Известные японские художники и их картины. Кацусика Хокусай «Сон жены рыбака»

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

Японская классическая живопись имеет долгую и интересную историю. Изобразительное искусство Японии представлено в разных стилях и жанрах, каждый из которых по-своему уникален. Древние расписные фигурки и геометрические мотивы, обнаруженные на бронзовых колоколах дотаку и осколках гончарных изделий, датируются 300 г. н.э.

Буддийская направленность искусства

В Японии было достаточно хорошо развито искусство настенной живописи, в 6 веке особенно популярны были изображения на тему философии буддизма. В то время в стране строились крупные храмы, и их стены повсеместно украшали фрески, написанные по сюжетам буддистских мифов и легенд. До сих пор сохранились древние образцы настенной живописи в храме Хорюдзи неподалеку от японского города Нара. На фресках Хорюдзи изображены сцены из жизни Будды и других богов. Художественный стиль этих фресок весьма близок к изобразительной концепции, популярной в Китае времен династии Сун.

Живописный стиль династии Тан приобрел особую популярность в середине периода Нара. К этому периоду относятся фрески, обнаруженные в гробнице Такамацузука, возраст которых относят примерно к 7 веку н.э. Художественная техника, сформировавшаяся под влиянием династии Тан, впоследствии легла в основу живописного жанра кара-э. Этот жанр сохранял свою популярность вплоть до появления первых работ в стиле ямато-э. Большинство фресок и живописных шедевров принадлежат кисти неизвестных авторов, сегодня многие из работ того периода хранятся в сокровищнице Сесоин.

Растущее влияние новых буддистских школ таких, например, как Тендай, повлияло на широкую религиозную направленность изобразительного искусства Японии в 8 и 9 веках. В 10 веке, на который пришелся особый прогресс японского буддизма, появился жанр райгодзу, «привественных картин», на которых изображался приход Будды в Западный Рай. Ранние примеры райгодзу, датируемые 1053 годом можно увидеть в храме Бедо-ин, который сохранился в городе Удзи, префектура Киото.

Смена стилей

В середине периода Хейан на смену китайскому стилю кара-э приходит жанр ямато-э, который надолго становится одним из самых популярных и востребованных жанров японской живописи. Новый живописный стиль в основном применялся в росписи раскладных ширм и скользящих дверей. Со временем ямато-э перебрался и на горизонтальные свитки эмакимоно. Художники, работавшие в жанре эмаки старались передать в своих работах всю эмоциональность выбранного сюжета. Свиток Гендзи-моногатари состоял из нескольких эпизодов, соединенных вместе, художники того времени использовали быстрые мазки и яркие, выразительные цвета.

Э-маки – один из древнейших и наиболее выдающихся примеров отоко-э, жанра изображения мужских портретов. Женские портреты выделены в отдельный жанр онна-э. Между этими жанрами, собственно так же, как и между мужчинами и женщинами, просматриваются довольно существенные различия. Стиль онна-э красочно представлен в оформлении Повести о Гендзи, где основными темам рисунков вступают романтические сюжеты, сцены из придворной жизни. Мужской стиль отоко-э – это преимущественно художественное изображение исторических сражений и других важных событий в жизни империи.

Классическая японская художественная школа стала плодородной почвой для развития и продвижения идей современного искусства Японии, в котором достаточно четко прослеживается влияние поп-культуры и аниме. Одним из самых известных японских художников современности можно назвать Такаши Мураками, чье творчество посвящено изображению сцен из японской жизни послевоенного периода и концепции максимального слияния изящного искусства и мэйнстрима.

Из известных японских художников классической школы можно назвать следующих.

Тенсе Сюбун

Сюбун творил в начале 15 столетия, посвятив немало времени изучению работ китайских мастеров эпохи династии Сун, этот человек стоял у истоков японского изобразительного жанра. Сюбун считается основателем стиля суми-э, монохромной живописи тушью. Он приложил немало усилий для популяризации нового жанра, превратив его в одно из ведущих направлений японской живописи. Учениками Сюбуна были многие ставшие впоследствии известными художники, в том числе Сэссю и основатель известной художественной школы Кано Масанобу. Авторству Сюбуна приписывались многие пейзажи, однако наиболее известной его работой традиционно считается «Читая в бамбуковой роще».

Огата Корин (1658-1716)

Огата Корин является одним из крупнейших художников в истории японской живописи, основателем и одним из ярчайших представителей художественного стиля римпа. Корин в своих работах смело уходил от традиционных стереотипов, сформировав свой собственный стиль, основными характеристиками которого стали небольшие формы и яркий импрессионизм сюжета. Корин известен своим особым мастерством в изображении природы и работе с абстрактными цветными композициями. «Цветение сливы красным и белым» - одна из самых известных работ Огата Корина, также известны его картины «Хризантемы», «Волны Мацусимы» и ряд других.

Хасэгава Тохаку (1539-1610)

Тохаку является основателем японской художественной школы Хасэгава. Для раннего периода творчества Тохаку характерно влияние известной школы японской живописи Кано, но со временем художник сформировал свой собственный уникальный стиль. Во многом на творчество Тохаку повлияли работы признанного мастера Сэссю, Хосэгава даже считал себя пятым приемником этого великого мастера. Картина Хасэгавы Тохаку «Сосны» получила мировую известность, также известны его работы «Клен», «Сосны и цветущие растения» и другие.

Кано Эйтоку (1543-1590)

Стиль школы Кано доминировал в изобразительном искусстве Японии около четырех столетий, и Кано Эйтоку, пожалуй, один из самых известных и ярких представителей этой художественной школы. Эйтоку был обласкан властью, покровительство аристократов и состоятельных патронов не могло не поспособствовать укреплению его школы и популярности работ этого, без сомнения, очень талантливого художника. Раздвижная восьмипанельная ширма «Кипарис», расписанная Эйтоку Кано, - это настоящий шедевр и яркий пример размаха и мощи стиля Монояма. Не менее интересно выглядят и другие работы мастера, такие как «Птицы и деревья четырех времен года», «Китайские львы», «Отшельники и фея» и многие другие.

Кацусика Хокусаи (1760-1849)

Хокусаи – величайший мастер жанра укие-э (японской ксилографии). Творчество Хокусаи получило мировое признание, его известность в других странах не сравнима с популярностью большинства азиатских художников, его работа «Большая волна в Канагаве» стала чем-то вроде визитной карточки японского изобразительного искусства на мировой художественной арене. На своем творческом пути Хокусаи использовал более тридцати псевдонимов, после шестидесяти художник полностью посвятил себя искусству и именно это время считается наиболее плодотворным периодом его творчества. Работы Хокусаи повлияли на творчество западных мастеров импрессионизма и постимпрессионистского периода, в том числе и на творчество Ренуара, Моне и ван Гога.

Борец сумо Кагамиива с западной окраины

Художник

Описание
Термин укиё-э, в буквальном переводе "образы изменчивого мира", обозначает направление японского изобразительного искусства, получившее свое развитие в период Эдо (1600-1868 гг.). Как следует из словосочетания "изменчивый мир", истоки которого лежат в буддистском мировоззрении мимолетности жизни, гравюры укиё-э отражали быструю динамику современной городской жизни. Несмотря на доступность и соответствие "простым" вкусам, эти гравюры отличались удивительной утонченностью художественных и технических деталей изображения, предметом которого были как портреты куртизанок и актеров, так и иллюстрации к классической литературе. Эта гравюра в жанре сумо-э (портреты борцов сумо) художника Утагава Тоёкуни II является частью серии "Tamari-iri" ("Великие борцы сумо, ожидающие состязания"). Вертикальная гравюра имеет большой формат обан, который был стандартным для печатаемых на продажу гравюр в 19-ом веке. Крупное изображение борца с подчеркнутыми мускулами и линиями тела занимает большую часть гравюры. Борьба сумо стала профессиональным спортом в начале периода Эдо и была популярным развлечением городских жителей наряду с театром кабуки. Развитие жанра сумо-э совпало с ростом популярности этого вида спорта, достигшей пика примерно в 1780-1800 гг.

Очаровательное состязание сумо

Художник
Утамаро II (Умер приблизительно в 1831 г.)
Описание
Термин укиё-э, в буквальном переводе "образы изменчивого мира", обозначает направление японского изобразительного искусства, получившее свое развитие в период Эдо (1600-1868 гг.). Как следует из словосочетания "изменчивый мир", истоки которого лежат в буддистском мировоззрении мимолетности жизни, гравюры укиё-э отражали быструю динамику современной городской жизни. Несмотря на доступность и соответствие "простым" вкусам, эти гравюры отличались удивительной утонченностью художественных и технических деталей изображения, предметом которого были как портреты куртизанок и актеров, так и иллюстрации к классической литературе. Борьба сумо стала профессиональным спортом в начале периода Эдо и была популярным развлечением городских жителей наряду с театром кабуки. Развитие жанра сумо-э (портреты борцов сумо) совпало с ростом популярности этого вида спорта, достигшей пика примерно в 1780-1800 гг. Тогда как на гравюрах сумо-э обычно были изображены известные борцы в разгар поединка, входящие в круг или стоящие на улице, на этой гравюре показано "очаровательное" веселое состязание двух детей.

Актер в роли Сато Норикиё, который становится Сайгё: Актер в роли Ёсинака

Художник
Утагава, Куниёси, 1798-1861 гг.
Описание
Японское изобразительное искусство Укиё-э ("Образы плывущего [или печального] мира") зародилось в городе Эдо (ныне Токио) в период Токугава или Эдо (1600-1868 гг.), в сравнительное мирное время, когда Японией правили сёгуны Токугава, сделавшие Эдо столицей. Ксилографическая традиция Укиё-э просуществовала доXX века. На данном диптихе, датированном 1849-1852 гг., изображен Сайгио, окруженный мужчинами, которые пытаются не позволить ему уйти из дома и стать священником. Поэт Сайгио (1118-90) родился в аристократической семье военных, но не пошел по военной стезе, а принял сан буддисткого священника в возресте около 22-х лет.

Актер Накамура Утаемон в роли Като Масакийо
Описание
Японское изобразительное искусство Укиё-э ("Образы плывущего [или печального] мира") зародилось в городе Эдо (ныне Токио) в период Токугава или Эдо (1600-1868 гг.), в сравнительное мирное время, когда Японией правили сёгуны Токугава, сделавшие Эдо столицей. Ксилографическая традиция Укиё-э просуществовала доXX века. На данной гравюре, датированной 1818-1830 гг., изображен актер Накамура Утаемон в костюме воина, исполняющий роль Като Кийомаса (Масакийо), генерала, который в XVI веке возглавлял армию Японии во время Семилетней войны (1592-98 гг.) против Кореи.

Художник
Шункосай, Хокушу (Период творчества 1810-1850 гг.)

Воин Асахина Кобайяши

Художник
Утагава, Тоёкуни, 1786-1865 гг.
Описание
Японское изобразительное искусство Укиё-э ("Образы плывущего [или печального] мира") зародилось в городе Эдо (ныне Токио) в период Токугава или Эдо (1600-1868 гг.), в сравнительное мирное время, когда Японией правили сёгуны Токугава, сделавшие Эдо столицей. Ксилографическая традиция Укиё-э просуществовала до XX века. Данная репродукция (1862 г.) - поясной портрет актера в халате, расшитом птицами. Актер исполняет роль Асахины. Репродукция относится к циклу "36 звезд современности" ((Tōsei Mitate Sanjū Rokkasen).Асахина Кобаяши был воином периода Камакура (конец XII-начало XIV вв.), прославившимся силой и отвагой. Но в этой постановке театра Кабуки Асахина играет шута.

День девушек

Художник
Нишикава, Сукенобу (1671-1751)
Описание
Японское изобразительное искусство Укиё-э ("Образы плывущего [или печального] мира") зародилось в городе Эдо (ныне Токио) в период Токугава или Эдо (1600-1868 гг.), в сравнительное мирное время, когда Японией правили сёгуны Токугава, сделавшие Эдо столицей. Ксилографическая традиция Укиё-э просуществовала доXX века. Данная гравюра - это страница из иллюстрированной книги, датированной 1716-1736 гг. На ней изображены три богато одетые женщины или девушки за трапезой, празднующих, вероятнее всего, Хина Матсури (День девушек), в честь которого проводится кукольная церемония, на заднем плане изображены куклы, рассаженные вокруг стола.

Пион и канарейка

Художник

Описание
Японское изобразительное искусство Укиё-э ("Образы плывущего [или печального] мира") зародилось в городе Эдо (ныне Токио) в период Токугава или Эдо (1600-1868 гг.), в сравнительно мирное время, когда Японией правили сёгуны Токугава, сделавшие Эдо столицей. Ксилографическая традиция Укиё-э просуществовала до XX века. Данная гравюра, выполненная в 1833 или 1834 году, относится к циклу "Маленькие цветы" Катсушика Хокусаки (1760-1849 гг.). Она отличается необычностью фонового цвета и размера. На других образцах этой гравюры, хранящихся в Британском музее и Национальном музее Токио, фоновый цвет — ярко-синий. Данная гравюра похожа на гравюру из коллекции Джеймса А. Миченера, хранящуюся в Академии искусств Гонолулу, и на ней, также как и на гравюре из этой коллекции, есть печати цензора и художника.

Сибаура

Художник
Кацусика, Хокусай (1760-1849)
Описание
Термин укиё-э, в буквальном переводе "образы изменчивого мира", обозначает направление японского изобразительного искусства, получившее свое развитие в период Эдо (1600-1868 гг.). Как следует из словосочетания "изменчивый мир", истоки которого лежат в буддистском мировоззрении мимолетности жизни, гравюры укиё-э отражали быструю динамику современной городской жизни. Несмотря на доступность и соответствие "простым" вкусам, эти гравюры отличались удивительной утонченностью художественных и технических деталей изображения, предметом которого были как портреты куртизанок и актеров, так и иллюстрации к классической литературе. Кацусика Хокусай (1760-1849 гг.) был плодовитым художником и печатником гравюр, который вместе со своим соперником Утагавой Хиросиге вознес изображение пейзажа укиё-э на вершину художественного мастерства. Пейзажи Хокусая были скорее воображаемыми, чем натуралистическими, создавая динамичную картину, которая раскрывала его внутреннюю индивидуальность и глубокое знание темы. Эта гравюра, имеющая редко встречающийся формат печатного конверта, является частью серии Tōto Hyakkei ("100 видов в восточной столице"). На гравюре изображены паломники, отдыхающие на обочине, и смутные очертания горы Фудзи вдалеке.

Сунсю эдзири "Бухта Эдзири в провинции Сунсю"

Художник
Кацусика, Хокусай (1760-1849)
Описание
Термин укиё-э, в буквальном переводе "образы изменчивого мира", обозначает направление японского изобразительного искусства, получившее свое развитие в период Эдо (1600-1868 гг.). Как следует из словосочетания "изменчивый мир", истоки которого лежат в буддистском мировоззрении мимолетности жизни, гравюры укиё-э отражали быструю динамику современной городской жизни. Несмотря на доступность и соответствие "простым" вкусам, эти гравюры отличались удивительной утонченностью художественных и технических деталей изображения, предметом которого были как портреты куртизанок и актеров, так и иллюстрации к классической литературе. Кацусика Хокусай был художником и печатником гравюр, который вместе со своим соперником Утагавой Хиросигэ вознес изображение пейзажа укиё-э на вершину художественного мастерства. Его пейзажи были скорее воображаемыми, чем натуралистическими, передающими динамичный индивидуальный стиль художника и высокий профессионализм в наблюдении отображаемого вида. На этой гравюре, которая является частью серии "Fugaku Sanjūrokkei" ("Тридцать шесть видов горы Фудзи"), изображение величественной горы контрастирует с сильным порывом ветра, уносящего каиси (бумагу, которую можно использовать как носовой платок или набросать на ней стихи) и шляпы сражающихся с ветром путников.

Гора Мисака над поверхностью воды в Косю

Художник
Кацусика, Хокусай (1760-1849)
Описание
Термин укиё-э, в буквальном переводе "образы изменчивого мира", обозначает направление японского изобразительного искусства, получившее свое развитие в период Эдо (1600-1868 гг.). Как следует из словосочетания "изменчивый мир", истоки которого лежат в буддистском мировоззрении мимолетности жизни, гравюры укиё-э отражали быструю динамику современной городской жизни. Несмотря на доступность и соответствие "простым" вкусам, эти гравюры отличались удивительной утонченностью художественных и технических деталей изображения, предметом которого были как портреты куртизанок и актеров, так и иллюстрации к классической литературе. Кацусика Хокусай был художником и печатником гравюр, который вместе со своим соперником Утагавой Хиросигэ вознес изображение пейзажа укиё-э на вершину художественного мастерства. Его пейзажи были скорее воображаемыми, чем натуралистическими, передающими динамичный индивидуальный стиль художника и высокий профессионализм в наблюдении отображаемого вида. Эта гравюра является частью серии "Fugaku Sanjūrokkei" ("Тридцать шесть видов горы Фудзи") и остроумным изображением двух времен года: хотя реальный пейзаж выглядит как летний, гора Фудзи, отраженная в озере слева на переднем плане гравюры, покрыта снегом. Кроме того, панорамный вид горной цепи не совпадает с отражением горы Фудзи, что можно увидеть, посмотрев вверх со стороны озера.

Кинко и Этидзэн

Художник
Омори, Йосикио
Описание
Термин укиё-э, в буквальном переводе "образы изменчивого мира", обозначает направление японского изобразительного искусства, получившее свое развитие в период Эдо (1600-1868 гг.). Как следует из словосочетания "изменчивый мир", истоки которого лежат в буддистском мировоззрении мимолетности жизни, гравюры укиё-э отражали быструю динамику современной городской жизни. Несмотря на доступность и соответствие "простым" вкусам, эти гравюры отличались удивительной утонченностью художественных и технических деталей изображения, предметом которого были как портреты куртизанок и актеров, так и иллюстрации к классической литературе. Черно-белые композиции аналогичные этой называются сумидзури-э (одноцветные), потому что при их копировании или печати используется только одна краска. На этой гравюре, созданной Омори Йосикио примерно в 1700 г. и являющейся частью переработанного издания эхон (иллюстрированной книги), изображена сцена в Симабаре, увеселительном квартале Киото. Одна куртизанка по имени Этидзэн пишет стихи, в то время как вторая, по имени Кинко, причесывает волосы мужчине-покровителю, смотрящему в зеркало. Позы фигур идентичны изображенным в более ранней работе Куртизанки, отражающиеся в зеркалах, подписанной Окумурой Масанобу (примерно 1686-1764 гг.). Масанобу создал свою гравюру на основе работы Тории Киёнобу I (примерно 1664-1729 гг.), датированной 1700 г.

Любите ли вы японскую живопись? Как много вы знаете о знаменитых японских художниках? Давайте рассмотрим с вами в этой статье наиболее известных художников Японии которые творили свои произведения в стиле укиё-э (浮世絵). Этот стиль живописи получил свое развитие с периода Эдо. Иероглифы, которыми записывается этот стиль 浮世絵 дословно означают «картины (образы) изменчивого мира», подробнее об этом направлении живописи вы можете прочитать

Хисикава Моронобу (菱川 師宣, 1618-1694). Считается основателем жанра укиё-э, хотя, на самом деле, он всего лишь первый мастер, о жизни которого сохранились биографические сведения. Моронобу родился в семье мастера по окраске тканей и вышивке золотыми и серебряными нитями и долгое время занимался семейным ремеслом, поэтому отличительной чертой его работ являются красиво декорированные одежды красавиц, дающие прекрасный художественный эффект.

Переехав в Эдо, он сначала самостоятельно изучал приёмы живописи, а затем его обучение продолжил художник Камбун.

До нас дошли, в основном, альбомы Моронобу, в которых он изображает исторические и литературные сюжеты и книги с образцами узоров для кимоно. Также мастер работал в жанре сюнга, а среди отдельных работ сохранилось несколько с изображением прекрасных женщин.

(鳥居清長, 1752-1815). Признанный в конце 18 века мастер Сэки (Сэкигути) Синсукэ (Исибэй) носил псевдоним Тории Киёнага, который он взял, унаследовав школу укиё-э Тории от Тории Киёмицу после смерти последнего.

Родился Киёнага в семье торговца книгами Сиракоя Исибэй. Наибольшую известность ему принёс жанр бидзинга, хотя начинал он с якуся-э. Сюжеты для гравюр в жанре бидзинга брались из повседневной жизни: прогулки, праздничные шествия, выезд на природу. Среди многих работ художника выделяются серии «Состязания модных красавиц из весёлых кварталов», изображающая Минами, один из «весёлых кварталов» на юге Эдо, «12 портретов южных красавиц», «10 видов чайных лавок». Отличительной чертой мастера была детальная проработка фонового вида и использование пришедших с Запада приёмов изображения света и пространства.

Первоначальную славу Киёнага получил при возобновлении в 1782 году серии «Образцы мод: модели, новые, как весенняя листва», начатой Корюсаем в 1770-е для издателя Нисимурая Ёхати.

(喜多川歌麿, 1753-1806). На этого выдающегося мастера укиё-э оказали существенное влияние Тории Киёнага и издатель Цутая Дзюдзабуро. В результате длительного сотрудничества с последним вышло множество альбомов, книг с иллюстрациями и серий гравюр.

Несмотря на то, что Утамаро брал сюжеты из жизни простых ремесленников и стремился изображать природу («Книга о насекомых»), слава к нему пришла как к художнику произведений, посвящённых гейшам из квартала Ёсивара («Ежегодник зелёных домов Ёсивара»).

Утамаро достиг высокого уровня в выражении душевных состояний на бумаге. Впервые в японской ксилографии стал использовать погрудные композиции.

Именно творчество Утамаро повлияло на французских импрессионистов и способствовало интересу европейцев к японским гравюрам.

(葛飾 北斎, 1760-1849). Настоящее имя Хокусая — Токитаро. Наверное, самый широко известный по всему миру мастер укиё-э. На протяжении всего творчества использовал свыше тридцати псевдонимов. Нередко историки используют псевдонимы для периодизации его творчества.

Сначала Хокусай работал резчиком, работа которого ограничивалась замыслом художника. Этот факт тяготил Хокусая, и он начал искать себя как самостоятельный хужодник.

В 1778 году он стал учеником в студии Кацукава Сюнсё, специализировавшейся на гравюрах в жанре якуся-э. Хокусай был и талантливым, и очень прилежным учеником, всегда оказывавшим почтение учителю, а поэтому пользовался особым благоволением Сюнсё. Таким образом, первые самостоятельные работы Хокусая были в жанре якуся-э в виде диптихов и триптихов, а популярность ученика сравнялась с популярностью учителя. В это время молодой мастер уже настолько развил свой талант, что ему стало тесно в рамках одной школы, и после смерти учителя Хокусай покидает студию и изучает направления других школ: Кано, Сотацу (иначе - Коэцу), Римпа, Тоса.

В этот период художник испытывает значительные финансовые трудности. Но в это же время происходит его формирование как мастера, который отказывается от привычного изображения, которое требовало общество, и ищет свой собственный стиль.

В 1795 году свет увидели иллюстрации к поэтической антологии «Кэка Эдо мурасаки». Затем Хокусай пишет картины суримоно, которые тут же начали пользоваться популярностью, и многие художники принялись за их имитацию.

С этого периода Токитаро начал подписывать свои работы именем Хокусай, хотя некоторые его произведения выходили под псевдонимами Тацумаса, Токитаро, Како, Соробэку.

В 1800 году мастер стал называть себя Гакэдзин Хокусай, что означало «Безумный живописью Хокусай».

К известным сериям иллюстраций относятся «36 видов горы Фудзи», из которой наиболее выделяются «Победный ветер. Ясный день» или «Красная Фудзи» и «Большая волна в Канагаве», «100 видов горы Фудзи», вышедшая тремя альбомами, «Манга Хокусая» (北斎漫画), которую называют «энциклопедией японского народа». Художник вложил в «Мангу» все свои взгляды на творчество, философию. «Манга» является важнейшим источником по изучению жизни Японии того времени, так как включает множество культурных аспектов. Всего при жизни художника вышло двенадцать выпусков, а после его смерти - ещё три:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (после смерти художника)

Искусство Хокусая повлияло на такие европейские направления, как ар-нуво и французский импрессионизм.

(河鍋 暁斎, 1831 -1889). Использовал псевдонимы Сэйсэй Кёсай, Сюрансай, Байга Додзин, обучался в школе Кано.

В отличие от Хокусая, Кёсай был довольно развязным, что стало причиной его разлада с художником Цубоямой Тодзаном. После школы стал самостоятельным мастером, хотя иногда и посещал её в течение ещё пяти лет. В то время он писал кёга, так называемые «сумасшедшие картины».

Среди выдающихся гравюрных работ выделяют «Сто картин Кёсая». В качестве иллюстратора Кёсай создаёт в сотрудничестве с другими художниками изображения к новеллам и романам.

В конце 19 века в Японию часто наведывались европейцы. С некоторыми из них художник был знаком, и несколько его работ сейчас находятся в Британском музее.

(歌川広重, 1797-1858). Работал под псевдонимом Андо Хиросигэ (安藤広重) и известен тонкой передачей природных мотивов и природных явлений. Первую картину «Гора Фудзи в снегу», которая сейчас хранится в музее Сантори в Токио, он написал в десять лет. Сюжеты ранних работ основывались на реальных событиях, происходящих на улицах. Его известные циклы: «100 видов Эдо», «36 видов горы Фудзи», «53 станции Токайдо», «69 станций Кимокайдо», «100 известных видов Эдо». На Моне и русского художника Билибина оказали большое влияние «53 станции дороги Токайдо», написанные после путешествия по восточно-приморской дороге, а также «100 видов Эдо». Из серии в жанре катё-га в 25 гравюр наиболее известен лист «Воробьи над покрытой снегом камелией».

(歌川 国貞, известен также, как Утагава Тоёкуни III (яп. 三代歌川豊国)). Один из самых выдающихся художников укиё-э.

Уделял особое внимание актёрам кабуки и самому театру – это около 60% от всех произведений. Также известны работы в жанре бидзинга и портреты борцов сумо. Известно, что он создал от 20 до 25 тысяч сюжетов, в которые вошли 35-40 тысяч листов. К пейзажам и воинам он обращался редко. Утагава Куниёси(歌川 国芳, 1798 — 1861). Родился в семье красильщика шёлка. Учиться рисованию Куниёси начал в десятилетнем возрасте во время проживания в их семье художника Кунинао. Затем он продолжил обучаться у Кацукавы Сюнъэй, а в 13-летнем возрасте он поступает на обучение в мастерскую Токуёни. Первые годы у молодого художника дела идут неважно. Но после получения от издателя Кагая Китибэй заказа на пять гравюр для серии 108 героев Суйкодэн дела пошли в гору. Он создаёт остальных героев этой серии, а затем приступает к другим различным работам, и через пятнадцать лет он становится в один ряд с Утагавой Хиросигэ и Утагавой Кунисадой.

После запрета 1842 года на изображения театральных сцен, актёров, гейш и куртизанок Куниёси пишет свою «кошачью» серию, делает гравюры из воспитательной серии для домохозяек и детей, изображает национальных героев в серии «Традиции, мораль и благочиние», а к концу 1840-х - началу 1850-х годов после ослабления запретов художник возвращается к теме кабуки.

(渓斎 英泉, 1790-1848). Известен работами в жанре бидзинга. В его лучшие работы входят портреты типа окуби-э («большие головы»), которые считаются образцами мастерства эпохи Бунсэй (1818-1830), когда жанр укиё-э был в упадке. Художник написал много лирических и эротических суримоно, а также цикл пейзажей «Шестьдесят девять станций Кисокайдо», который он не смог довести до конца, и его закончил Хиросигэ.

Новизна в изображении бидзинга заключалась в чувственности, которой раньше не было у других художников. По его произведениям мы можем понять моду того времени. Также он издал биографии «Сорока семи ронинов» и написал ещё несколько книг, включая «Историю гравюр укиё-э» (Укиё-э руйко), содержащую биографии художников. А в «Записках безымянного старца» он описал себя как развратного пьяницу и бывшего владельца борделя в Недзу, сгоревшего дотла в 1830-е годы.

Судзуки Харунобу (鈴木春信, 1724-1770). Настоящее имя художника — Ходзуми Дзиробэй. Он является первооткрывателем полихромной печати укиё-э. Учился в школе Кано и изучал живопись. Затем под влиянием Сигэнага Нисимура и Тории Киёмицу его увлечением стала ксилография. Гравюры в два-три цвета изготавливались ещё с начала 18 века, а Харунобу начал писать картины в десять цветов, используя три доски и комбинируя три цвета – жёлтый, синий и красный.

Выделялся в изображении уличных сценок и картин в жанре сюнга. А с 1760-х был одним из первых, кто начал изображать актёров театра кабуки. Его работы оказали влияние на Э.Мане и Э.Дега.

(小原 古邨, 1877 — 1945). Его настоящее имя Матао Охара. Изображал сцены из русско-японской и китайско-японской войны. Однако после появления фотографии его работы стали продаваться плохо, и он начал зарабатывать на жизнь преподаванием в школе изящных искусств в Токио. В 1926 году Эрнест Феллоза, куратор отдела японского искусства в Бостонском музее, уговорил Охару вернуться к живописи, и художник начал изображать птиц и цветы, а его работы хорошо продавались за рубеж.

(伊藤若冲, 1716 - 1800). Выделялся среди остальных художников эксцентричностью и образом жизни, заключающемся в дружбе со многими культурными и религиозными деятелями того времени. Изображал животных, цветы и птиц в весьма экзотическом виде. Был очень известен и принимал заказы на роспись ширм и храмовые картины.

(鳥居 清信, 1664-1729). Один из важнейших представителей раннего периода укиё-э. Несмотря на большое влияние своего учителя Хисикавы Моноробу, стал основателем жанра якуся-э в изображении афиш и плакатов и изобрёл свой собственный стиль. Актёры изображались в специальных позах в роли храбрых героев и были окрашены в
благородный оранжевый цвет, а злодеи были нарисованы в синих цветах. Для изображения страсти художник изобрёл особый тип рисунка мимидзугаки — это извилистые линии с чередованием тонких и толстых штрихов и совмещение с гротескным изображением мускулов конечностей.

Тории Киёнобу является основателем династии художников Тории. Его учениками были Тории Киёмасу, Тории Киёсигэ I, Тории Киёмицу.

А кто ваш любимый художник укиё-э?

Японский язык отличается от любого европейского своей структурой, что может вызвать определённые трудности при изучении. Однако не волнуйтесь! Специально для вас вы разработали курс « «, на который вы можете записаться прямо сейчас!

Монохромная живопись Японии - одно из уникальных явлений искусства Востока. Ей посвящено немало работ и исследований, но часто ее воспринимают как вещь весьма условную, а порой даже декоративную. Это не так.Духовный мир японского художника очень богат, и он заботится не столько об эстетической составляющей, сколько о духовной. ИскусствоВостока - это синтез внешнего и внутреннего, явного и неявного.

В данном посте хотелось бы уделить внимание не истории монохромной живописи, а ее сути. Об этом и пойдет речь.

ширма "Сосны" Хасэгава Тохаку, 1593г.

То, что мы видим на монохромных картинах - это результат взаимодействия художника сосновной триадой: бумага, кисть, тушь. Поэтому чтобы правильно понимать работу, надо понимать самого художника и его отношение.

"Пейзаж" Сэссю, 1398г.

Бумага для японского мастера не просто подручный материал, который он подчиняет своей прихоти, а скорее наоборот - это «собрат», поэтому и отношение к ней сложилось соответствующее. Бумага это часть окружающей природы, к которой японцы всегда относились трепетно и старались не подчинить себе, а мирно сосуществовать с ней. Бумага - это в прошлом дерево, которое стояло в определенной местности, определенное время, «видело» что-то вокруг себя, и она все это хранит. Так материал воспринимает японский художник. Часто мастера прежде чем начать работу, долго смотрели на чистый лист (созерцали его) и только потом приступали кживописи. Даже сейчас современные японские художники, которые занимаются техникой Нихон-га (традиционная японская живопись) тщательно выбирают бумагу. Они покупают ее под заказ на бумажных фабриках. Для каждого художника определенной толщины, влагопроницаемости и фактуры (многие художники даже заключают договор с владельцем фабрики не продавать эту бумагу другим художникам) - поэтому каждая картина и воспринимается как нечто уникальное и живое.

"Читая в бамбуковой роще" Сюбун, 1446г.

Говоря о значимости этого материала, стоит упомянуть такие известные памятники литературы Японии как «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон и «Гэндзи моноготари» Мурасаки Сикибу: и в «Записках», и в «Гэндзи» можно встретить сюжеты, когда придворные или влюбленные обмениваются посланиями. Бумага, на которой писались эти послания была соответствующего времени года, оттенка, а манера написания текста соответствовала ее фактуре.

"Мурасаки Сикибу в храме Исияма" Кёсэн

Кисть - вторая составляющая, это продолжение руки мастера (опять же - это природный материал). Поэтому кисти тоже делались на заказ, но чаще всего самим художником. Он подбирал волоски необходимой длины, выбирал размер кисти и наиболее удобную рукоять. Мастер пишет только своей кистью и никакой другой. (Из личного опыта: была на мастер-классе китайского художника Цзян Шилуня,зрители попросили показать, что умеют его ученики, присутствовавшие на мастер-классе, и каждый из них, взяв в руки кисть мастера, говорил, что получится не то что они ожидают, так как кисть не их, они к ней не привыкли и не знают как правильно ей пользоваться).

"Фудзи" эскиз тушью Кацусика Хокусай

Тушь - третий важный элемент. Тушь бывает разных видов: она может дать после высыхания глянцевый или матовый эффект, может быть с примесью серебристых или охристых оттенков, поэтому правильный выбор туши также не маловажен.

Ямамото Байцу, конец XVIII - XIX век.

Основные сюжеты монохромной живописи это пейзажи. Почему в них нет цвета?

Парная ширма "Сосны", Хасэгава Тохаку

Во-первых, японского художника интересует не сам предмет, а его суть, некая составляющая, которая является общей для всего живого и приводит к гармонии человека с природой. Поэтому изображение - всегда намек, оно обращено к нашим чувствам, а не к зрению. Недосказанность - это стимул диалога, а значит соединения. В изображении важны линии и пятна - они образуют художественный язык. Это не вольность мастера, который где захотел, там оставил жирный след, а в другом месте наоборот недорисовал - в картине все имеет свой смысл и значение, и не несет случайного характера.

Во-вторых, цвет всегда несет какую-то эмоциональную окраску и по-разному воспринимается разными людьми в разных состояниях, поэтому эмоциональная нейтральность позволяет зрителю наиболее адекватно вступить в диалог, расположить его к восприятию, созерцанию, мысли.

В-третьих,это взаимодействие инь и ян, любая монохромная картина гармонична с точки зрения соотношения в ней туши и нетронутой области бумаги.

Почему большая часть пространства бумаги не задействована?

"Пейзаж" Сюбун, середина XV века.

Во-первых, незаполненность пространства окунает зрителяв изображение; во-вторых, изображение создается так, словно оно на мгновение выплыло на поверхность и вот-вот исчезнет - это связано с мировоззрением и мировосприятием; в-третьих, на тех областях, где нет туши на первый план выходит фактура и оттенок бумаги (на репродукциях это не всегда видно, но на деле это всегда взаимодействие двух материалов - бумаги и туши).

Сэссю, 1446г.

Почему пейзаж?

"Созерцание водопада" Гэйами, 1478г.

Согласно японскому мировоззрению, природа совершеннее человека, поэтому он должен у нее учиться, всячески ее беречь, а не уничтожать или подчинять. Поэтому на многих пейзажах можно увидеть небольшие изображения людей, но они всегда незначительны, малы по отношению к самому пейзажу, или изображения хижин, которые вписаны в окружающее их пространство и даже не всегда заметны - это все символы мировоззрения.

"Времена года: Осень и Зима" Сэссю. "Пейзаж" Сэссю, 1481г.

В заключение, хочу сказать, что монохромная японская живопись это не хаотично разбрызганная тушь, это не прихоть внутреннего эго художника - это целая система образов и символов, это хранилище философской мысли, а главное, способ коммуникации и гармонизации себя и окружающего мира.

Вот, думаю, ответы на основные вопросы, возникающие у зрителя при столкновении с монохромной японской живописью. Надеюсь, они помогут вам наиболее правильно понять ее и воспринять при встрече.