Выставка структуры русский музей. Государственный Русский музей: история создания
Резиденция для художников - это нечто вроде хостела или общежития, только непременно оборудованного мастерскими, где можно рисовать, фотографировать или, например, монтировать видео. Резиденции популярны, их становится все больше, отдельные художники иногда по несколько лет перемещаются из одной в другую, реализуя на практике известную максиму о том, что художник должен быть гол, нищ и в идеале бездомен. Как раз вот такой трансцендентальной бездомности посвящена выставка в Музее нонконформистского искусства. К участию пригласили авторов, которые в последние два года жили и работали в арт-резиденции при центре «Пушкинская-10», и предложили им поразмышлять над тем, что для них значит дом. Американские художники Андреа Станислав и Дин Лозов искали ответ на улицах в рамках своего перформанса Reflect: они бродили по Петербургу в авторских костюмах, покрытых тысячами зеркальных значков, и раздавали их прохожим взамен на фото и ответ на вопрос «Что такое дом?». А японский автор Нобушиге Коно сконструировал для музея своеобразное жилище из мусора, найденного на улицах Петербурга.
Где: Музей нонконформистского искусства (Лиговский пр-т, 53)
Стоимость: 100 рублей
«Константин Сомов. Живопись и графика»
Последний раз в России ретроспективные выставки Константина Сомова - одного из важных представителей художественного объединения «Мир искусства» - проходили в конце 60-х и были приурочены к 100-летию со дня рождения художника. С тех пор ничего подобного не было. Восполняет пробел KGallery в свойственной ей манере: в основе выставки работы из частных коллекций, плюс отдельные экспонаты предоставят музеи (например, Русский музей и Музей Анны Ахматовой). Из редкостей: все три существующие издания знаменитой «Книги маркизы» - сборника фривольных текстов с иллюстрациями Сомова, - а еще коллекция фарфора, созданная по эскизам художника, и уникальный фотоархив.
Где: KGallery (набережная реки Фонтанки, 21)
Стоимость: 100 рублей
Георгий Верейский
Одновременно с выставкой Сомова в KGallery в Русском музее будет идти большая ретроспектива Георгия Верейского - тоже, к слову, успевшего побыть мирискусником (но на поколение младше) и революцию поддержавшего. Верейский - мастер печатной графики, большую часть жизни проработавший в экспериментальной литографской мастерской ЛОСХа. Помимо графических портретов, которыми он известен в первую очередь, на выставке покажут пейзажную графику: изображения Ленинграда и Москвы, а также трогательные деревенские пейзажи.
Где: Михайловский замок (ул. Садовая, 2)
Стоимость: 300 рублей
«Сальвадор Дали. Сюрреалист и классик»
Где: Музей Фаберже (набережная реки Фонтанки, 21)
Стоимость: 450 рублей
После прошлогоднего успеха выставки работ Фриды Кало Музей Фаберже готовит новый потенциальный хит: этой весной здесь покажут ретроспективу Сальвадора Дали, которую готовят испанские кураторы из фонда «Гала - Сальвадор Дали». Фонд этот сверхактивен, регулярно открывает выставки и даже музеи-представительства по всему миру и, прямо скажем, излишне коммерциализирован. Улучшить репутацию помогают концептуальные проекты, объединенные ясной идеей. В Музее Фаберже, например, экспозиция будет построена вокруг классических мотивов в работах Дали: так, на выставке покажут серию графических иллюстраций к знаменитой автобиографии итальянского скульптора и ювелира Бенвенуто Челлини, серию иллюстраций к «Божественной комедии» Данте, а также картину «Геологическое эхо. Пьета» 1982 года, в которой художник переработал знаменитую скульптуру Микеланджело, хранящуюся в соборе Святого Петра в Риме.
«Структуры»
В аннотации к выставке «Структуры» в Мраморном дворце Русский музей дает пояснение, переводя с латыни: «Структура - строение, упорядоченное строение, расположение, порядок, связь». Другими словами, это проект про чистую форму, формализм - то, за что в советское время можно было вылететь из Союза художников, а в современных реалиях больше соответствует критериям промдизайна, чем искусства. Так, здесь, например, покажут инсталляции Алексея Костромы из расставленных ровными рядами яичных скорлупок, геометрические композиции из разноцветного фарфора Олега и Ольги Татаринцевых и эффектную деревянную скульптуру Виталия Пушницкого.
Где: Русский музей, Мраморный дворец (ул. Миллионная, 5/1)
Стоимость: 300 рублей
«„НОМ“ 30 лет. Короли Санкт-Петербурга »
«Драматизация идиотических проявлений действительности и идиотизация драматических» - такой была идейная установка панк-группы «НОМ» на момент ее появления в конце 80-х. Помимо музыки, команда решала эту задачу и альтернативными методами: устраивала перформансы-интервенции в городскую среду, снимала игровые короткометражки и создавала рок-оперу. На выставке к 30-летнему юбилею проекта покажут фильмы, костюмы, фотографии, а еще картины примкнувшего к «НОМ» художника Николая Копейкина.
Когда: апрель-июнь
Где:
Стоимость: 500 рублей
«Василий Васильевич Верещагин. К 175-летию со дня рождения»
Верещагин в России не обладает такой всенародной любовью, как, например, Айвазовский, но перспектива есть. Главное - правильно расставить акценты: тут важна и специализация на батальной живописи, и личное участие в многочисленных битвах, и несколько тяжелых ранений, и героическая смерть во время морского сражения у берегов Порт-Артура. Верещагин был большой патриот, но и любитель путешествий, одно время очень увлекся Востоком, чем, по слухам, навлек на себя недовольство императора и вроде бы даже сжег после этого несколько картин. К 175-летию художника в корпусе Бенуа пройдет большая ретроспектива: покажут около 200 работ; помимо собственной коллекции Русского, будут работы из Третьяковской галереи и нескольких других российских музеев.
Где: Русский музей (набережная канала Грибоедова, 2)
Стоимость: 450 рублей
«Сдвигая метафоры: Куба в эпоху перемен»
Где: «Росфото» (ул. Большая Морская, 35)
Стоимость: 150 рублей
«Росфото» готовит большую выставку, посвященную кубинской фотографии. Подробностей пока нет, но в музее проект называют энциклопедичным: он, по задумке кураторов, должен описать историю островного государства с момента прихода к власти Фиделя Кастро и по настоящее время. В смысле техник выставка также будет разнообразной: она включает в себя как работы классиков документалистики, так и актуальный видеоарт.
«Сотворенная Жизнь»
Галерея Anna Nova с большим опозданием, но все же откроет выставку петербургской фотохудожницы Юлдус Бахтиозиной, известной благодаря своим поставочным снимкам. С их помощью она в манере глянцевых изданий и недавних блокбастеров вроде «Он дракон» (для которого Юлдус, к слову, делала постер) изучает русскую идентичность - фотографирует парней в балетных пачках, модельной внешности барышень в русских кокошниках и метросексуалов в рыцарских доспехах.
Где: Anna Nova (ул. Жуковского, 28)
Стоимость: бесплатно
«Под одеждой. История дизайна нижнего белья»
С конца апреля в «Эрарте» будет гастролировать выставка лондонского Музея Виктории и Альберта, посвященная истории нижнего белья. Покажут около 150 вещей, начиная с корсета XVIII века и заканчивая работами современных мировых брендов. Сделано это все не только ради удовлетворения любопытства, кураторы берут выше и проводят параллели между особенностями конструкции и фасонов нижнего белья и развитием общества: например, рядом с корсетом из китового уса, способным утянуть талию до 50 сантиметров, будут выставлены рентгеновские снимки деформированных им органов, способные шокировать любого.
Где: «Эрарта» (29-я линия В.О., 2)
Стоимость: 500 рублей
«Маноло Бланик. Обувь как искусство»
Где: Главный штаб (Дворцовая площадь, 2)
Стоимость: 400 рублей
Эрмитаж продолжает серию выставок, посвященных работам известных дизайнеров. Следом за итальянским модельером начала ХХ века Мариано Фортуни идет современный испанец Маноло Бланик - основатель одноименной компании, выпускающей дизайнерскую обувь. На выставке покажут около 200 пар туфель, созданных за 45 лет. Среди экспонатов - обувь, вдохновленная путешествиями, отдельными личностями вроде Рианны и Брижит Бардо, созданная для фильма «Мария-Антуанетта» Софии Копполы и сериала «Секс в большом городе», который, собственно, и прославил дизайнера на весь мир.
«Братья Хенкины: открытие. Люди Ленинграда и Берлина 1920–1930 -х годов»
Одна из самых необычных выставок Эрмитажа, приуроченная к 100-летию Октябрьской революции, - она же и самая простая. Братьев Якова и Евгения Хенкиных события 1917 года разделили: один оказался в Ленинграде, другой - в Берлине. Оба снимали будничную жизнь горожан, в которую незаметно вторгается политика. Финал истории трагичен для обоих братьев: Яков погиб на фронте в 1941-м, а вернувшийся из Берлина в 1936 году Евгений был вскоре арестован и расстрелян НКВД. Все, что осталось, - большой и причудливый семейный фотоархив, который на выставке в Эрмитаже покажут впервые.
Где:
Стоимость: 400 рублей
Новый сезон в Музее уличного искусства
В середине мая Музей уличного искусства откроет четвертый сезон. Выставочная площадка снова полностью сменит концепцию, темой нового проекта выбрана революция. В роли кураторов выступают руководитель берлинского стрит-арт -проекта Urban Nation Яша Янг и директор музея Андрей Зайцев. Под их руководством 30 художников из девяти стран представят свой художественный манифест на тему разрушения и созидания.
Где: Музей уличного искусства (шоссе Революции, 84)
Стоимость: 350 рублей
«Ансельм Кифер - Велимиру Хлебникову»
Где: Государственный Эрмитаж (Дворцовая площадь, 2)
Стоимость: 400 рублей
Вероятно, главная выставка грядущего лета: Эрмитаж первым привозит в Россию культового немецкого художника Ансельма Кифера, последовательно, начиная с конца 60-х, изучающего феномен нацизма. Ученик концептуалиста Йозефа Бойса и поклонник неоэкспрессиониста Георга Базелица, Кифер умеет удивительным образом сочетать мрачную экспрессивную живопись с постмодернистскими техниками вроде инсталляции и перформанса. Для выставки в Эрмитаже он готовит особый проект, посвященный Велимиру Хлебникову. Для него художник создает около 20 полотен, оттолкнувшись от идеи русского поэта о бесконечной цикличности судьбоносных военных столкновений.
изображения: обложка, 1 – Музей Фаберже, 2 – «Росфото», 3, 4 – Эрмитаж
«Экспозиция представит модели или матрицы структур, наиболее распространенных в искусстве прошлого и нынешнего столетия и превратившихся в устойчивые пластические мотивы (решетка/сетка, кристалл, цепочка, спираль и т.п.)».Олег и Ольга Татаринцевы. «Хранилище», 2013. rusmuseum.ru
«Выставка представляет собой большой проект, включающий в себя произведения, начиная с 1960-х годов до настоящего времени, который обращен к понятию "структуры" - качеству формы, имеющему серьезные мировоззренческие следствия. Экспозиция представит модели или матрицы структур, наиболее распространенных в искусстве прошлого и нынешнего столетия и превратившихся в устойчивые пластические мотивы (решетка/сетка, кристалл, цепочка, спираль и т.п.) », - сообщили в пресс-службе музея.
Посетители увидят работы Виталия Пушницкого, Александра Кожина, Алексея Костромы, Франциско Инфанте-Арана и других художников. Всего в экспозицию войдут более 200 произведений - объектов, скульптур, живописи, графики из собраний Русского и Нового музеев, Музея органической культуры в Коломне, галерей, частных коллекций, а также из собственности авторов.
К. Александров. «Тесcеракт (куб в четвертом измерении)».
В. Пушницкий. «Структура вращения».
Источник изображений: rusmuseum.ru
Очередной — вслед за запомнившимся всем «Актуальным рисунком» 2014-го и «Новыми рассказчиками в русском искусстве» 2015 года — выставочный проект отдела новейших течений Русского музея во главе с Александром Боровским мог появиться еще в прошлом году, но открылся только сейчас. Кураторы — сотрудники отдела Ирина Карасик и Владимир Перц — собрали работы более 50 современных художников, чтобы показать искусство, определенное ими как «новый русский формализм».
Одно из главных свойств всякой структуры — ее тотальность, поэтому в залах выставки особенно сильно ощущение тесноты. Многие художники представлены на «Структурах» таким количеством и составом работ, что может получиться маленькая персональная выставка: Кириллу Александрову, Владимиру Наседкину и Татьяне Баданиной отведено по целому залу. В других — удивляющее соседство художников разных поколений: Вячеслав Колейчук рядом с работами Ольги и Олега Татаринцевых, Тиграна Малхасяна. В таком смешении эпох, проводимом кураторами как принцип, встречаются удачи: живописи Александра Дашевского идет близкое соседство с работами Витаса Стасюнаса — это две очень различные «Недвижимости», хрущевская и новостройки последних лет, но структура отечественного домостроительства, запечатленная художниками, не изменилась. Архитекторы и художники с архитектурным бэкграундом — от Юрия Аввакумова до Гарри Файфа по алфавиту — выделяются отчетливее всего. Но все же «Структуры» стали бы гораздо яснее, если бы Игорь Шелковский с Михаилом Шварцманом не были экспозиционно оторваны от Лидии Мастерковой и Франциско Инфанте на несколько залов. Проявить структуру способна четкая хронологическая последовательность, связывающая искусство с интеллектуальными увлечениями времени — такими как структурализм тартуской семиотической школы, в конце 1970-х влиятельный в самой широкой гуманитарной среде, не исключая и художников.
Кураторы находят исторические корни показанного искусства в творчестве Павла Филонова, Владимира Стерлигова и его школы — структура была для них прежде всего органическим явлением. Можно мысленно дополнить выставку и другими пропущенными на ней именами — русских конструктивистов и прежде всего Александра Родченко не только с пространственными конструкциями 1920-х годов, но и с фотографиями сталинских парадов. И все равно для «чистого формализма» в истории отечественного искусства очень мало места: оп-арт и минимализм не развиты и не были укоренены в традиции, концептуализм нашел свое выражение совсем в других формах, недаром получив эпитет «романтический». Впору признать, что национальное чувство формы в России противоположно структуре, точно так же, как русское социальное чувство сопротивляется любому навязанному извне порядку.
Государственный Русский музей
Государственный Русский музей в Петербурге - самый обширный музей русского искусства в мире. Он был основан Николаем II в 1895 г. и торжественно открылся для посетителей 19 марта 1898 г.
До 1917 года назывался «Русский Музей Императора Александра III» . Император Александр III (отец Николая II) был страстным коллекционером, сравнить его в этом отношении можно только с Екатериной II. Гатчинский замок императора буквально превратился в склад бесценных сокровищ. Приобретения Александра уже не помещались в галереях Зимнего, Аничкова и других дворцов - это были картины, предметы искусства, ковры… Собранная Александром III обширная коллекция картин, графики, предметов декоративно-прикладного искусства, скульптур после его смерти была передана в основанный императором Николаем II Русский музей в память о своём отце.
Государственный Русский музей
Изначально музей располагался в залах Михайловского дворца . Собрание музея в тот период насчитывало 1880 произведений живописи, скульптуры, графики и древнерусского искусства, переданные из Императорских дворцов, Эрмитажа и Академии Художеств.
История Михайловского дворца
Здание построено в стиле ампир. Идея постройки новой резиденции для князя Михаила Павловича принадлежала его отцу, императору Павлу I. Но Павлу I не пришлось увидеть воплощение своей идеи, так как в результате дворцового переворота он погиб. Несмотря на это, приказ императора был выполнен. Когда Михаилу исполнился 21 год, император Александр I решил начать строительство дворца.
Зодчим был спланирован не только дворец, но также площадь перед ним и две новые улицы (Инженерная и Михайловская).
Михайловский дворец
Торжественная закладка здания состоялась 14 июля, а само строительство началось 26 июля. Со стороны Марсова поля появился сад при дворце - также Михайловский. 11 сентября 1825 года дворец был освящён.
Филиалы музея
Русский музей сегодня размещается, кроме Михайловского дворца, в зданиях, являющихся памятниками архитектуры XVIII-XIX веков:
Летний дворец Петра I
Мраморный дворец
Строгановский дворец
Домик Петра I
Музейное пространство дополняют Михайловский и Летний сады.
Летний дворец Петра I
Летний дворец Петра I
Летний дворец был построен в стиле барокко по проекту Доменико Трезини в 1710-1714 годах. Это одно из старейших зданий города. Двухэтажный дворец достаточно скромен и состоит всего из четырнадцати комнат и двух кухонь.
Резиденция предназначалась для использования только в тёплое время года: с мая по октябрь, поэтому стены в ней достаточно тонкие, а в окнах - одинарные рамы. Отделка помещений была создана художниками А. Захаровым, И. Заварзиным, Ф. Матвеевым.
Фасад дворца украшен 29-ю барельефами, на которых в аллегорической форме изображены события Северной войны. Барельефы выполнены немецким архитектором и скульптором Андреасом Шлютером.
Мраморный дворец
Мраморный дворец
Мраморный дворец построен в 1768-1785 гг. по проекту итальянского архитектора Антонио Ринальди . Он завершает ряд парадных зданий, примыкающих к Зимнему дворцу. Выдающийся зодчий А. Ринальди, автор более двадцати пяти крупных строений в Петербурге и его пригородах, считался непревзойденным мастером «мраморных фасадов». Его архитектурные приемы и решения всегда легко распознаются.
Ринальди приехал в Россию по приглашению графа К.Г. Разумовского, и в 1754 году получил должность архитектора при дворе князя Петра Федоровича и его супруги, будущей императрицы Екатерины II. Он построил Китайский дворец в Ораниенбауме, дворец графа Г.А. Орлова в Гатчине и др. Но Мраморный дворец – возможно, самое значительное из всех его сооружений. Дворец был предназначен для Григория Орлова – фаворита Екатерины II, главного организатора ее восшествия на престол. Свое название здание получило из-за необычной для Петербурга отделки фасадов натуральным камнем. В это время в России как раз были найдены богатые месторождения мрамора. Для внутренней и внешней отделки дворца использовались тридцать два сорта северного и итальянского мрамора. Строгий внешний облик здания характерен для раннего классицизма.
Главный фасад Мраморного дворца обращен к Марсову полю. Его украшают колонны, а противоположный фасад – пилястры коринфского ордера. Известный скульптор Ф.И. Шубин выполнил две статуи на аттике и композиции из воинских доспехов. В сотрудничестве с М.И. Козловским он участвовал в создании внутреннего скульптурно-декоративного убранства дворца. До нашего времени сохранилась отделка парадной лестницы и первый ярус стен Мраморного зала. Изящная ограда из копий и столбов с вазами и трофеями ограждает обширный парадный двор. Позже с восточной части около Мраморного дворца построили служебный корпус. Барельеф «Служение лошади человеку» работы скульптора П.К. Клодта украшает западный фасад корпуса.
В 90-е годы XX века дворец стал филиалом Русского музея.
Инженерный (Михайловский) замок
Инженерный (Михайловский) замок
Построен по заказу императора Павла I на рубеже XVIII-XIX веков и ставший местом его смерти.
Своим названием Михайловский замок обязан находящемуся в нём храму Михаила Архангела, покровителя дома Романовых, и причуде Павла I, принявшего титул Великого магистра Мальтийского ордена, называть все свои дворцы «замками»; второе имя - «Инженерный» произошло от находившегося там с 1823 г. Главного (Николаевского) инженерного училища, ныне ВИТУ.
Проект дворца был разработан архитектором В. И. Баженовым по поручению императора Павла I, желавшего сделать его своей главной парадной резиденцией. Строительством руководил архитектор В. Бренна (который долгое время ошибочно считался автором проекта). Бренна переработал первоначальный проект дворца и создал художественную отделку его интерьеров.
Помимо Баженова и Бренна в создании проекта принимал участие сам император, сочинивший несколько рисунков для него. В помощниках Бренна также числились Фёдор Свиньин и Карл Росси. Павел I ускорял строительство, ему в помощь направлены Чарльз Камерон и Джакомо Кваренги. По распоряжению императора строительство велось днем и ночью (при свете фонарей и факелов), так как он требовал отстроить замок вчерне в тот же год.
21 ноября 1800 г., в день святого Архангела Михаила, замок был торжественно освящён, но работы по его внутреннему убранству ещё продолжались до марта 1801 г. После убийства императора, через 40 дней после новоселья, Михайловский замок был покинут Романовыми и на два десятилетия пришел в запустение. Когда Александру I понадобилось серебро для роскошного сервиза - свадебного подарка сестре Анне Павловне, королеве Нидерландов, на переплавку пошли серебряные врата из дворцовой церкви. Николай I приказал архитекторам «добывать» во дворце мрамор для постройки Нового Эрмитажа.
В 1823 г. замок заняло Главное инженерное училище.
В 1991 г. треть помещений замка подарено Государственному Русскому музею, в 1995 г. музею подарен весь замок.
Строгановский дворец
Строгановский дворец
Дворец Строгановых, построенный по проекту архитектора Франческо Бартоломео Растрелли в 1753-1754 гг., один из образцов русского барокко.
В создании дворца помимо Ф. Б. Растрелли участвовали А.Н. Воронихин, И. Ф. Колодин, К. Росси, И. Шарлемань, П. С. Садовников.
Строгановы (Строгоновы ) - род русских купцов и промышленников, из которого происходили крупные землевладельцы и государственные деятели XVI-XX веков. Выходцы из разбогатевших поморских крестьян. С XVIII века - бароны и графы Российской империи. Род пресёкся в 1923 году.
Здание является филиалом Русского музея с 1988 г.
Домик Петра I
Домик Петра I
Первая постройка в Санкт-Петербурге, летнее жилище царя Петра I в период с 1703 по 1708 гг. Этот небольшой деревянный домик площадью 60 м² был построен солдатами-плотниками недалеко от Троицкой площади всего за три дня. Здесь же 27мая 1703 г. прошло празднование по случаю присоединения земель и основания нового города.
Домик строился из тёсаных сосновых брёвен на манер русской избы. Сени делят его на две части. Кроме этой особенности, а также дверей, украшенных орнаментальными металлическими накладками,- типичных черт, присущих русской архитектуре XVII века,- всё в доме напоминает об увлечении царя голландской архитектурой. Так, Пётр, желая придать дому вид каменного строения, приказал стесать брёвна и расписать их под красный кирпич, высокую крышу покрыть гонтом под черепицу, а непривычно большие окна сделать с мелкой расстекловкой. В домике отсутствовали печи и дымоходы, поскольку Пётр жил в нём лишь в тёплое время года. Домик сохранился практически в первоначальном виде.
Коллекции Русского музея
Наиболее полной является коллекция искусств XVIII - первой половины XIX веков. Достаточно перечислить только некоторые фамилии, чтобы получить представление о художественном богатстве музея: А. Матвеев, И. Никитин, Карло Растрелли, Ф. Рокотов, В. Боровиковский, А. Лосенко, Д. Левицкий, Ф. Шубин, М. Козловский, И. Мартос, С. Щедрин, О. Кипренский, А. Венецианов, Ф. Бруни, К. Брюллов, П. Федотов, А. Иванов.
Картина К. Брюллова «Последний день Помпеи»
К. Брюллов "Последний день Помпеи"
Брюллов посетил Помпеи в 1828 г., сделав много набросков для будущей картины про известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э . и разрушение города Помпеи близ Неаполя. Картина выставлялась в Риме, получила восторженные отклики критиков и переправлено в Лувр. «Последний день Помпеи» представляет романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора. На полотне также трижды изображена графиня Юлия Павловна Самойлова - женщина с кувшином на голове, стоящая на возвышении в левой части полотна, разбившаяся насмерть женщина, распростертая на мостовой, и рядом с ней живой ребёнок - обоих, предположительно, выбросило из сломавшейся колесницы - в центре полотна, и мать, привлекающая к себе дочерей, в левом углу картины.
В 1834 г. картина «Последний день Помпеи» была отправлена в Петербург. А. И. Тургенев говорил, что эта картина составила славу России и Италии. Е. А. Баратынский сочинил по этому случаю знаменитый афоризм: «Последний день Помпеи стал для русской кисти первым днем!». Стихотворный отзыв оставил и А. С. Пушкин:
К. Брюллов "Портрет А. Демидова"
Везувий зев открыл - дым хлынул клубом - пламя
Широко развилось, как боевое знамя.
Земля волнуется - с шатнувшихся колонн
Кумиры падают! Народ, гонимый страхом,
Под каменным дождём, под воспалённым прахом,
Толпами, стар и млад, бежит из града вон.
Кстати, знаменитая картина написана была Kарлом Брюлловым по заказу Анатолия Демидова , русского и французского мецената, который состоял при русском посольстве сначала в Париже, а затем в Риме и в Вене. Он унаследовал от отца колоссальное богатство и собрание замечательных произведений живописи, ваяния, бронзы и т.д. Анатолий Демидов, по примеру отца, был щедр на крупные пожертвования: он пожертвовал 500 000 рублей на устройство в Санкт-Петербурге дома для призрения трудящихся, который и носил имя жертвователя; вместе с братом Павлом Николаевичем пожертвовал капитал, на который в Санкт-Петербурге же устроена детская больница; при Академии Наук в Санкт-Петербурге учредил премию в 5000 рублей за лучшее произведение на русском языке; в 1853 году выслал из Парижа 2000 рублей на украшение церкви Демидовского лицея в Ярославле, пожертвовал в библиотеку лицея все свои издания и несколько других ценных французских книг, а также щедро покровительствовал учёным и художникам. Так вот, именно Анатолий Демидов подарил картину Брюллова «Последний день Помпеи» Николаю I, который выставил картину в Академии художеств как руководство для начинающих живописцев. После открытия Русского музея в 1895 г. полотно было перенесено туда, и к нему получила доступ широкая публика.
Вторая половина XIX века представлена работами художников: Ф. Васильева, Р. Фелицына, А. Гороновича, Е. Сорокина, Ф. Бронникова, И. Макарова, В. Худякова, А. Чернышёва, П. Риццони, Л. Лагорио, Н. Лосева, А. Наумова, А. Волкова, А. Попова, В. Пукирева, Н. Неврева, И. Прянишникова, Л. Соломаткина, А. Саврасова, А. Корзухина, Ф. Журавлёва, Н. Дмитриева-Оренбургского, А. Морозова, Н. Кошелева, А. Шурыгина, П. Чистякова, Ивана Айвазовского.
Картина И. Айвазовского «Девятый вал»
И. Айвазовский "Девятый вал"
«Девятый вал» - одна из самых знаменитых картин Ивана Айвазовского, всемирно известного российского художника-мариниста.
Изображает море после сильнейшего ночного шторма и людей, потерпевших кораблекрушение. Лучи солнца освещают громадные волны. Самая большая из них - девятый вал, готова обрушиться на людей, пытающихся спастись на обломках мачты.
Всё говорит о величии и мощи морской стихии и беспомощности перед ней человека. Тёплые тона картины делают море не таким суровым и дают зрителю надежду, что люди будут спасены.
Размер картины - 221 × 332 см.
В музее также представлены картины художников-передвижников: Г. Мясоедова, В. Перова, А. Боголюбова, К. Маковского, Н. Ге, И. Шишкина, И. Крамского, В. Максимова, И. Репина, В. Васнецова, В. Сурикова, Н. Абуткова.
Картина Николая Ге «Тайная вечеря»
Н. Ге "Тайная вечеря"
На картине художника изображен эпизод из земной жизни Христа, описанный в Евангелии от Иоанна (гл. 13). Оно было любимым Евангелием Ге. Отрывок данного текста детально совпадает с изображенным на картине.
Иисус встал с вечери… влил воды в умывальницу и начал умывать ноги ученикам и отирать полотенцем… Когда же умыл им ноги… то, возлегши опять сказал им: знаете ли, что Я сделал вам? … если Я, Господь и Учитель, умыл ноги вам, то и вы должны умывать ноги друг другу. Ибо Я дал вам пример, чтобы и вы делали то же, что Я сделал вам…
…Иисус возмутился духом и сказал: истинно, истинно говорю вам, что один из вас предаст Меня.
Тогда ученики озирались друг на друга, недоумевая, о ком он говорит. Один же из учеников его, которого любил Иисус, возлежал у груди Иисуса. Ему Симон Петр сделал знак, чтобы спросил, кто это… он, припав к груди Иисуса, сказал Ему: Господи! Кто это? Иисус отвечал: тот, кому Я, обмокнув кусок хлеба, подам. И, обмокнув кусок, подал Иуде Симонову Искариоту. И после сего куска вошел в него сатана. Тогда Иисус сказал ему: что делаешь, делай скорее. Но никто из возлежащих не понял, к чему Он это сказал ему… Он, приняв кусок, тотчас вышел; а была ночь.
Амфора с водой, умывальница с полотенцем в «Тайной вечере» Ге - тема жертвенной любви Христа. После ухода Иуды были произнесены знаменитые слова, обращенные к апостолам: «Заповедь новую даю вам, да любите друг друга; как Я возлюбил вас… Потому узнают все, что вы Мои ученики, если будете иметь любовь между собою».
Конец XIX-начало XX века представлены художниками И. Левитаном, П. Трубецким, М. Врубелем, В. Серовым.
Картина И. Левитана «Сумерки. Луна»
И. Левитан "Сумерки. Луна"
В конце жизни для Левитана особенно характерным стало обращение к сумеречным пейзажам, наполненными тишиной, шорохами, лунным светом и тенями. Одной из лучших работ этого периода является эта картина из собрания Русского музея.
Работы объединения «Мир искусства»
«Мир искусства» (1898-1924) - художественное объединение, сформировавшееся в России в конце 1890-х годов. Основателями «Мира искусства» стали петербургский художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев. Художники «Мира искусства» считали приоритетным эстетическое начало в искусстве и стремились к модерну и символизму, противясь идеям передвижников. Искусство, по их мнению, должно выражать личность художника.
В состав объединения входили художники: Бакст, Н. Рерих, Добужинский, Лансере, Митрохин, Остроумова-Лебедева, Чемберс, Яковлев, Сомов, Ционглинский, Пурвит, Сюннерберг.
В древнерусском отделе широко представлены иконы XII-XV веков (например, Ангел Златые власы, Богоматерь Умиление, Дмитрий Солунский, Чудо Георгия о змие, Борис и Глеб и др.), произведения Андрея Рублёва, Дионисия, Симона Ушакова и других мастеров. Всего коллекция Русского музея составляет порядка 5 тысяч икон XII - начала XX века .
Андрей Рублев
Андрей Рублев "Апостол Павел"
Андрей Рублев (умер ок.1430 г.) — иконописец, ученик Феофана Грека, преподобный.
Сперва был послушником у преподобного Никона Радонежского, а потом иноком в Спасо-Андрониковом монастыре в Москве, где скончался и погребен.
В настоящее время в собрание Русского музея входят отделы: русская и советская живопись, скульптура, графика, декоративно-прикладного и народного искусства (мебель, фарфор, стекло, резьба, лаки, изделия из металла, ткани, вышивка, кружево и др.). Коллекция музея насчитывает более 400 тыс. единиц хранения.
