Его началу сопутствовали неблагоприятные внешнеполитические события 1 - "смутное время" - годы лихолетья, которые сопровождались непрерывными войнами, приведшими страну к разорению. Голод и неурожаи, внутренние противоречия, восстания городских низов, крестьянская война под предводительством Ивана Болотникова (1606), борьба с польской интервенцией характеризуют ситуацию начала века.

Не менее драматичные события связаны и со второй половиной XVII в., ознаменованной расколом русской церкви и движением старообрядцев, крестьянской войной под предводительством Степана Разина, бунтами стрельцов.

Реформы Петра I внесли в привычный уклад русской жизни самые крупные изменения. Успешные войны укрепили Русское государство, способствовали подъему национального самосознания русского народа и привели в середине XVII в. к укреплению мощи России. В это время в состав России вошли Украина, Поволжье, значительная часть Сибири и Дальнего Востока. Многие события XVII в. нашли отражение в народном творчестве, в исторических песнях - песнях вольницы, сложенных в память о крестьянском вожде Степане Разине, немало песен было о Ермаке, Гришке Отрепьеве и убиенном царевиче Димитрии, о Петре I.

Россия XVII в. переживала длительные войны, разруху и серьезные государственные преобразования. Подобная ситуация складывается в это время повсюду. В XVII в. идет борьба с контрреформацией, во многих европейских странах в борьбе за национальное освобождение разрастается народное движение. Особый размах оно приобрело на Украине, завершившись воссоединением Украины с Россией в 1654 г.

Музыкальная жизнь в XVII веке

Музыкальная жизнь этого времени многогранна и противоречива. В ней сплетаются и борются новые и старые явления, средневековые догматические представления - с новыми европейскими. Так, в 1648 г. царь Алексей Михайлович издает указ об изгнании скоморохов и даже уничтожении их музыкальных инструментов: "Гудебные сосуды сжечь!" (Такого указания не давали князья даже в глубоком Средневековье.) Но вскоре по повелению того же Алексея Михайловича в Москве открывается первый придворный театр, просуществовавший четыре года (1672-1676).

С Запада в Россию привозят музыкальные инструменты. Уже не только при дворе, но и бояре заводят у себя музыку на "немецкий лад", у просвещенных западников появляются орган, клавикорды, флейты, виолончели. В XVII в. в Московской Руси начинают развиваться внекультовые формы домашнего музицирования - псальмы и канты.

С начала XVII в. активизируется творчество русских распевщиков, появляется немало авторских распевов, песнопений местной традиции, распространяются северные напевы: соловецкий, тихвинский, новгородский, усольский и южные - киевский, болгарский, греческий. Дальнейшее развитие в XVII в. находит теория знаменной нотации, приведшая к реформам, предпринятым сначала Иваном Шайдуром, а затем Александром Мезенцем. Оба они работали над уточнением звуковысотного уровня знаков: Шайдур ввел киноварные пометы, Мезенец - признаки, благодаря которым стало возможным расшифровать знаменную нотацию в наше время.

История музыки XVII в. делится на две половины; первая еще связана с традициями Средневековья, но в это время уже внедряются элементы, соответствующие новому духу времени. Со второй половины XVII в. (с приездом в Москву в 1652 г. украинских певцов) начинается новый этап развития русской музыки, отмеченный появлением пятилинейной (киевской) нотации и многоголосия гармонического европейского типа.

Во второй половине XVII в. русские музыканты знакомятся с западноевропейской музыкальной культурой, с ее теорией и практикой, техникой композиции, новыми музыкальными жанрами. В жарких спорах формируется новая эстетика искусства. Рождаются полемические трактаты приверженцев старого и нового искусства.

Становление нового стиля происходило в рамках церковной музыки. Его утверждение оказалось непосредственно связанным с реформами патриарха Никона. Новое искусство западного образца для сторонников старых обрядов было чуждой, инородной культурой, оно противоречило исконному древнерусскому канону.

XVII век - это переломная эпоха; как и все переломные эпохи, она конфликтна. Новая эстетика искусства в XVII в. противопоставляется старой. Этот конфликт выражен в искусстве и даже в языке. Проблемы богословские, языковые, лингвистические - споры по поводу новых переводов священных книг, сделанных при патриархе Никоне, - лежали в основе конфликта сторонников старого (староверов, старообрядцев) и нового обряда. К ним примыкал конфликт, вызванный столкновением старого и нового искусства. Поборники старого обряда, утверждавшие старые идеалы, видели в партесной музыке экспансию идеологического противника - католицизма - католическое влияние 2 . Сторонники нового искусства утверждают новый эстетический эталон. Западное искусство становится ориентиром и для русских музыкантов конца XVII в. Запад начинает осознаваться по-разному: для поборников нового искусства (Н. Дилецкий, И. Коренев, С. Полоцкий, И. Владимиров) западная культура становится эталоном. Лучшие западные образцы они стремятся использовать, повторять, копировать. Для сторонников старой культуры, "ревнителей древнего благочестия", все западное чуждо, оно становится объектом отрицания и неприятия (протопоп Аввакум, Александр Мезенец и др.).

В эстетике и системе взглядов музыкантов и теоретиков западного направления развиваются принципы стиля барокко. Обличая своих противников в невежестве, отвергая знаменное пение, его теорию и нотацию, Дилецкий и Коренев утверждают новый ценностный ориентир. Принципиально новым по сравнению со средневековым было понятие музыки (мусикии), которое употреблялось одинаково в отношении как инструментальной, так и вокальной музыки. Дилецкий и Коренев признают необходимость использования органа в обучении музыкантов, особенно композиторов.

Противопоставление этих культур и их открытое столкновение вызвало непримиримый конфликт, который последовал в скором времени. Этот конфликт эпохи, отраженный в старообрядчестве, потряс всю русскую культуру второй половины XVII в. Разрыв, произошедший в ней, проявил себя в музыке так же, как и в литературе, изобразительном искусстве, литургике, в укладе жизни.

Новая музыка была символом нового религиозного сознания, но борьба происходила не только в сфере идеологии, теологических споров, она предметно выражалась в художественном творчестве, в музыкальной полемике. Партесная музыка ассоциировалась с западной, католической культурой. "На Москве поют песни, а не божественное пение, по латыни, и законы и уставы у них латинские: руками машут и главами кивают, и ногами топчут, как обыкло у латинников по органам" 3 , - так обличает протопоп Аввакум новое пение латинского, западного образца, распространившееся в московских церквах XVII в. "Послушать нечего - по латыне поют плясавицы скоморошьи", - сетует он 4 .

Стремление сохранить и консервировать культуру старого времени вообще характерно для многих деятелей XVII в., придерживавшихся консервативно-охранительных тенденций. Д. С. Лихачев усматривает в такого рода "реставраторской" деятельности признак нового времени. К этому типу "реставраторских" явлений относится и новая систематизация знаков знаменной нотации в Азбуках. Например, в "Извещении о согласнейших пометах" старца Мезенца введены уже не только пометы, но и признáки, упрощающие чтение крюков. Исправление книг и певческих текстов "на речь" и борьба с многогласием тоже относятся к тому же типу явлений.

Особенность развития русского искусства XVII в. и заключается именно в диалогичности развития культуры. Старое, не умирая, сосуществует с новым. Со стабилизацией художественно-исторических процессов оно в дальнейшем продолжает развиваться по двум путям: один - путь широких контактов с западноевропейской культурой, идущий синхронно с развитием стилей европейского искусства, другой - путь консервации древней традиции в общинах старообрядцев, ограждавших свое искусство и старые традиции от внешних воздействий на протяжении трех столетий 5 . В это время они оказались в исключительном положении, будучи носителями старой веры и старой культуры, в окружении бурно развивающегося нового искусства они явились хранителями древности.

Ситуация второй половины XVII в. близка к ситуации XI в. Так же как в Киевской Руси X-XI вв. столкнулись две разные культуры - языческая и византийская, в XVII в. старая русская средневековая культура приходит в столкновение с западноевропейской. В XVII в. противоречия этих двух культур обнажаются, возникает оппозиция - "старое" и "новое". Со "старым" связана древняя, благословленная веками средневековая каноническая музыкальная традиция, с "новым" - стиль барокко, партесное многоголосие западного типа. Старое монодическое, знаменное пение, подобно древней иконописи - как бы плоскостное, одномерное, противопоставлялось объемному, многоголосному искусству барокко. В нем возникает новое ощущение пространства. Его фактура, пышная, многослойная, воздушная, передает ощущение движения, типичное для всех видов искусства эпохи барокко.

Под влиянием всех потрясений и перемен в XVII в. начинают расшатываться устои средневекового мировоззрения. В полемике сторонников старого и нового искусства постепенно формируется новая эстетика. Замена одного стилевого направления другим происходила в острой борьбе, вызванной серьезной перестройкой в мировоззрении. Переход от искусства Средневековья к искусству барокко связывался с усилением светского начала, активным развитием новых музыкальных жанров и форм, новым типом музыкального мышления.

Путь развития русской многоголосной музыки в эпоху барокко (с середины XVII до середины XVIII в.) поражает стремительностью. То, что западное искусство прошло за 700 лет, Россия осваивает за сто. В России сразу прививаются традиции западноевропейского барокко, но в русском варианте. Молодое, энергичное, свежее искусство барокко увлекает своей красотой, богатством, полнокровностью красок. Многохорные концерты, распространившиеся сначала на Украине, а затем и в Московской Руси, поражали слушателей небывалым великолепием.

Искусство барокко конца XVII - первой половины XVIII в. связывается с появлением партесных концертов (от лат. partis - партия), названных так потому, что в отличие от унисонного русского пения их пели по партиям. Эпоха барокко в России была связана с бурным расцветом многоголосия. После столь долгого господства монодии, продолжавшегося почти 700 лет, начинается полоса господства многоголосия. Создаются партесные многоголосные композиции на 4, 8, 12 - до 48 голосов, причем нормой становятся произведения на 12 голосов. Вырабатываются приемы гармонического и полифонического письма. С середины XVII в. утверждается новый стиль партесного пения, соответствующий эпохе барокко, который нашел свое воплощение в партесных гармонизациях песнопений древних распевов, авторских композициях, в кантах, псальмах и концертах.

Концертное пение, завезенное в Московскую Русь с Украины, было порождением европейской культуры. Из Германии и Италии, через Польшу оно проникает на Украину, а затем в Москву. Такой путь был естественным для того периода в XVII в., когда многие западные влияния в искусстве попадали в Россию главным образом из Польши через Украину.

Юго-западное влияние в Московской Руси

В середине XVII в. значительно усиливаются непосредственные связи России с Западной Европой 6 , но особенно важным в это время оказалось влияние украинско-белорусского просветительства, усилившееся с момента присоединения Украины к России (в 1654 г.). Объединение Украины с Россией способствовало преобразованию русской культуры. Являясь частью Речи Посполитой, Украина освоила многие особенности католической польской культуры. В начале XVII в. на Украине под воздействием польской культуры формируются новые формы художественного мышления, которые непосредственно связаны с западноевропейским влиянием, особенно итальянским. Польская культура через украинских музыкантов с середины XVII в. начинает активно воздействовать на культуру Московской Руси.

В середине XVII в. в Москву переселяются украинские и белорусские ученые, певцы, книжники. Среди них были украинский филолог, переводчик, педагог, автор словарей Епифаний Славинецкий, белорусский поэт и драматург Симеон Полоцкий, занявший видное положение при московском дворе, будучи воспитателем царских детей.

Благодаря деятельности этих просветителей открываются новые учебные заведения - школы, училища 7 . Одним из таких заведений была Славяно-греко-латинская академия (1687), выполнявшая роль высшего учебного заведения, в котором большое внимание уделялось филологии, языкам, поэзии. Крупнейшим культурным центром был основанный патриархом Никоном Воскресенский Ново-Иерусалимский монастырь. Как отмечает Ю. В. Келдыш, роль этого монастыря была весьма значительна, здесь "зарождались и находили поддержку новые течения в области поэзии и церковного пения, новые музыкально-поэтические жанры" 8 .

Пению на Украине всегда уделяли главное место. По природе очень музыкальный, украинский народ в XVI-XVII вв. быстро усовершенствовал свое певческое дело, чему способствовала борьба православия и католицизма. Огромное влияние украинская музыка испытала со стороны польской музыкальной культуры. Уния 9 1596 г. облегчила латинскому пению путь на клирос. С особой силой это сказалось в юго-западной части Украины, где политическое господство Польши, религиозная зависимость униатов от Рима и культурные связи с Польшей обеспечили путь распространению западноевропейской музыки.

Проникновению польского влияния немало способствовали многочисленные южнорусские братства, которые соперничали и с католическим влиянием и между собой. Борьба с польским католическим влиянием вынудила украинских певцов учиться новому пению и пользоваться оружием своих противников. Известно, например, что Львовское братство в середине XVI в. отправляло дьяков в Молдавию для обучения греческому и сербскому распевам, а галицийские города посылали дьяков учиться церковному пению в Румынию.

Многоголосное "органогласное", то есть подражающее звучанию органа, пение воспринималось на Руси как "латинская ересь", соблазн 10 . Вместо прежних духовных стихов запели псальмы и канты, часто на польском языке. Изменилась исполнительская эстетика. На смену сурово-сдержанным мелодиям знаменного распева пришли выразительные "сладкозвучные" мелодии. Лучше всех разницу стиля украинского и московского пения показал арабский писатель Павел Алеппский, побывавший на Украине и в Москве в 1654-1656 гг.: "Пение казаков радует душу и исцеляет от печалей, ибо их напев приятен, идет от сердца и исполняется как бы из одних уст; они страстно любят нотное пение, нежные сладостные мелодии". В московском же "ирмолойном" - унисонном пении П. Алеппского удивило пристрастие русских к низким мужским голосам: "Лучший голос у них - грубый, густой, басистый, который не доставляет удовольствия слушателю. Как у нас он считается недостатком, так у них наш высокий напев считается неприличным. Они насмехаются над казаками за их напевы, говоря, что это напевы франков и ляхов" 11 .

На Украине в XVII в. складывается новая манера выразительного пения, создаются новые типы монодических распевов. Украинские певческие рукописи XVII в. - Ирмологионы, полны песнопениями местных распевов. Их названия чаще всего связаны с местом их возникновения и распространения на Украине - волынский, львовский, острожский, слуцкий, кременецкий, подгорский. Иногда их распевы связаны с местной монастырской традицией пения, чаще всего с крупными монастырями - супрасльский, киево-печерский, межигорский, кутеинский. Но самыми распространенными, ставшими широко известными в Москве, были три - киевский, болгарский и греческий. Их, по-видимому, привезли с собой украинские певцы, приезжавшие в Москву в 50-е гг. XVII в., и в частности из певческой школы Киево-братского монастыря, основателем которого был известный украинский просветитель и политический деятель Лазарь Баранович.

Киевский, болгарский и греческий распевы записывали киевской нотацией, они были связаны с системой осмогласия и обладали некоторыми общими стилевыми признаками, отличающими их от знаменного распева. Это были строфичные распевы, основанные на многократном повторении мелодий строф с разным текстом. В новых распевах появились строго определенный метр, ритмическая периодичность, которая сблизила их с кантами и псальмами, имевшими черты европейской мелодики, лирической песенности и даже танцевальности. Так постепенно меняется эстетика древнерусской певческой культуры. Взамен строгого знаменного распева с бесконечно развивающейся, как бы парящей мелодикой без метра, приходят метричные, более простые и песенные, мелодичные, удобные для запоминания напевы.

Выразительностью и мелодичностью отличаются песнопения болгарского распева 12 . Его ритмика симметрична, обычно он укладывается в четырехдольный размер, текст распевается умеренно, хотя нередко встречается и большой внутрислоговой распев.

Для греческого распева 13 характерна лаконичность, простота. Мелодии греческого распева напевно-речитативные, с симметричным ритмом. Они соединяются в музыкальные композиции на основе варьированного повторения строк:

Киевский распев представляет собой южнорусскую ветвь знаменного распева. В его основе - строфичность, построчное распевание текста. В мелодике киевского распева есть и речитативные и распевные построения, часто встречаются повторы отдельных слов и фраз текста, что не допускалось в знаменном пении. Киевский распев широко распространился в Москве со второй половины XVII в. Известны две разновидности киевского распева - большой и малый (сокращенный вариант большого).

Киевским и греческим распевами наряду со знаменным были распеты наиболее важные тексты Обихода, повседневные песнопения Всенощного бдения и Литургии. Немало их и в южнорусском Ирмологионе. С внедрением партесного пения во второй половине XVII в. появились партесные многоголосные гармонизации киевского, болгарского и греческого распевов.

История русской музыки, как и история русских традиций и нравов - есть итог длительного многовекового эволюционирования, в процессе которого сформировывались и развивались индивидуальные культурные достижения. К таким достижениями конечно относится и богатое наследие российской музыкальной культуры, которое включает в себя народный фольклор, произведения русских композиторов с мировым именем, свободное творчество бардов, а также особый национальный стиль русского романса.
История русской музыки начинается с развития фольклорной культуры древних славянских общин, расселившихся на землях Киевской Руси. Огромное количество национального творчества в виде народных песен, сохранившегося до нашего времени, несут в себе характерный оттенок язычества на ряду с христианскими традициями. Характерные черты русской народной музыки послужили главной основой, на которой в будущем строилось все музыкальное русское творчество.
Русская народная музыка подразделяется на множество жанров, среди которых самыми старинными является песенный жанр. Песни бывали самые разнообразные, например обрядовая песнь, свадебная и танцевальная песня, эпические и повествовательные песни, лирические и драматические песни. Да и практически вся древняя народная музыка являлась преимущественно песенной, что специалисты связывают с существовавшим запретом на музыкальный инструментарий в церкви (у католических народов напротив, церковь являлась центром исторического развития музыкальной культуры). Поэтому музыкальные инструменты имели бытовой или народный характер. Известными умельцами в деле музыкального искусства бали пастухи, которые играли на гуслях, дудках и рожках.
В древних повестях помимо этих инструментов упоминаются также бубны, натуральные охотничие рога.
В эпоху средних веков, публичные исполнители и музыканты, именуемые скоморохами, подвергались гонениям и преследованиям, их, и не только, музыкальные инструменты повсеместно уничтожались. Поэтому до наших дней дошли буквально единицы средневековых инструментов. Однако с русским музыкальным творчеством ассоциируется такие инструменты, как гитара с семью струнами, мандолина и гармонь (которая так и называется русской гармонью или баяном). Но следует знать, сто подобные инструменты вошли в русскую культуру только в 18-19 веках. А уже в 19 веке был создан первый в история русской музыки оркестр, состоящий только из русских народных инструментов. Музыка, ставшая впоследствии именоваться классической русской музыкой, характеризовалась произведениями таких всемирно известных композиторов, как М. И. Глинко, М. П. Мусоргский, Римский-Корсоков, Бородин, Шаляпин, Чайковский, Рахманинов и т. д., а к советским помпозиторам относят не менее прославленные имена Хачатуряна, Прокофьева, Шостаковича, Шнитке. В отличие от русской музыки, для западных классиков свойственно исполнение в рамках одного стиля. О русских авторах сказать такого нельзя: каждый из них отличается неповторимой музыкальной харизмой и глубоко выраженным авторским творчеством.
Среди потрясающих оперных исполнителей особо можно выделить Шаляпина, певца, имевшего настолько невероятный тембр голоса, что по слухам, он, однажды отправившись на отдых в Крым, сумел разбить бокал шампанского, предложенного ему в одном из местных горных гротов князем Львом Голициным.
К сожалению, множество классиков русской музыки были вынуждены эмигрировать после государственного переворота, устроенного советской властью в 1917 году. Однако они продолжали творить и из-за рубежа.
Уже в поздний советский период в России распространяется популярное эстрадное исполнение, яркими представителя которого были и ныне живущие А. Пугачева, В. Леонтьев, И. Кобзон, Лещенко, Ротару и много-много остальных. К концу двадцатого столетия российская популярная музыка развивалась по западному примеру, и популярна она в основном среди русскоязычного населения. На западном музыкальном поприще русским певцам редко удается достигнуть высот мирового уровня, а в русском языке в отношении легко мысленного популярного музыкального направления возникло особое сокращение, которое звучит как попса.
История русской музыки, которая несет в себе великие произведения, является неотъемлемой частью народного достояния. От молодых дарований умудренные опытом наставники всегда с надеждой ожидают, что это он непременно станет великим, войдя в история русской музыки, как некогда вошли великие композиторы.

Русская музыка XIX в. – это яркая и блистательная эпоха в развитии музыкальной культуры. Она связана с формированием национальной композиторской и исполнительской школы, имеющей мировое значение. Приобщение к лучшим музыкальным достижения Западной Европы благотворно сказалось на общем характере её развития, а самобытность и оригинальность во многом определяло следование народным традициям. В XIX в. сложились новые жанры вокальной и симфонической музыки. Большие успехи были достигнуты в оперном искусстве. Творчество таких замечательных русских композиторов, как М.И.Глинка, М.П. Мусоргский, А.П. Бородин, Н.А.Римский - Корсаков, П.И.Чайковский, вошло в сокровищницу мировой музыкальной культуры.

Романсы «Не искушай»; «Сомнение»; «Не пой, красавица, при мне»; «Я помню чудное мгновенье». Симфоническая музыка «Камаринская»; «Арагонская хота»; «Ночь в Мадриде»; Русская национальная опера «Жизнь за царя» («Иван Сусанин»). Опера-сказка «Руслан и Людмила».

М.А. Балакирев (1836 – 1910); Ц.А. Кюи (1835 – 1918); А.П. Бородин (1833 – 1887); М.П. Мусорский (1839 – 18810; Н.А. Римский- Корсаков ().

Организатором и идейным вдохновителем этого дружного союза, созданного в конце 1850 годов, стал Милий Алексеевич Балакирев – замечательный пианист и композитор, сумевший объединить вокруг себя не только любителей музыки, но и талантливых исполнителей и композиторов. Его незаурядные способности, превосходные исполнительские и артистические данные, разносторонние музыкальные познания и острый, проницательный ум приводили в восхищение и обеспечивали ему незыблемый авторитет.

М.А. Балакирев – автор многих замечательных произведений. Им созданы музыка к трагедии «Король Лир», симфонические поэмы «Тамара» на стихи М.Ю. Лермонтова, «Русь» и «В Чехии», «Испанская увертюра», «Увертюра на темы трех русских песен». Для фортепиано, своего любимого музыкального инструмента, он создал восточную фантазию «Исламей», навеянную впечатлениями от путешествия по Кавказу. Сорок романсов, сонаты, мазурки, ноктюрны и вальсы, сборники русских песен являются лучшим достижениями композитора.

Творческое наследие композитора довольно обширно: 14 опер, в том числе «Сын мандарина» (1859), «Вильям Ратклифф» (по Генриху Гейне, 1869), «Анджело» (на сюжет драмы Виктора Гюго, 1875), «Сарацин» (по сюжету Александра Дюма- отца, 1898), «Капитанская дочка» (по А. С. Пушкину, 1909), 4 детские оперы; произведения для оркестра, камерных инструментальных ансамблей, фортепиано, скрипки, виолончели; хоры, вокальные ансамбли, романсы (более 250), отличающиеся лирической выразительностью, изяществом, тонкостью вокальной декламации.Сын мандарина 1859Вильям Ратклифф Генриху Гейне 1869Анджелосюжет драмы Виктора Гюго 1875Сарацин Александра Дюма- отца 1898Капитанская дочка А. С. Пушкину 1909 фортепиано скрипки виолончели романсы

Алексей Порфирьевич Бородин, будучи крупным ученым – химиком, отдавал все свое время научным исследованиям. По его собственному признанию, сочинять музыку ему приходилось лишь в период болезни. Музыкальное творческое наследие композитора невелико, но существенен вклад развитие русской музыкальной культуры. Произведения Бородина составляют славу и гордость отечественной музыки. Три симфонии; 15 романсов на стихи русских поэтов; Единственная опера «Князь Игорь»

Необозримо и уникально творческое наследие Модеста Петровича Мусоргского, одного из выдающихся русских композиторов XIX в. Его недолгая жизнь была отмечена яркими произведениями в области симфонической и оперной музыки. Окончив школу гвардейских прапорщиков, он отказался от блестящей военной карьеры и в 1858 г. вышел в отставку с единственной мыслью – всецело посвятить себя музыке. Один за другим он создает целый ряд музыкальных шедевров, знаменующих собой новую эпоху в истории музыкального искусства.

Яркая страница русской музыкальной культуры XIX века. Связана с творчеством Николая Андреевича Римского – Корсакова. Начало его музыкальной карьеры было блистательным. В 1867 г. он пишет симфоническую картину «Садко» по мотивам известной новгородской былины. Через год композитор пишет симфоническую картину «Антар» на сюжет арабских народных сказок. Позднее, в 1888 г., Римский – Корсаков вновь обратился к восточным мотивам в сюите «Шехеразада» по средневековым арабским сказкам из известного сборника «Тысяча и одна ночь»

Оперы «Псковитянка», «Царская невеста», «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии», «Снегурочка», «Сказка о царе Салтане», «Золотой петушок», «Кащей Бессмертный», «Майская ночь», «Ночь пред Рождеством», «Моцарт и Сальери»; Около 80 романсов («Ненастный день потух», «Не ветер, вея с высоты», «Редеет облаков летучая гряда»)

Всего 53 года вместила жизнь выдающегося русского композитора Петра Ильича Чайковского (1840 – 1893), а в обширном списке созданных им произведений десять опер, три балета, девять программных симфонических произведений, концерты, квартеты, музыку к драматическим спектаклям, более ста романсов и множество других сочинений. Чайковскому принадлежат слова: «Вдохновение – это гостья, которая не любит посещать ленивых; она является к тем, которые признают ее».

Чайковский сумел обрести свой неповторимый и оригинальный стиль, определивший его особе место в истории мировой музыкальной культуры. В области симфонической музыки он разработал жанр программной симфонической поэмы («фантазии», или «увертюры – фантазии»). Значительное место в творчестве Чайковского занимают оперы. Лучшие оперные произведения композитора – «Евгений Онегин» и «Пиковая дама». Сказочно – романтическим светом озарена балетная музыка П.И. Чайковского, в которой он выступает не только как блестящий реформатор, но и как первооткрыватель. Музыкальный критик Г.А. Ларош писал: «По музыке «Лебединое озеро» – лучший балет, который я когда – нибудь слышал….»

Русскую музыку 19 века принято делить на два периода: до появления великого композитора , то есть, примерно до 1830-1840 годов, и после.

До – эпоха раннего романтизма , или «до – глинкинская»,
после в русской музыке наступает классический период .

Русская музыки 19 века — «до – глинкинская» эпоха

В начале века в русской музыке царило смешение двух стилей – классицизма и романтизма. В первой половине 19 столетия произошли такие масштабные для России события, как Отечественная война, восстание декабристов; в обществе распространялись идеи Великой Французской революции, произошедшей незадолго до этого. Все это не могло не отразиться на культуре страны. В литературе появляются , В.Ф. Одоевский, в живописи – В музыкальной культуре России 19 века также слышны отголоски , который по-настоящему захлестнет страну с приходом М.И. Глинки.

Основные жанры и направления

Самыми популярными течениями в русской музыке 19 века были:

«городская» песня. Окончательно сформировывается к 19 веку. Чаще всего такие песни рождались из простой гитарной импровизации безымянных любителей на стихи поэтов (например, «Вечерний звон», «Чем тебя я огорчила»).
запись и обработка народных напевов. В конце 18 века В.Трутовский выпустил сборник русских народных песен. Ими заинтересовались практически все жители столицы, после чего стало появляться множество музыкальных произведений в народном стиле («Вьется ласточка сизокрылая»).
камерно-вокальная музыка с примесью русского фольклора , исполняемая на музыкальных домашних вечерах. Под влиянием романтизма появляется русский романс (особенно популярны были романсы А.А. Алябьева («Соловей») и А.Е. Варламова («Ах, ты, время-времечко», «Вдоль по улице метелица метёт»)) и созданный на его основе цыганский романс, в котором не требовался профессиональный вокальный голос и замысловатый аккомпанемент (например: «Твои глаза зелёные»).

Также был ещё жив такой музыкальный жанр, как водевиль – легкая пьеса с куплетами. В музыкальной культуре России «до-глинского» периода были особенно популярны водевили:

А.А. Шаховского («Любовное зелье», «Беглец от своей невесты»)
Ф.В. Булгарина («Разговор в царстве мёртвых», «Похождения Митрофанушки на Луне»),

однако каждый молодой дворянин считал своим долгом сочинить хотя бы раз в своей жизни водевильную пьеску для бенефиса какого-нибудь актера.

В театрах исполнялись преимущественно итальянские и французские оперы. В русской опере преобладали былинные мотивы; однако уже было заметно влияние романтизма (А.Н. Верстовский, например, часто использовал в своих произведениях романтические сюжеты – обращение к эпохальному прошлому).

Начало классического периода русской музыки — М.И. Глинка

С появлением Михаила Ивановича Глинки, основоположника композиторской школы в России, в русской музыке 19 века начался настоящий подъем. Его музыкальные произведения пропитаны народными мотивами, в них присутствует тот самый Пушкинский «русский дух». Кроме великолепных вокальных произведений и симфоний, композитор создал две оперы (одни из самых выдающихся за всю историю музыки): «Жизнь за царя» (1836) и «Руслан и Людмила»(1842). Оба этих произведения пронизаны сильнейшим патриотическим и русским началом, ведь М.И. Глинка сам сказал:

«В музыке должны присутствовать интонации и даже целиком мелодии народной музыки той национальности, к которой принадлежит автор».

Так, в опере «Жизнь за царя» в образе простого крестьянина Ивана Сусанина М.И. Глинка показал всю силу и мощь русского народа. Самое главное новаторство оперы заключалось в том, что главным героем музыкального произведения стал мужик, крепостной. Неудивительно, что великосветское общество невысоко оценило оперу, однако многие классики литературы (например, ) были её настоящими поклонниками.

В эпической сказке с яркими романтическими мотивами «Руслан и Людмила» Глинка ещё дальше отошел от традиций французских и итальянских опер, поэтому и это музыкальное произведение не было встречено с восторгом. Тем не менее, именно после этих произведения русская музыка была признана во всем мире, а М.И. Глинка по праву признан основоположником музыкальной классики в России.

Русская музыка второй половины 19 века

Во второй половине 19 века музыка становится более доступной для разных слоев населения.

Открываются Московское и Петербургское отделения Императорского русского музыкального общества, постоянно проводящие доступные всем музыкальные собрания,
В Петербурге создается бесплатная музыкальная школа,
Основываются консерватории – вначале в столицах (возглавляли их братья Рубинштейны), а концу века и в других городах.

Становятся популярными новые музыкальные жанры – симфонические циклы, симфонии (первая симфония (фа-мажор) была создана А.Г. Рубинштейном в 1859, но она не получила широкой популярности; более известна его симфония номер 2 до-мажор под названием «Океан». Настоящего расцвета в русской музыке этот жанр достиг в творчестве Римского-Корсакова и .

Композиторские школы 19 века в России

Также в стране в 19 веке формируются две крупнейшие композиторские школы:

Первая – Новая русская школа в Петербурге , позже В.В. Стасов назовет её .

В нее входили Главным своим наставником и учителем они видели М.И. Глинку, а главной целью – воплощение национального начала в своих музыкальных произведениях. В то время очень сильны были революционные идеи; вся интеллигенция размышляла над проблемами крестьян, сами же крестьяне устраивали бунты и восстания. На этом фоне и появилась «Могучая кучка» с её идеями национального, духовного, народного богатства. Тщательно собирая русский фольклор, они старались передать в операх всю силу народного духа.

Вторая – московская школа;

возглавлял её П.И. Чайковский, и в нее входили А.А. Алябьев, С.И. Танеев, А.Е Варламов и другие.

Если петербургская композиторская школа стояла за эпичность в музыке, то московской школе русских композиторов были более свойственны лирические произведения. Например, природа, пейзаж у П.И. Чайковского всегда изображен через призму человеческих чувств, у композиторов « кучкистов» природа, скорее, сильный, полноправный герой, не имеющий ничего общего с человеком. Таких различий много, однако, самое главное – они относились к разным временным эпохам.

Московская школа представляла эпоху уходящую, «век минувший»,
Петербургская же (или «новая русская», как её называли) заключала в себе все, что было свойственно «веку нынешнему».

Антагонизм этих двух школ повлиял на творчество не только их приверженцев, но и тех композиторов, которые не причисляли себя ни к той, ни к другой школе.

Исполнительское искусство 19 века

Что касается исполнительского искусства, в России очень многое поменялось в течение этого периода. До него распространено было лишь любительское домашнее музицирование (об этом уже говорилось выше), к началу же 20 века музыкальные произведения стали исполняться в огромных залах оперных театров, стали формироваться отечественные школы игры и пения и открываться высшие учебные заведения.

Музыкальные инструменты

Одно из главных изобретений 19 века – механизм вентилей для духовых инструментов, с помощью которого возможности духовых музыкальных инструментов стали гораздо шире; появились новые инструменты – например, туба и флейта-пикколо. Кроме того, то пианино, на котором мы играем сегодня, было изобретено в то же время в Америке и сразу же приобрело небывалую популярность и в России.

Подведем итог.

В русской музыкальной культуре 19 века произошел настоящий подъем, сформировалась национальная музыкальная школа, и отечественных композиторов признал и начал уважать весь мир.

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость - поделитесь

Государственное бюджетное дошкольное образовательное учреждение

детский сад №2 общеразвивающего вида Калининского района города

Санкт – Петербурга.

Консультация для педагогов ДОУ.

Технологии:

Санкт – Петербург 2015 г.

Музыкальные традиции русского народа в классической музыке .

Выступление на педагогическом совете.

Цели и задачи:

1. Познакомить с традициями русского народа в творчестве русских композиторов – классиков.

2. Расширение представлений о музыкальной культуре рус ского народа.

3. Развитие эстетического и нравственного восприятия мира .

Технологии: Информационно – компьютерные (ИКТ).

Информационно – коммуникативная.

«Народная песня, как сказочный источник живой воды, давала композиторам силу и вдохновение, учила их красоте и мастерству, учила любить жизнь и человека».

Д. Б. Кабалевский

Расцвет музыкальной культуры в 19 веке был подготовлен всем ходом развития ее в России. Веками накапливались в народе драгоценные родники музыкального искусства. Народное поэтическое и музыкальное творчество существовало еще в глубокой древности, и в нем отразилась вся жизнь и история народа: его обычаи и обряды, его труд и борьба за свободу, его надежды и мечты о лучшей жизни.

Русская народная музыка берёт начало в фольклоре славянских племён, живших на территории Киевской Руси. Русская народная песня - сокровищница песенного творчества, «образец правды и красоты», бесценное достояние русского народа, являющегося представителем России, а значит выразителем её интересов, истории и культуры. Русская народная песня - это исповедь славянского народа о России, ее великом прошлом, настоящем и будущем.

Среди основных жанров народной музыки можно выделить календарные обрядовые песни, свадебные, величальные, эпические, танцевальные, хороводные и лирические песни, плачи и причитания, частушки. Народная музыка была больше песенной, чем инструментальной (возможно, под влиянием церковного запрета на музыкальные инструменты в храме).

Народными напевами питалась и русская музыкальная классика. На творчество русских композиторов народные лирические песни оказали сильное влияние. Бережно собирали и изучали народную песню русские композиторы – классики. Некоторые из них – Балакирев, Римский – Корсаков, Лядов – составили сборники русских песен для голоса в сопровождении фортепиано. В своих произведениях они нередко использовали русские напевы. А сочиняя собственные мелодии, вводили в них характерные для русских песен интонации, попевки и мелодические обороты. Музыка Бородина и Мусоргского, Глинки и Чайковского понятна и доступна широкому слушателю именно потому, что она богата прекрасными мелодиями, песенна.

В 18 веке на мелодической основе старинной народной песни, которую называли «крестьянской», появляется бытовая городская песня. Почти в каждой городской песне используются попевки, ладовые и ритмические особенности старинной песни. Мы привыкли называть городскую песню русским романсом. Часто для романса характерна куплетная форма, исполнялись романсы под аккомпанемент гитары, фортепиано арфы. В романсе, как и в русской песне, отразились думы, настроения и переживания простых людей. Лучшие из них распространялись устно, свободно варьировались и постепенно превращались в народные песни. Так было с песней – романсом «Колокольчик» Александра Львовича Гурилева, с «Красным сарафаном» и «Вдоль по улице метелица метет» Александра Егоровича Варламова

История русской классической музыки начинается с творчества Михаила Ивановича Глинки. (1804 – 185 7) Глинка вошел в историю музыкальной культуры не только как великий композитор, но и основоположник национального стиля, народности в русской музыке. Истоки музыки Глинки уводят в русское народное творчество. Любовью к Родине, ее народу, к русской природе проникнуты лучшие его произведения.

«Создаёт музыку народ, а мы, художники, её только аранжируем (перекладываем музыку, украшаем)», - сказал когда – то М. И. Глинка.

Во многих его произведениях мы слышим напевы народных песен, ритмы танцев. И вся музыка Глинки проникнута почерпнутыми из родного фольклора интонациями, мельчайшими оборотами, которые и придают неповторимый национальный колорит его произведениям.

Опера «Иван Сусанин» или «Жизнь за царя» - героическая народная музыкальная драма. В своем произведении композитор прославил героический подвиг простого русского крестьянина, пожертвовавшего своей жизнью во имя Родины. Музыка оперы глубоко национальна, песенна. Давайте обратимся к арии Сусанина из 4 действия «Ты взойдешь, моя заря »; к песне – романсу Антониды «Не о том скорблю, подруженьки» – трогательные интонации народных причитаний; хор из эпилога «Славься» , в котором народ славит родную землю и погибших героев. Сам Глинка называл его гимном – маршем .

Михаил Иванович первым обратился к сказочному жанру. Первая русская сказочно – эпическая опера «Руслан и Людмила » написана на бессмертное произведение основоположника национальной русской поэзии - А. С. Пушкина. Она проникнута народной героикой, величием былинного эпоса, патриотизма. В. Ф. Одоевский написал после премьеры: «На русской музыкальной почве вырос роскошный цветок, - он наша радость, наша слава».

К лучшим произведениям М.И. Глинки, написанным на фольклорной основе, принадлежит симфоническая фантазия «Камаринская», в которой, по словам композитора П. И. Чайковского, «подобно тому, как весь дуб в желуде» заключена вся русская симфоническая школа. Она написана в 1848 году на темы двух русских песен: свадебной лирической «Из-за гор, гор высоких» и бойкой плясовой

Вторая половина 19 века – время могучего расцвета русской музыки, как и всего русского искусства. В музыкальном творчестве 60-х годов ведущее место заняли Чайковский и группа композиторов, вошедших в состав балакиревского кружка. Речь идет о «Могучей кучке», в которую входили: Балакирев, Кюи, Мусоргский, Бородин и Римский – Корсаков. Композиторы «Могучей кучки» называли себя наследниками Глинки и свою цель видели в развитии русской национальной музыки.

Среди композиторов «Могучей кучки» Модест Петрович Мусоргский (1839 – 1881) был наиболее ярким выразителем в музыке революционно – демократических идей 60-х годов 19 века. Именно Мусоргский сумел с большой обличительной силой раскрыть в музыке суровую правду о жизни русского народа, воссоздать, как сказал В. В. Стасов, «весь океан русских людей, жизни, характеров, отношений, несчастья, невыносимой тягости, приниженности».

Вся сила таланта Мусоргского раскрылась в опере «Борис Годунов» по трагедии А. С. Пушкина. В пушкинской трагедии Модеста Петровича привлекала возможность воссоздать в опере пробуждение силы народа, которая выливается в открытое недовольство, а под конец – в стихийное восстание. Народ в опере Мусоргского – главное действующее лицо. Уже в первой картине звучит скорбная тема, близкая к русским народным протяжным песням, «На кого ты нас покидаешь, отец наш». В этом плаче встает образ самого народа – угнетенного и голодного.

В кульминации третьей картины звучит хор восставшего народа «Расходилась, разгулялась сила молодецкая» , построенный на интонациях удалых молодецких песен. Создание народной музыкальной драмы, глубоко раскрывающей жизнь русского народа, его исторические судьбы, явилось важным этапом в развитии музыкального театра.

«Картинки с выставки» были написаны Мусоргским под впечатлением от выставки произведений художника Виктора Гартмана, друга композитора, внезапно умершего. Мысль передать в музыкальных образах зрительные впечатления увлекла Мусоргского. Каждая пьеса этого цикла, который можно назвать сюитой, - музыкальная картинка, навеянная тем или иным рисунком. Тут и бытовые картинки, и мелкие зарисовки человеческих характеров, и пейзажи, и образы русских сказок, былин.

«Избушка на курьих ножках» рисует сказочный образ Бабы – Яги. Художником изображены часы в форме сказочной избушки. Но в музыке Мусоргского воплощена не красивая игрушечная избушка, а ее хозяйка – Баба-Яга. От пьесы так и веет былинным размахом, русской удалью.

Еще большее родство с русской народной музыкой, с образами былин ощущается в картинке – «Богатырские ворота». Мусоргский написал эту пьесу под впечатлением архитектурного эскиза Гартмана «Городские ворота в Киеве». Интонациями и своим гармоническим языком музыка близка русским народным песням. Характер пьесы величаво – спокойный и торжественный. Таким образом, последняя картинка, символизирующая мощь родного народа, естественно завершает весь цикл.

Александр Порфирьевич Бородин (1833 – 1887) во многом продолжал традиции Глинки. В своей музыке композитор воплотил величие и мощь русского народа, героические черты характера русских людей, величавые образы национального былинного эпоса. И наряду с этим в творчестве Бородина встречаются образы лирические, задушевные, чарующе – искренние, полные страсти и нежности. Основным средством музыкального высказывания всегда является мелодия - широкая, песенная, пластичная. Красочность, яркость присущи гармоническому языку Бородина.

Замечательное произведение древне – русской литературы 12 века – «Слово о полку Игореве» - увлекло композитора и вдохновило его на создание оперы. Он отыскивал в библиотеках материалы по истории Киевской Руси, старинные русские песни и мелодии восточных народов. «Князь Игорь» - лирико-эпическая опера , основана на интонациях народных песен – русских и восточных. Русь и Восток показаны в опере многогранно и правдиво. В этом Бородин был последователем М. И. Глинки.

Торжественный народный хор «Солнцу красному слава!» в прологе построен на мелодических оборотах русских песен. По своему складу близок к величальным хорам опер Глинки. Мелодия хора близка напевам древних обрядовых и эпических русских песен.

Ария Игоря – одно из лучших мест оперы. В ней ярко обрисован главный герой – мужественный, доблестный воин, готовый бороться за родную землю, и в то же время страдающий человек с любящим сердцем. В ней звучат три темы: тема душевных страданий, героическая и лирическая.

Плач Ярославны возникает из старинных народных голошений и причитаний с характерными для них интонациями. В своем плаче Ярославна обрисована как простая русская женщина, тяжело переживающая поражение игорева войска и разорение края. Тоска и скорбь подчеркиваются сравнением ее с горькой кукушкой. Этот образ часто встречается в русском фольклоре.

Опера «Князь Игорь» - одно из лучших творений оперной классики. В ней прославляется героический дух народа, его стойкость, патриотизм, душевная красота.

Николай Андреевич Римский – Корсаков (1844 – 1908) среди композиторов «Могучей кучки» занимает особое место. С его творчеством пышным цветом расцвела в русской музыке сказка. Сказка и песня всегда были душой народа. Именно в сказке народ высказывал светлую мечту о лучшей доле, о торжестве правды и победе добра над злом, насилием и несправедливостью.

Оперу «Садко» Римский – Корсаков назвал былиной. Долго изучал он различные варианты былины о новгородском гусляре и мореплавателе Садко. Действие в этой опере происходит в Новгороде. Как живой встает город в опере – с шумом богатых торговых рядов, с иноземными гостями, скоморохами и с обычаями древней старины. Главный герой оперы – молодой, удалой гусляр и певец Садко. Велика сила его песен – приворожил он к себе красавицу – царевну, дочь грозного Морского царя – владыки. Много чудес в этой опере – былине – величественно простой и немного печальной. И неповторимо прекрасна музыка оперы. Степенным распевным былинным говором написан ряд сцен, например речитатив и ария Садко «Кабы была у меня золота казна». Использованы и подлинные былинные напевы, например в хоре «Высота ли, высота поднебесная».

Опера «Снегурочка» на сюжет пьесы А. Н. Островского одно из самых прекрасных и вдохновенных произведений Римского – Корсакова. Действие оперы происходит в сказочном царстве берендеев, где все люди добры и справедливы, любят искусство. Ложь и обман считают преступлением. Берендеи поклоняются природе и солнцу. С большой теплотой воспроизвел в своей опере композитор старинные обычаи и обряды. Правдивое изображение жизни и быта людей сочетается с миром фантастики, сказки. Царь Берендей, Купава, Лель, Мизгирь, Бобыль и Бобылиха – образы реалистические. Человеческими чертами наделены Весна – Красна, Дед Мороз.

В пролог оперы Римский – Корсаков вставляет древний русский обряд: проводы Масленицы . Соломенное чучело наряжали, величали Масленицей и с пением возили по деревенским улицам, а к вечеру сжигали. Этим надеялись ускорить приход весны. Веселая возня с чучелом отражена в хоре «Прощай, масленица». Мелодия построена на мелодических оборотах старинных обрядовых песен.

«Песня Леля» начинается с соло кларнета, исполняющего подлинный народный наигрыш. Сама мелодия песни основана на народных оборотах и попевках. Характерна смена мажорного и минорного наклонения, характерного для народных песен, указывающая на переменность. Песня начинается медленно, протяжно. Но постепенно темп ее ускоряется и песня переходит в грациозную хороводную с припевом «Лель мой, Лель мой, лели, лели, Лель»

Петр Ильич Чайковский (1840 – 1898) все свое творчество посвятил человеку, его любви к Родине и русской природе, его стремлениям к счастью и мужественной борьбе с темными силами зла. Важное место в творчестве Чайковского занимает симфоническая музыка. Содержание Первой симфонии «Зимние грезы» - это раздумья и лирические чувства человека, а также образы природы. В темах этой симфонии слышатся выразительные интонации русских лирических протяжных песен. Вступление финала построено на мелодии русской народной песни «Цвели цветики». Главная партия финала – светлая, жизнерадостная с чертами танцевальности. По характеру она близка удалым плясовым напевам.

Великого советского композитора Сергея Сергеевича Прокофьева (1891 – 1953) по праву называют классиком 20 века. Он передал в своем творчестве строй чувств современников, острые драматические столкновения эпохи и веру в победу светлого начала в жизни. Прокофьев – смелый художник-новатор. Он открыл новые миры в музыке – в области мелодии, ритма, гармонии, инструментовки. Вместе с тем его искусство связано с традициями русской классики. В прокофьевских сочинениях оживает перед нами история в кантате «Александр Невский», опере «Война и мир», в музыке к фильму «Иван Грозный». Написанные в 30-40-е годы эти сочинения проникнуты любовью к отчизне, воспевают народ, его величие и силу духа. В них развивается героико-эпическая линия русской музыкальной классики, идущая от «Ивана Сусанина» Глинки, «Князя Игоря» Бородина, «Бориса Годунова» Мусоргского.

Кантата «Александр Невский» возникла из музыки к фильму, который был поставлен в 1938 году выдающимся советским кинорежиссером Сергеем Михайловичем Эйзенштейном. Фильм и музыка к нему, созданные незадолго до войны, воскресили на экране героическую борьбу дружины Александра Невского с тевтонскими рыцарями. В кантате 7 частей.

«Песня об Александре Невском» - вторая часть кантаты. Музыка величавая, строгая. Она похожа на фреску древнего русского живописца, запечатлевшего воина сурового и преданного Родине. В песне говорится о победе над шведами и дается предостережение: «Кто придет на Русь, будет насмерть бит». И текст и музыка выдержаны в эпическом духе, характерном для древнерусских былин.

«Вставайте, люди русские» - четвертая часть кантаты – призыв к бою за русскую землю. В мелодии, в ее настойчиво повторяющихся энергичных интонациях слышатся боевые кличи, призывы. Ритм марша подчеркивает героический характер музыки. И здесь мы наблюдаем сочетание песенных традиций с прокофьевскими современными музыкальными приемами. В средней части звучит тема «На Руси большой, на Руси родной не бывать врагу - певучая, светлая, привольная.

«Ледовое побоище» - пятая часть кантаты. В ней композитор показывает образы псов – крестоносцев и воинов русской дружины. Если в характеристике русских звучали мелодии, опирающиеся на различные песенные интонации, то в музыке, характеризующей захватчиков, появляется тема, написанная в духе католического хорала. Вместо ясных, красочных диатонических гармоний – устрашающие диссонирующие сочетания. Вместо певучих «человеческих» тембров струнных – режущие, завывающие, пронзительные тембры преимущественно медных инструментов .

Основные темы рыцарей прозвучали уже в Третьей части кантаты «Крестоносцы во Пскове». В музыке Прокофьева тевтонские рыцари скачут «с неумолимостью танковой колонны их омерзительных потомков» (так говорил Эйзенштейн, потрясенный музыкой.) Вступление в бой дружины князя отмечено энергичным звучанием у трубы темы хора «Вставайте, люди русские». В кульминационных эпизодах противоборствующие темы сталкиваются друг с другом, причем темы звучат одновременно каждая в своей тональности: русская в ре-мажоре, крестоносцы – в до-диез миноре. Возникает битональное звучание, которое своей резкостью подчеркивает остроту схватки. Удивительная «зримость» образов и в картине гибели крестоносцев. Оркестровыми средствами переданы и треск льда, и холодные темные волны, и мрачный драматизм происходящего. Огромное симфоническое напряжение разрешается в заключение всей картины. Тихо и светло звучит русская тема «На Руси большой». Это музыка мира и тишины, наступивших на освобожденной земле.

В шестой части «Мертвое поле» - воплощен образ лирический и скорбный. После Ледового побоища девушка - невеста ищет своего жениха среди русских воинов, павших на поле боя. Образ символический – Родина оплакивает своих сыновей. Интонации плача, идущие от русских народных причетов и от классических плачей (плач Ярославны), слышатся в музыке Прокофьева. Вокальная мелодия замечательна сочетанием напряженной выразительности и сдержанности. Мелодия глубоко печальна, но движение ее ровно и строго.

Завершается кантата торжественным, величественным финалом «Въезд Александра Невского во Псков» , где звучат знакомые русские темы. В кантате «Александр Невский» Прокофьев прославил победу русского народа над захватчиками, победу человечности над жестокостью и несправедливостью.

Итак, всем известна покоряющая сила русских народных песен. Они обладают свойством не только проникать глубоко в душу, но и вызывать сопереживание.

Народная песня, и шире весь музыкальный фольклор, это основа профессионального композиторского творчества.

Этот чудесный мир музыки стал неотъемлемой частью нашей жизни, он подтвердил свое право на существование, пройдя длительное испытание временем.