Моне описание картин. Список самых известных картин

Искусство и дизайн

15151

23.01.15 11:24

Строгий отец (недаром он возглавлял департамент французского министерства юстиции) Огюст Мане запрещал своему сыну заниматься живописью – он хотел, чтобы отпрыск продолжил его дело и стал юристом. Но вопреки желанию семейного деспота Эдуард стал-таки известным художником, одним из ярких представителей импрессионизма. Самые известные картины Мане украшают Лувр, музеи Берлина и другие прославленные собрания полотен.

Натюрморты мастера

В Лувре хранится один из таких шедевров с простым названием «Белые пионы». Уже в этой работе проявляется характерная манера француза – широкие мазки, сдержанная палитра. Пара пышных цветов на темном фоне – и ничего больше, но как же живо!

В начале карьеры, после обогатившего внутренний мир будущего гения кисти путешествия в Бразилию, Эдуард Мане писал, в основном, пейзажи и натюрморты. К ним он вернулся и в конце жизни. «Натюрморт с лососем» относится к 1969-му году. Живописец был известным гурманом – как и многие его соотечественники. Глядишь на подобные работы – и слюнки текут!

Эти манящие женские образы

Не только «мертвая натура» привлекала мастера, но и портреты. Один из них – «Мадам Мане на голубом диване». Голландка Сюзанна Леенхоф была учительницей музыки у младших братьев художника. Говорят, что девушкой увлекся глава семьи Огюст. Сам Эдуард тоже был без ума от Сюзанны, их роман длился почти десятилетие. После смерти батюшки Мане смог жениться на избраннице. Она – мать его сына Леона и любимая натурщица.

«Лола из Валенсии» – еще одна из самых известных картин Мане. Приземистая испанка изображена Мане на фоне кулисы. Здесь он очень тщательно выписывает все детали – как облик самой позирующей, так и ее затейливый наряд. Каждая складочка одежды, узорный изгиб и блеск украшений – все в этом портрете играет свою особую роль.

Совсем другое настроение передано в изображении одевающейся дамы полусвета – «Нана». Утро представительницы древнейшей профессии начинается с привычного туалета, она пока в неглиже (в корсете и сорочке). До шумного вечера еще далеко, и на лице чертовки бродит неясная улыбка. Позировала художнику некая Генриетта, прославившаяся своими любовными похождениями.

Любимые уголки Парижа

Жанровые сценки постепенно вытеснили прежние художнические привязанности парижанина. Он черпал вдохновение в самых разных местах любимого города. Одним из таких мест стал сад Тюильри – в нем по воскресеньям любили прогуливаться представители богемы. На картине «Музыка в саду Тюильри» изображена масса персонажей, но лица размыты – это полотно надо рассматривать с достаточно большого расстояния, иначе увидите лишь расплывчатые пятна.

При словах «Железная дорога» вам, наверное, представляется пыхтящий могучий паровоз или стремительный современный поезд, мчащийся по рельсам вдаль. Но не так прост Эдуард Мане! Картины мастера порой весьма условны. Вот на прославленной работе француза «Железная дорога» стальная магистраль лишь угадывается – там, за чугунной тяжелой решеткой, к которой приникла малышка. А ее мама (или гувернантка?) сидит рядом, держа в руках книгу и песика.

Среди цветов и за накрытым столом

Другие жанровые сцены тоже словно бы выхвачены зоркой фотокамерой – вот парочка наслаждается ароматом цветущих растений («В оранжерее»).

А вот еще одна пара – они заняты неторопливой беседой за накрытым столом, а на заднем плане на этих двоих засмотрелся официант, несущий кому-то заказ. Картина так и называется – «В кабачке папаши Латюиля».

Шедевры Мане – картины, вызвавшие споры

Все та же Викторина Мёран (женщина с полотна «Железная дорога»), совершенно голая, предстает перед зрителем скандально известного «Завтрака на траве». Автора упрекали в декаденстве и бесстыдстве. Интересно, о чем думал художник, когда изображал обнаженную даму, смотрящую прямо на вас, в компании мужчин (которые, в отличие от спутницы, одеты)? Кстати, позировали родственнику брат живописца и будущий шурин.

Еще больше споров вызвала в свое время (1863-й год) «Олимпия». Француз писал ее для Парижского салона, где изображение было освистано публикой. Будто бы Мане стал первым автором, выставившим напоказ женское тело! Ренессанс славится своими шедеврами в стиле «ню», а как же рембрандтовская «Даная»?.. Сейчас шедевр хранится в коллекции парижского музея «Орсе».

Лебединая песня маэстро

Перед безвременной кончиной маэстро создал свое последнее полотно – «Бар в «Фоли-Бержер». Оно стало экспонатом еще одного Парижского салона (1882-го года). Место действия картины – бар, находящийся на первом этаже популярного столичного варьете. Прямо там живописец начинал работу над своим творением. Центральная фигура – девушка-барменша за стойкой, смотрящая на зрителя с тоской во взоре, а на заднем плане кутит разношерстная публика. Это «одиночество в толпе» мастеру удалось передать просто гениально! В последний апрельский день 1883-го не стало Эдуарда Мане, картины же его – бессмертны.

Даже далекий от мира искусства человек хотя бы один раз в своей жизни слышал имя французского художника Клода Моне. Он прошел путь от нищеты и гонений до всемирно признанного гения импрессионизма. Самые известные картины Клода Моне хранятся в лучших музеях мира, художественных галереях и частных коллекциях. Стоимость некоторых произведений художника достигает более 40 млн долларов.

Поле маков у Аржантея

«Поле маков у Аржантея» , написанная в 1873 году – одна из самых известных картин Клода Моне.

На ней изображены жена и сын художника. Они идут к зрителю сквозь высокую траву, усеянную яркими маками. На вершине пригорка Моне нарисовал еще двух человек и соединил все четыре фигуры еле заметной в траве тропинкой.

Это интересно : в юности Моне не собирался связывать свою дальнейшую жизнь с живописью. Если бы не встреча будущего художника с Эженом Буденом, который стал его наставником, мир лишился бы основателя нового движения в живописи.

Терраса в Сент-Адрес

«Терраса в Сент-Адресс» , написанная в 1867 году. Это один из ранних шедевров художника. Картина отражает один из моментов жизни художника. Моне из-за финансовых проблем пришлось вернуться домой. На полотне изображены художник и его отец – они сидят в креслах. Чуть дальше стоит кузина Моне с кем-то неизвестным.

Картина написана в том период, когда художник еще не увлекся импрессионизмом – ей свойственны выверенная композиция и тщательное изображение деталей.

Картину можно увидеть в нью-йоркском Музее Метрополитен.

Это интересно : Моне начал зарабатывать на карманные расходы в 14 лет, рисуя карикатуры. Его рисунки пользовались огромной популярностью у местных жителей.

Завтрак на траве

Пожалуй, одной из самых известных картин Клода Моне является «Завтрак на траве» . Она была написана в 1866 году и сейчас находится в ГМИИ им. А.С. Пушкина.

История создания этого шедевра очень интересна. В 1895 году в Шайи художник начал работу над большой картиной, но законченный вариант ему не понравился, и Мане уехал в Париж, оставив холст хозяину дома, который художник снимал, в качестве залога. Вернувшись в Шайи, он обнаружил, что картина пострадала от небрежного обращения. Чтобы спасти ее, Мане разрезал холст на три части. Через год, вновь приехав в Шайи, он написал уменьшенную копию большой картины.

Это интересно : еще до встречи со своим будущим наставником, Эженом Буденом, Моне возненавидел его. Причиной послужили морские пейзажи художника, которые Моне считал омерзительными. Буден научил его понимать и любить природу.

Кувшинки

«Кувшинки» , написанные художником в 1916 году, стали одной из самых известных картин Клода Моне. Сейчас полотно находится в Национальном музее Западного искусства города Токио.

Начиная с 1905 года, и до конца жизни основной темой живописи художники стали кувшинки, или водяные лилии. Полотно «Кувшинки» стали частью целой серии великолепных водяных пейзажей художника. Примечательно, что писал Моне картины по памяти, поскольку пора цветения кувшинок ограничена во времени. К тому же зрение художника все сильнее ухудшалось, и он не мог работать с прежней скоростью.

Это интересно : одна из самых дорогих картин художника, «Пруд с водяными лилиями», написанная в 1919 году, была продана на аукционе Christie’s в 2008 году за 80 миллионов долларов.

Впечатление. Восход солнца

К самым известным картинам Клода Моне относится «Впечатление. Восход солнца» – знаменитое полотно, давшее название импрессионизму. На картине изображено утро в порту Гавр. В туманном рассвете едва заметны лодки, находящиеся в гавани. Ярко-оранжевое солнце, поднимающееся над портом, идет вразрез с общим мрачным настроением картины. Первые зрители не оценили полотно художника и посчитали его незавершенной работой.

Это интересно : после перенесенной операции на глазах художник начал видеть новые цвета. Это произошло из-за замены хрусталика в левом глазу. Его картины изменились – на них появились новые, необычные цвета.

Дама с зонтиком

«Дама с зонтиком» , написанная в 1886 году – еще одна из наиболее известных картин Клода Моне. На ней изображена Камилла Донсье, первая жена художника, и их старший сын Жан. Женщина, держащая в руке зонт, словно чувствует на себе чей-то взгляд. Картина относится к раннему периоду творчества Моне – это видно по тому, что он больше был сосредоточен на передаче цвета и света, и меньше внимания уделял четкости линий.

Это интересно : картины художника не раз становились объектом внимания преступников. В 2012 году в числе похищенных из роттердамского музея картин находилось и полотно Моне «Мост Ватерлоо». По мнению правоохранительных органов, все украденные картины были сожжены преступниками.

Маннпорт

В нью-йоркском Музее Метрополитен находится одна из лучших картин Клода Моне «Маннпорт» , написанная в 1883 году. На ней изображены величественные меловые скалы на побережье Нормандии, близ Этрета. Художник приезжал сюда три года подряд и создал порядка 60 полотен.

Это интересно : первой известной картиной художника стал портрет его будущей жены Камиллы Донсье.

Водяные лилии

«Водяные лилии» , созданные в 1905 году, стали одной из самых дорогих и известных картин Моне. В 1915 году произведение великого импрессиониста было продано за 54 миллиона долларов. До покупки ее неизвестным коллекционером картина не выставлялась более 70 лет, поскольку находилась в частной коллекции.

Это интересно : новое течение в искусстве, импрессионизм, получило свое название благодаря картине Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце». Примечательно, что художник придумал название для произведения в последний момент, готовя картину к первой выставке импрессионистов.

Дама с зонтиком, повернувшаяся налево

Написанная в 1866 году картина «Дама с зонтиком, повернувшаяся налево» входит в число самых знаменитых полотен Клода Моне. На картине изображена приемная дочь художника Сюзанна. Полотно отличается энергичной манерой письма, женщина, изображенная на нем – эффектной позой.

Это интересно : на большинстве картин Моне изображена его жена и натурщица Камилла Донсье. Она умерла в возрасте 32 лет, предположительно, из-за туберкулеза.

Женщины в саду

Одна из наиболее известных работ Клода Моне – картина «Женщины в саду» , написанная в 1866 году. Полотно отличается своими большими размерами, и художнику приходилось работать с ним, выкопав яму в саду и опустив в нее холст. Примечательно, что единственной моделью для четырех изображенных на картине женщин стала Камилла, будущая жена Моне.

Это интересно : Моне входит в тройку самых дорогих художников в мире.

Клод Моне – один из известных и популярных художников в истории мирового искусства. Этот живописец является основателем и ярким представителем нового направления начала XX века – импрессионизма. Сегодня каждому образованному человеку и любителю живописи близки и понятны картины Моне, с названиями которых и их кратким описанием нам предстоит познакомиться.

Родившись в Париже в 1840 г., Клод Моне через 5 лет переехал в Нормандию. Юноша с детства проявил тягу к рисованию, но выбрал жанр карикатуры.

В 17 лет Моне знакомится с Эженом Буденом, который научил его искусству пейзажных зарисовок. До знакомства с ним рисование с натуры, морские пейзажи Клод Моне не считал стоящими и даже относился к ним с презрением. 1859 – год возвращения юного художника на родину, в Париж. Там он продолжал рисовать в мастерской бедных художников.

Переломным моментом в судьбе и творчестве Моне считают поступление на факультет искусств Парижского университета. Там он знакомится с О. Ренуаром, А. Сислеем и Ф. Базилем – талантливыми молодыми художниками, вместе с которыми ему было суждено изменить историю мировой живописи.

Как появилось течение «импрессионизм»?

Клод Моне постепенно пытается изменить традиционный способ рисования с натуры, используя то новые световые решения, то меняя угол обзора и положение художника при написании картины. Предпочитая пленэр студийной работе, он ищет красоту в окружающем его мире, пытаясь запечатлеть мгновение и свое восприятие увиденного.

Одно из главных отличий зарождающегося импрессионизма – новая работа с тенью и цветом. Моне выбирал то колористическое наполнение картин, которое он видит и чувствует в определенный момент времени. Рисуя тени светлыми, а не черными, как предшественники, он наполнил внутренним светом свои полотна.

Постоянная бедность и нужда 70 - 80-х гг., начало Франко-прусской войны вынудили его переехать в Англию. Здесь Моне знакомится с торговцем Полем Дюран-Рюэлем, который покупает его полотна. Это позволило по возвращении на родину приобрести небольшой дом в Аржантее.

Официальной точкой отсчета направления «импрессионизм» принято считать 1874 г., когда легкой рукой одного из критиков картину окрестили «впечатлением, впечатленством» - impressionnisme. В 1883 г. Клод Моне вместе со своей семьей переезжает в Живерни, где на скопленные деньги он уже мог себе позволить приобрести дом с землей и садом. В этой же небольшой деревне ему было суждено в 1926 г. закончить свой земной путь.

У Моне с молодых лет были проблемы со зрением, а в 1912 году ему даже удалили хрусталик одного глаза. Считается, что эта болезнь способствовала природному таланту художника видеть и отражать необычные цвета и оттенки в природе.

Популярность Моне сегодня переоценить невозможно: по сей день он входит в число трех самых дорогих художников мира.

1. Одна из наиболее известных и ранних работ Клода Моне – картина «Женщины в саду», созданная в 1866 г. Для написания её он вырыл траншею, чтобы удачнее выбрать ракурс, правильно установить мольберт и встать самому. Сюжет картины прост: четыре молодые дамы прогуливаются по летнему саду, собирая цветы и мило беседуя. Одна из них – молодая натурщица Камилла Донсье – в дальнейшем стала женой Моне.
2. 1866 год стал также временем написания картины «Дама с зонтиком, повернувшаяся налево». Объектом изображения стала молодая девушка, приемная дочь Моне Сюзанна. Художник смотрит на натурщицу снизу вверх, захватывая, помимо фигуры девушки, траву и цветы крупным планом и большой кусок неба. Один из главных героев картины – ветер, который управляет движением объектов, создавая ощущение энергии и движения сюжета.

   

3. Картина «Водяные лилии» 1905 г. после её покупки неизвестным любителем живописи была скрыта от посторонних глаз более 70 лет. На ней изображены пруд, лилии в нем и отражающиеся в глади воды облака. Считается, что этот сюжет художник срисовал с водоема в Живерни. Этому полотну суждено было стать самым дорогим на лондонских торгах: его оценили в 54 миллиона долларов.
4. «Маннпорт» (1883 год) сейчас находится в Нью-Йорке, в музее Метрополитен. Объект изображения для этой картины – скалы Нормандии. В эту страну Моне часто ездил, создав более 60 картин о её могучей и суровой природе.
   
5. На картине «Дама с зонтиком» (1886 г.) изображена жена Моне Камилла Донсье. Полотно относят к раннему периоду творчества: линии размыты и неточны, основной акцент сделан на красках и ощущениях самого художника.
6. Знаменитое полотно, давшее имя всему направлению «импрессионизма» - «Впечатление. Восход солнца» редко кого оставляет равнодушным. Порт Гавр, раннее утро, лодки на глади воды, еле заметные в утреннем тумане, мрачные и темные краски с контрастирующим на их фоне ярким солнцем – картина была создана, чтобы перевернуть представление о технике и назначении живописи. Однако первые зрители отнеслись к новаторству прохладно, не оценив её скрытой силы и перспектив.

   

7. Интересна, с точки зрения создания сюжета, картина «Завтрак на траве» 1866 года. Сам стиль полотна не свойственен импрессионистической манере письма Моне. Это картина перехода, поиска себя. Идейным вдохновителем стал Эдуард Мане (не стоит путать эти разные произведения искусства), которые создал несколькими годами ранее одноименную картину. Она вызвала бурную реакцию и скандал из-за реалистично изображенных на ней обнаженных женщин. Клода Моне эта картина привела в восторг. Он решил повторить успех этого полотна и эпатировать публику. На данный момент то, что мы видим на картине, – это одна из трех частей огромного полотна, который так и остался незавершенным, хотя был выставлен на Парижском салоне.
8. «Кувшинки» 1916 года – продолжение темы воды и водяных линий в творчестве Моне и часть серии водяных пейзажей. В ней интересно композиционное решение: сюжет как будто выхвачен из огромной, бескрайней картины. Художник обрезал крупные центральные цветы, чтобы показать бесконечность природного пространства. Благодаря ярким краскам и необычной композиции, казалось бы, обычный пруд завораживает зрителя.
   
9. «Терраса в Сент-Адресс» – одно из ранних творений художника, созданных в 1867 г. На картине изображена летняя терраса с сидящими в креслах мужчинами и девушкой, которая стоит у перил вместе со своим спутником. Строгие линии, отсутствие размытости и композиционное решение не свойственны манере импрессионизма.

   

10. «Поле маков у Аржантея» 1873 г.. Герои картины – сын и жена художника. Они пробираются сквозь высокую траву и яркие красные маки. На заднем плане видны фигуры еще двоих, а также маленький белый дом вдалеке.

Искусствоведы пришли к выводу, что в последние годы своей жизни художник выходит за рамки импрессионизма, предвосхищая дальнейшие изменения в живописи и очерчивая перспективы. Войдя в историю мировой живописи и обретя множество сторонников и последователей, картины Моне, с названиями и кратким описанием которых мы ознакомились, остаются не только в памяти зрителей, но и в их сердце, вызывая настоящие и некую тоску по уходящей и сиюминутной красоте этого мира.

Очень часто этого художника путают с его собратом по искусству Эдуардом Мане. Оба они художники, но весьма разного стиля… Хотя где-то даже и сходятся в своих полотнах, но всё-равно разные. Да и пути начала развития у них иные. Но всё-таки о Клоде Моне. Этот художник начинал с карикатуры. Да, с самого, пожалуй, лёгкого и не лёгкого жанра живописи. Его карикатуры появились ещё со школьной скамьи, когда он, не желая учиться, всё больше рисовал. Рисовал своих одноклассников, своих педагогов, своих соседей. Моне не оправдал надежды своих родителей, не продолжил дело отца, но зато стал знаменитым на весь Гавр, это город где он жил, благодаря своим карикатурам. Мало того, к удивлению родителей, он на этом стал зарабатывать деньги, продавая свои произведения тем, кого он изображал за двадцать франков. Карикатур было настолько много, что в местной лавке их выставляли в несколько рядов на витрине. Там же на этой витрине продавались полотна ещё одного художника – Эжен Будена. Работы этого художника напротив не ценились и даже считались вульгарными, хотя на них были всего лишь местные пейзажи. А молодого Моне бесило, что работы Будена занимали много места и он не мог побольше выставить свои. Владелец лавки много раз пытался их познакомить, но это всё никак не получалось. Но однажды это всё же случилось и вот с той поры и считается, что из карикатуриста Моне начал превращаться в живописца.

Именно Буден стал первым учителем Моне. Именно он дал ему первые навыки живописца. Научил рисовать не только карикатуры, но и просто изображать пейзажи, натюрморты, портреты. И открыл иной мир живописи, внутренний, который виден не всем.

Как-то потом практически всё удачно началось складываться. Именно Буден настоял на том, чтобы парень посетил Париж и постарался разузнать о поступление в Академию искусств. Родители Моне были и не против и не за… они колебались, но всё же разрешили сыну просто съездить на разведку… И Клод Моне оказался в Париже. И сразу же посетил выставку художников, потом и сам показал свои работы. Их похвалили, но всё же обратили внимание на некоторые недостатки. Моне решает остаться в Париже на то время, пока продержится. Родители перестали помогать, поскольку учиться сын и не собирался. Хорошо, что была тётушка, которая снабжала деньгами, а потом и вовсе фактически спасла ему жизнь, откупив от армии, где он успел подхватить «модную» болезнь – брюшной тиф. Была потом попытка поступить в Университет на факультет искусств, но ему там стало скучно и он ушёл. И попадает в студию Глейера. Там он знакомится с Базилем, Сислеем и Ренуаром. Именно эти художники впоследствии и станут костяком группы импрессионистов и вообще в целом художественного направления – импрессионизм, название этому направлению дал именно Клод Моне. И всё это началось с его полотна – «Впечатление. Восходящее солнце». Это и есть начало того, что до сих пор поражает многих и при этом вызывает достаточно много споров. Заметьте, до сих пор.

Далее, Моне не сломили личные потери. Он потерял свою первую жену, потом женившись во второй раз – потерял и эту жену. Самое губительное – потеря сына. А потом он и сам тяжело заболел, и эта болезнь грозила ему тем, что он перестанет писать картины. Двойная катаракта – болезнь вставшая на его пути, но он перенеся две операции не отказался от своего дарования и продолжал творить. И вот тут случилось неожиданное: из-за операций и изменений в глазу он стал видеть некоторые цвета в ультрафиолете. И потому некоторые цвета виделись ему совсем по-иному. До последнего дня Моне не опускал свою кисть, он писал полотна и продолжал удивлять своих поклонников своим талантом.

Алексей Васин

Творчество

Бурное развитие европейской живописи в конце 19 века спровоцировало невольный кризис жанра. Несмотря на то, что Европа тех лет подарила миру немало талантливых мастеров, общество почувствовало себя утомлённым ставшими слишком распространёнными в живописи социальными темами. Назрело недовольство и у самих художников.

Клод Моне, считающийся родоначальником французского импрессионизма, в начале своей карьеры столкнулся как с неприятием течения, начало которому он положил, так и с восторженным увлечением им. Всё началось после того, как по возвращению из Лондона, художник за один вечер создал пейзаж, на котором было изображено заходящее солнце, освещающее красными лучами море. Картину Моне назвал просто «Восход солнца. Впечатление».

Этим он хотел подчеркнуть, что попытался не зарисовать природу в точности, а передать только впечатление от того, что он испытал, глядя на восход солнца. Картина произвела неожиданный фурор. Одни критики были недовольны таким легкомысленным подходом к живописи, другие были в восторге, так как открыли для себя новый вид передачи действительности.

Импрессионизм (от французского «впечатление») характеризуется тонким подходом к отображению реальности. Зарисовывается только первое впечатление, динамичными мазками передаётся движение текстуры одежды, волос, деревьев, воды и даже воздуха. Картины импрессионистов воздушны, подвижны, полны чистых красок и нежных полутонов.

Картины Моне полностью соответствовали этому стилю. В начале 20 века художник создаёт ряд пейзажных полотен, прославивших его на многие десятилетия вперёд. К таким полотнам можно отнести «Водяные лилии», «Маннапорт», «Кувшинки», «Поле маков у Аржантея». Все эти картины написаны лёгкими мазками, передающими дыхание и ткань живой и неживой материи. Утомлённое серьёзными темами общество с благодарностью и восторгом отнеслось к простым сюжетам на картинах Моне.

Художник концентрируется на передаче настроения одного и того же места в разные времена года и суток. Тогда рождается знаменитая серия картин «Стог сена». Раз за разом обрисовывая одну и ту же тему, Моне находит новые ракурсы, новые решения в передаче реальности.

Художнику свойственно особенное восприятие и стиль передачи белого цвета. На его картинах чисто белого цвета как будто нет. Вместо него и белые кувшинки, и белая пена на волнах, и облака имеют синеватые, голубоватые и сиреневые оттенки. Моне, как и остальные импрессионисты, избегали чёрного цвета на картинах. Вместо него они использовали фиолетовые краски.

Многим картинам Моне свойственно романтично-воздушное восприятие городских пейзажей. Картина художника «Здание парламента на закате» является одной из самых дорогих картин в мире. Моне удалось запечатлеть там Лондонский парламент, окутанный знаменитым туманом и облаками.

Картины Клода Моне – своеобразное мерило художественной ценности импрессионизма. Его полотна украшают картины крупнейших мировых музеев, в том числе петербургского Эрмитажа и Музея имени Пушкина в Москве.

Игорь Чергейко

Импрессионизм

Принцип оптического смешения цветов, основанный на реально увиденных и осознанных художником явлениях природы, использован мастерами импрессионизма с большой артистической свободой. Особая выразительность фактуры их картин – не самоцель, а необходимый способ выражения этих творческих устремлений. Импрессионисты «стремились оставить в живописи следы того, как она сделана. Им нужно было, чтобы зритель не забывал, что он стоит на грани между зеркальной иллюзией и холстом, забрызганным красками, – пишет М. В. Алпатов. – Только тогда у него на глазах будет совершаться „чудо искусства”.

Своеобразное впечатление незаконченности импрессионистских картин, так смущавшее современного им зрителя, – следствие их желания запечатлеть эфемерность, подвижность, «неконстантность» видимого мира. Такой свободы и артистизма в значительной степени лишены более поздние работы неоимпрессионистов (точнее – дивизионистов) с их рациональной теорией разделения цветов и нейтрализацией почерка художника. Стремление импрессионистов «рисовать цветом», почти полное исчезновение в некоторых работах линии (рисунка) делают очень трудным, а иногда и невозможным черно-белое репродуцирование их живописи.

Импрессионисты были принципиальными противниками всякого теоретизирования. По определению Моне, искусство – это «свободная и проникнутая чувством интерпретация природы… теории не могут создать картин». Так называемая теория импрессионизма возникла позднее; она базировалась на художественных открытиях мастеров этого направления, на их способности видеть мир непосредственно, интуитивно, на присущем импрессионизму образном, непонятийном мышлении. Абсолютное доверие импрессионистов своему зрительному восприятию, их стремление писать «только то, что они видят, и так, как они видят»20 породили ценностно новую условность в искусстве. И здесь уместно вспомнить слова Ш. Бодлера, сказанные им в 1859 году, на пороге зарождающегося импрессионизма: «Подчас заведомо условное оказывается бесконечно ближе к правде, а большая часть наших пейзажистов лжет именно оттого, что старается быть слишком правдивой».

Однако по мере эволюции импрессионизма, уже с конца 1870-х годов «заведомо условное» в нём все более начинало тяготеть к декоративизму: последовательное ослабление пластических моментов в живописи (пространства и объёмности), утверждение плоской изобразительной поверхности, замена естественного цветового видения условными тональными эффектами, «фильтрующими» красочное многообразие изображаемого мира, разделение композиции по принципу сопоставления цветовых зон – качества, связывающие импрессионизм с некоторыми тенденциями искусства рубежа веков. И все же декоративность так и не стала главным принципом импрессионистического стиля, даже в поздний период творчества Моне: локальный «плоскостный» цвет и линеарность чужды самой поэтике импрессионизма.

Как уже говорилось, импрессионизм не возник внезапно. Многие из его открытий были подготовлены искусством XIX века, они как бы носились в воздухе. Вспомним хотя бы поразительные слова, которые вложил О. Бальзак в уста старого художника из рассказа «Неведомый шедевр»: «Строго говоря, рисунка не существует! Не смейтесь, молодой человек… Линия есть способ, посредством которого человек отдает себе отчет о воздействии освещения на облик предмета. Но в природе, где все выпукло, нет линий: только моделированием создается рисунок, то есть выделение предмета в той среде, где он существует. Только распределение света даёт видимость телам!.. Не так ли действует солнце, божественный живописец мира? О природа, природа! Кому когда-нибудь удалось поймать твой ускользающий облик?». Бальзак создавал рассказ в 1830 году; в это же время в динамичной, красочной живописи Э. Делакруа, в романтических картинах Дж. М. У. Тернера, в пейзажах Р. П. Бонингтона и Дж. Констебла с их вечно изменчивым небом подготавливалось то, что позднее было взято на вооружение рождающимся импрессионизмом. К числу непосредственных предшественников Моне, К. Писсарро и А. Сислея можно отнести К. Коро, пейзажистов барбизонской школы (особенно самого поэтичного из них – Ш. Добиньи), а также будущих учителей Моне Э. Будена и И. Б. Йонкинда.

И все же импрессионизм был принципиально новым словом в европейском искусстве. Сейчас, рассматриваемый с большой временной дистанции, он сам приобрёл характер «классической» эпохи французской живописи. Нельзя, однако, упускать из виду, что импрессионизм в живописи проделал довольно сложную эволюцию: новое художественное видение мира кристаллизовалось постепенно, отдельные (отмеченные выше) черты поэтики импрессионизма имели относительно большую или меньшую степень значения в разное время и у различных мастеров. Условно историю живописного импрессионизма можно разделить на периоды подготовки (созревания нового метода)- 1860-е годы, расцвета и борьбы за новое искусство-1870-е годы, начинающегося в 1880-е годы кризиса и творческих расхождений (последняя, 8-я выставка импрессионистов 1886 года совпала с распадом группы) и поздний – с 1890-х годов до конца жизни Дега, Ренуара, Моне.

Ни в один из этих периодов своего развития импрессионизм не являлся абсолютно главенствующим направлением во французском искусстве. Одновременно с молодыми художниками продолжали работать Ж. О. Д. Энгр, К. Коро, Г. Курбе, Ж. Ф. Милле – представители старшего поколения; история импрессионизма хронологически включает в себя всю историю так называемого постимпрессионизма (Ван Гог, Сезанн, Гоген, также Сера, Синьяк, Тулуз-Лотрек). Почти одновременно с импрессионизмом в искусстве родился символизм, при жизни старейших импрессионистов произошло выступление фовистов и рождение кубизма. Вот почему некоторые стороны импрессионизма сейчас гораздо ярче воспринимаются уже в зеркале современных ему и позднейших течений в искусстве: влияния импрессионизма не избежал почти никто из значительных французских художников конца XIX века. Творчески переосмыслив уроки импрессионизма и принципиально отвергая многое в нем, эти художники пошли дальше и заложили фундамент искусства нашего столетия.

В такой «двойной перспективе» импрессионизма Клоду Моне принадлежит очень заметное, но не исключительное место в самом направлении. Будучи прежде всего пейзажистом, он стремился восстановить утраченные представления о единстве мира, где человек нерасторжимо связан с природой, с окружающей его средой. Моне открыл и довел до почти полного исчерпания некоторые особые качества импрессионистического восприятия природы, стихии света и воздуха, иными словами – пленэрную сторону импрессионизма, предоставив другим мастерам разрабатывать иные аспекты импрессионистской поэтики.

Признанным вождем импрессионистов Моне стал в силу исключительных качеств своей натуры: волевой, энергичный и целеустремленный, он оказался в центре борьбы за новое искусство, принимал деятельное участие в организации большинства выставок художников этого направления, возглавил борьбу за посмертное признание творчества Эдуарда Мане. Вечно сомневающийся в своих возможностях и вечно ищущий, Моне, тем не менее, всегда умел подбодрить друзей, внушить им веру в свои силы. Даже для недоверчивого, замкнувшегося в себе Сезанна, столь далеко отошедшего в позднем творчестве от всех, Моне оставался единственным авторитетом, к мнению которого он неизменно прислушивался.

Светлана Мурина

Парадокс творчества Моне

В двух пейзажах, написанных в Париже в день национального праздника 30 июня 1878 года, Моне словно обнажает перед нами сам процесс создания картины. Он лихорадочно спешит запечатлеть случайно открывшееся из окна зрелище – море трепещущих на ветру трехцветных флагов, праздничное ликование толпы.

Едва намеченные вертикали домов напоминают об очертаниях уходящей вдаль улицы, рисунок целиком растворен в вихре насыщенных мазков красного, синего, белого. Темпераментная кисть Моне в этих работах предвосхищает позднего Ван Гога, но как несходно это возбуждение художника, захваченного красотой мотива, от внутреннего смятения, которое читается в работах голландского мастера! Снова, как и в пейзаже «Впечатление. Восход солнца», можно констатировать парадокс творчества Моне: чем больше спонтанность восприятия, доверие художника своему глазу и первому ощущению, тем дальше он от объективного восприятия действительности, тем сильнее деформирован предмет его изображения.

Если бы фотограф запечатлел вид улицы Сен-Дени в этот же день, то все разорванное, фрагментарное, находящееся в становлении, что так поражает в картине Моне, предстало бы остановленным, упорядоченным и, вероятно, более прозаичным. Моне менее всего добивается иллюзии реальности: через разложение зрительного образа на отдельные цветовые элементы, эмансипацию цвета, отделяющегося от предметов, развеществление материального мира он ведет зрителя к синтезу, целостному восприятию изображенного. Эта «суггестивная трансформация» образа требует и от сегодняшнего зрителя, привыкшего ко многим крайностям в современном изобразительном искусстве, особого напряжения при знакомстве с картинами Моне.

Осенью 1878 года Моне снял дом в небольшом городке Ветей близ столицы. Здесь вместе с ним, его тяжело больной женой и двумя детьми поселилась семья разорившегося банкира и коллекционера Ошеде. В сентябре 1879 года скончалась Камилла Моне; в последний раз художник пишет её лицо, но в этот раз облик Камиллы ускользает от художника, он погружен в беспокойное море перекрещивающихся штрихов блеклых оттенков лилового, голубого, желтого. Их легкая паутина – словно таинственный покров, отделяющий жизнь от смерти. Много позднее Моне говорил Жоржу Клемансо: «Однажды, стоя у изголовья скончавшейся женщины, которая всегда была мне очень дорога, я поймал себя на том, что, глядя на её трагический лоб, машинально искал следы последовательно нарастающей деградации колорита, которую смерть вызвала на этом неподвижном лице. Оттенки синего, желтого, серого – почем я знаю, какие! Вот до чего я дошел… Вот каким образом под влиянием свойственного нам автоматизма мы вначале откликаемся на воздействие цвета, а потом наши рефлексы независимо от нашей воли вновь включают нас в бессознательный процесс однообразно текущей жизни. Подобно скотине, которая вертит мельничный жернов».

Это признание позволяет увидеть скрытый драматизм творчества Моне. Художника часто и несправедливо упрекали в бесстрастии, в абсолютном преобладании оптического восприятия над эмоциональным. Между тем сама эстетизация образа в данном случае образа смерти – волевой акт, который трансформирует первоначальный мотивный импульс в художественное переживание. Чувство лежит в основе творчества Моне не в меньшей степени, чем зрительное впечатление; даже в безмятежной созерцательности позднего цикла «кувшинок» (о нём речь ниже) звучат ноты подлинной элегической поэзии. Ясное и оптимистическое настроение большинства работ Моне – это та сторона, которая обращена к зрителю, также как и сдержанные, спокойные манеры художника, неизменно привлекавшие к нему симпатии современников. Для художников-импрессионистов (в первую очередь Моне и Ренуара) такой внутренний диссонанс между жизнью и творчеством составляет сокровенную сущность их искусства, его всегда нужно иметь в виду: без этого оценка творчества мастеров импрессионизма становится односторонней и упрощенной.

Тягостные переживания Моне, омрачившие первый год его пребывания в Ветее, с неожиданной силой выразились в сумрачно-меланхолических зимних пейзажах этого времени («Снежный эффект в Ветее», 1878, Лувр, Париж; «Въезд в Ветей», 1879, Художественный музей, Гётеборг) с их ощущением одиночества и оцепенения. Материальное положение Моне особенно усложнилось после смерти Камиллы, когда на руках у него оказалась многодетная семья – двое его малолетних сыновей воспитывались вместе с пятью детьми Алисы Ошеде, ставшей им второй матерью (брак Моне с Алисой был оформлен лишь в 1892 году). Только после устройства в 1880 году небольшой персональной выставки в помещении редакции журнала «Ла Ви модерн» Моне, при поддержке Дюран-Рюэля и издателя Шарпантье, обрел уверенность в своих денежных делах. Отныне он был избавлен от забот по продаже своих произведений и мог всецело отдаться творчеству.

С начала 1880-х годов живописная манера Моне постепенно меняется. Он все чаще работает в ателье; в картинах его иногда появляется та «сделанность», которую можно посчитать компромиссом между работой по первому впечатлению и рефлектирующим сознанием художника, работающего по памяти. Примером такого подхода к созданию пейзажа является большая картина «Лавакур» (1880, Музей изящных искусств, Даллас), предназначенная для Салона. Несмотря на то, что этот пейзаж был на редкость неудачно помещен в экспозиции (на высоте чуть ли не шести метров от пола, в тесном окружении других работ – подобная нелепая развеска картин всегда практиковалась в Салонах), он был отмечен критиками. Один из них (Шенневьер) написал даже, что «светлая и ясная атмосфера заставила казаться чёрными все другие соседние пейзажи в этой галерее Салона». Впрочем, к этому времени импрессионизм уже завоевал прочное место – во всяком случае, в сознании критики.

Даже такой принципиальный «ниспровергатель» Моне, как известный писатель-символист Ж. К. Гюисманс, изменил своё отношение к художнику после седьмой выставки импрессионистов (1882): «Как правдивы у него пена на волнах, попадающих в луч света, реки, переливающиеся тысячами оттенков предметов, которые они отражают; в его полотнах холодное дыхание моря напоминает трепетанье листвы, легкий шелест травы… именно ему и его собратьям импрессионистам, мастерам пейзажа, мы должны быть признательны за возрождение искусства живописи. Господа Писсарро и Моне вышли наконец победителями из тяжелой борьбы. Можно сказать, что в их полотнах разрешена сложная проблема света…».

Характеристику Гюисманса можно отнести к тому этапу творчества Моне, который сам художник считал пройденным. Поиск новых тем и образов приводит его к созданию целого цикла натюрмортов, исполненных в начале 1880-х годов; как и пейзаж, этот жанр был для Моне излюбленной областью творчества. «Лепешки» (1882, частное собрание, Париж)- образец типично импрессионистической композиции, где связь между предметами и даже их расположение кажутся случайными (некоторые срезаны краем рамы). Увиденный с близкого расстояния, этот фрагмент неживой природы воспринимается как пейзаж с невыраженной четко (и потому бесконечной) глубиной, где белая скатерть с холодными голубыми рефлексами похожа на заснеженное пространство. Лучшие из натюрмортов этого времени- изображения цветов и фруктов. Их декоративная линеарность, вписанная в узкий вертикальный формат («Георгины» и «Белый мак», 1883, частные собрания), предвосхищают рождение стиля модерн (ар нуво) во французском искусстве.

В 1880-е годы Моне довольно часто обращается к «чистому» портрету – обычно это погрудное изображение на нейтральном фоне. Моне не был мастером психологического портрета в том значении слова, которое применимо к Э. Мане или Э. Дега. Точнее было бы сказать, что он никогда не стремился переступить ту черту, которая привела бы к проникновению во внутренний мир другого человека. Портреты Моне характеризуют прежде всего его собственную внутреннюю замкнутость и эмоциональную сдержанность; он наделяет портретируемых своим настроением, и это придает им оттенок холодноватой отчужденности. Модели портретов Моне неизбежно погружены в себя, они бездейственны (несмотря на живость кисти художника), отъединены от окружающей среды и словно пребывают в невещественном мире. Прекрасным образцом такой автохарактеристики является «Автопортрет в берете» (1886, частное собрание, Париж).

Все кто начинают знакомиться с миром искусства, рано или поздно испытывают когнитивный диссонанс по поводу фонетического происшествия у двух французских художников. Сказать что этих мастеров часто путают — ничего не сказать, их просто не различают, а многие думают что это вообще один человек. Этих людей можно понять, ведь Моне и Мане жили в одно время, родились в одном городе и даже дружили.

О ком рассказать в первую очередь? История известности их настолько пропитана фонетикой, так что придется идти по алфавиту. Различие в их фамилиях всего лишь в одной букве, второй по счету, буква «А» первая, поэтому справедливо начать с Мане. По мере знакомства с этими художниками, вы поймете, что они очень разные и абсолютно индивидуальные личности. Сложно сказать чей вклад в живопись был весомее, но сейчас Клод Моне является более популярным и узнаваемым художником, чем его друг. Стоит заметить, что как только Моне приехал в Париж из Гавра, он искал встречи и знакомства с Мане, Ренуаром, Базилем и другими уже именитыми импрессионистами на то время.

Эдуард Мане (Édouard Manet)

1832 - 1883 (51 год)

Эдуард Мане, автопортрет.

Родился в приличной семье, его отец занимал крупный чин в министерстве юстиций, а мать была дочкой французского дипломата и консула. После школы он хотел стать мореходцем, но экзамены оказались для него слишком сложными. Провалив тесты, он не отчаивался, и отправился в учебные плаванья при морской школе. Но уже тогда он сильно сомневался в том, что ему нужно море, его все сильнее тянуло к краскам и холсту. Естественно его родители были против, но отец дал ему шанс, чтобы Мане за время учебного путешествия практиковался с рисовании. По прибытию в Париж, Эдуард показал отцу свои работы и на удивление, родня их приняла очень тепло. Таким образом, он поступил в школу изящных искусств, потом были мастерские различных художников, одним словом закончил своё обучение ровно через декаду, в возрасте двадцати семи лет.

Эдуард Мане, «В лодке»

В силу того, что этот материал не биографический, нужно перейти к его стилю рисования. Эдуард отличается тем, что он рисовал более реалистичные картины, с правильными контурами и цветами. Он любил изображать людей, и у него это хорошо получалось, в отличии от своего визави. Мане входил в Батиньольскую группа, в ней было множество деятелей искусств того времени, в основном художники-импрессионисты. Дега, Ренуар, Моне, Писсарро - все они состояли в этой группе, уважали и считались с мнением Эдуарда. Но настоящее признание пришло спустя многие годы, когда художник уже был неизлечимо болен. Будучи практически прикованным к креслу, он нарисовал картину «Бар в „Фоли-Бержер“» , после которой его мастерство было признано официально в Салоне 1882 года. Спустя год ему ампутировали ногу, и через несколько дней он умер в агонии от боли.

«Бар в „Фоли-Бержер“»

Клод Моне (Oscar-Claude Monet)

1840 - 1926 (86 лет)

Клод Моне, автопортрет.

Родился в семье бакалейщика, его отец мечтал о том, чтобы Клод продолжил его дело и хотел передать ему свою бакалейную лавку. Копеечка на жизнь его семье давалась непросто, а свою юность Моне отмечает практически бродяжной и очень непростой. Он был очень свободолюбивым мальчиком, любил природу и часто убегал к морю. Если он и появлялся в школе на уроках, то он больше разрисовывал тетрадки, вместо того, чтобы вести конспект. К 15-ти годам он уже был известен на всю округу, все знали его как молодого карикатуриста и остроумного парня. Ему поступало много заказов, ему пришлось сделать волевое решение, он выставил очень внушительный ценник на свои работы, это придало ему некой скандальности. Но ожидаемо, что карикатуры быстро ему надоели, и он начал рисовать то что он действительно любит - природу во всей её красе. Вскоре его работы признала вся Франция, он отличался от художников тем, что его плохое зрение позволило рисовать картины совершенно невообразимыми цветами красок. Прошло совсем мало времени, как им заинтересовалась вся культурная Европа. Моне состоялся как художник в полной мере именно как пейзажист, который благодаря своему дефекту и болезни (катаракта) открыл новый жанр живописи. Если бы у него было стопроцентное зрение, то он никогда бы не создал свои шедевры, жанр которых журналисты назвали как «импрессионизм».

Клод Моне, «Антиб, послеполуденный эффект»

Слава и признание позволило ему переехать в городок Живерни, где он создал свои легендарные сады, которые цвели круглый год. Он сделал это специально, причина понятна сразу - чтобы было что рисовать, и на что посмотреть независимо от поры года. Сейчас это место является музеем под открытым небом и культовым культурным местом Франции. Дополнительно вы можете прочитать про сады Живерни в материале