Женщины художники знаменитые русские. Известные художники (женщины)

Давайте поговорим о «Женщинах художницах» и о том, что под этим термином подразумевается.

Вот некоторые вещи в мире искусства, о которых я знаю:

В 2013 году каждый художник в топе-100 аукционных продаж был мужчина.
В 2014 году не было ни одной женщины в топ-40.
В 2015 году, только пять из 34 художественных галерей хвастались списками, в которых женщины составляют более 50 процентов. И это в Америке - лидере мировой демократии!

Меньше четырех процентов художников в современном искусстве в коллекции Метрополитена в Нью-Йорке работы женщин, но, внимание(!) - 76% из полотен - обнаженные или полуобнаженные женщины. С 2007 года, только 29 процентов персональных выставок в музее Уитни в были посвящены женщинам -художницам.

Мужчины художники по-прежнему увековечивают миф, что женщины плохие художники: "Даже если в занятиях живописью в художественной академии более 90 процентов составляют женщины, это факт, что очень немногим из них удастся стать по-настоящему мощными художниками", сказал Георг Базелитц в этом году.

"Если женщины достаточно амбициозны, чтобы добиться успеха, они могут сделать это, спасибо. Но до сих пор, они не смогли доказать, что они хотят успеха. Как правило, женщины продают себя хорошо, но не как художники".

Это просто цифры, да, и я смогла их найти в обзорах американского искусства. Такая же удручающая картина в искусстве и у нас.
Я приветствую более полный статистический обзор (хотя сомневаюсь, что это будет другая история), и если у вас есть другие цифры - пишите. Но сегодня четко прослеживается одно - Реальность такова: женщины недостаточно представлены в мире искусства.

Маленький вопрос: почему так мало женщин - уличных художников? Их единицы, в то время, как мужчин в этой области сотни! Те художницы, которых мы сегодня знаем, не хуже, а иногда и лучше Бенкси. Получается, что для достижения успеха в стрит-арте женщинам надо серьезно превосходить мужчин - только тогда их заметят. Но только ли в этом направдении?

Термин "художница" обязательно подчеркивает женское авторство какой-либо работы, выполненной ею.

Разделяя женщин художников и мужчин, критик может сказать, что к «женскому искусству» надо подходить с другой меркой. Но подход с другой меркой означает в первую пренебрежение и завышение планки для женщин.

Рут Asawa родилась в 1926году, Калифорния. Получила прозвище "леди Фонтан" из-за склонности к проектированию необычных фонтанов, в частности, в Сан-Франциско. В начале своей карьеры, она научилась вязать крючком скульптуры из проводов, создавая произведения, в которых сочитался реализм и абстракция.

Вивианна Торунь часто упоминается как одна из самых известных ювелиров Швеции, мастер ювелир с личным стилем. Она общалась с Пикассо и Матиссом в парижских салонах.

Используя понятие гендера как фильтр, через который мы анализируем искусство, мы вносим ограничения.

Есть художники, которые твердо заявляют, «Я не считаю себя девушкой художницей, я просто художник». И это совершенно законное высказывание для человека.

Женщины художники являются просто художниками. Но не сегодня. Сегодня женщина в искусстве это человек, чье творчество оценивают по гендерному принципу. Сегодня женщин меньшинство в искусстве.

И выбор профессии, который они делают это право, а не привилегия.

Теперь можете закидывать меня тапками, но то, что здесь написано - это всего лишь, правда.

Вопрос, почему в истории искусств не было великих художниц, до сих пор не теряет актуальности, хотя арт-критик Линда Нохлин ответила на него еще в 1971 году в одноименном эссе. Наша редакция, со своей стороны, решила вспомнить художниц прошлого, которые занимались живописью, скульптурой, работой по ткани — словом, искусством, несмотря на недоступность образования, отсутствие прав и пренебрежение современников.

Плаутилла Нелли (1524-1588)
Италия

Плаутилла Нелли. Святая Екатерина с цветком. Courtesy of The Uffizi Gallery

Первая известная флорентийская художница эпохи Возрождения была монахиней флорентийского монастыря Святой Екатерины Сиенской, а впоследствии стала его настоятельницей. В отличие от большинства монастырских художниц, ее творчество не ограничивалось иллюстрацией манускриптов — она писала многофигурные полотна большого формата на религиозные сюжеты, причем живописи она училась самостоятельно, копируя работы других мастеров. Художница, надолго забытая историей искусств во многом из-за небольшого количества сохранившихся произведений, была тем не менее довольно популярна в свое время. Например, Джорджо Вазари отмечал ее работы в «Жизнеописаниях наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». Причем он, вполне в духе феминистской критики искусства, писал, что Плаутилла Нелли «могла бы создать чудесные вещи, если бы она, подобно мужчинам, имела возможность учиться и заниматься рисунком и воспроизводить живую натуру». Работы художницы можно увидеть в Галерее Уффици, где в рамках долгосрочной выставочной программы по исправлению исторической несправедливости к женщинам открылась выставка «Плаутилла Нелли. Монастырское искусство и благочестие по следам Савонаролы» (до 4 июня).

Катерина ван Хемессен (1528 — после 1587)
Нидерланды

Катерина ван Хемессен. Портрет женщины. Courtesy of Rijksmuseum, Amsterdam

Фламандская художница была дочерью довольно известного мастера Яна ван Хемессена, который и обучил ее живописи. В основном писала портреты, но сохранились и ее картины на религиозные сюжеты (писать их было более престижно, чем жанровые вещи). Ей принадлежит один из самых ранних в Северной Европе автопортретов за работой (подчеркивать общественное положение художника было не принято, как и демонстрировать рабочие инструменты). Художница была достаточно успешна в свое время: она входила в гильдию Святого Луки и даже имела трех учеников. Позднее, примерно в 1540-х годах, Катерина ван Хемессен стала придворной художницей Марии Австрийской. Высокое покровительство обеспечивало ей свободу от контроля гильдии и приличное содержание, а после смерти Марии Австрийской в 1558 году Катерина ван Хемессен получала пенсию, обеспечивавшую ей комфортное существование.

Софонисба Ангвиссола (около 1532 — 1625)
Италия

Софонисба Ангвиссола. Courtesy of The Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

Софонисбу Ангвиссолу от многих профессиональных художниц отличает происхождение: она родилась в аристократической семье, в то время как большинство ее коллег были дочерями художников, которые и обучали их ремеслу. Как и все пять ее сестер, она получила разностороннее образование, включавшее живопись, по одной из версий, из-за того, что в семье долго не рождался наследник, а обеспечить шестерых дочерей приданым было сложно. Преуспеть в профессиональном занятии живописью, впрочем, удалось только Софонисбе, в немалой степени благодаря активному содействию отца, просившего о поддержке молодой художницы авторитетных мастеров, в том числе Микеланджело. В качестве придворной художницы она почти 15 лет служила при испанском дворе, где имела высокий статус, судя по тому, что перед ее возвращением в Италию король Филипп II выбрал ей в мужья состоятельного сицилийского аристократа и обеспечил приданым. Художница специализировалась на портрете, поскольку не могла состязаться с мужчинами в изображении многофигурных композиций: женщинам было запрещено изучать обнаженную натуру. В своих работах она совмещала традиции итальянского и испанского портрета, из-за чего многие картины Ангвиссолы в XIX веке, когда интерес к ее творчеству практически пропал, ошибочно приписывались Алонсо Санчесу Коэльо, работавшему при испанском дворе приблизительно в тот же период, Джованни Морони и даже Тициану. Первая большая персональная выставка художницы состоялась только в 1994 году, примерно на это же время пришлась реабилитация ее имени в истории искусств.

Мариетта Робусти (около 1560 — 1590)
Италия

Мариэтта Робусти. Автопортрет. Courtesy of The Uffizi Gallery

Старшая дочь Якопо Робусти, больше известного как Тинторетто. Художник сам обучал ее, и впоследствии она работала в его мастерской. Биограф Тинторетто Карло Ридольфи писал, что Мариетта в детстве переодевалась в мальчика, чтобы везде сопровождать отца. О ее жизни известно немного, как и о творчестве. Сохранилась всего одна точно атрибутированная работа Мариетты Робусти — «Портрет пожилого мужчины с мальчиком» (около 1585), долго считавшаяся полотном Тинторетто, пока в 1920 году на нем не обнаружили монограмму художницы. Идентификацию ее произведений затрудняет схожесть манеры с отцовской и отсутствие достоверных описаний того, в создании каких именно работ художника она принимала участие. Об успешности Мариетты можно судить по тому, что дважды ее приглашали стать придворной художницей — Филипп II и Максимилиан II, и оба раза отец не отпустил дочь, а уехать по своей воле она не имела права. Вместо службы при дворе Тинторетто выдал ее замуж за венецианского ювелира Якопо Аугуста. Небольшое количество сохранившихся работ объясняется и непродолжительностью жизни художницы: она умерла в возрасте примерно 30 лет, предположительно при родах.

Юдит Лейстер (1609-1660)
Нидерланды

Юдит Лейстер. Автопортрет. Courtesy of National Gallery of Art, Washington DC

Почему Юдит Лейстер стала художницей и у кого она училась живописи (ее отец был пивоваром), неизвестно. Однако в 1633 году она вступила в харлемскую гильдию Святого Луки и стала в ней единственной женщиной, у которой была собственная художественная мастерская и ученики мужского пола. В 1636 году художница вышла замуж за своего коллегу Яна Минсе Молинара и практически перестала заниматься живописью, по крайней мере самостоятельно. Творческое наследие Юдит Лейстер, писавшей в основном жанровые сцены, как это часто случалось с художниками-женщинами, после ее смерти практически растворилось: многие работы были утеряны, еще часть приписывалась другим авторам. Например, «Веселая пара» (1630) до 1893 года считалась одной из лучших работ Франса Халса, и именно под его именем картину купил Лувр. А амстердамский Рейксмузеум приобрел в качестве одной из самых известных работ того же Халса ее «Веселого хозяина» (1629).

Мэри Бил (1633-1699)
Великобритания

Мэри Бил. Портрет неизвестной. Courtesy of Moyse"s Hall Museum

Мэри Бил считается первой профессиональной художницей Англии, и, что особенно примечательно, именно ее труд приносил основной доход семье. Муж художницы помогал ей в мастерской и занимался административной частью работы. В свое время она считалась одной из лучших портретисток Англии, ее картины высоко оценивал популярный тогда придворный художник Питер Лели, с которым она дружила и чье художественное влияние испытала.

Мэри Мозер (1744-1819)
Великобритания

Мэри Мозер. Натюрморт. Courtesy of British Royal collection

Менее известная современница Ангелики Кауфман была второй женщиной-основательницей Королевской академии художеств. На знаменитом групповом портрете академиков (1771-1772) Иоганна Цоффани она представлена портретом рядом с изображением Кауфман — женщины-академики, очевидно, не могли участвовать в сцене с обнаженными моделями-мужчинами, поэтому художник обозначил их присутствие портретами. Как и Кауфман, Мэри Мозер имела швейцарское происхождение, правда, в отличие от первой, родилась в Лондоне, в семье художника Джорджа Майкла Мозера, чьи связи в немалой степени помогли карьере его дочери. Первую медаль Королевского общества искусств она получила в 14 лет за рисунки цветов. На изображении цветочных натюрмортов она сосредоточилась и в дальнейшем, став одной из всего лишь двух художников с такой специализацией в академии.

Мари-Дениз Вильер (1774-1821)
Франция

Мари-Дениз Вильер. Рисующая молодая женщина. Courtesy of Metropolitan Museum of Art

Как это часто бывало с художницами, работы Мари-Дениз Вильер практически не сохранились, а биография известна отрывочно. Ее сестры также занимались живописью, сама она обучалась у Анн-Луи Жироде-Триозона и, возможно, у Жака Луи Давида, который не только брал в ученицы женщин, но и поощрял их интерес к историческим сюжетам. Он подталкивал художниц к участию в салонах, куда после Великой Французской революции им был открыт широкий доступ. Мари-Дениз Вильер в салонах участвовала неоднократно, однажды удостоившись премии в 1,5 тыс. франков. Копию ее представленной на одном из салонов картины «Ребенок в колыбели, уносимый наводнением месяца нивоз X года» заказывал князь Николай Юсупов для Архангельского. Cамая известная картина Вильер «Рисующая молодая женщина» (1801) из Метрополитен-музея долгое время считалась работой Давида и прошла целую серию переатрибуций — от Франсуа Жерара до другой ученицы Давида, Констанс Карпентье.

Роза Бонер (1822-1899)
Франция

Роза Бонёр. Пахота в Невере. Courtesy of Musée d"Orsay

Была, пожалуй, самой успешной художницей XIX века и одним из наиболее известных художников-анималистов. Ее отец — учитель рисования — принадлежал к школе сенсимонистов, провозглашавших идеалы женского равенства. «Почему я не могу гордиться тем, что я женщина? Мой отец, ярый приверженец гуманизма, много раз говорил мне, что роль женщины — возвысить род человеческий, что женщина есть Мессия грядущих веков. От него, из его учения я узнала о великом, благородном предназначении пола, принадлежностью к которому я горжусь и независимость которого буду отстаивать до последнего дня моей жизни…» — говорила Роза Бонер. Вся ее жизнь шла вразрез с традиционными представлениями о женственности: она не вышла замуж, объясняя отказ от брака нежеланием терять независимость, носила брючный костюм (оправдывала спецификой работы с животными) и жила с женщинами, хотя лесбиянкой себя никогда не называла. Международный успех пришел к ней после показа на Салоне в 1853 году полотна «Ярмарка лошадей». Позднее королева Виктория организовала приватный показ этой картины в Букингемском дворце, и вообще в Великобритании работы Бонер пользовались даже большей популярностью, чем в ее родной Франции. Впрочем, на родине она стала первой художницей, получившей орден Почетного легиона, а среди других ее наград были испанский орден Изабеллы Католической и орден Леопольда Бельгийского, что подтверждает ее международную известность.

Марианна Норт (1830-1890)
Великобритания

Марианна Норт. Nepenthes northiana. Phillips, A., A. Lamb & C.C. Lee Publishing 2008

Путешественница и ботанический иллюстратор, Марианна Норт не была художницей в строгом смысле слова: она не получила профессионального образования. В детстве и юности Марианна часто посещала Королевские ботанические сады Кью, директор которых был другом ее отца, где изучала тропическую флору. После смерти родителя Марианна Норт, которой на тот момент было почти 40 лет, получила солидное наследство, оно позволило ей не выходить замуж и путешествовать почти всю оставшуюся жизнь. К браку она питала глубокое отвращение, считая, что он превращает женщину в «кого-то наподобие старшей прислуги». Почти четверть века, с 1871 по 1885 год, она посвятила путешествиям по всему миру и изображению растений. Свои находки Норт писала маслом, хотя жанр ботанической иллюстрации подразумевал графику, и изображала растения в их естественной среде, а не на белом фоне, как было принято тогда. В отсутствие цветной фотографии ее работы с тщательно прорисованными деталями были полезны в научных целях. Своими ботаническими находками Марианна Норт делилась с Чарльзом Дарвином, а работы передала Королевским ботаническим садам Кью, где на ее же средства специально для них была построена галерея.

Харриет Пауэрс (1837-1911)
США

Харриет Пауэрс. Библейское полотно. Courtesy of Museum of Fine Arts, Boston

Харриет Пауэрс родилась в рабстве на территории штата Джорджия. Она совмещала традиционную американскую технику квилта с аппликацией, имеющей восточноафриканские корни, и создавала уникальные лоскутные полотна. Сохранились всего две ее работы, в которых она обращалась к библейским сюжетам, местным легендам и, по не до конца понятным причинам, астрономическим явлениям. Первое ее произведение — «Библейское полотно» (1885-1886) — купила художница Дженни Смит, заметив его на выставке хлопка в Атенсе в 1886 году. Тогда Пауэрс отказалась расставаться с работой, однако четырьмя годами позже из-за финансовых трудностей была вынуждена продать ее, пояснив смысл изображенных сюжетов: все они были взяты из Библии. Сюжеты второй из известных работ Харриет Пауэрс позаимствованы не только из Библии, но и из легенд, в ней она также изобразила стихийные бедствия и даже некоторые события американской истории. После отмены рабства у Пауэрс и ее мужа была небольшая ферма и примерно полтора гектара земли, но в 1890-х благосостояние семьи стало ухудшаться, муж начал продавать землю, а потом и вовсе бросил жену с детьми. Больше она замуж не выходила и до конца жизни, скорее всего, жила на доходы от шитья.

Мэри Кассатт (1844-1926)
США, Франция

Мэри Кэссет. Чаепитие. Courtesy of Museum of Fine Arts, Boston

Большую части жизни проведя во Франции, Мэри Кассатт была одной из первых женщин (и единственной американкой), примкнувших к находившимся на тот момент в оппозиции к официальному искусству импрессионистам. Несмотря на вполне академическое художественное образование (она училась у салонного художника Жана Леона Жерома и сама неоднократно выставлялась на Салоне), Кассатт приняла приглашение Эдгара Дега присоединиться к независимой группе художников. Под влиянием Дега изменила технику письма и тематику своих работ, начав писать в основном матерей с детьми, которые и стали главным мотивом ее творчества. Помимо непосредственно живописи, Кассатт выступала в роли арт-консультанта коллекционеров. Благодаря ее советам собрание Генри Осборна Хэвемайера и его жены Луизины, большая часть которого сейчас хранится в Метрополитен-музее, пополнилось работами Дега, Эдуарда Мане, Камиля Писсарро и Клода Моне.

Эмилия Шанкс (1857-1936)
Россия, Великобритания

Эмилия Шанкс. Новенькая в школе. Государственная Третьяковская галерея

Первая из двух женщин, принятых в Товарищество передвижных художественных выставок (второй была Антонина Ржевская), родилась в семье успешного английского предпринимателя Джеймса Шанкса, владельца ювелирной мастерской и магазина в Москве. Посещала Московское училище живописи, ваяния и зодчества в качестве вольнослушательницы, ее учителями были Владимир Маковский, Илларион Прянишников и Василий Поленов, с которым она продолжала дружить и после окончания училища в 1890 году. Параллельно живописи Эмилия Шанкс увлекалась фотографией, снимая в основном сельский быт и природу. С 1891 года выставлялась вместе с передвижниками, и уже в 1892 году ее работу «Новенькая в школе» высоко оценил Илья Репин, а Павел Третьяков приобрел ее в свою коллекцию. В 1894 году Эмилию Шанкс 15 голосами (больше, чем за Валентина Серова) избрали членом Товарищества передвижных художественных выставок. Накануне Первой мировой войны она вместе с семьей вернулась в Лондон, где продолжила выставляться в Королевской академии художеств.

Мария Башкирцева (1858-1884)
Россия, Франция

Мария Башкирцева. Зонтик. Courtesy of The Russian Museum

Известна в основном благодаря своему дневнику, особенно популярному в начале XX века: поклонницей Башкирцевой была Марина Цветаева, его высоко оценивали Валерий Брюсов и Сергей Андреевский. Большую часть жизни Башкирцева, родившаяся в Полтавской губернии, прожила во Франции, куда ее в детстве увезла мать после расставания с отцом художницы. Юная Мария хотела стать балериной, затем певицей и даже начала делать шаги в этом направлении, но в 16 узнала, что больна туберкулезом, а лет с 18-ти из-за болезни стала терять сначала голос, а потом и слух. Примерно тогда же Мария, больше всего мечтавшая о славе, решила заняться живописью и поступила в частную Академию Жюлиана (Национальная высшая школа изящных искусств была по-прежнему недоступна для женщин). Свое художественное образование она оценивала невысоко. «Я обречена на одиночество или на посредственность женской мастерской, — пишет она в дневнике. — Здесь вас не толкают вперед, не поощряют, и вы гниете на месте. Ах, почему я только женщина?» Она активно выступала против закрытости для женщин системы академического художественного образования и даже написала об этом статью в журнал «Гражданка» под псевдонимом Полин Орель. Тем не менее художница выставлялась на Салоне, а ее работы приобрел Лувр. Скончалась Мария Башкирцева в 25 лет от чахотки, успев создать около 150 картин, 200 графических работ и немного скульптуры, из которых сохранилась небольшая часть, многое погибло во время Второй мировой войны.

Мария Якунчикова (1870-1902)
Россия, Франция

Мария Якунчикова. Выполненное по эскизу художницы настенное лоскутное панно. Courtesy of Christie"s

Мария Якунчикова родилась в семье предпринимателя Василия Якунчикова и Зинаиды Мамонтовой. Савва Мамонтов приходился ее матери двоюродным братом, а родная сестра Зинаиды Вера была замужем за Павлом Третьяковым, так что шансов остаться в стороне от искусства у будущей художницы практически не было. Живописью она увлеклась уже в детстве — для обучения детей Якунчиковых был нанят художник Николай Мартынов. В 15 лет пошла вольнослушательницей в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и вскоре сблизилась с семьей Поленовых (ее старшая сестра Наталья в 1882 году вышла замуж за Василия Поленова), регулярно участвуя в их рисовальных вечерах. Особенно дружна Якунчикова была с младшей сестрой художника Еленой Поленовой, которая увлекалась народным искусством сама и увлекла Якунчикову. Когда Марии было 18 лет, у нее обнаружили туберкулез. Врачи рекомендовали сменить климат, и Якунчикова переехала в Европу, бывая с тех пор в России только наездами. В Париже она поступила в Академию Жюлиана, а приезжая на родину, жила и работала у Поленовых в Бехове и у Мамонтовых в Абрамцеве, где немало внимания уделяла декоративно-прикладному искусству, особенно керамике и выжиганию по дереву. В 1896 году вышла замуж за врача Леона Вебер-Баулера, через два года у них родился первый сын. В это же время Сергей Дягилев пригласил Марию Якунчикову принять участие в «Выставке русских и финляндских художников» и заказал ей обложку для журнала «Мир искусства». В 1900 году она участвовала в оформлении кустарного отдела русского павильона Всемирной выставки в Париже, где ее работа получила серебряную медаль. Но вскоре у сына Якунчиковой обнаружили туберкулез, а рождение в 1901 году второго ребенка подорвало ее здоровье окончательно — в 1902 году художница умерла. «Она была характерно-русской женщиной с типично-русским дарованием… Лишь только она начала развиваться как художница, она вышла замуж, затем — дети, затем — серьезная болезнь сына и, наконец, смерть. Якунчикова мало успела, особенно по сравнению с тем, что могла. Но во всем, что она, впопыхах, между детскими пеленками и шумом Парижа имела время сделать — она выказывала глубину чудесного дарования, чутья и любви к далеким от нее русскими лесам, этим „елочкам и осинкам“, к которым она относилась с каким-то благоговением и к которым стремилась всю жизнь», — писал о Якунчиковой Сергей Дягилев.

Эльза фон Фрейтаг-Лорингховен (1874-1927)
США

Эльза фон Фрейтаг-Лорингофен. Courtesy of Library of Congress

Эльза Плёц родилась в Германии в семье строителя и политика, который вел разгульную жизнь и бил ее мать. Заразившись сифилисом, последняя пыталась покончить с собой и позже умерла в психиатрической больнице. Как говорила Эльза, мать «оставила мне в наследство… борьбу». Она была трижды замужем и все три раза неудачно. Последний супруг Эльзы — Леопольд Карл Фридрих барон фон Фрейтаг-Лорингховен, за которого она вышла уже в Америке, сбежал, прихватив ее ничтожные сбережения и оставив ей свой титул и возможность войти в аристократические круги Нью-Йорка. Всю свою жизнь Эльза превратила в дадаистское произведение искусства: она писала стихи, устраивала перформансы, создавала скульптуры и коллажи из найденных на помойке предметов. Художник Джордж Бидл в 1917 году описывал ее комнату в Нью-Йорке как забитую «какими-то разрозненными железками, автомобильными шинами… урнами для мусора, наводившими ужас и отвращение, которые для ее истерзанного, но чрезвычайно чувствительного восприятия стали объектами прекрасного…» «Для меня ее комната была так же органична, как, например, студия Бранкузи в Париже», — говорил он. Существует теория, что легендарный «Фонтан» принадлежал именно руке Эльзы, а Марсель Дюшан всего лишь присвоил себе авторство — подробнее об этом можно прочитать в нашем материале.

Елена Киселева (1878-1974)
Россия, Югославия

Елена Киселева. Девушки на выданье. Courtesy of MRI

Елена Киселева, чьи работы стали известны широкой публике благодаря выставке в Музее русского импрессионизма (до 12 марта), имела все шансы войти в историю отечественного искусства: выпускница Императорской академии художеств, обучалась в мастерской Ильи Репина, стала первой женщиной, в 1907 году получившей заграничное пенсионерство, а в 1910 году принятой в Общество архитекторов-художников. Писала в основном портреты. «Композиция или пейзаж мне были мало интересны. Я всегда была портретисткой и страстно любила изображать красивых, интересных женщин», — признавалась Киселева. Забвению художницы немало способствовала эмиграция в Королевство сербов, хорватов и словенцев (будущую Югославию), куда она переехала с мужем в 1920 году. Об этом времени она писала: «Жизнь давно забрала меня всю целиком, и художницей я была как-то сбоку, в стороне. А главное, была очень сложная, трудная жизнь. А тут революция, война, беженство. В это трудное время у меня создалась новая семья, родился сын, — где уж тут было думать о художестве». После смерти сына в 1944 году она и вовсе перестала заниматься живописью. Наследием Елены Киселевой в конце 1960-х годов заинтересовалась воронежский искусствовед Марина Лунева, которая переписывалась с художницей и активно способствовала возвращению части ее работ на родину.

В российский прокат вышел новый фильм Тима Бертона «Большие глаза» - история американской художницы Маргарет Кин. Работы Маргарет, впрочем, были известны под именем ее супруга, убедившего жену, что полотна, созданные мужчинами, имеют куда большую коммерческую ценность. История эта реальная и действительно обусловленная ситуацией в мире искусства. Разбираемся, почему мы так мало знаем о художницах и почему их работы до сих пор стоят гораздо меньше созданных мужчинами.

Текст: Катя Савченко

Мария Башкирцева «В студии», 1881

С середины 60-х художницы стали задумываться о том, что отличает их от коллег-мужчин

Область прекрасного и нематериального сегодня представляется нам вполне естественной средой обитания для женщин, однако на протяжении веков в искусстве им была отведена роль музы, верной жены или патрона художника. Женщины существовали «рядом» с искусством, в то время как создание шедевров было прерогативой мужчины. Имена знаменитой меценатки маркизы Изабеллы д’Эсте и музы Боттичелли Симонетты Веспуччи вписаны в историю искусства Возрождения, но многие ли из нас вспомнят первую художницу Ренессанса Софонисбу Ангиссолу? Почему мировая художественная культура сохранила так мало упоминаний о художницах? Что это - историческая случайность, намеренная дискриминация или логичный результат многовекового доминирования мужчин в обществе?

В 1971 году американский историк искусства Линда Нохлин обратилась к этим вопросам в своем эссе «Почему не было великих художниц». С середины 60-х годов художницы стали по-настоящему задумываться о том, что отличает их от коллег-мужчин, и активно заявлять о праве выражать в искусстве свое особое, женское, видение мира. Написанная на злободневную в тот момент тему статья Линды Нохлин стала одним из ключевых текстов феминистского искусства.

Нохлин не дает однозначного ответа на вопрос, которым задается в названии исследования, и предполагает, что суть проблемы кроется в целом комплексе разных причин. Один из самых распространенных и логичных аргументов слабого присутствия художниц в истории искусства - отсутствие доступа к художественному образованию. В Средние века обучиться мастерству художника можно было, в основном перенимая знания по семейной линии, либо нанимаясь учеником к известным художникам. И тот и другой сценарий в судьбе девочек был, скорее, исключением из правил, не говоря уже о возможности приема в художественные школы, доступ в которые для женщин стал относительно открыт лишь в XIX веке. Тем не менее именно эти редкие случаи подарили миру ряд талантливых художниц.

Одна из самых широко известных женщин в классической живописи, художница итальянского барокко и последовательница Караваджо Артемизия Джентилески была дочерью художника Горацио Джентилески. Попав в детстве в мастерскую отца, она быстро продемонстрировала свое превосходство над братьями и впоследствии стала первой женщиной, принятой во Флорентийскую академию художеств. Ее современница и соотечественница Феде Галиция также обучилась навыкам живописи у отца - художника-миниатюриста - и прославилась выразительными портретами и мастерски исполненными натюрмортами.

Еще одним важным препятствием, которое не позволяло художницам на равных основаниях соперничать в мастерстве с мужчинами, был запрет на рисунки с обнаженной натуры. Запрет действовал вплоть до конца XIX века, и даже после его отмены долгое время подобные этюды не поощрялись. Британская художница Лора Найт стала первой, кто осмелился написать свой автопортрет за мольбертом перед обнаженной моделью, что спровоцировало скандал в британском обществе. Произошло это в 1913 году. Не удивительно, что в таких условиях женщинам было сложно соревноваться с мужчинами в изображении человеческого тела и они работали в основном в жанрах портрета, пейзажа и натюрморта.

Другим популярным объяснением служат социальные ограничения, которые контролировали жизнь женщины в обществе. Умеренность в манерах, высокая нравственность и служение интересам мужа ценились в девушке гораздо выше, чем творческий порыв. В своем эссе Нохлин цитирует пособие для благовоспитанных девиц от 1848 года, согласно которому «для девушки гораздо ценнее уметь делать несколько вещей пристойно, нежели демонстрировать мастерство в чём-то одном». Наконец, ряд теоретиков придерживался мнения, что женщины в принципе не могут быть гениями из-за своей слабости и излишней эмоциональности. Подобные высказывания встречаются, например, в философии Руссо, Канта и Шопенгауэра.

Слева: Лора Найт «Автопортрет с обнаженной», 1913. Справа: Лора Найт «Рассвет», 1936

Умеренность в манерах и служение интересам мужа ценились в девушке гораздо выше, чем творческий порыв

Наталья Гончарова «Зеленый лес», 1911

Расстановка сил на художественной сцене начала меняться лишь с наступлением XX века, когда женщины стали более активно обозначать свое место в обществе. Мир искусства также попал в их поле зрения. В начале XX века движение суфражисток совершило ряд диверсий в картинных галереях Великобритании. Самой известной из этих диверсий стало нападение на портрет сэра Генри Джеймса кисти Сарджента в Королевской академии искусств. 4 мая 1914 года суфражистка Мэри Вуд, вооружившись ножом мясника, с криком «Голоса женщинам!» атаковала портрет на глазах у публики. Позже она объяснила свой поступок желанием привлечь внимание к решимости женщин бороться за право голосовать и прокомментировала размер вмененной ей компенсации за ущерб словами: «Эта картина не стоила бы столько, если бы ее нарисовала женщина». К слову, с момента основания в 1768 году (притом что в числе основателей были две художницы: Анжелика Кауфман и Мэри Мозер) в Королевскую академию на протяжении 160 лет не приняли ни одну женщину.

Параллельно в начале XX века международную художественную общественность всколыхнуло рождение русского авангарда. Стремясь порвать с академизмом в любых его проявлениях, авангард предоставил возможность художницам высказаться подобно тому, как советский строй дал им право голосовать. Среди главных художников-авангардистов Наталья Гончарова, Любовь Попова и Александра Экстер почитаются наравне с Михаилом Ларионовым и Владимиром Татлиным.

Следующий этап покорения женщинами художественного мира наступил с формированием движения феминистского искусства в США 70-х годов. Присоединившись к общей волне протестных настроений, художницы-феминистки вместе с активистами движений за свободную любовь, права национальных меньшинств и против войны во Вьетнаме требовали пересмотра картины мира.

Интервью с куратором и участницей выставки «WACK: Art & The Feminist Revolution», 2007

Авангард дал художницам право высказаться так же, как советский строй дал им право голосовать

Исторически искусство создавалось мужчинами и предполагало взгляд на реальность именно с мужской перспективы. Джон Бергер описал абсурдность этой ситуации в своей знаменитой книге «Искусство видеть», критикующей стандартный подход к восприятию живописи. Он справедливо заметил: «Возьмите любое классическое произведение, изображающее обнаженную женщину. Попробуйте представить себе вместо женщины мужчину и подумайте, как это будет выглядеть». Художницы-феминистки видели свою задачу в пересмотре этой перспективы. Из объекта созерцания женщина стремилась стать созерцателем, отражать в искусстве свою сферу интересов, в частности, наблюдение самих себя. В своих работах они часто задавались вопросом о том, что значит быть женщиной в современном обществе, иметь женское тело, быть матерью и переживать раз в месяц менструальные циклы.

Борьба за равноправие позиций женщин и мужчин в искусстве была также направлена против доминирования художников-мужчин в музейных коллекциях. В 1977 году в Бруклинском музее прошла выставка «Художницы: 1550–1950», посвященная исключительно женскому творчеству. На выставке были представлены работы 83 художниц из 12 стран. Кураторами выступили также две женщины, одной из которых была вышеупомянутая Линда Нохлин. Масштаб выставки впервые наглядно продемонстрировал число художниц в истории искусства.

Казалось бы, равновесие наконец наступило. Художницы добились своего права учиться искусству наравне с мужчинами, выражать в любой художественной форме любые волнующие их вопросы, изображать обнаженную натуру и открыто демонстрировать публике свое тело, получать престижные художественные награды и устраивать ретроспективные выставки в крупнейших музеях мира. Однако результаты многих исследований доказывают, что силы мужчин и женщин в мире искусства по-прежнему не равны.

К примеру, в списке ста самых дорогих работ, когда-либо проданных на аукционе, составленном одним из главных аналитических ресурсов арт-рынка ArtNet, по-прежнему нет ни одной работы, созданной художницей. Самой дорогой картиной за авторством женщины, ушедшей с молотка, стала работа Джорджии О’Киф «Дурман» («Белый цветок № 1»), проданная за 44,4 млн долларов. Для сравнения, самая дорогая работа, когда-либо проданная на аукционе, была создана Полем Сезанном и оценена в 250 млн долларов. Проблема заключается не в степени талантливости «женского» и «мужского» искусства, а в том, что второе институциализировано куда дольше и не в последнюю очередь это влияет на его стоимость.

Справедливость рыночной оценки искусства можно ставить под сомнение, но факты остаются фактами: например, что в Лондонской национальной галерее из коллекции в 2300 работ лишь 11 созданы женщинами, а среди числа художников, которых представляет Tate, 83 процента - мужчины. Впрочем, есть основания верить, что ситуация меняется и изменится, и для начала нам не помешает хотя бы больше знать о женщинах, оставивших свой след в искусстве.

Guerrilla Girls «Должны ли женщины быть обнаженными, чтобы оказаться в музее?», 2004

— женщины славянского происхождения и создали многие шедевры живописи , скульптуры, литературы и музыки.

Мария Башкирцева

Её главная заслуга заключается в том, что она стала первой из разряда « », чьи картины приобрёл Лувр. Она родилась на Полтавщине в 1860 году. Многочисленные таланты девочки проявились рано. За короткий срок она практически сама овладела четырьмя современными и двумя древними языками. Это дало ей возможность знакомиться в оригинале с произведениями античных авторов и классиков мировой литературы. Далее девочка легко научилась играть на гитаре, мандолине, арфе и рояле. Кроме того, Бог наградил её удивительно сильным голосом. Но после тяжёлой болезни горла мечты о сцене пришлось оставить навсегда. Поразмыслив некоторое время, Мария Башкирцева решила стать художницей. Академия живописи дала ей все необходимые знания. Но девушка серьёзно занималась и самообразованием. Довольно скоро её картины заметили и стали хвалить искусствоведы в прессе. Правда, вместе с успехами всё хуже становилось состояние её здоровья. Мария ушла из жизни в октябре 1884-го, не дожив двух недель до очередного дня рождения. На следующий год французское общество женщин-художниц и скульпторов устроило первую посмертную выставку ее произведений. Спустя ещё время по инициативе и на средства голландских живописцев состоялась выставка ее работ в Амстердаме. В 1887 году вышли в свет её дневники. Эта публикация стала одной из самых читаемых. Европейская художественная критика увидела в Башкирцевой яркую личность, многогранно талантливую женщину из загадочной России.

Анжелика Кауфман

Отец Анжелики работал на заказ, выполняя заказы по украшению и росписи провинциальных церквей. В семье довольно часто случались переезды. Причём, не только по городам, но и по странам. С девяти лет ребёнок уже довольно сносно рисовал карандашом и даже маслом. Побывав в Италии, юное дарование поразили шедевры живописи великих мастеров. После этого желание Кауфман стать художницей утвердилось. В 1765 году её приняли в члены Академии св. Луки. А спустя пару лет Анжелика стала ещё и членом Французской королевской академии, куда принимали только самых достойных. Кстати, до того времени туда не принимали ни одну женщину. Портреты и пейзажи её кисти буквально светились талантом! Выполненный Анжеликой портрет Гёте считается одной из лучших работ. За время жизни вокруг неё плелись всевозможные интриги, созданные влюблёнными в художницу мужчинами. Она прожила 66 лет и скончалась в 1807 году.

Зинаида Серебрякова

Родилась в 1884 году. В семье Зинаиды трудно было не стать художником. Мать Зинаиды был родной сестрой Александра Бенуа. Девочка всё время слышала разговоры о великой роли искусства в жизни людей и посещала многочисленные выставки . Все родственники были творческими людьми и занимались работой по своему призванию. Автопортрет Серебряковой появился в 1909 году и был высоко оценён на выставке Союза русских художников. Более того — картину приобрела Третьяковская галерея. Рано оставшись без мужа и с четырьмя детьми, Зинаида была надолго отброшена от карьеры художницы. До тех пор, пока не состоялась большая выставка в США, где её картины были куплены за достаточно большие суммы. В Париже, куда переехала художница, за ней прочно закрепилась слава великой портретистки. Но помешал настоящий бум на абстрактное искусство, и поэтому многие её работы оказались незамеченными. После Второй мировой войны Серебрякова вознамерилась вернуться на родину. Но что-нибудь постоянно мешало это сделать: то оформление документов, то болезни. Незадолго до смерти состоялась персональная выставка её картин, которая привела в настоящий восторг всех посетителей и критиков. В 1967 году Зинаиды Серебряковой не стало.

Мари Тюссо

Она появилась на свет в Страсбурге в 1761 году. В детстве её окружение было крайне маленьким. Сказывался тот факт, что отец Мари был палачом. Вскоре оказалось, что её родным отцом был скульптор Филипп Кертис. Именно он в 1770 году основал Музей восковых фигур. Заказам Кертиса по лепке фигур из воска просто не было отбоя. Вскоре дочка стала преуспевать в технологии лепки и помогать отцу. Первые статуи в виде фигур Вольтера и Франклина были сделаны ею в 17-летнем возрасте. Кстати, они до сих пор украшают музей. Одновременно талантливая девушка достигла успехов в рисовании, шитье и моделировании причесок. В 1794 году Кертис умер и завещал всю восковую коллекцию своей дочери. Мари унаследовала не только коллекцию, но и его дело. А вскоре она вышла замуж за французского инженера Франсуа Тюссо. Единственное, что принесло Мари пользу от этого брака — это фамилия. Несмотря на периодически неудачи в судьбе, Мари упорно работала, а слава о ней разрасталась. Почти всю жизнь она хотела иметь свой собственный музей, в котором можно было бы поместить все фигуры. И только незадолго до смерти мечта осуществилась. После смерти мадам Тюссо в 1884 году дело продолжил её внук, а затем и последовавшие потомки.

Камилла Клодель

Ровно в 18 лет никому ещё неизвестная девушка приехала покорять Париж. Но школа изящных искусств закрыла перед ней двери. Камилла не отчаялась и организовала курсы скульптуры. Через некоторое время наставник показал её работы директору той самой школы. Он одобрил эти работы, но сказал, что стиль очень похож на Роденовский. По иронии судьбы именно Роден стал новым наставником на курсах. Не прошло и года как Клодель и Роден сдружились и стали не только тесно общаться, но и работать вместе в одной мастерской. Конечно, рождение романа было неизбежным. Но проработав с Роденом долго время, работы Камиллы всё время сравнивали со скульптурами её «учителя». В 1896 году Она окончательно порывает с ним всяческие отношения. Тем не менее такие скульптуры как «Забвение», «За разговором», «Вальс» были выполнены мастерски и спустя десятилетия получили массовое одобрение у знатоков искусства. Но даже после смерти художницы в 1943 году, оставшиеся работы были помещены в отдельный зал музея Родена.

Много ли имен женщин вы вспомните, если разговор пойдет о визуальном искусстве? Если задуматься, то ощущение, что мужчины полностью заполонили эту нишу, не покидает… А ведь такие дамы есть, и их истории поистине необычные. В этой статье речь пойдет о самых знаменитых художницах мира: Фриде Кало, Зинаиде Серебряковой, Яеи Кусама. А история 76-летней бабушки Мозес просто уникальна!

В статье речь пойдет о десяти женщинах, которые покорили мир искусства своей самобытной живописью, живостью полотен, оригинальным виденьем мира, способностями практически оживить глину в скульптуре. Пусть их немного, но знать о них обязан каждый образованный человек. В этой подборке вы, скорее всего, откроете новые для себя имена и сможете убедиться, что прекрасный пол в искусстве проявил себя ничуть не хуже, чем мужчины. Далее вы увидите список знаменитых художниц.

1. Яеи Кусама — самая знаменитая художница мира из ныне живущих

Речь о японской женщине-художнице, которая покорила мир своими работами. Бешеная популярность пришла к ней в 2014 году. Ее работы выставляются в Музее Хиршхорна и саду скульптур Смитсоновского института. Что любит изображать японка? Ее картины и инсталляции — это пестрые тыквы, свисающие глобусы, узоры в горошек.

На сегодняшний день популярность художника в мировом масштаба определяется исключительно по количеству людей, которые покупают билеты на выставки, - именно так считает британское издание The Art Newspaper. В 2014 году ретроспективу художницы, которой уже 86 лет, посетили в Бразилии два миллиона людей. Выставка имеет название «Бесконечная одержимость».

В экспозиции были невероятных размеров инсталляции, декорированные зеркалами и рисунком в горох. Работы самой знаменитой художницы-японки выставляются периодически по всему миру. Что самое интересно, автор уже 10 лет добровольно проживает в психиатрической лечебнице. Там она и работает над своими необычными экспонатами.

Японка творит в жанрах:

• живопись;
• коллаж;
• скульптура;
• перформанс;
• инсталляция;
• хеппенинг.

Стили, которые она использует в своих работах:

• арт-брют;
• поп-арт.

Она занимается живописью, делает невероятные коллажи, создает инсталляции и мягкие скульптуры. Одна из ее работ была продана за 5 100 000 $ и побила все рекорды в цене на произведения современного искусства.

2. Фрида Кало — темпераментная мексиканка

На втором месте в нашем рейтинге стоит Фрида - одна из самых знаменитых женщин-художниц мира. Сложно представить себе судьбу более драматичную, чем у нее. Знаменитая мексиканская художница в детстве переболела полиомиелитом. В результате одна нога ее стала короче другой. Но девочка с бунтарским духом не хотела, чтобы люди видели в ней калеку. Она тщательно скрывала свое увечье. Для этого она носила много пар чулок на одной ноге, а также специальные туфли. Фрида старалась ничем не отличаться от сверстников: играла в футбол, заводила дружбу, влюблялась.

В юности судьба снова больно бьет Фриду. Она попадает в аварию. Автобус, на котором она едет, сталкивается с трамваем. Ее буквально собирают по кускам. Год она лежит в постели практически неподвижно. Чтобы как-то скоротать время, Фрида начинает рисовать. Она пишет картины в жанре живопись и гравюра. Стили, в которых творит художница:

• реализм;
• сюрреализм;
• символизм.

Так как она почти никого не видит, кроме себя в зеркале, которое прикреплено к потолку, то в этот период она создает исключительно автопортреты. Всего за свою жизнь она напишет их 60 штук. Все они очень яркие.

«Сломанная колонна»

Девушка стала на ноги, что, по мнению врачей, было чем-то невероятным. От них она узнает, что теперь ей всю жизнь придется носить поддерживающий корсет. Этот факт отражен в ее картине «Сломанная колонна», которая была написана в 1944 году.

День страшной трагедии, которая сломала всю ее жизнь, она запечатлела на полотне, написанном в 1929 году. Оно называется «Автобусная остановка». Среди людей, ждущих злополучный автобус, находится и сама еще ничего не подозревающая Кало.

Воплощение мечты о большой любви

Железобетонная воля Фриды сделала свое дело, и 22-летняя девушка возвращается к нормальной жизни. Она решает, что ей нужно учиться, и поступает в Национальный институт. Там она встречает своего будущего мужа — маститого художника, любвеобильного, толстого и неуклюжего, однако невероятно харизматичного Диего Риверо. Фрида влюбляется по уши. Да и он неравнодушен к талантливой художнице.

Сложный брак

Чуть позже они поженились. Их семейное счастье сложно назвать безоблачным. Фрида всю жизнь страдает из-за своей неполноценности и измен мужа. Его вранье она изображает в картине «Без надежды» (1945 год). Это полотно иллюстрирует мексиканскую поговорку «Кормить из воронки». В русском языке ее аналогом является фраза «Вешать лапшу на уши».

Потеря ребенка

Очень сложное произведение знаменитой женщины-художницы «Больница Генри Форда» (1932 год). На полотне изображена сама Фрида, которая только что потеряла малыша. Вокруг нее пять печальных символов:

1. Раздробленный таз, который стал причиной выкидыша.
2. Потерянный кроха.
3. Улитка, символизирующая долго текущее в больничной палате время.
4. Механическое устройство, которое воплощает жестокость и холодность медицинских процедур.
5. Орхидея — цветок, который показывает, что в ней еще жива сексуальность и стремление стать мамой.

В рамках одной статьи очень сложно описать весь жизненный путь и творчество этой чудесной женщины с невероятным сексуальным магнетизмом и сильной волей. Знаменитость к Фриде пришла еще при жизни.

Она написала маслом 145 полотен. Первая же ее выставка, организованная будущим мужем, принесла ей популярность. В Нью-Йоркской галерее она продала практически все картины. Мы знаем о том, что Фрида, несмотря на все свои увечья, стала иконой стиля. Ей нравилось быть яркой, эпатировать. Она никогда не следовала слепо тенденциям, а наоборот, вела мир моды за собой.

Икона стиля

Фрида носила яркие пышные юбки, при помощи которых старалась скрыть свои недостатки и подчеркнуть сексуальность и темперамент. Эта идея первой пришла в голову ее мужу, который считал, что мексиканки — особенные женщины. И они должны подчеркивать свою самобытность национальным костюмом, а не перенимать тенденции у американок. Первый раз мексиканский костюм Фрида надела на бракосочетание с Диего.

Последняя картина и смерть

Фрида Кало умерла в 47 лет. Она скончалась через неделю после своей выставки. На нее ее доставили на больничной койке. В тот день она много шутила и пила вино.

Последней картиной мексиканки стало полотно «Круг». За год до смерти ей ампутировали ногу. Она много пила, и ее работы потеряли детализацию. Полотно очень страшное в эмоциональном плане. В нем отражена вся боль Фриды, которая понимает, что ее организм разрушается и скоро придет смерть. На картине нет деталей: цветов, растений. Только разрушающаяся женская фигура, которая растворяется в хаотичных мазках.

Фрида Кало по праву включена в список знаменитых художниц мира. Она оставила после себя: картины, наряды, дневники. Эти вещи стали экспонатами в одноименном доме-музее в Мехико. Это было их общее с Диего жилье. Сегодня каждый желающий может посетить это место.

3. Софонисба Ангиссола

Знаменитая художница-портретистка, которая творила во второй половине XVI и начале XVII века. Больше всего в ее творческом наследии автопортретов.

Родилась девочка в семье дворян. Ее отец мечтал, чтобы все его дети развили творческие способности. Кроме нее, в семье было еще 4 дочки. Благодаря папе Ангиссола получает прекрасное художественное образование, поскольку он нанимает для своих детей лучших учителей. В их числе Бернардо Кампи и сам Микеланджело.

Лучше всего у Ангиссолы получалось изображать людей. Она рисовала своих родственников в естественной манере за их любимыми занятиями. Портретное сходство у автора получалось практически фотографическим.

Ее картины хранятся в городской художественной галерее Саутгемптона в Великобритании.

Список лучших произведений:

• «Портрет молодой женщины в профиль»;
• «Автопортрет»;
• «Портрет Бьянки Понцоне»;
• «Елизавета Валуа»;
• «Филлип 2».

4. Мария Башкирцева

Самое большое достижение этой знаменитой художницы из России в том, что ее работы впервые в истории мирового искусства попали в Лувр как живопись, созданная дамой. Там их можно увидеть и по сей день.

Мария жила и работала в середине XIX века. Ее жизнь была недолгой, однако яркой и полной событиями и творчеством. Девушка окончила академию живописи, но большую часть знаний она получила за счет самообразования. Еще при жизни ее работами интересовались, их выставляли, о них много писали в прессе. К сожалению, сегодня практически не сохранилось оригиналов ее произведений. Они были уничтожены в период Второй мировой войны. Самая знамения в мире картина художницы называется «Дневник».

5. Анжелика Кауфман

Анжелика Кауфман — одна из самых образованных дам века Просвещения. Ее отец также был художником, но больших успехов на этом поприще не добился. Семейство Кауфман много путешествовало и переезжало жить с места на место. Девочка уже в 9 лет хорошо владела карандашным рисунком и масляной живописью.

С детства она мечтала о популярности. И ей это удалось. Она была единственной леди, которая была зачислена в члены Академии святого Луки. А спустя непродолжительное время во Французскую Самыми плодотворными в плане творчества были годы, которые она прожила в столице Великобритании. Анжелика творила в стиле неоклассицизм. В Эрмитаже можно насладиться такими ее полотнами:

• «Безумная Мария»;
• «Детство Девы Марии»;
• «Монах из Кале»;
• «Автопортрет»;
• «Портрет графини А. С. Протасовой с племянницами».

6. Мария Тюссо

Фамилия художницы на слуху у многих. Все благодаря Музею восковых фигур, который быстро приобрел и не теряет своей популярности. Отец Мари также был скульптором. Именно он передал ей в наследство знаменитый музей, в котором трудилась художница. Позже она передала это дело своим детям и внукам.

Музей находится в Лондоне (район Мэрилебон). Он был основан 200 лет назад. Имеет 19 филиалов по всему миру.

7. Камилла Клодель

Знаменитая женщина-художница и очень талантливая и упорная женщина. Восемнадцатилетняя девушка самостоятельно решила покорить столицу Франции и добилась успеха. Камилла занималась скульптурой и графикой. Творила в стиле импрессионизм.

Список самых выдающихся работ Камиллы Клодель:

• "Талант и вдохновение";
• «Бронзовый вальс»;
• «Мольба»;
• «Зрелость».

Часть работ художницы своим именем подписал ее учитель и любовник Роден Огюст. Это скульптуры:

• "Поцелуй";
• "Вечный идол" и многие другие.

Работы которую поэт Григорий Марковский назвал «Медеей эпохи Модерна», можно увидеть в музее «Орсэ» в Париже.

8. Фрэнсис Макдональд

Фрэнсис прославилась тем, что вместе со своей талантливой сестрой стала родоначальницей стиля ар-деко. Ее полотна в стиле модерн знают во всем мире, и они поистине уникальны. Знаменитые картины:

• «Сон»;
• «Мать роз»;
• «Офелия».

К сожалению, муж Фрэнсис после ее кончины сжег большую часть ее картин.

9. Невероятная популярность бабушки Мозес: «В 76 лет жизнью только начинается…»

Так говорила знаменитая американская художница Анна Мозес. Может ли слава прийти в столь почтенном возрасте, когда ты только недавно просто вышивала, а потом робко и неуверенно, в 70 лет, начала делать первые штрихи кистью? Оказывается, да!

Ее звали бабушкой Мозес. Не многие слышали про эту далеко не молодую художницу-самоучку, которая стала писать картины скорее от наличия большого количества свободного времени.

Анна Мозес — это чудесный человек, у которого стоит поучиться жить! Она говорила о прожитых годах как о картине, которую она писала мазок за мазком долгие годы. Но полотно еще не окончено! Даже когда казалось, уже все, можно добавить такие финальные штрихи, что весь мир просто ахнет! Так она и поступила. Но все по порядку. Далее расскажем о пути к искусству одной из самых знаменитых в мире женщин-художниц.

Несколько слов о художнице

Когда миссис Мозес начала творить, она была вдовой фермера и матерью 10 детей. К сожалению, 5 из них ушли из жизни еще совсем крохами. Анна Мэри Мозес — так звучит полное имя мастерицы живописи.

Она родилась в сентябре 1860 года. Ее родители были фермерами, которые проживали в штате Нью-Йорк. Ни сейчас, ни тогда здесь ничего не наталкивало на культурное развитие. Окраину района, где проживала семья, сложно было назвать вполне цивилизованным местом. Однако Мэри это мало заботило. В этом смысле она напоминает о том, что настоящий талант пробьется везде, как сильный росток, который пробивается сквозь толщу асфальта, желая развиваться и наслаждаться ласковыми солнечными лучами.

Семья Анны жила бедно. Образование девочки закончилось на том, что ее научили читать и писать. Большего мать с отцом дать ей не смогли. Уже в 12 лет ей пришлось наняться прислугой к богатым соседям. И с того момента все ее мысли были о том, как заработать денег, чтобы не умереть с голоду.

Замужество

Замуж она вышла, по меркам того времени, невероятно поздно — аж в 27 лет! В тот период истории девушки такого «почтенного» возраста уже считались практически старыми девами. Надежд найти приличного жениха у таких дам было очень мало. Мужем Анны стал такой же работяга и бедняк, как и она. Парень был простым батраком и еле сводил концы с концами. Но молодые люди искренне любили друг друга и преодолели все трудности, крепко держась за руки.

Восемнадцать лет они копили средства, чтобы приобрести маленькую ферму на своей родине. В 1905 году сбылась мечта супругов Мозес. У них появилось собственное дело. Анне на тот момент уже 45 лет. Тридцать три года она работала на чужих людей от зари до зари, а дальше ее ждал тяжелый труд на собственной усадьбе. О том, что когда-то она начнет писать чудесные картины, не было и мысли.

В 1927 году Мозес исполнилось 67 лет. Она стала бабушкой. Мужа женщина в тот же год похоронила. Управлять их семейным делом стал старший сын. У Анны появилось немного свободного времени, и она посвятила его вышивке. Этому занятию она была предана около 9 лет.

В 76 лет она решила попробовать себя в живописи. Возможно, она бы и дальше орудовала только иглой, но ее страшно мучила такая болезнь, как артрит. Дочь посоветовала ей взять в руки кисть, зная о том, что мама с детства обожала рисовать, но возможности не имела. Свои первые работы бабушка Мозес раздаривала детям, родственникам, друзьям.

Сюжеты ее полотен покорили своей миловидностью и наивностью. Это были прекрасные усадьбы, ухоженные чудесные фермы, сценки из жизни простых крестьян. Они больше напоминали картинки, которые рисуют дети. Стиль, в котором работала мастерица, называется примитивизмом. Однако в этих работах была живость и динамика. Особенно хорошо у знаменитой женщины-художницы выходили картины, на которых были изображены пейзажи. На зимних детишки играли в снежки, на летних — купались в реках и играли в догонялки.

Картины

Миссис Мозес выставляла свои работы на местных ярмарках, рядом красовались ее вкуснейшие джемы, которые пока удостаивались большей похвалы и внимания. Самые яркие ее работы:

• «Зима»;
• «Клетчатый дом»;
• «Дом на Рождество»;
• «Позвольте мне помочь»;
• «Хэллоуин».

Неожиданная популярность

Известность пришла к Анне нежданно и негаданно, в возрасте 78 лет. Картины бабушки Мозес случайно увидел один известный коллекционер, проходивший мимо магазинчика, в витрине которого были выставлены ее полотна в стиле примитивизм. Он сразу же поинтересовался, кто автор картин. Владелица ответила, что есть тут одна необычная бабушка, которая всем раздаривает свои работы.

Мужчина пошел к дому Мозес, он был незаперт, а женщина играла на заднем дворе с внуками и кормила цыплят. Коллекционер, которого звали Луис Калдор, попросил посмотреть все ее полотна. Он предложил ей приобрести все ее 14 работ за большие деньги. Анна не сразу поняла, что именно он хочет купить: ее дом или работы. Перед тем как удалиться, он сказал, что сделает Мозес знаменитостью. Бабушка подумала, что у него проблемы с головой…

На тот момент в США стало модным «народное творчество». В этот поток и попала Мозес. Далее Луис Калдор стал продвигать произведения бабушки Мозес на все доступные ему выставки в Нью-Йорке. Поначалу интереса к картинам было мало. Однако упрямство — путь к победе!

Выставки

В октябре 1940 года коллекционер открыл выставку картин Анны Мозес в современной Нью-Йоркской галерее Galerie St. Etienne. Женщине на тот момент исполнилось 80 лет. Она лично поблагодарила всех присутствующих. Далее слава обрушилась на пожилую даму. Ей заказывали десятки полотен. Ее работы стали печатать на открытках, обертках, постерах, посуде, материи.

Женщина-художница прожила 101 год и вдоволь насладилась славой. Под конец жизни она стала по-настоящему счастлива, ведь у нее было любимое дело, которым она горела, а ее произведения продавались очень дорого. Талант знаменитой американской художницы признан во всем мире. Ее наивные и теплые, душевные работы настолько милы, что в них просто растворяешься, ведь картины написаны настоящей бабушкой: доброй, ласковой, всепрощающей.

Она не зря входит в число знаменитых женщин-художниц России. Ее картины «За завтраком», «За туалетом», «Беление холста» и многие другие после ее кончины будут продавать за баснословные суммы. Сама же художница прожила жизнь небогато. В рамках этой статьи поведаем несколько интересных фактов из ее жизни.

1. В юные годы Зинаида полюбила своего кузена. Естественно, семья стала противиться этому браку. Молодые люди решили сбежать.
2. Большая часть работ художницы посвящена работам крестьян на полях. Чтобы иметь возможность рисовать с натуры, она вставала приходила на поле, где расставляла мольберт и раскладывала кисти.
3. Из-за запредельной бедности, в которой она провела большую часть жизни, Зинаиде приходилось самостоятельно изготавливать краски.
4. Уезжая, как ей казалось, на время во Францию и оставляя детей в России, она и подумать не могла, что увидит их только через 36 лет.
5. В Россию Серебрякова так и не вернулась. Ее могила находится во Франции.

Выставки картин Серебряковой часто проходят в Нью-Йорке и Чикаго.