Театр в ссср. Советский театр во второй половине XX века

Материал из Юнциклопедии

Октябрьская революция коренным образом изменила все сферы жизни страны - социальную, политическую, экономическую, культурную. Первое советское правительство придавало огромное значение развитию многонациональной культуры. В 1918 г. Театральный отдел Наркомпроса, возглавляемого А. В. Луначарским, издал обращение «Ко всем национальностям России»; при наркомпросах республик создавались театральные отделы, деятельность которых была направлена на возрождение и развитие театрального искусства народов страны (см. Театр народов России в дореволюционный период). В 1919 г. В. И. Ленин подписал декрет «Об объединении театрального дела». Правительство, несмотря на тяжелейшее экономическое положение, гражданскую войну и военную интервенцию, брало театры на гособеспечение. Театр становился одной из активных форм просвещения, агитации, эстетического воспитания народа.

«Юбилей» А. П. Чехова в постановке В. Э. Мейерхольда. 1935 г.



Сцена из спектакля «Бег» по пьесе М. А. Булгакова. Ленинградский академический театр драмы имени А. С. Пушкина. В роли Хлудова - Н. К. Черкасов. 1958 г.



Сцена из спектакля «Конармия» по И. Э. Бабелю. Театр имени Евг. Вахтангова. Москва. 1966 г.



Странствующие актеры - скоморохи - веселые персонажи народных ярмарочных театров.

А. М. Бучма в спектакле «Макар Дубрава» А. Е. Корнейчука. Киевский украинский драматический театр имени И. Франко. 1948 г.



Л. С. Курбас.



В. К. Папазян в роли Отелло в одноименной трагедии У. Шекспира. Армянский драматический театр имени Г. Сундукяна. Ереван.



Актриса Киевского русского драматического театра имени Леси Украинки А. Н. Роговцева.



В. И. Анджапаридзе в спектакле «Изгнанница» В. Пшавелы. Грузинский драматический театр имени К. А. Марджанишвили.



Сцена из спектакля «Играл я, плясал» Я. Райниса. Латвийский Художественный театр имени Я. Райниса. Рига.



Сцена из трагедии «Король Лир» У. Шекспира в постановке тбилисского Театра имени Шота Руставели. Режиссер Р. Р. Стуруа. В ролях: Лир - Р. Чхиквадзе, Шут - Ж. Лолашвили, Гонерилья - Т. Долидзе.



Сцена из спектакля «И дольше века длится день» Ч. Айтматова. Вильнюсский театр молодежи.



Гастроли в Москве Государственного республиканского уйгурского театра Казахской ССР. Сцена из спектакля «Гнев Одиссея».



Сцена из спектакля «Звезда Улугбека» М. Шейхзаде. Узбекский академический театр драмы имени Хамзы. Ташкент.

Театральная жизнь первых послереволюционных лет формировалась по нескольким направлениям: традиционные, т. е. профессиональные, театры дореволюционной формации; студийные коллективы, примыкавшие к традиционным театрам; левые театры, искавшие формы созвучия революции в разрыве с традициями прошлого; агитационные театры (чаще всего красноармейской самодеятельности) и возникшие в этот период как одна из наиболее распространенных форм агитационного театра массовые празднества (см. Массовые театральные действа). Все они существовали и в столичных городах, и в провинции, и в национальных республиках, где агитационные театры опирались на традиции площадных зрелищ.

Сложным был процесс перестройки в традиционных театрах. Автономия, предоставленная в 1918 г. правительством традиционным театрам, давала им право самостоятельно решать свои творческие проблемы при условии, что деятельность их не будет носить контрреволюционного или антигосударственного характера. Театральные деятели получили возможность вдуматься в великие события, осознать их значение и найти свое место в культурной жизни революционной России. В. И. Ленин подчеркивал, что «торопливость и размашистость в вопросах культуры вреднее всего»; основной задачей в области театра он считал необходимость сохранения традиций, «чтобы не упали основные столпы нашей культуры».

Особое значение приобретают новые зрелищные формы, характерные для эпохи гражданской войны, отразившие бурное время митингов, открытой агитации, классовых боев. Большую роль в формировании и практическом воплощении их сыграл Пролеткульт (Пролетарская культурно-просветительская организация, созданная в сентябре 1917 г.). На сцене театров Пролеткульта ставились многие агитпьесы, например: «Красная правда» А. А. Вермишева, «Марьяна» А. С. Серафимовича. В деятельности Пролеткульта плодотворные методы соединялись с крайне левыми теоретическими воззрениями, отрицавшими наследие прошлого как порождение буржуазной эпохи. Эти ошибки подверглись справедливой критике со стороны В. И. Ленина.

Первые годы революции были временем, когда «играла вся Россия». Стихийная творческая энергия масс искала выхода. В массовых празднествах, или массовых действах, в которых принимало участие огромное количество народа, в аллегорической форме отражались события мировой истории, Октябрьской революции. Так, в Петрограде разыгрывались «Взятие Бастилии», «Взятие Зимнего дворца», «Пантомима Великой революции», «Действо о III Интернационале», «Мистерия Освобожденного Труда», «К мировой коммуне»; в Воронеже - «Восхваление революции»; в Иркутске - «Борьба труда и капитала». В этой постановке заявил о себе как актер и режиссер Н. П. Охлопков (1900-1967). Массовые действа получают распространение в Харькове, Киеве, Тбилиси; одной из форм фронтовой самодеятельности стали театрализованные суды. Сатирические театры миниатюр, «живая газета», ТРАМы (театры рабочей молодежи), «Синяя блуза» возникали по всей России, в Средней Азии, на Кавказе, в Карелии.

В первые годы Советской власти старые театры сделали первые шаги к сближению с народной аудиторией. Они обращались к классическим пьесам романтического плана, в которых звучали мотивы, близкие по духу к революционным настроениям времени. Спектакли эти именовались «созвучными революции». В их числе - «Фуэнте Овехуна» Лопе де Вега , поставленный К. А. Марджанишвили в Киеве в 1919 г.; «Посадник» А. К. Толстого - в Малом театре (режиссер А. А. Санин, 1918); «Дон Карлос» Ф. Шиллера - в Большом драматическом театре в Петрограде (основан в 1919 г.; см. Большой драматический театр имени Г. А. Товстоногова). Не во всем удачные, эти постановки были важны как поиски философского осмысления современности, новых путей, новых средств выразительности, контактов с новым зрителем.

Студийное движение, начавшееся в 1910-х гг., обрело после революции новый смысл и значение (см. Театральные студии , Московский Художественный академический театр). 1-я Студия МХТ (с 1924 г. - МХАТ 2-й) выпускает «Эрика XIV» А. Стриндберга с М. А. Чеховым в главной роли. Антимонархический пафос спектакля, решенного Е. Б. Вахтанговым в яркой театральной форме, был созвучен времени. 2-я Студия МХТ продолжала заниматься воспитанием актера, не придавая большого значения завершенности, выстроенности спектакля. 3-я Студия (с 1926 г. - Театр имени Евг. Вахтангова), руководимая Вахтанговым, показывает «Принцессу Турандот» К. Гоцци (1922). Сказку Гоцци Вахтангов превратил в глубоко современный по мироощущению, проникнутый светлой жизнерадостностью, поэзией и юмором праздничный спектакль. Его высоко оценили К. С. Станиславский и Вл. И. Немирович-Данченко. Вновь возникающие студии ищут новые театральные формы, ставят спектакли, отражающие время. В основе их репертуара лежала преимущественно мировая классика.

Параллельно развивается традиционный в татарском театре жанр музыкального спектакля. Представителем романтического направления в актерском искусстве был М. Мутин, создатель образов Отелло, Гамлета, Карла Моора. Сильное трагическое дарование М. Ш. Абсалямова раскрылось в образах Грозного («Смерть Иоанна Грозного» А. К. Толстого), Гайпетдина («Переселение» Н. Исанбета).

В 1920-х гг. создаются профессиональные театры у народов, ранее не имевших национальных сцен. Это Казахский театр в Кзыл-Орде, Узбекский театр имени Хамзы в Ташкенте, Таджикский театр в Душанбе, Туркменский - в Ашхабаде, Башкирский - в Уфе, Чувашский - в Чебоксарах, Мордовский - в Саранске, Удмуртский - в Ижевске, Марийский - в Йошкар-Оле, Якутский - в Якутске. Огромную роль в становлении этих молодых коллективов, сыграли русские актеры и режиссеры, обучавшие национальные кадры основам театральных профессий. Складывается и общесоюзная система театрального образования. В Москве и Ленинграде идет подготовка целых национальных студий; они станут затем ядром многих молодых театров. Создаются театральные школы и студии в республиках.

Если первые послереволюционные годы были временем поисков искусства агитационного, пропагандистского, политически заостренного по отношению к наследию прошлого, то уже в первой половине 20-х гг. ощущается настоятельная потребность в возврате к традиционным театральным формам. В 1923 г. А. В. Луначарский выдвигает лозунг «Назад к Островскому». Пьесы А. Н. Островского, которые отвергались представителями левого фронта как резко не соответствующие эпохе, становятся основой репертуара: «Горячее сердце» - во МХАТе, «Доходное место» - в Театре Революции, «Гроза» - в Камерном театре, «Мудрец» - в студии Пролеткульта в постановке С. М. Эйзенштейна . Заявляет о себе и советская драматургия . Пьесы становятся гораздо более разнообразными по тематике и эстетическим поискам: «Дни Турбиных» и «Зойкина квартира» М. А. Булгакова, «Мандат» Н. Р. Эрдмана, «Озеро Люль» и «Учитель Бубус» А. М. Файко, «Клоп» и «Баня» В. В. Маяковского.

В конце 1920-х гг. приходит в театр Н. Ф. Погодин. Его пьесы «Темп», «Поэма о топоре», «Мой друг», «После бала» открывают новое направление советской «производственной» драмы, где современность осмыслялась в новых эстетических формах. Встреча Погодина с А. Д. Поповым (1892- 1961), возглавлявшим в это время Театр Революции (ныне - Театр имени Вл. Маяковского), привела к созданию ярких спектаклей, ознаменовавших собой значительный этап в развитии советского театра. Неожиданность драматического построения повлекла за собой изменение режиссерских приемов, системы актерского существования. Динамическая картина современной жизни воплотилась в характерах достоверных и убедительных: М. И. Бабанова - Анка, Д. Н. Орлов - Степан в «Поэме о топоре», М. Ф. Астангов - Гай в «Моем друге».

В 20-30-х гг. возникает широкая сеть детских театров. Советский Союз был единственной страной, где такое огромное внимание уделялось искусству для детей. Ленинградский ТЮЗ под руководством А. А. Брянцева, Московский театр для детей под руководством Н. И. Сац, созданный в 1921 г. и ставший затем Центральным детским театром, Московский театр юного зрителя, Саратовский театр юного зрителя имени Ленинского комсомола сыграли огромную роль в воспитании многих поколений детей и юношества (см. Детский театр и драматургия).

30-е годы - время активного развития советской драматургии, что крайне важно для театра в целом, так как только художественно полноценная пьеса давала материал для создания ярких и эстетически гармоничных спектаклей. Не случайно именно в 30-е гг. возникает полемика между драматургами разных направлений, такими, как Вс. В. Вишневский, Н. Ф. Погодин, В. М. Киршон, А. Н. Афиногенов. Проблема героя-личности и героя-массы, необходимость изображения эпохи через «доменные процессы» или психологию типического характера выдвигаются на первый план.

Значительным явлением в истории советского театра стала драматургическая и сценическая Лениниана. В 1937 г. появляются спектакли «Правда» А. Е. Корнейчука в Театре Революции с М. М. Штраухом в роли В. И. Ленина, «Человек с ружьем» Погодина в Театре имени Евг. Вахтангова, где роль В. И. Ленина с большой жизненной достоверностью сыграл Б. В. Щукин. Образ вождя создали А. М. Бучма и М. М. Крушельницкий в Украине, В. Б. Вагаршян в Армении, П. С. Молчанов в Белоруссии (см. Лениниана в театре).

Московский Художественный театр, продолжая свою традицию, инсценирует произведения русской классической прозы. Интересен был опыт сценического воплощения произведений Л. Н. Толстого «Воскресение» и «Анна Каренина», предпринятый Вл. И. Немировичем-Данченко. Драматизм судьбы Анны с огромной трагической силой передала А. К. Тарасова. В 1935 г. Немирович-Данченко ставит «Врагов» Горького. В этом спектакле блистательно выступили великолепные мхатовские актеры: Н. П. Хмелев, В. И. Качалов, О. Л. Книппер-Чехова, М. М. Тарханов, А. Н. Грибов.

Вообще драматургия М. Горького переживает второе рождение в советском театре. Вопрос о «дачниках» и «мещанах», «врагах» наполняется новым политическим смыслом. В пьесах Горького раскрылись творческие индивидуальности многих мастеров: А. М. Бучмы, В. И. Владомирского, С. Г. Бирман, Асмик, В. Б. Вагаршяна.

Мейерхольд после «Ревизора» Н. В. Гоголя и «Горя от ума» А. С. Грибоедова обращается к советской драматургии в поисках форм трагического спектакля: «Командарм 2» И. Л. Сельвинского, «Последний решительный» Вишневского, «Вступление» Ю. П. Германа, «Список благодеяний» Олеши и др.

В начале 30-х гг. определилась творческая направленность многих республиканских театров, с ними связан расцвет актерских школ и режиссерских исканий. На армянской, украинской, белорусской и татарской сценах успешно ставились пьесы М. Горького, мировая и национальная классика. Особое значение в грузинском, армянском, узбекском, таджикском и осетинском театрах приобретает работа над трагедиями Шекспира, постановки которых полны гуманистического пафоса. Им пронизан образ Отелло в исполнении армянского актера В. К. Папазяна (1888-1968), осетинского актера В. В. Тхапсаева (1910-1981).

Начало 30-х гг. отличает деятельное и творческое взаимодействие национальных театров. Расширяется практика межнациональных гастролей, в 1930 г. в Москве впервые проводится Олимпиада национальных театров. Отныне смотры республиканских театров на декадах национальных искусств в столице становятся традиционными. Открываются новые театры: в 1939 г. в нашей стране насчитывалось 900 театров, игравших на 50 языках народов СССР. В конце 30-х - начале 40-х гг. в семью советского многонационального театра вливаются коллективы Прибалтики, Молдавии, Западной Украины и Западной Белоруссии. Расширяется сеть театрального образования.

Однако авторитарные методы руководства искусством и искажение ленинских принципов национальной политики губительно сказываются на развитии театра и драматургии. Наиболее смелые художественные искания театральных деятелей вызывают обвинения в национализме и формализме. В результате такие крупные художники, как Мейерхольд, Курбас, Ахметели, Кулиш и многие другие, подвергаются необоснованным репрессиям, что подрывает дальнейшее развитие советского театра.

Великая Отечественная война трагически нарушила мирную жизнь советского народа. «Все для фронта, все для победы» - под этим лозунгом работал и театр. Фронтовые бригады (их насчитывалось около 4 тыс.), куда входили лучшие актеры, выезжали с концертными программами на фронт (см. Фронтовые театры). Для них было написано около 700 одноактных пьес. В прифронтовой полосе возникали стабильные фронтовые театры. Продолжали действовать театры в блокадном Ленинграде - театр народного ополчения, городской («блокадный») театр.

Особенно мощно в тяжелые годы войны зазвучала ленинская тема. В 1942 г. в Саратове МХАТ показал спектакль «Кремлевские куранты» Погодина в постановке Немировича-Данченко. Роль Ленина сыграл А. Н. Грибов.

Трагические события войны способствовали усилению еще более тесных творческих связей, уже существовавших в советском многонациональном театре. Труппы, эвакуированные из Белоруссии и Украины, вместе с коллективами Москвы, Ленинграда и других русских театров работали в тыловых городах. «Фронт» А. Е. Корнейчука, «Русские люди» К. М. Симонова, «Нашествие» Л. М. Леонова шли на сценах украинских театров имени И. Франко и имени Т. Г. Шевченко, Белорусского театра имени Я. Купалы, Армянского театра имени Г. Сундукяна, Башкирского театра драмы, воплощая интернациональную сущность советского патриотизма. На национальном материале создавались пьесы и спектакли, посвященные военным событиям: «Гвардия чести» А. Ауэзова в Казахстане, «Мать» Уйгуна в Узбекистане, «Оленье ущелье» С. Д. Клдиашвили в Грузии и др.

Радость Победы, пафос мирного строительства нашли свое отражение в драматургии. Однако зачастую оптимизм оказывался излишне прямолинейным, искусственно игнорировались трудности послевоенного времени. Многие пьесы были написаны на весьма невысоком художественном уровне. Все это отражало социальные процессы, проходящие по всей стране. Для этого периода вновь характерны нарушения ленинских принципов партийной жизни, демократии. В ряде документов появляются несправедливые и неоправданно резкие оценки творчества ряда талантливых деятелей искусства. Получает распространение «теория» бесконфликтности, содержащая утверждение, что в социалистическом обществе может быть только борьба «хорошего» с «отличным». Происходит процесс приукрашивания, «лакировки» действительности. Искусство перестает отражать истинные жизненные процессы. Кроме того, вредной была тенденция выравнивания всех театров под МХАТ, нивелировка художественных направлений и творческих индивидуальностей. Все это резко тормозило естественную логику развития культуры и искусства, приводило к их обеднению. Так, в 1949 г. были сняты с постов руководителей театров А. Я. Таиров (Камерный театр) и Н. П. Акимов (Ленинградский театр комедии), в 1950 г. закрыты Еврейский и Камерный театры.

С середины 50-х гг. в стране начинаются процессы внутреннего оздоровления. XX съезд КПСС, состоявшийся в 1956 г., восстановил социальную справедливость, реально оценил историческую ситуацию. Происходит обновление и в области культуры. Театр стремится к преодолению разрыва между жизнью и сценой, правдивому отображению явлений действительности, высоте и разнообразию эстетических поисков. Новый этап начинается и в освоении наследия корифеев советского театра. Очищаются от догматизма и канонизации, заново осмысляются традиции Станиславского, Немировича-Данченко, Вахтангова, Таирова, Мейерхольда, Курбаса, Ахметели.

Режиссура становится активной действенной силой. В театре плодотворно. работают три поколения режиссеров. Создают замечательные спектакли мастера, творчество которых началось в конце 20-х - 30-х гг.: Н. П. Охлопков, Н. П. Акимов, А. Д. Попов, В. Н. Плучек, В. М. Аджемян, К. К. Ирд, Э. Я. Смильгис, Ю. И. Мильтинис. Рядом с ними режиссеры, начавшие свой путь в конце 30-х - начале 40-х гг.: Л. В. Варпаховский, А. А. Гончаров, Б. И. Равенских, Г. А. Товстоногов, А. Ф. Амтман-Бриедит, Г. Ванцевичюс. Заявляют о себе молодые режиссеры: О. Н. Ефремов, А. В. Эфрос, В. Х. Пансо, М. И. Туманишвили, Т. Кязимов, А. М. Мамбетов, Р. Н. Капланян.

Новые театральные коллективы стремятся к обновлению выразительных средств исполнения в актерском искусстве. Ядро труппы театра «Современник» (1957) составили выпускники Школы-студии МХАТа (руководитель О. Н. Ефремов). Основная задача театра, открывшегося спектаклем «Вечно живые» В. С. Розова, - освоение современной темы. Коллектив объединяло единство эстетических пристрастий, высокие этические принципы. В 1964 г. открывается Театр драмы и комедии на Таганке (руководитель Ю. П. Любимов), куда вошли выпускники Училища имени Б. В. Щукина.

Одним из ведущих театров страны становится Ленинградский Большой драматический театр имени М. Горького . В спектаклях Г. А. Товстоногова органично сочетались традиции психологического реализма с яркими формами театральной выразительности. Постановки «Идиота» по Ф. М. Достоевскому, «Варваров» Горького стали примером глубокого новаторского прочтения классики. В князе Мышкине («Идиот») в исполнении И. М. Смоктуновского зрители почувствовали «весну света», вечно живое, человеческое в человеке.

В 1963 г. А. В. Эфрос возглавил Московский театр имени Ленинского комсомола, где поставил серию отмеченных напряженным духовным поиском спектаклей: «104 страницы про любовь» и «Снимается кино» Э. С. Радзинского, «Мой бедный Марат» А. Н. Арбузова, «В день свадьбы» В. С. Розова, «Чайка» А. П. Чехова, «Мольер» М. А. Булгакова и др. В 1967 г. вместе с группой актеров-единомышленников (О. М. Яковлевой, А. А. Ширвиндтом, Л. К. Дуровым, А. И. Дмитриевой и другими) он переходит в Московский драматический театр на Малой Бронной.

В 60-е гг. расширяется диапазон взаимодействия национальных культур. Входят в повседневную практику переводы и постановки пьес авторов из союзных и автономных республик, Всесоюзные смотры национальной драматургии. На многих языках играют пьесы А. Е. Корнейчука, А. Е. Макаёнка, М. Карима, И. П. Друцэ, Н. В. Думбадзе, Ю. Марцинкявичюса, Э. Раннета, Г. Приеде, ставят инсценировки прозы Ч. Айтматова.

Интерес к современной теме, характерный для этого периода, сочетается с пристальным вниманием к истории нашей страны. Впервые ставится пьеса М. Ф. Шатрова «Шестое июля», продолжившая традиции советской Ленинианы . В 1965 г. в Театре на Таганке состоялась премьера спектакля «Десять дней, которые потрясли мир» по мотивам книги Д. Рида, воскресившего стихию послереволюционного агитационного театра. Мощным эпическим повествованием о сложных временах коллективизации стала постановка «Поднятой целины» по М. А. Шолохову на сцене БДТ имени М. Горького в 1965 г., осуществленная Г. А. Товстоноговым. В Малом театре Л. В. Варпаховский поставил «Оптимистическую трагедию» с блистательным дуэтом-поединком Комиссара (Р. Д. Нифонтова) и Вожака (М. И. Царев). Театр «Современник» рассказал о важнейших этапах нашей революционной истории в сценической трилогии: «Декабристы» Л. Г. Зорина, «Народовольцы» А. М. Свободина и «Большевики» М. Ф. Шатрова, поставленной О. Н. Ефремовым в стилистике документально-публицистического повествования. Юбилейная афиша многонационального театра в год 50-летия Октября вновь представила зрителю «Дни Турбиных» и «Бег» М. А. Булгакова, «Любовь Яровую» К. А. Тренева, «Шторм» В. Н. Билль-Белоцерковского, «Разлом» Б. А. Лавренева, «Бронепоезд 14-69» Вс. В. Иванова.

60-е годы стали временем очищения классики от расхожих сценических штампов. Режиссеры искали в классическом наследии современное звучание, живое дыхание прошлого. Новаторское прочтение классики подчас было отмечено откровенной полемичностью режиссерской трактовки и иногда связанными с этим художественными издержками. Однако в лучших постановках театр поднимался до подлинных сценических открытий. Спектакли «Маскарад» М. Ю. Лермонтова и «Петербургские сновидения» (по Ф. М. Достоевскому) Ю. А. Завадского на сцене Театра имени Моссовета; «Горе от ума» Грибоедова, «Три сестры» Чехова и «Мещане» Горького в постановке Г. А. Товстоногова в БДТ имени М. Горького; «Смерть Иоанна Грозного» А. К. Толстого в постановке Л. Е. Хейфица на сцене Центрального театра Советской Армии в Москве; «Доходное место» А. Н. Островского в постановке М. А. Захарова; «Безумный день, или Женитьба Фигаро» П. Бомарше в постановке В. Н. Плучека в театре Сатиры; горьковские «Дачники» на сцене Малого театра в постановке Б. А. Бабочкина; «Три сестры» А. В. Эфроса в Театре на Малой Бронной; «Обыкновенная история» И. А. Гончарова (пьеса В. С. Розова) и «На дне» Горького, поставленные Г. Б. Волчек в «Современнике», - вот далеко не полный перечень постановок классической драматургии на сцене.

На сценах украинских театров широко идет русская, советская и зарубежная классика. Среди многочисленных шекспировских спектаклей особо выделяется постановка «Короля Лира» в Театре имени И. Франко (1959, режиссер В. Оглоблин). М. Крушельницкий великолепно сыграл резкого, стремительного, умного Лира. Принципиальное значение для дальнейшего развития украинского театра имел спектакль «Антигона» Софокла (1965), осуществленный грузинской постановочной группой: режиссер Д. Алексидзе, художник П. Лапиашвили, композитор О. Тактакишвили. Здесь слились воедино высокие традиции романтической масштабности видения, присущие этим двум рациональным культурам.

Этапной в истории грузинского театра была постановка «Царя Эдипа» Софокла (1956) на сцене Театра имени Ш. Руставели. А. А. Хорава играл Эдипа как человека поистине совершенного, глубокого и мудрого. В этой роли выступили также и другие ведущие грузинские актеры: А. А. Васадзе, С. А. Закариадзе, предложившие глубокое и своеобразное истолкование образа. Народный хор, вторивший Эдипу, был наряду с ним героем спектакля. Его органичное существование напоминало о решении массовых сцен А. В. Ахметели. В отличие от монументальных постановок классики, характерных в тот период для грузинской сцены, спектакль «Испанский священник» Дж. Флетчера режиссера М. И. Туманишвили был веселым, динамичным, искрящимся забавными импровизациями.

Значительным событием в жизни азербайджанского театра стал спектакль Театра имени М. Азизбекова «Васса Железнова» (1954) в постановке Т. Кязимова. Актриса М. Давудова играла порабощенную страстью к наживе, но умную и сильную Вассу. Новаторским, хотя и не бесспорным, стало режиссерское решение Т. Кязимовым спектакля «Антоний и Клеопатра» Шекспира (1964), где утверждалось право на любовь, свободную от цинизма и расчета.

В режиссерских работах В. М. Аджемяна на сцене Театра имени Г. Сундукяна особо выпукло обозначилась тема «Человек и общество». Она прослеживалась в постановках национальной классики, отдельных пьес зарубежных авторов. Зрелость режиссерского почерка обнаружил в шекспировских постановках Р. Н. Капланян. Достойными наследниками мастеров старшего поколения стали артисты Х. Абрамян и С. Саркисян.

Ведущим режиссером латышского театра 60-х гг. оставался Э. Я. Смильгис (1886-1966). Ясность и философская глубина замысла, выразительность сценической формы присущи его работам на сцене Театра имени Я. Райниса - «Илья Муромец», «Играл я, плясал» Я. Райниса, «Гамлет» Шекспира, «Мария Стюарт» Шиллера. Смильгис воспитал плеяду замечательных актеров, среди них - Л. Приеде-Берзинь , В. Артмане. Новаторское развитие режиссерских принципов Смильгиса продолжил А. Лиеньш. Процесс обновления традиций шел и в Театре драмы имени А. Упита, где работали режиссеры А. Ф. Амтман-Бриедит и А. И. Яунушан.

Тартуский театр «Ванемуйне» показывал зрителям и драматические и музыкальные спектакли. Его руководитель К. К. Ирд (1909-1989) сочетал национальную самобытность с опытом мировой культуры. В спектаклях «Жизнь Галилея» Б. Брехта, «Кориолан» Шекспира, «Портной Ых и его счастливый жребий» А. Кицберга, «Егор Булычов и другие» Горького он раскрывал через судьбы людей, человеческие характеры важнейшие социальные процессы. В Таллиннском драматическом театре имени В. Кингисеппа режиссер В. Х. Пансо стремился средствами метафорического сценического языка постичь философскую суть человеческого характера («Господин Пунтилла и его слуга Матти» Брехта, инсценировки романов А. Таммсааре). На сцене этого театра раскрылся разносторонний талант замечательного советского актера Ю. Е. Ярвета.

Литовский театр тяготел к поэтичности и тонкому психологизму. Ю. И. Мильтинис (1907–1994), руководивший Паневежским театром, строил его работу на принципах студийности. «Макбет» Шекспира, «Смерть коммивояжера» А. Миллера, «Пляска смерти» А. Стриндберга отличались высокой режиссерской культурой, свободой образного мышления, точностью соотношения замысла и воплощения. Мильтинис уделял большое внимание воспитанию актера. Под его руководством начинали свой творческий путь такие замечательные мастера, как Д. Банионис (в 1981-1988 гг. художественный руководитель Паневежского театра), Б. Бабкаускас и другие. Г. Ванцевичюс, руководивший Каунасским, а затем Вильнюсским театром драмы, утверждал принципы философской поэтической трагедии в постановке трилогии Ю. Марцинкявичюса «Миндаугас», «Собор», «Мажвидас». Роли Миндаугаса и Мажвидаса с драматической силой и обостренным психологизмом сыграл Р. Адомайтис.

Режиссерское искусство в Молдавии, в республиках Средней Азии переживает период становления, продолжают складываться национальные школы.

70-е годы, отмеченные бесспорным творческим ростом советского театра, были между тем временем достаточно противоречивым. Застойные явления сказались на руководстве искусством, поэтому трудно находила путь на сцену новая драматургия, ущемлялся и режиссерский эксперимент. Острая потребность в обновлении приемов актерского сценического реализма породила такое явление, как малые сцены . Интерес молодых драматургов к внутреннему миру обычного человека в обыденной обстановке, проблемы истинной и мнимой духовности нашли свое отражение в таких постановках малых сцен, как «Вагончик» Н. А. Павлова во МХАТе, «Сашка» по В. Н. Кондратьеву, «Пять углов» С. Б. Коковкина, «Премьера» Л. Г. Росебы в Театре имени Моссовета.

Происходил сложный процесс рождения нового режиссерского поколения. На протяжении десятилетия с запоминающимися спектаклями с активной гражданской позицией выступали А. А. Васильев, Л. А. Додин, Ю. И. Еремин, К. М. Гинкас, Г. Д. Черняховский, Р. Г. Виктюк, Р. Р. Стуруа, Т. Н. Чхеидзе, Й. Вайткус, Д. Тамулявичюте, М. Миккивер, К. Комиссаров, Я. Тооминг, Э. Някрошюс, И. Рыскулов, А. Хандикян.

Динамику театрального процесса 70-х гг. определяли прежде всего работы режиссеров старшего поколения. Обновление МХАТа связано с приходом туда О. Н. Ефремова, возродившего угасшие было в этом коллективе традиции Станиславского и Немировича-Данченко. Он поставил цикл чеховских спектаклей («Иванов», «Чайка», «Дядя Ваня»), вернул мхатовской сцене остросоциальное видение современности в спектаклях «Заседание парткома», «Обратная связь», «Мы, нижеподписавшиеся...», «Наедине со всеми» А. И. Гельмана и «Сталевары» Г. К. Бокарева; продолжил работу над сценической Ленинианой, поставив пьесу М. Ф. Шатрова «Так победим!», где образ В. И. Ленина создал А. А. Калягин.

По-прежнему органичным и живым было искусство Ленинградского БДТ имени М. Горького, руководимого Г. А. Товстоноговым. Его спектакли, будь то постановки классики («Ревизор» Н. В. Гоголя, «История лошади» по Л. Н. Толстому, «Ханума» А. Цагарели) или современной драмы («Прошлым летом в Чулимске» А. В. Вампилова) или обращение к Лениниане (композиция «Перечитывая заново»), отличались глубиной психологического анализа, масштабностью исторического видения и бесспорными художественными достоинствами. Успеху спектаклей у зрителей способствовал прекрасный творческий коллектив - Е. А. Лебедев, К. Ю. Лавров, Е. З. Копелян, О. В. Басилашвили и другие.

Благодаря талантливой режиссуре (А. Ю. Хайкин, П. Л. Монастырский, Н. Ю. Орлов) и самобытным артистам устойчивым зрительским интересом пользовались постановки драматических театров в Омске, Куйбышеве, Челябинске.

Необычайно плодотворной и зрелой именно в 70-е гг. стала режиссерская деятельность А. В. Эфроса. Одним из самых впечатляющих «производственных» спектаклей стал «Человек со стороны» по пьесе И. М. Дворецкого. Однако к середине десятилетия Эфрос отходит от современной тематики и сосредоточивается на интерпретации классики («Три сестры» Чехова, «Ромео и Джульетта» Шекспира, «Месяц в деревне» И. С. Тургенева, «Дон Жуан» Ж. Б. Мольера).

В 1973 г. Московский театр имени Ленинского комсомола возглавил М. А. Захаров (см. Ленинского комсомола театры). В репертуаре появились спектакли, насыщенные музыкой, танцами, сложными режиссерскими построениями. Но наряду со зрелищными постановками («Тиль», «„Юнона“ и „Авось“») театр предлагал молодежной аудитории серьезное прочтение классики («Иванов», «Оптимистическая трагедия»), знакомил ее с новой драматургией («Жестокие игры» А. Н. Арбузова, «Три девушки в голубом» Л. С. Петрушевской), обращался к ленинской теме («Синие кони на красной траве», «Диктатура совести»). Ленинградский театр имени Ленинского комсомола скорее тяготел к психологической драме. Режиссер Г. Опорков работал над драматургией Чехова, Володина, Вампилова, приобщая молодежь к постижению острых социальных конфликтов.

В постановках театра «Современник» (его в 1972 г. возглавила Г. Б. Волчек) зрителя привлекал интересный актерский ансамбль. Здесь начинал свою деятельность молодой режиссер В. Фокин. К лучшим произведениям современной прозы и классики обращался Театр драмы и комедии на Таганке. Зрители полюбили искусство В. Высоцкого, А. Демидовой, З. Славиной, В. Золотухина, Л. Филатова и других его актеров (с 1987 г. художественный руководитель театра Н. Н. Губенко). Разнообразие репертуара и тяготение к яркой сценической форме отличали спектакли Театра имени Вл. Маяковского, возглавляемого А. А. Гончаровым. Имена актеров театра - Б. М. Тенина, Л. П. Сухаревской, В. Я. Самойлова, А. Б. Джигарханяна, С. В. Немоляевой и других хорошо знакомы зрителям. В числе постановок последних лет - «Плоды просвещения» (1984) Л. Н. Толстого, «Закат» (1987) по И. Э. Бабелю и др.

В лучших постановках театра Сатиры (руководитель В. Н. Плучек) зрителей привлекало мастерство артистов А. Д. Папанова, Г. П. Менглета, А. А. Миронова, О. А. Аросевой и других. Творческим поиском отмечена работа Театра имени Моссовета, известного именами замечательных актеров - В. П. Марецкой, Ф. Г. Раневской, Р. Я. Плятта и других.

Интересно работают также московские театры пластической драмы, мимики и жеста, театр теней и др.

Обращает на себя внимание Ленинградский Малый драматический театр, труппа которого, руководимая главным режиссером Л. А. Додиным, осуществила такие постановки, как «Дом» (1980) и «Братья и сестры» (1985) по Ф. А. Абрамову, «Звезды на утреннем небе» (1987) А. И. Галина и др.

На рубеже 70-80-х гг., несмотря на ряд сложностей и противоречий, усилилось творческое взаимодействие и взаимовлияние национальных театральных культур. Многочисленные гастроли, фестивали познакомили зрителей с достижениями театральных коллективов РСФСР, Прибалтики, Закавказья. Спектакли, поставленные Р. Стуруа на сцене Театра имени Ш. Руставели, - «Кавказский меловой круг» Брехта, «Ричард III», «Король Лир» Шекспира приобрели мировую известность благодаря остроте режиссерской мысли, яркой театральности, площадному гротеску и блистательной игре исполнителя главных ролей Р. Чхиквадзе. Тонким психологизмом, глубокой метафоричностью насыщены постановки Т. Чхеидзе в Театре имени К. Марджанишвили - «Отелло», «Обвал» и др. Глубину постижения человеческого бытия демонстрируют спектакли Театра киноактера, созданного М. Туманишвили. Новым словом в театральном искусстве стали постановки Э. Някрошюса «Квадрат», «И дольше века длится день», «Пиросмани», «Дядя Ваня» в Литовском молодежном театре.

Середина 80-х годов - начало процесса широкой демократизации всей жизни советского общества. Свобода в решении творческих задач, выборе репертуара, отказ от административных методов руководства уже дали свои результаты. «Серебряная свадьба» во МХАТе, «Стена» в «Современнике», «Статья» в ЦАТСА, «Говори!» в Театре имени М. Н. Ермоловой, «Цитата» и «Торможение в небесах» в Театре имени Моссовета и др. - эти остросоциальные спектакли отразили перемены в жизни страны. Серьезным фактом обогащения репертуара театров стало возвращение на сцену изъятых из культурного наследия страны произведений советских классиков. Многие театры поставили «Самоубийцу» Н. Р. Эрдмана, «Собачье сердце» по Булгакову; пьеса А. П. Платонова «14 красных избушек» получила сценическое рождение на сцене Саратовского драматического театра имени К. Маркса. Стремление восстановить несправедливо забытые имена, вернуть зрителю ценности, составляющие золотой фонд нашей культуры, - важнейшая черта театральной жизни 80-х гг.

Мастера советской многонациональной сцены объединились в союзы театральных деятелей (см. Творческие союзы театральных деятелей). Широко проводился театральный эксперимент, призванный обновить устаревшую систему организационно-творческих форм нашего театра для плодотворного его развития. Созданы условия для широкого студийного движения, охватившего многие регионы Советского Союза. Организованный в Москве театр «Дружба народов» (художественный руководитель Е. Р. Симонов) регулярно знакомит зрителей с лучшими спектаклями советского многонационального театра. Так, во время фестиваля «Театр 88», организованного СТД СССР, были показаны спектакли: Московского театра драмы и комедии на Таганке («Борис Годунов» А. С. Пушкина), Литовского молодежного театра («Квадрат» по В. Елисеевой), Саратовского драматического театра имени К. Маркса («Багровый остров» Булгакова), Каунасского драматического театра («Голгофа» по Айтматову), Эстонского театра кукол («Сон в летнюю ночь» Шекспира), Киевского театра имени И. Франко («Визит старой дамы» Ф. Дюрренматта), Узбекского драматического театра «Еш гвардия» («Проделки Майсары» Хамзы) и др.

Советский многонациональный театр играл значительную роль в духовной жизни общества, развивая гуманистические традиции культуры, сближая творчество наций и народностей.

• Разрабатывались сложные социальные и морально-нравственные проблемы в таких фильмах, как «Девять дней одного года», «Твой современник», «Председатель» и другие;
• Духовный мир кинозрителей пополняли экранизации произведений литературы - Шекспира и Толстого, Достоевского и Чехова, Айтматова и Шукшина и многих других;
• Обогатилась жанровая и стилистическая палитра кинематографа;
• Расцвет национальных живописных школ Закавказья, Средней Азии, Прибалтики, Украины, Белоруссии, каждая из которых имеет свою самобытную основу;

Калатозов Михаил Константинович (1903-1973)

Родился 15 декабря 1903 года в Тбилиси, Грузия. В 1923 начал работать в грузинском кино, с 1928 года - кинорежиссёр. Наиболее известен фильм Калатозова «Летят журавли» принёсший ему и оператору Сергею Урусевскому мировое признание и ряд международных премий («Золотая пальмовая ветвь» на 11-м Международном кинофестивале в Каннах и др.).

Советский кинорежиссёр, сценарист Народный артист СССР (1969)

«Летят журавли»

«Летят журавли» - советский чёрно-белый художественный фильм 1957 года режиссёра Михаила Калатозова, снятый по мотивам пьесы Виктора Розова «Вечно живые». Фильм с удивительной эмоциональной силой рассказывает о людях, в чьи судьбы безжалостно вторглась война. В центре киноповести - трагическая история двух влюбленных, которых война разлучила навсегда. Этот фильм стал для советского кинематографа поистине инновационным. Он удивлял, поражал, даже шокировал. На новом этапе развития кино, когда в разных странах мира практически параллельно происходило резкое и истинно революционное изменение уже ставшего привычным киноязыка, фильм «Летят журавли» доказал, что открытия совершаются только свободно мыслящими людьми, не отягощёнными никакими условностями.

• В 1980 году Тарковскому было присвоено звание Народного артиста РСФСР. В том же году режиссёр уехал в Италию для работы над фильмом «Ностальгия». В ходе поиска натуры он снял документальный фильм «Время путешествия» (1982). В 1983 году фильм «Ностальгия» был показан в конкурсе Каннского кинофестиваля и получил Приз за режиссуру, Приз ФИПРЕССИ и Приз экуменического жюри.

• Сергей Бондарчук считается мастером грандиозных батальных сцен с многотысячной массовкой («Война и мир», «Ватерлоо»). В советское время он был одним из немногих режиссёров, которым было разрешено снимать и сниматься за железным занавесом. Бондарчук играл в фильме «В Риме была ночь» (Италия, режиссёр Роберто Росселлини) и «Битве при Неретве» (Югославия, режиссёр Велько Булайич). Ещё с 1960-х годов режиссёр вынашивал идею экранизации «Тихого Дона» М. А. Шолохова, но проект оказался готов к реализации только к концу 1980-х годов, когда одного только имени Бондарчука уже не было достаточно для начала съёмок

• В послевоенные годы на экранах нередко появлялись помпезные, схематичные, "лакировочные" фильмы. Это объясняется, с одной стороны, неверной художественной политикой руководства кинематографии тех лет, стремившегося за счёт сокращения количества создаваемых фильмов выпускать эффектные кинобоевики, а с другой, - получившей тогда известное распространение теорией "бесконфликтности". Однако эти отрицательные тенденции не могли остановить поступательного движения киноискусства. В лучших фильмах послевоенных лет продолжали плодотворно развиваться традиции социалистического реализма. Наиболее значительный - 2-серийный фильм "Молодая гвардия" о героях Краснодона, поставленный режиссёром Герасимовым. В этом фильме снималась группа молодых актёров - Н. Мордюкова, С. Бондарчук, Л. Шагалова, В. Тихонов, Е. Моргунов, К. Лучко, В. Авдюшко. В постановке ф. также участвовали режиссеры-практиканты ВГИКа: Е. Бегалин, Ю. Егоров, Г. Победоносцев и др.

Номинации на награды

На Берлинском фестивале советский кинематограф по политическим причинам долгое время вообще не был представлен. Лишь в 1975 году советский фильм был впервые показан в Западном Берлине. Несмотря на такое долгое отсутствие советских фильмов на данном фестивале уже в 1977 году фильм Ларисы Шепитько «Восхождение» получил главный приз - «Золотого медведя», а спустя 10 лет этот успех повторил фильм Глеба Панфилова «Тема». Советские фильмы неоднократно выдвигались на премию «Оскар» в номинации «Лучший фильм на иностранном языке». Победу одержали три картины: «Война и мир» режиссёраСергея Бондарчука (1968), советско-японский фильм «Дерсу -Узала» режиссёра Акиры Куросавы (1975) и фильм Владимира Меньшова «Москва слезам не верит» (1981). Можно также отметить режиссёра Станислава Ростоцкого: его картины дважды номинировались на «Оскар» («А зори здесь тихие…» в 1972 году и «Белый Бим Чёрное ухо» в 1978 году). В 1943 году фильм «Разгром немецких войск под Москвой» наряду с тремя другими картинами был удостоен премии «Оскар» за лучший документальный фильм.

Наиболее значимые режиссеры жанра комедии

Леонид Иович Гайдай

Эльдар Александрович Рязанов

• В 1959 году Георгий Данелия начал работать режиссёром-постановщиком на «Мосфильме». Уже первый фильм Данелии «Серёжа» обратил на себя внимание критиков и зрителей. Программной работой Данелии стал фильм «Я шагаю по Москве» (1964), ставший культурным событием хрущёвской оттепели.
• Начиная с картины «Тридцать три» режиссёр обращается к жанру сатиры, он становится признанным мастером комедии. Творчество Данелии отличает подлинно глубокая сатира, продуманный гротеск, тонкий лиризм и раскрытие психологического образа героев. Умение создать слаженный ансамбль из актёров разных школ - особый дар Данелии как режиссёра.

• В 1949 году поступил на режиссёрский факультет ВГИК, который закончил в 1955 году. В 1970-х годах режиссёр экранизировал классические произведения отечественных авторов: (И. Ильф и Е. Петров, М. Булгаков, М. Зощенко, Н. Гоголь). В 1981-1988 годах Гайдай снимал сюжеты для киножурнала «Фитиль». Тогда же на экраны вышло несколько новых картин Гайдая. Для зрителей они были менее заметны, нежели раннее творчество режиссёра.
• Эксцентрическая комедия Леонида Гайдая - «Бриллиантовая рука» в 1995 году была признана лучшей отечественной комедией за 100 лет, победив в опросе телезрителей;

• В 1950 году окончил режиссерский факультет ВГИКа, защитившись документальной лентой "Они учатся в Москве". Молодой режиссёр получили диплом с отличием. На протяжении пяти лет работал в документальном кино. В 1955 году лента "Остров Сахалин", в создании которой принимал самое активное участие молодой режиссер, получила приз знаменитого Каннского фестиваля. В 1955 году стал режиссёром киностудии "Мосфильм". Эльдар Александрович создал свой кинематограф, дал "путевку в жизнь" многим молодым актерам, по-новому открыл актеров известных. С ним любят работать кинематографисты, его обожают зрители. Он состоялся также и как писатель, и как драматург. Был соавтором сценариев многих своих фильмов, написал несколько пьес.

• Важное место в решении задач коммунистического воспитания занимает детское кино. Советская кинематография для детей и юношества прошла длительный путь развития, накопила большой опыт, богатые традиции. В нашей стране впервые в мире была создана самостоятельная отрасль киноискусства, которая внесла серьезный вклад в дело коммунистического воспитания подрастающих поколений. У истоков ее стояли И. К. Крупская и А. В. Луначарский. Художественный уровень фильмов формировался при прямом участии писателей А. Гайдара, Л. Кассиля, С. Маршака, многих и многих талантливых кинорежиссеров, артистов, операторов.

Таким образом, советский детский кинематограф 1960-х - середины 80-х гг. представлял собой сложное явление идеологической борьбы в сфере воспитания будущих граждан СССР. Советское кино как «самое важнейшее из искусств» являлось не только великим пропагандистом всего лучшего в истории нашего народа, но и эффективным инструментом в деле разрушения социалистических и национально-духовных устоев страны. Последнее отчётливо проявилось в годы «перестройки», когда резко изменился идеологический вектор, и процесс либерализации, захлестнувший все сферы жизни общества, привёл к уничтожению советской киноиндустрии.

16.02.2017 Первый спектакль нижегородского театра «Комедия» «Приезжайте в Звонковое» был поставлен 16 февраля 1947 года Татьяна Кузнецова

История театра драматична. Он несколько раз мог быть закрыт, долгие годы мыкался по чужим площадкам. Было время, когда актеры снимали номер в гостинице, чтобы репетировать. Свой настоящий Дом труппа получила более, чем через полвека после рождения театра.

Нижегородский театр "Комедiя" отмечает 70-й юбилей. Фото:Наталья Бурухина

Накануне юбилея руководитель литературно-драматической части театра Анастасия Разгуляева подготовила издание книги «#Комедiя 70» , в которой собраны подробности долгой и непростой истории.

На сбор материалов ушло два года, - рассказала Анастасия Разгуляева корреспонденту сайт, - слишком разрозненным и не систематизированным был наш архив из-за частых переездов и мытарств. Например, репертуар театра пришлось восстанавливать, листая страницы архивной подшивки газеты «Нижегородская правда» (тогда «Горьковская коммуна»), за несколько десятков лет.

Итак, о чем же эта книга?

У театра, на самом деле были предшественники. Можно считать, что история его рождения начиналась в Нижнем Новгороде еще в 20-х годах двадцатого века. Он родом из театров малых форм, которые в том или ином виде существовали в Нижнем Новгороде - Горьком. У этих театров были разные названия и формы. ГОМЭЦ (ТЕМАФ), в конце 1920-х это был весьма известный Театр малых форм при Государственном объединении музыкальных, эстрадных и цирковых предприятий; Горьковский мюзик-холл и театры миниатюр, существовавшие при филармонии – все это предшественники театра комедии. Их традиции унаследовал эстрадный театр «Снайпер».

Вот «Снайпер», организованный в 1942 году Н. С. Северным и А. А. Ивановым, и принято считать непосредственным предшественником театра. Он создавался в суровую военную пору, и главной целью его представлений была пропаганда. И она была необходима, когда на фронтах еще было неважное положение, а город Горький стал кузницей военного снаряжения и техники.

Актеры театра "Снайпер" после спектакля во время войны. Фото: архив театра

Критик К. Алевский писал в газете «Горьковская коммуна» (ныне «Нижегородская правда»): «…название „Снайпер“ обязывает театр быстро откликаться на события дня, отображать в репертуаре и боевые дела тыла, его лучших людей. На прицел должны быть взяты те, кто своей нерадивой работой, расхлябанностью подрывает общее дело усиления помощи фронту. Театр-боец должен использовать мощное оружие сатиры и на этом участке».Сегодня, возможно, это звучит несколько напыщенно, а тогда было весьма актуально.

В 1944 году «Снайпер» возглавил Анатолий Никитич Любанский, преобразовав его в ТЭМ - Театр эстрады и миниатюр. Вместе с ним в труппу влилась вся его театральная семья: жена Юлия Даминская и ее дочь Александра Добкевич. Именно они заложили яркие характерные особенности, определившие художественный путь и эстетическую концепцию театра на долгие годы вперед.

Чета Любанского и Даминской приехала в Горький в 1930 году из Харькова. Они стали руководителями мюзик-холла при Горьковской филармонии. Город их полюбил за молодость, красоту. Они не боялись, как тогда говорили «выстрелить с эстрады острым словом». Для тридцатых годов это было редкостью.

За годы войны в «Снайпере» подготовили несколько сборных программ, отдельные эстрадные номера и 9 тематических эстрадных спектаклей: «На Волге», «В дни боевые», «Горячее сердце», «Старые знакомые», «Давным-давно», «Любовь и ненависть», «Разговор по душам», «Она пришла в театр», «Ба, знакомые все лица!».

В 1946 году комиссия из Москвы, посмотрев несколько программ Театра эстрадных миниатюр и оценив драматические таланты его актеров, настоятельно посоветовала руководству перейти из эстрадных коллективов в форму драматического театра. Учитывая опыт юмористического творчества, жанр комедии стал логичным выбором.

Приказ о создании Горьковского театра комедии был подписан в декабре 1946 года. А через два месяца, в феврале 1947-го зрители увидели первую премьеру - спектакль по пьесе А. Корнейчука «Приезжайте в Звонковое».

Анатолий Никитич Любанский и Юлия Матвеевна Даминская проработали в созданном театре недолго, всего несколько лет. Зато Александра Анатольевна Добкевич была ведущей актрисой труппы и «задавала тон» более трех десятилетий, до конца 1970-х годов.

Программа первого спектакля Горьковского театра "Комедия". Фото: архив театра

Отсутствие собственного помещения – с этой проблемой столкнулся молодой театр. До мая 1947 года коллектив ютился в помещениях Горьковской филармонии, а когда срок аренды исчез, актерам предложили убираться. Только не сказали – куда.

Тогда появилась гневная статья «Укажите адрес театра Комедии!», в которой Михаил Полонский писал:«Убираться значило - ликвидироваться, а ликвидироваться коллектив театра не хотел, да и не имел на то никаких указаний…».

Тогда актеры пытались договориться с Домом врача, Домом учителя, Домом пионеров о возможности репетировать на их площадках. А в результате в репетиционные дни снимали номер в гостинице и репетировали будущие спектакли «Пигмалион» и «Человек с того света».

Долгое время театр был передвижным и вел «кочевую жизнь» без стационара, без постоянной сцены, только на выездных площадках. В городе это были сцены других театров, которые изредка предоставляли их бесприютным «комедийщикам», дома культуры, сельские клубы...

Интересно, что в советское время существовали гастрольные планы. Так вот, театр комедии выполнял эти планы с лихвой. Ни один из театральных коллективов города не гастролировал по области столько, сколько горьковские комедианты.

Сложностей в судьбе театра было немало. 26 августа 1946 года вышло постановление ЦК ВКП(б) «О репертуаре драматических театров и мерах по его улучшению». Теперь театры должны были тонко лавировать между драматургией «разрешенного» Островского и современной советской драматургией, не всегда высококачественной.

В 1948 году государство почти в четыре раза сократило дотации театрам - с 735 млн рублей до 155 млн рублей. Это еще более усложнило положение «бездомного» театра. Труппа была вынуждена резко увеличить количество спектаклей в репертуаре, чтобы выживать в условиях хозрасчета, без госдотаций. Это, естественно, сказалось на качестве спектаклей. Посыпались упреки в скудности, однобокости, поверхностности.

От Любанского требовали глубокой драматургии, что ему, как артисту легкого эстрадного жанра, было чуждо. В 1950 году разразился скандал. Любанский был снят с должности. Кроме того в прессе появилась статья члена бюро обкома КПСС Шелепенкова, в которой тот обвинил актера и режиссера в «протаскивании на сцену театра пьес низкого идейного уровня, слабых в художественном отношении». В те годы это было тяжким обвинением.

В результате Любанский и Даминская ушли из театра. Юлия Матвеевна от переживаний перенесла инсульт. Второй инсульт, который настиг ее в 1953 году, стал роковым. Анатолий Никитич занимался театральной деятельностью, даже предложил свою кандидатуру на должность директора не существовавшего еще Дома актера. Он умер в 1968 году и похоронен на Бугровском кладбище.

Более тридцати лет провела на сцене театра Александра Добкевич. Она, оставшись в коллективе без поддержки матери и отчима, сумела стать примой театра, сыграть более 150 ролей, постоянно расширять сценический диапазон. Настоящая звезда комедии, она верно служила театру с 1944 до 1978 года.

В пятидесятые годы театр комедии получил, наконец, некоторое подобие «прописки». Для служебных целей ему выделили помещение на верхнем этаже улицы Минина, напротив гостиницы «Волжский откос» (сейчас – закрытая гостиница «Россия»). Это было несколько комнат, в которых практически «на ушах друг у друга» сидели декораторы, пошивочный цех, монтировщики и администрация.

А спектакли, как и раньше, показывали на любых, более или менее пригодных площадках. Труппа колесила по просторам области и соседних регионов, но так и не могла получить свою собственную сцену.

Наконец, после всех мытарств, театру выделили здание. Красивое, но совершенно не приспособленное помещение бывшего Волго-Камского банка на ул. Маяковской (Рождественской). Этот дом был построен в 1894 году архитекторами Н. А. Фрелихом и В. П. Цейдлером на средства самого крупного промышленника-финансиста Нижегородской губернии конца XIX - начала XX века, мецената и благотворителя Николая Александровича Бугрова.

Для того, чтобы приспособить здание, пришлось менять планировку, выстроить короб колосников. Большой банковский зал превратили в зрительный, на первом этаже устроили гардероб, буфет и фойе. 14 и 15 декабря 1957 года, в год десятилетнего юбилея театра, в новое здание на Маяковской, 27, на премьеру спектакля Всеволода Вишневского «Раскинулось море широко» пришли первые зрители.

Здесь театр комедии проживет десятилетия. И, несмотря на тесный узкий зал, обретет своего зрителя. И здесь будет делать первые уверенные шаги в мастерстве актера Владимир Валентинович Вихров. Его ожидало большое театральное будущее. Многие годы он затем отдаст театру драмы, будет его директором, станет председателем нижегородского отделения Союза театральных деятелей. Именно под его протекторатом в Нижнем Новгороде, наконец, создадут Дом Актера. Кстати, 14 февраля нижегородскому Дому актера им. Владимира Вихрова исполнилось 26 лет.

При этом десятилетие хрущевской оттепели станет для театра кризисным. Труппа вынуждена будет «гнать вал», давать по нескольку гастрольных спектаклей в день, чтобы выжить. Тогда многие городские театры вынуждены были за сезон ставить до 15 премьер.

Горьковский театр комедии испытал все эти сложности на себе в полной мере. Уже к середине 60-х в театре назрел и материальный, и творческий кризис. В «Горьковской правде» от 5 февраля 1966 года С. Фих пишет: «Я узнал о том, что премьера в театре началась без костюмов, что их привезли лишь к исходу второго акта, что выпускали спектакль без единой монтировочной репетиции и на премьере суперзанавес конвульсивно дергался и не хотел опускаться, а декорации болтались, отзываясь судорогами на каждый сделанный по сцене шаг. Актеры спотыкались и падали из-за неприлаженных, незакрепленных конструкций».

Но в то же время в 60-х годах были и успехи, которые чаще всего были связаны с гастрольными выездами, а также с практикой приглашения в спектакли театра столичных звезд. В 70-е эта практика достигла своего расцвета. Так, в спектакле «Дамы и гусары» играла Екатерина Райкина, в спектакле «Волки и овцы» была задействована блистательная Элина Быстрицкая, играла на сцене горьковской комедии ослепительная Людмила Целиковская.

А в 1983 году в театре комедии начинается «эпоха Лермана». Именно так называют в театре период с 1983 по 2009 годы. Это было время, когда труппа жила под единоличным управлением одного режиссера - Семена Лермана. Главный режиссер не просто взял управление художественной частью театральной действительности в свои руки, он полностью пересмотрел эстетику театра, его репертуарную политику, обновил труппу.

Уже первые спектакли, поставленные им на сцене «прозвучали праздничными аккордами», не случайно соратники называли Лермана «борцом со штампами». Жизнь труппы изменилась радикально. Появлялись новые спектакли, проводились открытые обсуждения спектаклей с критиками и зрителями.

Лейтенант С.Лерман (справа),
В Харьковском театре драмы. А. Доде «Карьера Поля де Остье». Кардиль - Семен Лерман (слева) Фото: архив театра

В 80-е и 90-е перед театром вновь во весь рост встала проблема своего помещения. Здание на Маяковской дряхлело и разрушалось. Пожарные то и дело закрывали театр. А наступали «веселые» девяностые годы. Финансирование упало почти до нуля, система гастролей полностью развалилась, все надо было перестраивать и переосмысливать.

В это время рухнул потолок зрительного зала, случился пожар в костюмерном цехе... Театр «был подстрелен на взлете». В сезоне 1989-90 годов в свет вышла только одна премьера. В этот критический момент директором театра стал актер Василий Попенков. Хозяйство ему досталось полуразрушенное.

О том, какими невероятными усилиями помещение на Маяковке привели в божеский вид он вспоминал так: «Я пришел в реставрационный центр к своему другу Николаю Колчину и попросил его о помощи. Он пришел, посмотрел объем разрушений, почесал затылок и сказал: „Зал я тебе сделаю - потолок и крышу. Гарантию на работу дам три года, больше не дам. А кресла - уже твои проблемы“. Власти в финансовой помощи отказали, и приходилось „крутиться“ самому. Оставшиеся неразбитыми 250 кресел я продал в какой-то клуб в области, а на вырученные деньги заказал в местном отделении СИЗО 400 мягких кресел».

Все время ремонта труппа опять вела кочевую гастрольную жизнь. И надеялась, что вот-вот закончится реконструкция здания на улице Грузинской и нижегородская комедия наконец-то обретет хороший, современный, уютный дом.

До 1977 года в здании бывшего Коммерческого клуба жил Театр юного зрителя. После переезда ТЮЗа в новое здание на улице Горького, в помещении на Грузинской все никак не начиналась реконструкция в помещении шел долгий, вялотекущий ремонт. Первые эскизы созданы еще в 1985 году, но только в 1999-м началась реконструкция.

К слову, проект реконструкции, авторами которого стали ведущие нижегородские архитекторы Александр
Харитонов, Юрий Карцев, Евгений и Наталья Пестовы, Александр Копылов, Андрей Степовой, Владимир Коваленко и Александр Зеляев, был удостоен Государственной премии Российской Федерации (2000).

Дело сдвинулось с мертвой точки, когда мэром Нижнего Новгорода стал Юрий Лебедев. Он пообещал Лерману реконструировать здание и выполнил обещание.

Юрий Лебедев, Олег Табаков, Дмитрий Коновалов во время гастролей театра Табакерка в Нижнем Новгороде. Фото: архив Фото: архив театра

Театра

Тогда же на должность директора театра назначили Дмитрия Коновалова. Ему прочили административную должность, но, новый мэр, узнав, что претендент окончил киевский театральный институт по специальности «организация театрального дела», изменил решение.

Так у театра появился молодой, энергичный руководитель. И стройка началась, а Юрий Лебедев лично контролировал процесс. Кстати, в благодарность за это театр навсегда закрепил за бывшим уже мэром два места. Так что зрители могут иногда увидеть на 10 и 11 местах в седьмом ряду Юрия Исаковича Лебедева.

1 сентября 1999 года театральное хозяйство стали частями перевозить в новые помещения по мере того, как их сдавали в эксплуатацию. Но и тогда судьба здания была не до конца решена.

Некоторые деятели того времени видели размещение в одном здании нескольких творческих коллективов. Некоторые видели здесь пресс-клуб, пресс-бар, культурно-развлекательный центр, зону игровых автоматов…. И было очень непросто выступать против очень влиятельных людей, которые умели не только строить, но и осуществлять свои планы, и которые видели здесь, кроме Театра комедии, и другие виды деятельности. В том числе и коммерческой. Так вот одной из моих главных задач было – не допустить никаких побочных видов деятельности, а сделать так, чтобы Театр комедии был здесь один,»– вспоминает Дмитрий Коновалов.

Директор театра "Комедiя" Дмитрий Иванович Коновалов. Фото: архив театра

Он говорит, что пока не осуществил и половины своих планов, которые строил тогда. Но главное дело было сделано. Театр «Комедiя» после 53 лет скитаний обрел свой Дом. И продолжает развиваться. В труппе много молодых талантливых актеров. очень сильное старшее поколение. Выходят новые спектакли, приходит зритель.

За последние семнадцать лет в театре побывало около 1,5 млн человек - население такого города, как Нижний Новгород.

15 февраля пройдет презентация книги «#Комедiя 70», в которой Анастасия Разгуляева бережно собрала огромное количество исторических материалов о театре.

27 марта, в День театра, зрители увидят премьеру спектакля по пьесе П.Бомарше «Безумный день, или женитьба Фигаро». Именно она станет основой для главного юбилейного праздника театра «Комедiя».

А конец юбилейного сезона ознаменуется премьерой спектакля, с которого все начиналось – в новой современной трактовке театр представит музыкальный спектакль «Приезжайте в Звонковое» по пьесе А.Корнейчука.

Семидесятилетний нелегкий путь замкнется в круг. А потом продолжится в новых постановках.

Сезон 2016-2017 годов для театра "Комедiя" - юбилейный

По теме

Отправьте свою новость в редакцию, расскажите о проблеме или предложите тему для публикации. Пришлите фото или видео интересного события на почту [email protected] . Наш номер в WhatsApp и Viber 8-910-390-4040. Читайте новости в соцсетях

50-60-е годы: Ослабление «железного занавеса». «Оттепель». Расцвет советской драматургии, развитие сценического искусства. Драматургия А. Арбузова, Е. Шварца, С. Алешина, А. Володина, И. Дворецкого, М. Рощина, В. Розова, А. Салынского, М. Шатрова Э.Радзинского. Обращение советских режиссеров к зарубежной драматургией. Постановки по А. Миллеру, Э. де Филиппо, У. Гибсону, Б. Брехту, Ф. Дюрренматту, Ж. Ануйю. Открытие в Москве двух новых театров.

Георгий Александрович Товстоногов (1915–1989) – великий русский режиссер. Творческий путь режиссера: Тбилисский период, 1933г. - первая постановка в Тбилисском русском ТЮЗе («Предложение» А.П. Чехова), с 1938 по 1946 – работа в Тбилисском русском драматическом театре. 1946-1949гг. работа в московских театрах. С1949г. – режиссер, затем главный режиссер Ленинградского театра имени Ленинского комсомола. С 1956 – главный режиссер Большого Драматического театра (БДТ). Режиссерская манера Товстоногова – глубина и современное звучание содержания, смелость постановочных решений, умение создавать блестящий актерский ансамбль. Актеры Товстоногова – В. Стржельчик, К. Лавров, С. Юрский, Е. Копелян, З. Шарко, Т. Доронина, П. Лучпекаев, О. Басилашвили, Н. Трофимов, Е. Копелян, Л. Макарова. Постановки по М. Горькому - «Варвары», «Мещане», «Дачники». Постановка «Идиота» Ф.М. Достоевского с И.М. Смоктуновским в главной роли. Товстоногов руководил театром более трех десятилетий. Этапные спектакли БДТ – «Ревизор» Гоголя, «Ханума» Цагарелли, «Горе от ума» Грибоедова, «История лошади» по Л.Н. Толстому, «Тихий Дон» по Шолохову. Последний спектакль – «Визит старой дамы» Дюренматта. Этапные постановки - «Дорогой бессмертия» «по Ю. Фучику, «Гибель эскадры А.Корнейчука, «Гроза» А.Н. Островского, Оптимистическая Трагедия Вс. Вишневского. Ученики Товстоногова по классу режиссуры – Л. Додин, И. Владимиров, Г. Яновская, К. Гинкас, В. Воробьев и др.

Андрей Александрович Гончаров ( 1918–2001) – выдающийся российский режиссер, педагог. Учеба в ГИТИСе на режиссерском курсе Н.М. Горчакова (1977–1941), фронт, после ранения – директор и режиссер Первого фронтового театра при ВТО. Постановки: - «Рузовский лес» Финна, «Жди меня» Симонова, пьесы А. Островского. 50-е годы работа в театре Сатиры в качестве режиссера, педагогическая деятельность в ГИТИСе. Работа с А.МЛобановым в т-ре им. Ермоловой, с 1957 по 1965 гг. – Московский драматический театр на Спартаковской. Постановки: «Вид с моста» А. Миллера, «Аргонавты» Ю. Эдлиса, «Визит дамы» Ф. Дюренматта и др. С 1967 г. возглавил театр им. Вл. Маяковского. Знаменитые постановки – «Дети Ванюшина» С. Найденова, «Трамвай «Желание» Т. Уильямса, «Леди Макбет Мценского уезда» Н. Лескова, «Театр времен Нерона и Сенеки» Э. Радзинского, «Закат» И. Бабеля и др. Знаменитые ученики А.А. Гончарова: П. Фоменко, Е. Гротовский, Э. Някрошюс, А. Борисов и др.

Создание театра «Современник»(1956), эстетика театра, первые спектакли («Вечно живые» В. Розова и др.), актеры – Г. Волчек, И. Кваша, О. Табаков, Е. Евстигнеев Т. Лаврова и др.

Олег Николаевич Ефремов (1927-1999) – выдающийся русский артист, режиссер, видный театральный деятель. Творческий путь: актерская и режиссерская работа в Центральном детском театре. 1956- создание театра «Современник». Постановки: «Вечно живые», «Традиционный сбор», В поисках радости» В. Розова,»Назначение А. Володина, «Большевики» М. Шатрова. С 1970 – художественный руководитель и актер МХАТа. Первый спектакль «Дульсинея Тобосская». Приглашение во МХАТ актеров А. Калягина, И. Смоктуновского, Т. Лавровой, О. Табакова, Е. Евстигнееав, А. Вертинской. Лучшие постановки: «Заседание парткома» А. Гельмана, «Так победим!» М. Шатрова, «Три сестры» А. Чехова и др.

Любимов Юрий Петрович (р. 1917) – выдающийся русский режиссер, художественный руководитель театра на Таганке (Москва) Творческий путь- работа актером в театре им. Вахтангова(1947-1963) Создание Ю. П. Любимовым театра на Таганке (1964).

Первый спектакль «Добрый человек из Сезуана» Б. Брехта. Спектакли, определившие эстетику театра - «Десять дней, которые потрясли мир» Дж. Рида, «А зори здесь тихие» по Б. Васильеву, «Гамлет» У. Шекспира». Актеры – Н. Губенко, В. Золотухин, З. Славина, И. Бортник, А. Демидова, В. Высоцкий. Публицистичность спектаклей, живой разговор с современниками о времени, обществе, о нравственной позиции. человека. История спектакля «Борис Годунов» А. Пушкина. Конфликт режиссера с властью. Лишение Ю.П. Любимова советского гражданства. Работа в драматических и оперных спектаклях за границей. Спектакли последнего пятнадцатилетия XX века и начала XXI века: «Пир во время чумы»(Маленькие трагедии») А. Пушкина, «Живой» Мозжухина, «Марат/Сад» П. Вайса, «Медея» Ж. Расина и др.

Анатолий Васильевич (Натан Исаевич) Эфрос (1925-1987) - выдающийся российский режиссер. В 1950г. окончил режиссерский факультет ГИТИСа, курс Н.В. Петрова и М.О. Кнебель. Работал в Рязанском театре, в 1954 – гл. режиссер Центрального детского театра. Работа с актерами О. Ефремовым, Л. Дуровым, О. Табаковым. Постановки Эфроса по пьесам В. Розова – «В поисках радости», «Неравный бой». С 1963г.по 1967г. – главный режиссер Московского театра Ленинского комсомола. Новаторство «негромкой» режиссуры Эфроса. Работа с артистами А. Збруевым, А. Ширвиндтом, Л. Дуровым, О. Яковлевой и др. Постановки в Ленкоме: «104 страницы про любовь» Э. Радзинского, «Мой бедный Марат» А. Арбузов, «Мольер» М. Булгакова, «Чайка» Чехова С 1967 – очередной режиссер театра на Малой Бронной. Театр стили называть театром Эфроса. Легендарные постановки по русской и зарубежной классике: Три сестры», «Ромео и Джульетта»,»Женитьба», «Отелло»,»Дон Жуан», «Месяц в деревне». Современные пьесы с успехом поставленные Эфросом – «Сказки старого Арбата» А. Арбузова, «Человек со стороны» И. Дворецкого. Постановка «Вишневого сада» в театре на Таганке. 1984г. – назначение Эфроса главным режиссером театра на Таганке после отъезда Ю. Любимова. Постановки: «На дне» Горького, «Мизантроп» Мольера.

Театр 70-х - 80 –х годов ХХ века. Драматургия: А. Арбузов, В. Розов, А. Вампилов. Э. Радзинский, Р. Ибрагимбеков, И. Друце. Феномен драматургии А. Вампилова . Постановки: «Провинциальные анекдоты» в «Современнике», «Прошлым летом в Чулимске», «Утиная охота», театре им. Ермоловой («Утиная охота») во МХАТе. Драматургия «новой волны». ПьесыА.Гельмана, А. Галина, Л. Петрушевской Л. Разумовской, С. Злотникова, М. Варфоломеева, А. Дударева. Инсценировки повестей Б. Васильева «А зори здесь тихие..» (театр на Таганке»), «В списках не значился» (Ленком); «Эшелон» М. Рощина (МХАТ) «Крутой маршрут» Е. Гинзбург («Современник»)

Марк Анатольевич Захаров (р.1933г.) – выдающийся российский режиссер, художественный руководитель театра «Ленком». Работа в качеств актера в драматическом театре в Перми. Возвращение в Москву в 1959г., работа в театре им. Гоголя, Эстрадном театре миниатюр В. Полякова. Постановки в студенческом театре МГУ, работа в театре Сатиры. Постановки - «Доходное место» А. Островского, «Банкет» А. Арканова и Г. Горина. В 1973г. возглавил театр им. Ленинского комсомола (ныне Московский театр «Ленком») Успех постановок «Автоград»», «Тиль» Г. Горина. Поэтическая и музыкальная направленность спектаклей «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты», «Юнона и Авось». Гастроли Ленкома в Париже. Лучшие спектакли – «Три девушки в голубом» Л. Петрушевской, «Поминальная молитва» Г. Горина по мотивам произведений Ш. Алейхема, «Варвар и еретик» по Ф. Достоевскому, «Чайка» А. Чехова, «Шут Балакирев» Г. Горина и др.

Лев Абрамович Додин (р.1944г.) - выдающийся российский режиссер. Окончил режиссерский факультет ЛГИТМиКа, класс Б.В. Зона. Режиссерский дебют Додина в 1966г. – телеспектакль «Первая любовь» по повести И.С. Тургенева Постановки в театрах России и за рубежом. Среди них «Недоросль» Д. Фонвизина (Ленинградский театр комедии), «Кроткая» по Ф.М. Достоевскому (БДТ и МХАТ), «Господа Головлевы» Ф.М. Достоевский (МХАТ), постановка оперных спектаклей в Амстердаме, Флоренции, Милане, Париже. Сотрудничество с Малым драматическим театром началось в 1975г. «Разбойником» К. Чапека. С 1983г. Л. Додин – художественный руководитель Малого Драматического театра. Легендарные спектакли Додина: «Дом», «Братья и сестры» по, Ф. Абрамову, чеховская тетралогия – «Вишневый сад», «Пьеса без названия», «Чайка», «Дядя Ваня»; «Бесы» по Достоевскому», «Чевенгур» по А. Платонову. В 1998 г. МДТ получил статус Театра Европы, третьим после парижского театра Одеон и Пикколо театро ди Милано Джорджо Стрелера. Преподавательская деятельность в Санкт-етербургской Академии рального искусства, мастер-классы в Великобритании, Франции, Японии, США.

Анатолий Александрович Васильев (р.1942г.) известный российский режиссер. Выпускник 1972г. режиссерского факультета ГИТИСа, мастерская А. Попова и М. Кнебель. В 1973г. ставит во МХАТе легендарный спектакль «Соло для часов с боем» О. Заградника. С 1977г. работает в Московском театре им. Станиславского и выпускает «Первый вариант «Вассы Железновой» М. Горького и «Взрослую дось молодого человека» В. Славкина. Спектакль «Серсо» В. Славкина признан лучшим спектаклем сезона. В 1987г. открытие театра А. Васильева «Школа драматического искусства Премьера пьесы Луиджи Пиранделло «Шесть персонажей в поисках автора. С 1987г. путешествия театра по странам мира, участие в театральных фестивалях Мировое признание театра А. Васильева. Постановки Васильева в Париже, Будапеште, Веймаре. Выдающиеся постановки А. Васильева в «Школе драматического искусства: «Плач Иереммии», «А.С. Пушкин. Дон Жуан или «Каменный гость» и другие стихи», «А С. Пушкин. К***», «Моцарт и Сальери», «Медея Материал» Х. Мюллера. В 2001г. театр «Школа драматического искусства» получил статус Театра Европы, в этом же годусостоялось открытие нового театрального здания театра на Сретенке.

Роман Григорьевич Виктюк (р. 1936г.) – известный российский режиссер. В 1956 окончил актерский факультет ГИТИСа. Работал в театрах Советского Союза, поставил «Утиную охоту» и «Прошлым летом в Чулимске» А.Вампилова, «Валентин и Валентина» М. Рощина. В 80-е годы ставит в Москве: «Уроки музыки» Л. Петрушевской, ««Квартира Коломбины» Петрушевской в Студенческом театре МГУ, «Царскую охоту» Л. Зорина в театре им. Моссовета, «Татуированную розу» Т. Уильямса во МХАТе. В 1991г. спектаклем «М. Батерфляй по пьесе Д.Г. Хуана открылся Театр Романа Виктюка». Особенности режиссерского почерка Виктюка того времени – эстетизм, сопряженный с философией духа, поиск гармонии. Легендарный спектакль «Служанки» Ж. Жене в театре «Сатирикон». Постановки в Швеции, Финляндии, США, Италии, Греции, Израиле. Неоднозначность оценки творчества Р. Виктюка.

Кама Миронович Гинкас (р. 1941г.) - известный российский режиссер, педагог. Начал обучение в 1959 г. в Вильнюсской консерватории, с 1962г. – на режиссерском факультете ЛГИТМи Ка класс Г.А. Товстоногова. Режиссерский дебют – спектакль «Традиционный сбор» В. Розова в Рижском театре русской драмы. В 1970-72гг. возглавлял Красноярский ТЮЗ. Постановки: «451 по Фаренгейту» Р. Бредбери, «Гамлет» Шекспира, и др. После Красноярска работал в Ленинграде. Наиболее известные спектакли этого периода – «Монолог о браке» Э. Радзинского, «Похожий на льва» Р. Ибрагимбекова, «Царствие земное» Т. Уильямся, «Пушкин и Натали». С 1981г. – московский период творчества К. Гинкаса – «Пять углов» С. Коковкина, «Вагончик» Н. Павловой. С 1988г. Гинкас работает в Московском ТЮЗе. Постановки: «Играем преступление», «К.И. из «Преступления и наказания», «Записки подпольного человека» по Достоевскому, «Казнь декабристов», «Пушкин. Дуэль. Смерть», «Счастливый принц» О. Уайльда. В 1985г. начал преподавательскую деятельность в ГИТИСе, затем в Школе-студии МХАТ, на Высших режиссерских курсах.

Петр Наумович Фоменко (р.1932г.)- выдающийся российский режиссер, руководитель театра «Мастерская Петра Фоменко. Творческий путь. Работа в Ленинградском театре комедии. Постановки в театрах России и за рубежом – «Этот милый старый дом» А. Арбузова во Вроцлаве, «Калигула» А. Камю в театре им. Моссовета, «Великолепный рогоносец» Кроммелинка в театре «Сатирикон, «Без вины виноватые» А. Островского, «Пиковая дама» А. Пушкина в театре им. Вахтангова. Преподавательская работа в ГИТИСе. С 1992- художественный руководитель театра «Мастерская Петра Фоменко» . Режиссерский стиль Фоменко – апология театральной игры, полноты жизни. Спектакли: «Волки и овцы» А. Островского, «Война и мир. Начало романа» Л. Толстого, « Лес» А. Островского, «Одна абсолютно счастливая деревня» Б. Вахтина, «Бесприданница» А.Островского и др. Постановка пьесы А. Островского «Лес» в театре Комеди Франсез.

Мирзоев Владимир Владимирович (р. 1957) – режиссер. В 1981 окончил факультет режиссуры цирка ГИТИСа, мастерская М. Местечкина, работал театральным журналистом. В 1989г. эмигрировал в Канаду, в 1990 г. основал в Торонто театральную компанию «Горизонтальная восьмерка». Поставил за 4 года 12 спектаклей по пьесам А.П. Чехова, О. Уайльда, А. Стриндберга, А. Камю и др. В 1993г. вернулся в москву. Первый спектакль после возвращения – «Женитьба» Н.В. Гоголя в Московском драматическом театре им. К. Станиславского. Спектакли по пьесам Э. Ростана, Мольера, Г. Пинтера, Б. Шоу, У. Шекспира, О. Богаева, Л. Улицкой, Л. Петрушевской показывает широту театральных интересов и пристрастий режиссера. Неоднозначность оценок творчества В. Мирзоева.

Актерское искусство: А. Калягин, О. Табаков, О. Ефремов И. Смоктуновский, Т. Доронина, О. Даль, В. Гафт, М. Неелова, С. Любшин, А. Демидова, О. Борисов, К. Лавров, С. Юрский, А. Абдулов, Н. Караченцов, И. Чурикова, О. Янковский, О. Яковлева, Л. Полищук, А. Миронов, А. Папанов, А. Джигарханян, А. Вертинская, С. Юрский, К. Лавров, В. Стржельчик. О. Басилашвили, А. Фрейндлих, Н. Караченцов, О. Янковский, А. Абдулов, Н. Гундарева, И. Мирошниченко, Э. Зиганшина, О. Мысина. (Рефераты)

Новый период российского театра начался в 1932 постановлением ЦК ВКП(б) «О перестройке литературно-художественных организаций». Основным методом в искусстве был признан метод социалистического реализма. Время художественных экспериментов закончилось, хотя, это не означает, что дальнейшие годы не дали новых достижений и успехов в развитии театрального искусства. Просто «территория» разрешенного искусства сузилась, одобрялись спектакли определенных художественных направлений - как правило, реалистические. И появился дополнительный критерий оценки: идеологически-тематический. Так, к примеру, на сцене российского театра начиная с середины 1930-х ставились спектакли т.н. «ленинианы», в которых на сцену выносился образ В.Ленина («Человек с ружьем» в Театре им. Вахтангова, в роли Ленина - Борис Васильевич Щукин; «Правда» в Театре Революции, в роли Ленина - Максим Максимвич Штраух, и др.). Практически обречены на успех были любые спектакли по пьесам «основоположника социалистического реализма» М.Горького. Это не значит, что каждый идеологически выдержанный спектакль был плох, просто художественные критерии (а порой - и зрительский успех) в государственной оценке спектаклей перестали быть определяющими.

Для многих деятелей российского театра 1930-е (и вторая половина 1940-х, когда идеологическая политика продолжилась) стали трагическими. Однако российский театр продолжал развиваться. Появлялись новые режиссерские имена: Андрей Попов, Юрий Александрович Завадский, Рубен Симонов, Борис Захава, Николай Охлопков, Мария Кнебель, Василий Сахновский, Борис Сушкевич и др. Эти имена были преимущественно связаны с Москвой и Ленинградом и режиссерской школой ведущих театров страны.

Появляется и новое поколение актеров. Во МХАТе, наряду с такими корифеями, как Ольга Леонардовна Книппер-Чехова, Василий Иванович Качалов, Леонид Максимович Леонидов, Иван Иванович Москвин, Михаил Михайлович Тарханов, уверенно работают Николай Павлович Хмелев, Борис Георгиевич Добронравов, Ольга Николаевна Андровская и др. В Московском театре Ленинского комсомола (бывшем ТРАМе) успешно работают актеры и режиссеры МХАТовской школы - Иван Николаевич Берсенев, Серафим Бирман, Софья Гиацинтова. В Малом театре, наряду с актерами старшего поколения Александрой Александровной Яблочкиной, Варварой Осиповной Массалитиновой, Александром Алексеевичем Остужевым, Провом Михайловичем Садовским и др., видное место занимают новые актеры, получившие известность уже в советское время: Вера Николаевна Пашенная, Елена Николаевна Гоголева, Николай Александрович Анненков, Михаил Иванович Жаров, Михаил Иванович Царев, Игорь Владимирович Ильинский (перешедший сюда после разрыва с Мейерхольдом). В бывшем Александринском театре (которому в 1937 было присвоено имя А.Пушкина) знаменитые старые мастера - Екатерина Павловна Корчагина-Александровская, Вара Аркадьевна Мичурина-Самойлова, Юрий Михайлович Юрьев и др. выходят на сцену вместе с молодыми актерами -Николаем Константиновичем Симоновым, Борисом Андреевичем Бабочкиным, Николаем Константиновичем Черкасовым и др. В театре им. Вахтангова успешно работают Борис Васильевич Щукин, Анна Алексеевна Орочко, Цецилия Мансурова и др. В Театре им. Моссовета (бывший МГСПС и МОСПС) формируется сильная труппа, состоящая в основном из учеников Ю.Завадского - Вера Петровна Марецкая, Ростислав Янович Плятт, Осип Абдулов и др. Несмотря на судьбы главных режиссеров, широко признано творчество актрисы Камерного театра Алисы Георгиевны Коонен, а также многих актеров Театра Революции и Театра им.Мейерхольда: Марии Ивановны Бабановой, Максима Максимовича Штрауха, Юдифь Самойловны Глизер и др.

Во время Великой Отечественной войны российские театры в основном обращались к патриотической теме. На сценах ставились пьесы, написанные в этот период («Нашествие» Л. Леонова, «Фронт» А. Корнейчука, «Парень из нашего города» и «Русские люди» К.Симонова), и пьесы историко-патриотической тематики («Петр I» А.Н. Толстого, «Фельдмаршал Кутузов» В. Соловьева и др.). Успех театральных спектаклей этого времени опроверг справедливость расхожего выражения «Когда говорят пушки, музы молчат». Особенно наглядно это проявилось в осажденном Ленинграде. Городской театр (позже - Театр им. Комиссаржевской) и Театр Музыкальной комедии, проработавшие здесь всю блокаду, собирали полные залы зрителей, несмотря на отсутствие отопления, а зачастую и света, бомбежки и артобстрелы, смертельный голод.

Период 1941-1945 имел и еще одно последствие для театральной жизни России и Советского Союза: существенное повышение художественного уровня провинциальных театров. Эвакуация театров Москвы и Ленинграда и их работа на периферии вдохнула новую жизнь в местные театры, способствовала интеграции сценического искусства и обмену творческим опытом. Хайченко Г.А., Страницы истории советского театра, М., 1983, с. 269

Однако после окончания войны патриотический подъем театрального искусства военного времени сменился упадком. Постановление ЦК ВКП(б) от 26 августа 1946 «О репертуаре драматических театров и мерах по его улучшению» ужесточил идеологический контроль и цензуру. Российское искусство в целом и театр в частности переживали кризис, связанный с кризисом общественным.

Театр отражает состояние общества, и новый виток подъема российской сцены также стал следствием общественных перемен: разоблачением культа личности (1956) и ослаблением идеологической политики, т.н. «оттепели».

Обновление российского театра в 1950-1980 годы началось с режиссуры. Новая театральная эстетика вновь формировалась в Москве и Ленинграде.

В Ленинграде этот процесс шел менее ярко, не столько революционным, сколько эволюционным путем. Он связан с именем Г. Товстоногова, с 1949 возглавлявшего Ленинградский театр им. Ленинского комсомола, а в 1956 ставшего художественным руководителем БДТ. Великолепная труппа (Евгений Алексеевич Лебедев, Кирилл Юрьевич Лавров, Сергей Юрьевич Юрский, Олег Валерианович Басилашвили, Татьяна Васильевна Доронина, и др.), блестящие спектакли, отличные организаторские способности режиссера вывели БДТ в число лучших театров. Остальные театры Ленинграда в 1950-1980-е выглядели на его фоне более бледно, хотя и в них велись активные поиски новых выразительных средств (режиссеры Игорь Петрович Владимиров, Геннадий Михайлович Опорков, Ефим Михайлович Падве, Зиновий Корогодский и др.). В то же время удивительно парадоксальной стала судьба многих ленинградских режиссеров следующего поколения - Льва Абрамовича Додина, Камы Мироновича Гинкаса и др. Большинство из них сумели реализовать свой творческий потенциал в Москве.

Большой вклад в формирование российского театрального искусства внесли многие актеры Ленинграда: Николай Константинович Симонов, Юрий Владимирович Толубеев, Бруно Артурович Фрейндлих, Ольга Яковлевна Лебзак и др. (Театр им.Пушкина); Дмитрий Дмитриевич Барков, Георгий Степанович Жженов, Алиса Фрейндлих, Михаил Боярский, Ирина Мазуркевич и др. (Театр им.Ленсовета); Роман Борисович Громадский, Эра Зиганшина, Владимир Тыкке и др. (Театр им.Ленинского комсомола); Станислав Ландграф, Юрий Овсянко, Владимир Особик и др. (Театр им.Комиссаржевской); Елена Юнгер, Сргей Николаевич Филиппов, Михаил Светин и др. (Театр Комедии) и др.

В Москве формирование новой театральной эстетики происходило более бурно и наглядно. Здесь прежде всего следует назвать имя Анатолия Васильевича Эфроса, не становившегося знаменем какой бы то ни было театральной революции, хотя, каждый его спектакль вызывал огромный интерес критики и зрителей. Возглавив в 1954 Центральный Детский театр, Эфрос сплотил вокруг себя группу талантливой молодежи - Олега Николаевича Ефремова, Олега Павловича Табакова, Льва Константиновича Дурова и др. Здесь во многом формировалась художественная программа, приведшая в 1958 к открытию театра «Современник». Это ознаменовало наступление новой эпохи российской сцены. Обновление эстетики реалистического психологического театра сочеталось в «Современнике» с поисками новых средств художественной выразительности. Молодая труппа - Олег Ефремов, Олег Табаков, Евгений Евстигнеев, Игорь Кваша, Галина Волчек и др. с азартом работали над спектаклями. Зрительское признание нового театра было огромным, очереди за билетами выстраивались с ночи - как за билетами в МХТ первых лет его существования.

Однако, в отличие от ленинградской ситуации, в Москве появился ряд интересных режиссерских эстетик с ярко выраженной индивидуальностью. Николай Павлович Охлопков в театре им. Маяковского разрабатывал героико-романтическую тему. После его кончины режиссерскую эстафету принял Андрей Александрович Гончаров, мастер броских театральных решений. Вахтанговские традиции яркой театральной условности разрабатывал Рубен Николаевич Симонов. В Центральном театре Красной армии (сегодня - Центральный академический театр Российской Армии) традиции психологического театра сохраняли Андрей Алексеевич Попов и Борис Александрович Львов-Анохин (позже возглавлявший театр им.Станиславского и много ставивший в Малом театре). Работая в разных театрах, высочайший художественный авторитет на протяжении нескольких десятилетий сохранял Эфрос. В театре Сатиры проходил свое становление Марк Захаров, позже воплотивший свою эстетику в Театре им. Ленинского комсомола. В 1970-х успех сопутствовал дебютам режиссеров Анатолия Васильева и Бориса Морозова. Но, пожалуй, самым громким российским театром 1970-1980-х был Московский театр на Таганке и его режиссер Юрий Любимов.

За это время в Москве сформировалось несколько поколений замечательных актеров, принадлежащих к разным школам, обладающих высоким профессионализмом и яркой индивидуальностью. Правда, в течение ряда лет печальным было положение в труппе МХАТа - легендарные «мхатовские старики» продолжали блистать на сцене, но обновление труппы начало происходить с 1970, когда театр возглавил Ефремов. Сюда пришли известные актеры, сформировавшиеся в разных театрах, но сумевшие создать новый великолепный ансамбль: Евгений Александрович Евстигнеев, Александр Калягин, Иннокентий Смоктуновский, Елена Васильева, Анастасия Вертинская, Андрей Мягков, Георгий Бурков, Юрий Богатырев, Олег Табаков. В Малом театре рядом Михаилом Царевым, Борисом Бабочкиным, Еленой Гоголевой появилось новое поколение актеров: Элеонора Быстрицкая, Руфина Нифонтова, В.Кенигсон, Никита Подгорный позже - Виталий и Юрий Соломины и др. В театре им.Вахтангова новые поколения актеров, начиная с бессмертной «Принцессы Турандот» входят в репертуар: Николай Гриценко, Михаил Ульянов, Юрий Яковлев, Владимир Этуш, Василий Лановой и др. В театре им.Моссовета труппу пополняют Фаина Раневская, Нина Дробышева, Игорь Костолевский, Георгий Тараторкин, Мария Терехова, Вера Талызина, и др. Целое созвездие звезд театра и кинематографа играет в Театре Сатиры: Александр Ширвиндт, Андрей Миронов, Спартак Мишулин, Вера Васильева, Ольга Аросева, Татьяна Васильева, Татьяна Пельтцер, которая позже вслед за Марком Захаровым переходит в Театр им.Ленинского комсомола. В этой труппе - множество громких актерских имен: Евгений Леонов, Олег Янковский, Александр Абдулов, Александр Збруев, Инна Чурикова, Николай Караченцев, Татьяна Догилева и др. В «Современнике» к ядру труппы добавляются актеры, чьи имена становятся не менее известными: Марии Неелова, Лия Ахеджакова, Валентин Гафт, Елена Яковлева и др. В Театре на Малой Бронной, где в начале 1960-х блистали Лидия Сухаревская и Борис Тенин, в спектаклях Эфроса играют Лев Дуров, Михаил Козаков, Геннадий Сайфуллин и др. После премьер в Театре им.Станиславского «Взрослая дочь молодого человека» (постановка А.Васильева) и «Сирано де Бержерак» (постановка Б.Морозова) стали известны имена Альберта Филозова, Эммануила Виторгана, Аллы Балтер. Раскрываются в театре «Эрмитаж» под руководством М.Левитина индивидуальности Любови Полищук, Евгения Герчакова и др. В Театре им.Маяковского формируются и крепнут таланты Армена Джигарханяна, Светланы Немоляевой, Натальи Гундаревой, Александра Фатюшина и др. Кумирами по меньшей мере двух поколений зрителей становятся любимовские актеры Театра на Таганке: Владимир Высоцкий, Валерий Золотухин, Н.Губенко, Зинаида Славина, Леонид Филатов, Михаил Полицеймако, Инна Ульянова и др.

С одной стороны, театральные успехи российских театров 1960-1980-х завоевывались нелегко. Нередко лучшие спектакли выходили на зрителя с большим трудом, а то и запрещались из-за идеологических соображений, а награды и премии получали спектакли средние, но идеологически выдержанные. С другой стороны, полуофициальный статус театра-«оппозиционера» практически всегда придавал его спектаклям дополнительный «зрительский капитал»: они изначально получали больший шанс прокатного успеха и причисления к творческим победам (часто невзирая на реальный художественный уровень). Об этом свидетельствует история Театра на Таганке: любой спектакль первого «любимовского» периода в либеральной среде считался гениальным, профессиональная критика недостатков чаще всего расценивалась как штрейкбрехерство. На российской сцене того времени царило иносказание, намек, аллюзии с современной действительностью - это было залогом зрительского успеха. При этом не стоит забывать, что в общественной ситуации государственных театров все театральные эксперименты (в т.ч. и политические) финансировались государством. К началу 1980-х для полуопальной Таганки было построено новое театральное здание с современным техническим оснащением. Зачастую политические и социальные критерии в оценке спектаклей часто перевешивали художественные - как в официальной, так и в неформальной оценке. Взвешенное, адекватное отношение к спектаклям того времени было практически невозможным. Тогда это понимали очень немногие. http://scit.boom.ru/music/teatr/Russiu_teatr.htm