Главная › Здоровье › Известные искусствоведы женщины. Самые известные художники в мире

Известные искусствоведы женщины. Самые известные художники в мире

В российский прокат вышел новый фильм Тима Бертона «Большие глаза» - история американской художницы Маргарет Кин. Работы Маргарет, впрочем, были известны под именем ее супруга, убедившего жену, что полотна, созданные мужчинами, имеют куда большую коммерческую ценность. История эта реальная и действительно обусловленная ситуацией в мире искусства. Разбираемся, почему мы так мало знаем о художницах и почему их работы до сих пор стоят гораздо меньше созданных мужчинами.

Текст: Катя Савченко

Мария Башкирцева «В студии», 1881

С середины 60-х художницы стали задумываться о том, что отличает их от коллег-мужчин

Область прекрасного и нематериального сегодня представляется нам вполне естественной средой обитания для женщин, однако на протяжении веков в искусстве им была отведена роль музы, верной жены или патрона художника. Женщины существовали «рядом» с искусством, в то время как создание шедевров было прерогативой мужчины. Имена знаменитой меценатки маркизы Изабеллы д’Эсте и музы Боттичелли Симонетты Веспуччи вписаны в историю искусства Возрождения, но многие ли из нас вспомнят первую художницу Ренессанса Софонисбу Ангиссолу? Почему мировая художественная культура сохранила так мало упоминаний о художницах? Что это - историческая случайность, намеренная дискриминация или логичный результат многовекового доминирования мужчин в обществе?

В 1971 году американский историк искусства Линда Нохлин обратилась к этим вопросам в своем эссе «Почему не было великих художниц». С середины 60-х годов художницы стали по-настоящему задумываться о том, что отличает их от коллег-мужчин, и активно заявлять о праве выражать в искусстве свое особое, женское, видение мира. Написанная на злободневную в тот момент тему статья Линды Нохлин стала одним из ключевых текстов феминистского искусства.

Нохлин не дает однозначного ответа на вопрос, которым задается в названии исследования, и предполагает, что суть проблемы кроется в целом комплексе разных причин. Один из самых распространенных и логичных аргументов слабого присутствия художниц в истории искусства - отсутствие доступа к художественному образованию. В Средние века обучиться мастерству художника можно было, в основном перенимая знания по семейной линии, либо нанимаясь учеником к известным художникам. И тот и другой сценарий в судьбе девочек был, скорее, исключением из правил, не говоря уже о возможности приема в художественные школы, доступ в которые для женщин стал относительно открыт лишь в XIX веке. Тем не менее именно эти редкие случаи подарили миру ряд талантливых художниц.

Одна из самых широко известных женщин в классической живописи, художница итальянского барокко и последовательница Караваджо Артемизия Джентилески была дочерью художника Горацио Джентилески. Попав в детстве в мастерскую отца, она быстро продемонстрировала свое превосходство над братьями и впоследствии стала первой женщиной, принятой во Флорентийскую академию художеств. Ее современница и соотечественница Феде Галиция также обучилась навыкам живописи у отца - художника-миниатюриста - и прославилась выразительными портретами и мастерски исполненными натюрмортами.

Еще одним важным препятствием, которое не позволяло художницам на равных основаниях соперничать в мастерстве с мужчинами, был запрет на рисунки с обнаженной натуры. Запрет действовал вплоть до конца XIX века, и даже после его отмены долгое время подобные этюды не поощрялись. Британская художница Лора Найт стала первой, кто осмелился написать свой автопортрет за мольбертом перед обнаженной моделью, что спровоцировало скандал в британском обществе. Произошло это в 1913 году. Не удивительно, что в таких условиях женщинам было сложно соревноваться с мужчинами в изображении человеческого тела и они работали в основном в жанрах портрета, пейзажа и натюрморта.

Другим популярным объяснением служат социальные ограничения, которые контролировали жизнь женщины в обществе. Умеренность в манерах, высокая нравственность и служение интересам мужа ценились в девушке гораздо выше, чем творческий порыв. В своем эссе Нохлин цитирует пособие для благовоспитанных девиц от 1848 года, согласно которому «для девушки гораздо ценнее уметь делать несколько вещей пристойно, нежели демонстрировать мастерство в чём-то одном». Наконец, ряд теоретиков придерживался мнения, что женщины в принципе не могут быть гениями из-за своей слабости и излишней эмоциональности. Подобные высказывания встречаются, например, в философии Руссо, Канта и Шопенгауэра.

Слева: Лора Найт «Автопортрет с обнаженной», 1913. Справа: Лора Найт «Рассвет», 1936

Умеренность в манерах и служение интересам мужа ценились в девушке гораздо выше, чем творческий порыв

Наталья Гончарова «Зеленый лес», 1911

Расстановка сил на художественной сцене начала меняться лишь с наступлением XX века, когда женщины стали более активно обозначать свое место в обществе. Мир искусства также попал в их поле зрения. В начале XX века движение суфражисток совершило ряд диверсий в картинных галереях Великобритании. Самой известной из этих диверсий стало нападение на портрет сэра Генри Джеймса кисти Сарджента в Королевской академии искусств. 4 мая 1914 года суфражистка Мэри Вуд, вооружившись ножом мясника, с криком «Голоса женщинам!» атаковала портрет на глазах у публики. Позже она объяснила свой поступок желанием привлечь внимание к решимости женщин бороться за право голосовать и прокомментировала размер вмененной ей компенсации за ущерб словами: «Эта картина не стоила бы столько, если бы ее нарисовала женщина». К слову, с момента основания в 1768 году (притом что в числе основателей были две художницы: Анжелика Кауфман и Мэри Мозер) в Королевскую академию на протяжении 160 лет не приняли ни одну женщину.

Параллельно в начале XX века международную художественную общественность всколыхнуло рождение русского авангарда. Стремясь порвать с академизмом в любых его проявлениях, авангард предоставил возможность художницам высказаться подобно тому, как советский строй дал им право голосовать. Среди главных художников-авангардистов Наталья Гончарова, Любовь Попова и Александра Экстер почитаются наравне с Михаилом Ларионовым и Владимиром Татлиным.

Следующий этап покорения женщинами художественного мира наступил с формированием движения феминистского искусства в США 70-х годов. Присоединившись к общей волне протестных настроений, художницы-феминистки вместе с активистами движений за свободную любовь, права национальных меньшинств и против войны во Вьетнаме требовали пересмотра картины мира.

Интервью с куратором и участницей выставки «WACK: Art & The Feminist Revolution», 2007

Авангард дал художницам право высказаться так же, как советский строй дал им право голосовать

Исторически искусство создавалось мужчинами и предполагало взгляд на реальность именно с мужской перспективы. Джон Бергер описал абсурдность этой ситуации в своей знаменитой книге «Искусство видеть», критикующей стандартный подход к восприятию живописи. Он справедливо заметил: «Возьмите любое классическое произведение, изображающее обнаженную женщину. Попробуйте представить себе вместо женщины мужчину и подумайте, как это будет выглядеть». Художницы-феминистки видели свою задачу в пересмотре этой перспективы. Из объекта созерцания женщина стремилась стать созерцателем, отражать в искусстве свою сферу интересов, в частности, наблюдение самих себя. В своих работах они часто задавались вопросом о том, что значит быть женщиной в современном обществе, иметь женское тело, быть матерью и переживать раз в месяц менструальные циклы.

Борьба за равноправие позиций женщин и мужчин в искусстве была также направлена против доминирования художников-мужчин в музейных коллекциях. В 1977 году в Бруклинском музее прошла выставка «Художницы: 1550–1950», посвященная исключительно женскому творчеству. На выставке были представлены работы 83 художниц из 12 стран. Кураторами выступили также две женщины, одной из которых была вышеупомянутая Линда Нохлин. Масштаб выставки впервые наглядно продемонстрировал число художниц в истории искусства.

Казалось бы, равновесие наконец наступило. Художницы добились своего права учиться искусству наравне с мужчинами, выражать в любой художественной форме любые волнующие их вопросы, изображать обнаженную натуру и открыто демонстрировать публике свое тело, получать престижные художественные награды и устраивать ретроспективные выставки в крупнейших музеях мира. Однако результаты многих исследований доказывают, что силы мужчин и женщин в мире искусства по-прежнему не равны.

К примеру, в списке ста самых дорогих работ, когда-либо проданных на аукционе, составленном одним из главных аналитических ресурсов арт-рынка ArtNet, по-прежнему нет ни одной работы, созданной художницей. Самой дорогой картиной за авторством женщины, ушедшей с молотка, стала работа Джорджии О’Киф «Дурман» («Белый цветок № 1»), проданная за 44,4 млн долларов. Для сравнения, самая дорогая работа, когда-либо проданная на аукционе, была создана Полем Сезанном и оценена в 250 млн долларов. Проблема заключается не в степени талантливости «женского» и «мужского» искусства, а в том, что второе институциализировано куда дольше и не в последнюю очередь это влияет на его стоимость.

Справедливость рыночной оценки искусства можно ставить под сомнение, но факты остаются фактами: например, что в Лондонской национальной галерее из коллекции в 2300 работ лишь 11 созданы женщинами, а среди числа художников, которых представляет Tate, 83 процента - мужчины. Впрочем, есть основания верить, что ситуация меняется и изменится, и для начала нам не помешает хотя бы больше знать о женщинах, оставивших свой след в искусстве.

Guerrilla Girls «Должны ли женщины быть обнаженными, чтобы оказаться в музее?», 2004

Ван Гог, Матисс, Гоген, Дали... И сотни других мужчин, гениев живописи, которые на слуху у всех, которых мы знаем и любим с самого детства. А вот представительницы прекрасной половины человечества как будто остаются в стороне... Как часто можно услышать обидный, несправедливый вопрос: "Почему среди женщин нет известных художников? Может, им не дано?" Разумеется, это не так. Сегодня мы вспомним грандиозных художниц, русских и зарубежных, чьи картины по праву считаются мировыми шедеврами. Семь великих имен, семь непростых женских судеб в мире изобразительного искусства, который принято считать мужским...

Наталия Гончарова (1881−1962) — правнучатая племянницы той самой Натальи Николаевны Гончаровой, супруги Александра Сергеевича Пушкина (в свое время художница оформила «Сказки о царе Салтане», отдав таким образом дань знаменитому родству).
Она изучала живопись под руководством выдающегося художника и педагога Константина Коровина. Вместе с мужем — М. Ф. Ларионовым, одним из основателем русского авангарда, — организовала объединение «Ослиный хвост». В 1915 году получила приглашение Сергея Дягилева для работы над Русскими сезонами — гастролями артистов оперы и балета в Париже.
Сегодняшней стоимостью своих полотен Наталья Гончарова перещеголяла всех художниц мира. В 2008-ом ценовой рекорд в «женском зачете» побила картина «Цветы», проданная на аукционе Christie’s более чем за $10 млн. Работа является одним из ключевых произведений русского авангарда, так как объединяет в себе элементы европейского импрессионизма и абсолютно новаторского направления, созданного Гончаровой и ее мужем — т. н. «лучизма». Мол, все предметы, которые мы видим — сумма лучей, преломленных от этих самых предметов. Экспериментировала художница и с примитивизмом, используя иконопись.
В 2010-ом на лондонских торгах картина «Испанка» установила очередной ценовой рекорд — её счастливый обладатель расстался с $ 1, 216 млн.
Сегодня большинство работ Натальи Гончаровой находятся в Третьяковской галерее.

Наталья Гончарова. "Павлин под ярким солнцем". 1911.

Фрида Кало (1907-1954) — самая известная мексиканская художница, которую прославили колоритные автопортреты. На её творчество оказали заметное влияние мексиканская культура и искусство народов доколумбовой Америки . Художественный стиль Фриды Кало характеризуют как фолк-арт или наивное искусство .
Всю жизнь у Фриды было слабое здоровье — она страдала полиомиелитом в возрасте шести лет, а также перенесла серьёзную автомобильную аварию в подростковом возрасте, после которой ей пришлось пройти многочисленные операции , повлиявшие на неё до конца жизни. Именно после трагедии она впервые попросила у отца кисти и краски. Первой картиной был автопортрет, что навсегда определило основное направление творчества. Она записывала в дневнике: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
В 1929 году Кало вышла замуж за художника Диего Риверу. Их бурная совместная жизнь стала легендой.
В 1937 году в доме Диего и Фриды, придерживающихся коммунистических взглядов, ненадолго нашёл убежище советский революционный деятель Лев Троцкий ; у них с Фридой завязался роман.
В сороковые картины Фриды Кало появляются на нескольких заметных выставках. В то же время обостряются её проблемы со здоровьем. Лекарства и наркотики, призванные уменьшить физические страдания, меняют её душевное состояние, что ярко отражается в дневнике, ставшем культовым среди её поклонников. В 1953 году состоялась её первая персональная выставка на родине . К тому времени Фрида уже не могла встать с постели, и на открытие выставки её принесли на больничной койке. Через год культовая художница и икона стиля скончалась, но сама её жизнь, яркий образ и удивительные картины стали вдохновляющей легендой для миллионов людей во всем мире...

Фрида Кало. "Автопортрет (Диего в мыслях)". 1943.

Мария Башкирцева (1858 — 1884) — родилась в Полтавской губернии. Она первая из русских художниц, чьи картины, «Жан и Жак» и «Митинг», украсили стены Лувра. Однако большинство её работ не пережили Первой мировой войны. Помимо 150 картин, 200 рисунков и многочисленных акварелей, Мария Башкирцева оставила после себя и литературное наследие — «Дневник», который вела с 15 лет на французском. После ее смерти его перевели на все европейские языки, а вскоре издали в Америке. Примечательно, что мать вырвала из дневника все страницы, на которых упоминались феминистические воззрения дочери. Известно, что Мария Башкирцева активно выступала за права женщин. Её натуре казались тесными и академические каноны живописи. Она отдавала предпочтение работе на пленерах, писала выхваченные из повседневных уличных пейзажей лица парижанок.
Век художницы, к несчастью, оказался не долгим: она умерла от туберкулеза всего в 25 лет. В последние годы жизни художница вела переписку с Ги де Мопассаном, который произнес на её могиле: «Это была единственная Роза в моей жизни, чей путь я усыпал бы розами, зная, что он будет так ярок и так короток!». А великая Марина Цветаева посвятила Башкирцевой сборник ранней лирики «Вечерний альбом».

Мария Башкирцева. "Дождевой зонтик". 1883.

Мэри Кассат (1844-1926) — знаменитая американская художница и график, писавшая в стиле импрессионизма. Она прожила большую часть своей жизни во Франции, была дружна с Эдгаром Дега и Бэртой Моризо. Мотивом для её полотен послужили образы социальной и личной жизни женщин, с особым упором на тесную связь матерей и детей.
Несмотря на то, что семья Мэри возражала против её желания стать профессиональным художником, она начала изучать живопись в Пенсильванской Академии изящных искусств в Филадельфии. Нетерпимая к неспешному темпу обучения и покровительственному отношению со стороны мужской половины студенчества и преподавателей, она решила продолжить изучение самостоятельно, и в 1886 году переехала в Париж.
Увидев пастели Эдгара Дега в окне магазина по продаже картин, она написала другу: «Мне пришлось подойти и прижать нос к окну, чтобы впитать всё, что я смогла бы, из его живописи. Это изменило мою жизнь. Я увидела искусство таким, каким я хотела его увидеть.» Она встретилась с Дега в 1874 году. Он пригласил её участвовать в выставке импрессионистов, и работы Мэри Кассат были выставлены на экспозиции в 1879 году .
Кассатт стала чрезвычайно искусной в использовании пастели, в конечном счёте выполняя многие свои полотна в этой технике.
Серия строго написанных, тонко подмеченных, не сентиментальных картин о матери и ребёнке является основной темой её наиболее известных работ.
1890-е годы стали для Кассат самым оживлённым и творческим периодом в её жизни. Ей подражали молодые американские художники, нуждавшиеся в её советах и поддержке. В знак признания её вклада в искусство, в 1904-м году она получила орден Почетного легиона .
Мэри Кассат скончалась в 1926 году в Шато де Бофрене, близ Парижа, и была похоронена в семейном склепе.

Мэри Кассат. "Женщины, восхищающиеся ребенком". 1897.

Зинаида Серебрякова (1884−1967) — русская художница-реалист. Её дед и прадед посвятили себя архитектуре, отец занимался скульптурой и живописью, а в дядях числился известный художник и критик Александр Бенуа, поэтому с кистью и холстом Зинаида подружилась с детства.
Серебрякова вышла замуж за своего двоюродного брата; родня не одобрила этот союз, и художнице с супругом пришлось эмигрировать, оставив детей в России. Увидеть сына Зинаиде Серебряковой посчастливилось только спустя 36 лет...
Сегодня полотна художницы продаются за баснословные деньги. А при жизни в Париже она пыталась заработать на жизнь написанием портретов, но очень часто просто дарила их заказчикам. Из-за бедности Серебрякова даже была вынуждена самостоятельно изготавливать краски. Вернуться в Россию она так и не смогла: Вторая мировая война отрезала её от Родины.
Самая знаменитая картина Зинаиды Серебряковой - автопортрет художницы «За туалетом» (1909). Впервые общественность заговорила о таланте автора после презентации работы на VII выставке «Союза русских художников» (1910). Сегодня автопортрет 25-летней художницы хранится в Третьяковской галерее. А картину «За завтраком» (1914), героями которой стали дети Серебряковой, называют одним из лучших детских портретов в истории живописи.

Зинаида Серебрякова. "За туалетом". Автопортрет. 1909.

Берта Моризо (1841-1895) — французская художница, писавшая в стиле импрессионизма . Она доводилась внучатой племянницей знаменитому художнику, мастеру стиля рококо, Жану Оноре Фрагонару, была замужем за Эженом Мане , братом своего друга и коллеги Эдуарда Мане. Черты лица Берты хорошо знакомы знатокам импрессионизма, так как Мане часто её рисовал.
Моризо родилась в Бурже , в богатой буржуазной семье. Она и её сестра Эдма Моризо стали художницами. Семья, после того как Берта определилась с выбором профессии, не мешала её карьере. Живописи училась у К.Коро, работая с ним на пленэре.
В 1864 году она впервые выставила свои работы на одной из самых престижных художественных выставок Франции — Парижском салоне . Её работы отбирались для участия в шести Салонах подряд, пока в 1874 году она не примкнула к группе «отверженных» импрессионистов, созданной Сезанном , Дега , Моне , Моризо, Писсаро , Ренуаром и Сислеем , и приняла участие в их первой экспозиции в студии фотографа Надара .
Легкая, наполненная светом и радостным ощущением жизни живопись Б.Моризо создает манящие образы, вызывающие в душе ощущение гармонии и красоты. В ее картинах нет социальных мотивов и всплесков эмоций, но они заставляли по-новому вглядываться в обыденные и привычные события повседневной жизни, от них веяло теплом, уютом и тихим семейным счастьем. Это направление живописи оказалось востребованным, картины Берты охотно покупали, они неизменно вызывали интерес зрителей на выставках. У художницы оказалось много последователей по всему миру, особенно среди женщин-живописцев.

Берта Моризо. "Ловля бабочек". 1874.

Елена Поленова (1850 — 1898) — сестра известного русского живописца Василия Поленова. Художница, создававшая на полотнах сказочный мир.
Родилась в Санкт-Петербурге, в семье ученого-историка. Интерес к мифическим сюжетам — родом из детства: маленькой Лиле, как называли её домашние, всегда читали русские народные сказки. Рисованию вместе с братом она обучалась у знаменитого художника и педагога, автора метода «широкого взгляда», Павла Чистякова. Так как женщинам в ту пору в Академию художеств путь был заказан, девушка обучалась у Ивана Крамского в Петербургской школе Общества поощрения художеств.
Личная жизнь у Елены Поленовой так и не сложилась. В отличие от жизни творческой: несколько работ приобрел для коллекции сам Третьяков. Сказочные сюжеты картин приходили к ней во сне. А работала над холстами она в имении мецената Мамонтова, Абрамцево. Здесь, например, родился «Зверь» — чудище, похищающее душу из царства светлых грез.
В последние годы жизни художница исполнила множество набросков фантастических цветочных орнаментов для обрамления икон, вышивок, керамики. Рисуя цветочные орнаменты, Поленова проявила неистощимую фантазию, каждый раз находя новое расположение цветов, новый ритм, создавая бурный и динамичный поток форм. Скончалась Елена Поленова 19 ноября 1898 года в Москве, в расцвете сил и таланта, не осуществив множества планов. Так, ей предстояло оформить Русский павильон на Всемирной выставке в Париже в 1900 году...

Елена Поленова. "Иван-царевич и Жар-птица". 1896.

Джованна Гарцони, Портрет Виктора Амадея, герцога Савойского. 1635

Этот пост был бы более уместен 8 марта, но не ждать же мне, в конце-то концов, два месяца, раз сейчас руки зачесались! Хочу я рассказать вам о таком необычном и мало изученном явлении, как женщины-художницы 16-17 веков. Все документы и свидетельства того времени явно говорят о том, что особого места в общественной жизни для женщины не было: дети, кухня, на костре еще могли сжечь для разнообразия. Ремесленники, ученые, художники - всё эти интересные и полезные профессии освоили мужчины, не оставив места своим прекрасным половинам. Так, во всяком случае, принято считать. А может, мы просто мало знаем?

Софонисба Ангиссола (1532- 1625)

Начнем с самой, пожалуй, известной. Об этой чудесной итальянской художнице я уже писала . Как известно, она была придворным живописцем испанского двора и написала множество портретов членов королевской семьи и других патрициев. У нее было две сестры, обе тоже были художницами. О ее насыщенной событиями жизни давно пора снять фильм. Я же просто покажу ее картины.

Софонисба Ангиссола. Автопортрет (прим. 25 лет)

Софонисба Ангиссола. Портрет матери, Бьянки Понзони

Софонисба Ангиссола. Инфанта Изабелла Клара Евгения.

Софонисба Ангиссола. Автопортрет в возрасте 80 лет

(1594—1657) .

Если вы решили сесть на диету, рассматривать натюрморты Клары не стоит - уж очень аппетитные у нее они получались. Запихнули женщину на кухню - нате, получите! Она вас просто завалит изобильной снедью! О ней до обидного мало известно. Родилась в Антверпене, была замужем. Первая сохранившаяся картина была написана ею в 13 летнем возрасте. Вроде бы, из небедной семьи - посуда на полотнах изображена дорогая. Не известно, состояла ли Клара в гильдиях художников - не известно, документов не сохранилось. Точной даты смерти мы не знаем, только предполагаем по времени написания последней картины, может быть, Клара прожила намного дольше, просто поздние ее картины не сохранились, либо их авторство приписали другому художнику - а случалось это не редко. Посмотрите ее работы и запомните их - она не заслуживает забвения!

Клара Петерс. Автопортрет

Юдит Лейстер (1609-1660).
Эта художница наряду с мужчинами состояла в Гильдии художников Харлема. Она, похоже, подражала Хальсу - все герои на ее картинах смеются или улыбаются. Большинство ее картин написаны в короткий период - 1629—1635 годы. Известно, что она родила пятерых детей, наверное, это слегка отвлекло ее от работы. Некоторые ее картины очень необычны для ее времени - она изображала женщин за домашней работой. А вообще, судя по автопортрету, Юдит была человек веселый и симпатичный.

Юдит Лейстер. Автопортрет

Юдит Лейстер. Кутящая пара

Юдит Лейстер. Натюрморт

Юдит Лейстер. Предложение

Артемизия Дженилески (1593-1653).
Она, пожалуй, не менее знаменита, чем Ангиссола. Помимо прекрасных картин история сохранила и скандальную историю, связанную с ее именем. Отец и пять братьев Артемизии были, как и она, художниками, и только она по причине своего пола не могла учиться в академии. Отец нанял ей учителя - художника Агостино Тасси. Девушке было 19 лет, когда учитель изнасиловал ее. Так, во всяком случае, она утверждала на суде. В суд она подала почти через год после случившегося. Именно это смутило судей. Они предположили, что все произошло по обоюдному согласию, просто Тасси обещал жениться на ученице, но не сделал этого - он уже был женат. Суд длился долгих 7 месяцев, Артемизия прошла через множество унизительных допросов и осмотров, но не смогла добиться достойного наказания своего обидчика - его посадили в тюрьму, но скоро выпустили. Девушке вскоре удалось выйти замуж, но злость на мужчин осталась на всю жизнь, это видно по сюжетам ее картин: Сюзанна и старцы, Юдифь, обезглавливающая Олоферона и т.д.

Артемизия Дженилески. Автопортрет

Артемизия Дженилески. Святая Цицилия

Артемизия Дженилески. Юдифь и Олоферон (здесь очевидно влияние Караваджо)

Артемизия Джентилески. Юдифь и Олоферон

Лаура Бернаскони
Сохранилось немного ее работ, а о ней самой почти ничего не известно. Даже дат рождения и смерти нет - 17 век, Рим.

Лаура Бернаскони. Натюрморт

Катарина Йкенс (1608 - около 1666).
Еще одна малоизвестная художница. Жила в Антверпене, рисовала натюрморты, в т.ч. гирлянды. Фамилия Йкенс - в замужестве, девичья - Флоке.

Катарина Йкенс. Натюрморт

( много ее)
Итальянская художница (1600-1670). Рисовала чудесные светлые натюрморты, очень своеобразные и натуралистичные, ими и прославилась. Но неплохо ей удавались и портреты, например, она написала портрет герцога Савойского.

Джованна Гарцони. Натюрморт

(1578- 1630)
Итальянская художница была дочерью художника-миниатюриста, он же ее и учил. Галиция была настоящим вундеркиндом, знатоки хвалили ее работы, написанные еще в 12-летнем возрасте. Она писала замечательные портреты своих современников, но кроме портретов ей прекрасно удавались натюрморты, а ведь до нее в Италии никто серьезно не занимался этим жанром, первенство держали голландцы. Ее художественную карьеру можно считать успешной, ее работы хорошо продавались. Художница никогда не была замужем, умерла от чумы в 52 года в Милане.

Галиция Феде. Автопортрет в образе Юдифи

Галиция Феде. Натюрморт

Галиция Феде. Портрет врача

Барбара Лонги (1552 — 1638)
Дочь итальянского художника Луки Лонги. Поначалу помогала отцу и позировала ему, а затем стала писать сама. Писала портреты на заказ, но они, к сожалению, не сохранились до наших дней. Дошли до нас картины религиозного содержания - Мадонны, святые. О ее личной жизни известно мало - мы даже не знаем, была ли она замужем. Прожила она долгую жизнь - 86 лет, умерла в Равенне.

Барбара Лонги. Автопортрет

Барбара Лонги. Дама с единорогом

Барбара Лонги. Мария с младенцем

(1647-1717).
Немецкая художница, гравер, энтомолог, натуралист, книжный иллюстратор. Дочь швейцарского гравера, жвишего в Германии. Путешественница, посетила Суринам. Выпустила несколько иллюстрированных книг. Замужем была тоже за художником. Замечательная женщина!

(1554 -1590)
Дочь знаменитого Тинторетто. Как и брат-художник, следовала манере отца, поэтому некоторые их неподписанные работы путают. Вышла замуж за ювелира. Всю жизнь прожила в Венеции.

Мариетта Робусти. Автопортрет

Мариетта Робусти. Портрет Оттавио Страда

Мариетта Робусти. Портрет Дамы

Элизабетта Сирани. (1638 - 1665)
Дочь художника, училась в его мастерской, а потом и возглавила ее, когда отец отошел от дел. Уже в 17 лет была вполне зрелым мастером. Одна из немногих женщин была принята в Академию святого Луки, сама открыла художественную школу для женщин. Очень плодотворная художница, работала молниеносно быстро. Ее работы охотно покупали члены семейства Медичи. Прожила до обидного мало - всего 27 лет, умерла от прободной язвы. Поговаривали, что ее отравила служанка.

Элизабетта Сирани

Элизабетта Сирани. Мария с младенцем

Элизабетта Сирани. Тимоклея

Элизабетта Сирани. Юдифь

Катарина ван Хемессон (1528 —1587)
Дочь фламандского художника Яна ван Хемессена, который, как водится, был и ее учителем. Ей покровительствовала Мария Австрийская, Катарина жила при ее дворе. Замужем была за гравером.

Катарина ван Хемессон. Автопортрет

Катарина ван Хемессон. Портрет дамы

Катарина ван Хемессон. Женский портрет

Рахель Рейсх (1664 - 1750)
Поразительная голландская дама! Родила 10 детей, но при этом не оставляла живопись никогда! Была весьма искусной натюрмортисткой. На этот раз внучка художника, а не дочка - ее отец был профессором, хотя иногда рисовал - хобби у него было такое. Художником был и муж Рахели. Семья талантливых художников была приближена ко двору короля. Картины Рахель были так популярны, что за них в свое время платили в несколько раз больше, чем за полотна Ремранда! Ну, вот такая тогда была мода на натюрморты. Прожила она долгую жизнь и написала более 250 картин. Правда, до нашего времени дошло чуть более 100. Кстати, ее сестра тоже была неплохой художницей.

Рахель Рейсх. Натюрморт

Мэри Бил (1633 — 1699)
Эта женщина, англичанка, одна из немногих художниц, которая сама «выбилась в люди». Дочь священника, жена торговца тканями. И муж, и отец, правда, рисовали понемногу для забавы, но только Мэри удалось стать профессиональной художницей, которая зарабатывала на жизнь своим ремеслом. И зарабатывала неплохо! Самые знатные люди Англии заказывали у нее портреты. К сожалению, сразу после смерти ее работы вышли из моды и были быстро забыты.

Мэри Бил. Автопортрет

Мэри Бил. Портрет врача

Мэри Бил. Портрет маркиза Галифакса

Мэри Бил. Портрет Мэри Визер

Лавиния Фонтана
(1552-1614)

Талантливая итальянская художница из Болоньи тоже добилась самого высокого признания. Постичь азы мастерства в юности ей помог отец-художник. Портреты ей заказывали самые знатные люди Италии, сам папа Климент Восьмой делал ей заказы. Лавиния вышла замуж за художника из знатной семьи. Она родила целых 11 детей, правда, до взрослого возраста дожили только трое. Муж признавал талант супруги, и, когда пришло время, ради него поступился своей карьерой.

Лавиния Фонтана. Автопортрет

Лавиния Фонтана. Дама с собачкой

Лавиния Фонтана. Папа Григорий 13

Лавиния Фонтана. Юная дама

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

До начала ХХ столетия роль женщин в искусстве была эпизодической, что обусловлено ее социальным статусом и общественным неравенством полов.

Талантливым женщинам надо было преодолеть весьма непростые обстоятельства ради того, чтобы посвятить себя искусству. В XX веке женщины наравне с мужчинами начинают обучаться в художественных академиях, принимать участие в художественной жизни: выставлять свои работы, входить в состав различных творческих объединений и жюри.

В России начало ХХ века ознаменовалось появлением целой плеяды замечательных художниц: Натальи Гончаровой, Александры Экстер, Надежды Удальцовой, Любови Поповой, Варвары Степановой, Ольги Розановой, Веры Хлебниковой.

Наибольшее влияние на изобразительное искусство из художниц того времени оказали Александра Экстер и Наталия Гончарова.

Наталия Гончарова (1881—1962)

Наталия Гончарова (1881—1962) — русская авангардистка, жена художника Михаила Ларионова, одна из самых дорогих художниц в истории искусства.

Наталия всегда делала, что хотела, и как женщина, и как художник, ломая социальные стереотипы начала ХХ века. Гончарова пробовала себя во многих авангардных направлениях, никогда не останавливалась на том, что уже умела.

Она поддерживала и разделяла взгляды мужа в его живописном новаторстве - лучизме, но при этом она всегда оставалась самобытной художницей. Ее вдохновляло народное искусство, она хотела познать саму его суть, писала работы в духе примитивизма.

Александра Экстер (1982—1949)

Александра Экстер, наряду с Малевичем, была представителем "русского авангарда", создавшей "школу авангарда".

В 1914 году она вернулась из Парижа в Россию. Будучи хорошо знакома с последними достижениями европейского авангарда (в Париже она общалась с Пабло Пикассо, Гийомом Аполинером, Соней и Робертом Делоне), Экстер увлекла новыми идеями многих российских художников. О возникновении школы Экстер можно говорить с 1916 года, когда, поселившись в Киеве, она начала давать уроки таким впоследствии известным художникам, как Александр Тышлер, Павел Челищев, Анатолий Петрицкий и другим. Неоценим вклад Экстер и в театральное искусство России первой половины ХХ века.

К сожалению, благоприятный период для творчества в России закончился в конце 20-х, начале 30-х годов с развертыванием процесса коллективизации. С этого момента начинается массированное наступление государства на любые самостоятельные творческие объединения. Среди покинувших Россию интеллигентов были Гончарова и Экстер, продолжившие работу на западе.

Большое значение в популяризации имен женщин-художниц имели исследования феминисток, которые чрезвычайно много сделали для восстановления исторической справедливости. Благодаря их усилиям, работы художниц, занимавших в 40-60-е годы относительно маргинальное положение, теперь находятся в центре критического артдискурса.

Это произошло, например, с произведениями Мерет Оппенгейм (1913—1985) — разносторонней художницы, близкой французскому сюрреализму, с выдающейся американской художницей Джорджией О"Киф (1918—1986), с ныне культовой фигурой мексиканского искусства Фридой Кало (1907—1954) и многими другими художницами, без которых невозможно представить современное искусство ХХ века.

Джорджия Тотто О’Киф (1887-1986)

Американская художница-авангардистка, яркая представительница магического реализма. В 2014 году ее картина "Дурман" поставила ценовой рекорд среди произведений искусства, созданных женщинами. На торгах аукционного дома Sotheby"s в Нью-Йорке эта картина ушла с молотка за $44,4 млн. Самая популярная тема Джорджии О’Киф - цветы.

Она изображает в форме цветов скрытую страсть - тревожную, дурманящую и хищную. Критики связывали образы художницы с сексуальными символами, анализируя ее картины в духе фрейдизма. Сама О"Киф всегда отрицала подобного рода интерпретации. Она утверждала, что ее цветы выражают чувственность, тонкую сущность природы и мироздания. Другим источником вдохновения Джорджии служила пустыня Нью-Мексико: художница изображала отполированные ветром кости животных, голые скалы и синее небо.

Фрида Кало (1907—1954)

Известная мексиканская художница "Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего". В волшебных работах Фриды Кало нашли отражение мудрость человека, познавшего великое горе и великую любовь, обладающего необычайной силой и жаждой жизни. Глубокие психологические картины Фриды Кало - это нечто абсолютно новое, чего в истории искусства не было ни до, ни после ее.

Когда ей было восемнадцать, Фрида попала в страшную автокатастрофу, из-за которой долгое время оставалась прикованной к кровати. Тройной перелом позвоночника, тройной перелом таза, одиннадцать переломов костей, тридцать две операции, годы в гипсе, острая боль на всю жизнь… От отчаяния Фриду спасает поразительная сила духа и … живопись. Всю боль, надежду, все свои душевные переломы Фрида воплощает на полотне.

Радикальный феминизм, возникший на Западе в 70-е годы, провозглашал идеи о единстве женского опыта, обусловленного особым анатомическим строением женщины. Наиболее яркими выразителями такого взгляда стали американские художницы: Джуди Чикаго (1939 г.р.) и Мириам Шапиро (1923 г.р.).

Джуди Чикаго (1939 г.р.)

С 1974 по 1979 годы Джуди Чикаго создала художественную композицию под названием "Званый ужин".

«Званый ужин» был задуман с целью положить конец принижению и забвению роли женщин в истории человечества. Основу композиции представляет банкетный стол на 39 персон, каждое место за которым предназначено одной из величайших женщин в истории западной цивилизации и отмечено её именем и символами её достижений. Для каждой персоны выложена салфетка, блюдо, приборы, а также бокал или чаша. На многих тарелках имеются скульптурные изображения цветов или бабочек, символизирующих вагину.

«Званый ужин», будучи плодом совместного творчества многих разных художников — мужчин и женщин, воздаёт дань таким художественным формам, как текстиль (ткачество, вышивка, шитьё) и роспись фарфора, традиционно считавшимся женскими видами искусства и относимым скорее к ремёслам, нежели к изящным искусствам, в которых всегда наблюдалось господство мужчин. Сам стол выполнен в виде равностороннего треугольника с длиной стороны в 14,63 метра и установлен на белом изразцовом полу, треугольные плитки которого содержат имена ещё 999 известных женщин.

Мириам Шапиро (1923-2015)

В 1972 году Шапиро участвовала в выставке "Womanhouse". Одна из ее работ, показанных на выставке, называлась "Кукольный дом" (Dollhouse). Дом, мебель и все аксессуары в нем были построены из всяких мусорных остатков и бытовых отходов, а каждая комната в доме символизировала особую роль, которую женщина играет в обществе.