Интересные вопросы для интервью с художником. Интервью с художником мартином новиковым

Интервью корреспондента Игоря Сорокина с художником Виктором Авдониным (Санкт-Петербург).

— Виктор, мы давно знаем друг друга, поэтому будем на "ты", хорошо? Расскажи, пожалуйста, как рождаются образы твоих картин?

— Игорь, ну и вопросец… Попробую ответить. Я воспринимаю свои работы, как своеобразный образный ряд, извини за тавтологию. В каждой картине образная информация, как бы перетекающая в следующую работу. Я говорю о картинах в серии динамические образы . Причём процесс, как говорится, зарождается по-разному. Бывает, сразу увидишь — в тенях на сухой траве, в узорах на зимнем стекле, даже в сгустках грязи на дороге после дождя… да где угодно. Даже во сне, если запомнил, и, проснувшись ночью, успел сделать наброски чего-то необъяснимого, что просится как-то выразить его — рисуешь и потом видишь, что же это за такое , что просилось проявиться в нашем мире. То есть, они приходят, либо из мира чувств, мыслей и снов, либо материальный мир даёт намёки на что-то интересное вокруг нас.

— Получается, что главное в искусстве — это поймать импульс, идею?

— Конечно. И не только в искусстве… да в любом виде деятельности. Пойманный и сфокусированный в образе импульс и позволяет воплощать то, что просится в нашу окружающую действительность. И, конечно, возникают такие чувства, которые просто требуют от руки иных, линий и форм, цветов и ритмов. О технике в этот момент не думаешь, просто доверяешь себе, а потом удивляешься, чего это я наваял.

— Я знаю, что ты занимаешься преподавательской деятельностью. Как по-твоему, возможно ли научить человека творчеству?

— Научить творчеству? Думаю, можно, но не по существующей системе образования.

— Какая позиция тебе ближе: картина, к которой относишься как к чему-то возвышенному и недосягаемому или красивой картинке в интерьере?

— Ни то, ни другое… Скорее, картина как носитель особой энергетики. И ещё — для кого-то картина может стать источником настроения и силы.

— Поясни немного, про картину как источник силы. Что ты имеешь в виду?

— Да просто всё… Человеку понравилась картина. Он её оформляет и вешает у себя в гостиной, смотрит и чувствует что-то своё, что-то, что ему нравится, что заряжает и вдохновляет его.

— Ты долгое время жил на Севере. Повлияла ли северная природа, её краски на твоё мировосприятие?

— Ещё как… Северную природу любил рисовать ещё с первого класса школы, а класса с 7-го стал особенно много рисовать цветными карандашами на бумаге, как редактор школьной газеты. Позже стал в рисунках применять гуашь и акварель. Хотелось выразить свой мир и впечатления на бумаге.

— Сейчас немногие люди покупают картины: любую они могут найти в интернете и распечатать на принтере…

— Можно и распечатать, многое можно чего сделать… Но только оригинал обладает воздействием. Фото, интернет, распечатка на принтере — это посредники, которые не могут донести в себе энергетику картины, если, конечно, она в ней заключена.

— Как, по-твоему, в Питере подходящая атмосфера для творчества: и в общем и в плане востребованности искусства?

— Подходящая атмосфера находится внутри каждого из нас. Поэтому как бы автор не перемещался по пространству и времени — его внутренний мир всегда с ним. Если говорить о востребованности, то понимающие ценители есть всегда. И в наше время открываются новые картинные галереи — значит и востребованность есть… ещё жива.

— Кого из русских художников ты можешь назвать своими учителями? Кого ценишь из нынешних художников и писателей?

— Н. Рерих, братья Васнецовы. (Корин, Рассохин и многие другие.), художники неоакадемического направления 2-й половины XIX века.

— Кто тебе близок в русской и зарубежной литературе?

— А.С. Пушкин. Драмы Островского, А.К. Толстой. Лучшие произведения русской и советской фантастики. Из зарубежных авторов — К. Дойль, Э. Хемингуэй, Р. Брэдбери.

— Такой философский вопрос: А кто такие творцы? Почему люди творят? Вот ты зачем рисуешь? Только для собственного удовольствия? Или хочешь, чтобы твои работы видели люди, восхищались, переживали?

— Хороший вопрос… Художники всегда хотят как-то воплотить в материале то, что тревожит, беспокоит… Как и люди многих профессий. Один автор стремится сделать что-то новое в живописи, ищет себя, другого вполне удовлетворяет дублирование и копирование уже кем-то достигнутых вершин. Каждый работает на своего зрителя. Один зритель — просто обыватель, а другой — новатор. Один автор без особого воодушевления будет на холсте создавать авторское повторение своего оригинала, а в третий раз писать одну и ту же композицию будет мучительно и неинтересно. Иной автор будет многократно копировать произведения других живописцев. Как правило, у него главная цель от такой работы — побольше денег заработать. И тот и другой называют себя художниками. И тут не трудно понять, что настоящий творец всегда первичен. Он творит, потому что хочет, чтобы его мысли и грёзы не оставались только в его сознании. Хорошо при этом, чтобы автор получал денежное вознаграждение за труд, пусть минимальное, но делающее независимым. Если этого нет, то нищета загубит творчество. Конечно хочется, чтобы люди видели картины. Даже те художники, которые работают "в стол", не теряют надежды. Думаю, любому автору хочется, чтобы зрители понимали, восхищались, переживали вместе с ним…

— В творчестве многих художников явно отражается дух времени, в котором он живёт. Повлиял ли и влияет на тебя наш стремительный век?

— Да… ещё как… Да ты и сам видишь, что каждые 20 лет мир меняется разительно. В советскую эпоху в моей жизни хватало и успехов и неудач. Как-то приспособился, нашёл в ней своё скромное место. Была работа художником на Севере, которую я любил и проработал на ней 15 лет. Но ветер горбачевского и ельцинского времени коснулся всех. Минусы и плюсы советской эпохи сменились на плюсы и минусы нынешней. А сейчас снова идёт эксперимент, когда из советских людей хотят создать россиян, но с капиталистической закваской. Разница между шалашом бомжа и дворцом олигарха такая, которую не помнит мировая история. На эту тему можно много говорить, но что имеем, то и имеем. В "новороссиянские" времена возникла такая социальная система, которую иначе, как жёстко кастовой и не назовёшь. А какое междоусобие царит между русскими. "Нашисты" обязательно хотят бороться с фашистами, коммунисты не любят "жириновцев" и наоборот…

— Согласен ли ты с мнением, что национальное самоощущение, как интеллектуальный фактор, присутствует в творческом процессе?

— Искусство сегодняшнего дня не просто повернулось лицом к потребителю. Оно стало его лакеем. Это о массовом искусстве. Таких деятелей искусства под девизом " чего изволите?" предостаточно. Или в Питере банкиры прихватизировали очередное здание в стиле ампир и решили сделать надстройку с мезонином и приказали разломать архитектурные излишества . И так по всей России. Деятели культуры ушедших столетий никогда не были холуями. Потому и развивалось искусство. Города были красивыми. Эпохи были красивыми. Каждая страна была ярко индивидуальной. А сейчас низкий ширпотреб в искусстве захлестнул страну.

— Как ты оцениваешь произведения искусства? Нравится — не нравится? Или все-таки существует общепринятые цензурные нормы?

— Когда видишь картину с прикрученными проволокой к холсту оловянными солдатиками и электрическими лампочками, купленное за бешеные деньги, так и хочется сказать: "Какое сказочно богатое у нас государство для немногих" . Когда видишь, как люди роются в помойках, так и подмывает выразиться нецензурно о подобных деятелях культуры в двух словах.

— Ты перешёл на политику?

— Нет, на жизнь…

— А ответь, нужны ли современному человеку сказки?

— Да, конечно… В каждом взрослом живёт ребёнок. Если же он глух к сказкам, то, как говорится, сам себя обворовал.

— Спасибо.

— Тебе, Игорь, спасибо…

Искусство и дизайн

3245

29.09.16 09:33

Как часто бывает, самых интересных людей мы встречаем чисто случайно, зайдя утром в новое кафе или случайно «списавшись» с новым человеком в одной из социальных сетей. Именно так мы познакомились с художником Степаном Кашириным и его удивительными работами, в которые мы сразу же и навсегда влюбились. Конечно же, нам сразу захотелось поговорить с художником и побольше узнать о его творчестве, вдохновении и новых проектах.

Наверняка вы уже знакомы с творчеством Степана: его проект «Люди-Кошки» буквально завоевал интернет, а его работы все время появляются в популярных пабликах и группах соц.сетей. Однако, Степан Каширин – личность невероятно разносторонняя и говорить лишь об одном его проекте просто невозможно. Судите сами: в детстве Степан мечтал стать писателем, успешно занимался вокалом, а потом открыл в себе и способность к живописи, которая и стала его главной страстью. Как много настолько талантливых и многогранных людей знаете вы?

У Вас было интересное детство? По крайней мере, именно такое впечатление складывается, когда читаешь Вашу биографию. Скажите, как детские воспоминания повлияли на Ваше творчество?

Да, в детстве меня окружали только научные работники, интересные соседи, хорошие друзья и знакомые. До сих пор скучаю по тем временам. Люди представляли собой настоящую интеллигенцию, когда общались, всегда думали, о чём и как они говорят, думали, как бы случайно собеседника не обидеть. Очень добрые и умные люди. К бабушке приходили друзья, садились пить чай и вслух читали стихи, рассказы. Бабушка любила поэзию Пушкина, Заболоцкого… у неё было много книг. На полке стояла открытка с портретом Александра Сергеевича Пушкина на фоне осеннего пейзажа. У нас дома вообще был какой-то свой мир, которого я больше не видел нигде. Этот дух до сих пор во мне, он меня и вдохновляет все годы. Когда нужно настроиться на работу, я всегда вспоминаю самые лучшие моменты детства.

Насколько нам известно, Вы мечтали стать писателем. Что подтолкнуло Вас к живописи?

После рассказа Горького “В людях”, я решил стать писателем, это было в 9 лет. Очень хотел, а родители видели меня только певцом, так как я пел. Я себя видел только писателем и мечтал об этой прекрасной профессии, но “пропаганда” бабушки перевесила. Она меня не просила и не заставляла, ничего мне не советовала – кем быть и к чему стремиться. Откровенно говоря и бабушка думала, что я стану вокалистом, но она считала, что человек должен иметь всестороннее развитие и как научный работник просто демонстрировала мне разные области, а поскольку больше всего у неё было книг по искусству, то они видимо перевесили всё остальное. Бабушка вообще очень любила живопись, поэзию и литературу. Мы с бабушкой много ходили по выставкам и музеям; в Третьяковку, Музей изобразительных искусств, в Музей Рерихов и т.д. Всегда, глядя на картины старых мастеров, я думал – как художник изобразил предмет так, что он смотрится как живой?! Вот бы научиться так рисовать. Но связать свою жизнь с живописью я решил окончательно и бесповоротно только после того как прочитал от корки до корки все тома Рокуэлла Кента. Я настолько вдохновился его графикой, маслом и дневниками, что стал этим ‘’жить’’, мне казалось, что я вместе с ним живу среди эскимосов и рисую северные пейзажи. Первым “выстрелом” стала моя коллекция графики, я рисовал всё: дома, природу, архитектуру, сухие стволы деревьев… с этой графикой и пошёл в художественное училище. Только вот быстро понял, что финифть не для меня, мне надо развиваться дальше и поскольку главной мечтой было масло, ушёл в живопись маслом. А как дорвался до неё, так c тех пор и работаю 22 года только маслом.

Вы помните свои чувства после первой выставки?

Да, моя первая выставка была когда мне исполнилось 18 лет, в том же зале где проходила до меня выставка Константина Васильева. Среди художников я был самый молодой, им всем было за 50, а мне 18. Я тогда очень много поработал и в прямом смысле этого слова, меня заметили, директор галереи фантастического реализма Константин Николаевич Кошколда и главный редактор журнала “Чудеса и приключения” Василий Дмитриевич Захарченко. Первое признание и первое доказательство того, то я выбрал правильный путь в своей жизни.

Кто из художников близок Вам по духу?

Из современников только Александр Шилов, а из старых мастеров Карл Штилер, Виже-Лебрён.

Какую из своих картин Вы считаете самой интересной?

Если брать проект <<Люди-кошки>>, то “Предложение” и “Водитель”, если из портретов, то “Девушка с кошкой” и “Портрет фотографа”. На мой взгляд, это самые лучшие мои картины, характеры, темы и исполнение.

Расскажите о своём самом необычном творческом опыте? Наверняка, Вам не раз приходилось заниматься чем-то совершенно непривычным и неожиданным?

Один раз мне предложили создать рисунок для майки. Поэтому уже 20 лет у меня есть майка с моим авторским рисунком на ней.

Что вдохновляет Вас на создание новых проектов?

Могут вдохновить картины старых мастеров, но в основном, наступает такой момент в жизни, когда понимаешь, что надо начать, что-то новое и начинаешь много об этом думать, разрабатывать темы в новом направлении.

Одним из наиболее известных Ваших проектов является <<Люди-кошки>>. Как пришла идея создать этот проект? Почему увлеклись именно семейством кошачьих?

До кошек у меня были пивные человечки, потом серия ювелирных девочек, но я всё-таки родился в год кота, а тут сразу метафорическая ассоциация возникла – человек и в то же время кот, антропоморфное существо, можно это использовать в живописи. Попробовал, людям это понравилось, я работал над маленькими юмористическими картинами, потом сотрудничал одно время с Музеем кошки и с ‘’ТВ Столица’’, там была программа “Удивительный мир кошек”, по их заказу я создал серию работ, основанную на известных картинах Лувра и Русского музея. Когда этот проект закончился, я создал уже третью часть проекта: <<Люди-кошки>>, просто жанровые сцены, где кошки живут жизнью людей.

Насколько нам известно, в этом году Вы начали новый проект портретов людей. Не могли бы Вы рассказать о нём подробнее?

Актёры часто становятся заложниками своего амплуа, к примеру – сыграл пьющего человека в нескольких фильмах, после этого зрители начинают считать, что актёр действительно пьющий и в реальной жизни. Так и у меня, лет 17 существует проект <<Люди-кошки>>, а люди почему-то до сих пор считают, что у меня дома кошка. Годами, каждый день на почту ко мне приходят письма с фотографиями кошек, пишут те, у кого живут эти животные и задают одни и те же вопросы. С одной стороны забавно, но когда это повторяется каждый день и длится годами, то становится противно и обидно, что все отождествляют меня только с кошками, искренне удивляясь, что, оказывается, я пишу не только кошек. Честно говоря, объяснять каждому невозможно по 500 раз в день, что я художник и кошки - это просто был один из моих проектов. Если журналист написал про мышей, это не означает, что после этого все журналисту должны присылать фотографии мышей, словно он владелец питомника. Надо понимать, что его профессия – журналист и пишет он не только о ком-то одном, ведь сегодня он может написать о слонах, а завтра сделать интервью с каким-нибудь актёром. Он журналист, а не владелец питомника. Так и я, я просто художник и это - лишь один из моих проектов. Ассоциацию с кошками я могу объяснить ещё и тем, что в интернете циркулирует более сотни фотографий моих картин из проекта <<Люди-кошки>>, остальных картин мало, а люди размещают в блогах и делятся только моими кошками. Года два назад я понял, что надо с этим, что-то делать, поэтому в январе 2016-го года начал проект портретов людей. В портретах людей я хочу показать характеры и индивидуальность отдельно взятого человека.

Вначале получить основные знания, освоить академический рисунок и живопись. Потом их постоянно совершенствовать. Постоянно учиться, совершенствоваться всю жизнь. Стремиться овладеть техникой старых мастеров, смотреть подлинники старых мастеров и всегда задавать себе вопрос – чем отличается манера одного художника от другого? Пытаться придумать, что-то своё, не копируя кого-то. Когда на выставке или в музеях смотришь на картину, пытаться на глаз определить и мысленно прочувствовать процесс работы художника, как он клал мазок, какие цвета использовал в картине, что чередовал, что пытался выделить в своём произведении и на чём сделал акцент в конкретной работе (что главное, а что второстепенное). Что хотел сказать, выразить своей картиной. Ну и как говорит Александр Шилов: <<Когда нет красок и кистей, надо рисовать глазами>>, то есть мысленно воспроизводить процесс работы, как бы ты писал, если бы в данный момент у тебя был бы холст, краски и кисти.

Часто слышу от людей, которые в качестве хобби избрали себе рисование, одну наивную фразу: «Я очень хорошо рисую портреты, они у меня лучше всего получаются». Это звучит так же смешно, как девушка на полном серьёзе говорила бы: «Я самая красивая в мире, со мной мало кто может сравниться».

Художник, мастер с многолетним стажем, если он действительно настоящий профессионал в живописи, Вам скажет, что хороших портретистов в стране единицы. Речь идёт о реалистическом портрете. Портрет - это самое сложное направление в живописи и написать его может только настоящий профессионал. В портрете нужно не просто продемонстрировать все свои профессиональные навыки и опыт, но и поймать характер того, кого он пишет и показать человека таким, каким его видят другие люди, как правило, показать человека таким, каким его видит сам художник. Поэтому угода клиенту не всегда совпадает с целью искусства. Угода клиенту – показать человека лучше, чем он есть, скрыть недостатки и сделать таким, каким хочет видеть себя заказчик. Но не спорю, бывает иногда и так, что желание клиента совпадает с тем, что видит и хочет показать художник, но это случается очень редко.

Интервью с художником

Ирина Сарт:

"Искренне верю, что если ты чего-то стоишь, то без критики в свой адрес не обойтись"

Ира - художник-акварелист и преподаватель. Мы познакомились в инстаграме (у Иры очень популярный инстаблог), и сразу открыли друг в друге близкие по духу моменты в отношении к любимому делу и к художественным процессам. Я задала Ире ряд вопросов о творчестве, критике и жизни, и получила весьма интересные и искренние ответы.

Как приходит образ - то, что хочется изобразить следующим?

У меня этот процесс совсем неконтролируемый. Я вообще ругаю себя, что не могу придерживаться какой-то одной направленности в рисовании. То мне кажется, что надо углубляться в натюрморты, то в цветы, то в портреты. И это приходит откуда-то извне. Я пытаюсь записывать идеи, строить планы, могу сесть, продумать концепцию проекта, написать список сюжетов для будущих работ, а потом в одно утро проснуться и понять, что ничего подобного не будет, и срочно надо рисовать лошадей, к примеру:) Конечно, на меня большое влияние оказывает то, что происходит вокруг. Я не могу спокойно проходить мимо цветочных магазинов, обязательно западаю на какой-то цветок, влюбляюсь в него, и в следующую секунду уже несу его домой, и начинается то, что принято называть "творческим зудом". Желание, горение и все сопутствующее. Не могу дождаться момента, когда сяду за работу. Но я же присмотрела в том же цветочном еще что-то. И тут как в сказке: одну ягодку беру, на другую смотрю, третью примечаю и т.д. Могу отрисовать подряд несколько работ. И даже в мыслях остается что-то еще, вроде как на будущее, но происходит какое-то перенасыщение, и в один момент появляется непреодолимое желание переключиться и вообще больше никогда не видеть и не рисовать цветы:)

Еще должна признаться, что меня вдохновляют другие мастера. Например, исключительно под влиянием работ Стэна Миллера я попробовала портрет. У меня был дикий страх и боязнь, даже уверенность, что у меня ничего не получится. Но, на удивление, что-то получилось. И сразу хочется продолжения. Так меня и бросает из стороны в сторону, можно сравнить с волнами. Накрывает, несет и выбрасывает на берег в состоянии какого-то опустошения.

У меня был дикий страх и боязнь, даже уверенность, что у меня ничего не получится. Но, на удивление, что-то получилось. И сразу хочется продолжения. Так меня и бросает из стороны в сторону, можно сравнить с волнами. Накрывает, несет и выбрасывает на берег в состоянии какого-то опустошения.

За счет чего вы развиваете художественное видение, чтобы создавать свои работы и совершенствоваться?

Абсолютно точно могу сказать, что тут два способа. Первый - это, конечно, смотреть, вглядываться в работы мастеров, старых и современных. Какие они выбирают сюжеты, почему показывают именно то, что показывают, как они решают свои задумки: с точки зрения композиции, техники, подбора цвета и тд. А второй - это собственная практика. Иногда мне кажется, что чтобы человек смог понять до конца работу художника, его надо обязать попробовать изобразить что-то самому. В процессе работы рождается масса вопросов, на которые начинаешь искать ответы, глядя на картины великих. Кроме того, практика рисования и живописи очень развивает взгляд. Я заметила, что год назад, два года назад, я не видела в вещах того количества информации, какое вижу теперь. Я смотрю на свои старые работы и удивляюсь: как я могла не заметить тени вот здесь, вот этой детали, вот этого оттенка. А это приходит только с практикой.

Должна еще сказать, что на мир вокруг я стала смотреть совсем по-другому, не так, как раньше. Все вокруг приобрело невероятное количество цвета и деталей. Художники со стороны часто выглядят рассеянными, это не случайно:) На все вокруг они смотрят с фоновой мыслью: как это изобразить? А если постоянно задавать себе этот вопрос, то начинаешь внимательно изучать все, буквально все, что видишь вокруг. Мой муж часто обижается на меня на прогулках, ему кажется, что я его не слушаю и отвлекаюсь на все вокруг. Я не виновата в том, что мне надо понять, как, к примеру, велосипед отбрасывает тень:) А еще после мастер-классов студенты часто говорят, что теперь не могут просто так идти по улице. Начинают разглядывать каждую веточку. Это хорошо, это и есть начало художественного взгляда на мир.

Конечно, не могу не спросить: дружите или не дружите с искусством и как получается? Что вдохновляет? Есть ли какая-то работа или какой-то художник, встреча с которыми вызвали потрясение и повлияли на каком-то этапе?

Стараюсь дружить, хотя считаю себя все-таки профаном и совсем не глубоким знатоком. Когда-то давно, еще до рисования захотелось понять современное искусство. Просто разобраться в жанрах, именах и тд. Стала читать и смотреть все подряд. Для меня открылся целый мир, от которого я почему-то была очень далека до того момента. Тогда я узнала и полюбила имена Рене Магритт, Пит Мондриан, Марк Ротко, Джексон Поллок. Смотрела фильмы, читала книги, естественно, искала их не самые известные работы. Заново полюбила Альфонса Муху. И поняла, что я и классиков-то не знаю. Посмотрела несколько курсов по истории искусств. Теперь на полке обязательно стоит какая-то книга по истории или теории искусств, которую я в данный момент читаю. Сейчас это "История искусства" Э.Гомбриха. Трудно сказать, что я выделила кого-то одного и считаю его любимым своим художником. Скорее, я испытываю периоды очарования кем-то, и эти периоды и имена сменяют один другой. Одно из последних открытий - Джон Рёскин, его архитектура и ботанические зарисовки. Практически ежедневно открываю для себя новые имена и в акварели. Но если бы я могла позволить приобрести себе какую-то известную работу, это был бы Марк Ротко:)

Ботанические иллюстрации Ирины Сарт

В одном интервью вы сказали, что не пойдете учиться к какому-то любимому художнику, потому что очень боитесь потерять (или так и не найти) свой стиль. Изменилась ли ваша точка зрения с тех пор, или по-прежнему есть опасения попадания под влияние мастера и утраты чего-то своего уникального?

Изменилась не точка зрения, а подход к обучению. Я все еще не пойду на мастер-класс или курс к художнику, если при взгляде на его работы возникает мысль "хочу уметь так же!". У меня есть мои личные проблемы в моих работах, мои личные, не решенные мною вопросы. И если я вижу, что какой-то художник знает на них ответы (как сделать такой фон?, как добиться такой мягкости в акварели?, как получить такие потрясающе благородные цвета?), то я теперь выбираю обучение у него. Я понимаю, что на мастер-классе мне не нужно все, мне нужно вычленить то, что меня интересует для развития себя самой. Когда я громко рассуждаю о своем стиле и обучении, я всего лишь имею ввиду, что есть ученичество, а есть копирование стиля. Я хотела бы поучиться у многих мастеров, а вот становиться чьим-то клоном ни за что!

Как вы его ищете и "вычленяете", этот "свой стиль", который страшно потерять?

Ох не думаю, что у меня уже есть свой сложившийся стиль:) То есть было бы что терять, по большому-то счету. Есть моменты, с которыми я устала бороться) Если объяснить коротко, то я рисую очень ярко. Естественно, меня восхищают люди, умеющие накладывать краску прозрачно, деликатно, пастельно. Долго я боролась с собой. Ограничивала себя в яркости, заставляла себя думать о прозрачности, а потом кто-то мне сказал, что всегда узнает мои работы именно по ярким цветам. И меня озарило: а стоит ли игра свеч? Если мне так хочется, если это мой темперамент, в конце концов, если меня узнают именно по этому, зачем эти войны?)

Художник, когда начинает картину, знает и видит, что хочет сделать, изобразить? Есть какая-то идея первоначально? Как это у вас и ваших знакомых художников?

Идея есть всегда, более того, есть даже законченная работа, которая достойна Лувра, не меньше:) А потом начинается воплощение, и с ним приходит уныние. У очень многих, это я точно знаю, первая эмоция от своей оконченной работы - это разочарование в себе. Уныние - личный ад художника, как сказала Джулия Кэмерон. Это уныние часто наваливается, когда не удается реализовать то, что задумано. Но не все так печально) Проходит какое-то время, час, день, неделя, иногда даже год, и ты начинаешь влюбляться в свою "неудавшуюся" работу. Стоит только смириться с тем, что она не соответствует тому совершенному замыслу из головы. И так, бывает, ходишь, ходишь, приглядываешься, будто бы знакомишься со своей же работой, уже свершившейся, и вдруг замечаешь, что что-то все-таки удалось. И начинаешь смотреть совсем по-новому. Сейчас вижу некоторые свои старые рисунки и нахожу в них что-то прелестное, а ведь, помню, хотелось сразу выбросить и не видеть этот ужас)

Разговариваете ли вы с коллегами о творческих переживаниях, обмениваетесь ли опытом? Что вас обогащает из общения с другими акварелистами? А может и не только акварелистами)

"Когда искусствоведы собираются вместе, они говорят о форме, структуре и смысле. Когда художники собираются вместе, они говорят о том, где можно купить дешевый растворитель", - сказал Пикассо. Мне добавить нечего)) Мы не обсуждаем техники, не обмениваемся опытом, мы рассказываем и расспрашиваем, где дешевле бумага, стоит ли покупать кисти за 3 тысячи или моих за 300 рублей достаточно, в какой типографии выгоднее напечатать открытки. Честно, это все, о чем мы говорим.

Кто ваши любимые художники? Возможно, вы назовете кого-то из современных акварелистов и кого-то из старых мастеров, уже давно ушедших) И за что вы их любите?

Я стараюсь писать о своих открытиях, да и просто о том, чьи работы люблю, в своем блоге. У меня есть рубрика "Вдохновение". Если сейчас обобщить и выделить кого-то одного-двух, то это акварелист Душан Джукарич, он пишет городские пейзажи, лодки, воду. Я не просто люблю, я схожу с ума от невероятного колорита его работ. Самые благородные, самые выдержанные, самые гармоничные цвета я вижу у него. Удивительно, казалось бы, просто городской пейзаж, а его колорит рождает столько чувств где-то внутри, это просто поразительно.

Современность мне нравится тем, что наряду с мужскими именами, много не уступающих им женских Очень люблю акварели Нади Тогнаццо, художницы из Италии.

Вы честно рассказываете в своих текстах и интервью, что ничего не заканчивали из академических заведений по рисунку, учились сами, пишете не так много лет. При этом у вас много читателей, учеников, есть покупатели. В связи с этим есть ли такое, что вас ругает кто-то, доносится ли критика? И как вы на нее реагируете?

Наконец-то критика появилась, чему я очень рада) Искренне верю, что если ты чего-то стоишь, то без критики в свой адрес не обойтись. Что самое приятное в этом небольшом пока потоке критики, что никто не упрекнул меня в непрофессионализме и в отсутствии образования. Никто не сослался на это мое очевидно слабое место. Со мной спорят и не соглашаются как с художником. Согласитесь, такая критика больше похожа на признание и за нее многое можно отдать) Как я реагирую? Стараюсь не вступать в откровенную ругань и категорически воздерживаюсь от такого типа самопиара, как "упомянуть не присутствующее здесь лицо, не согласившись с его взглядами, чтобы собрать когорту согласных и сочувствующих и всем вместе осудить это третье лицо, при этом подчеркнув, что мы с вами тут не такие, а совсем наоборот в белых пальто". К сожалению, часто встречаю такого рода критику "не в лицо".

Знаете ли вы историю проданных вами работ, куда они отправляются? Кто ваш заказчик?

Знаю историю всех проданных работ. Их было не очень много) И все эти работы были проданы в самом начале пути. А потом что-то случилось в сознании, и я перестала продавать работы и брать частные заказы. Попытаюсь объяснить. Я всеми руками за то, что профессиональное занятие рисунком и живописью должно приносить доход. То есть это занятие может стать профессией, которая будет кормить. Но, во-первых, раз уж я решила сменить основную профессию на такой род деятельности, то какой вообще в этом смысл? А не в том ли смысл, чтобы заниматься любимым делом? То есть однажды я решила заняться тем, что мне нравится. И, если честно, выполнять заказы мне не нравится. Я подхожу к этому гиперответственно и мне начинает казаться, что я обязана сделать работу так, чтобы заказчику она понравилась. При этом объективно я понимаю, что работа может и не понравиться. Эта мысль меня очень нервирует, а это уже трудно назвать удовольствием. Я почему-то не могу принять такую позицию, что если не понравилось, то вы же знали, у кого заказывали. А тем более не смогу взять деньги за непонравившуюся работу. Причем я понимаю, что это мой личный внутренний таракан, но я решила с ним не бороться, а просто не заниматься частными заказами.

А вот от заказов известных, тем более международных фирм отказаться не могу. У меня пока небольшой послужной список, но уже даже им можно гордиться, это бренды с мировым именем.

Основной покупатель моей работы - это желающие учиться, а мое основное направление - это мастер-классы и курсы. И там образ студента вполне конкретный. Это почти стопроцентно женщины и девушки, которым не хватает творчества в жизни. Как они сами говорят, насмотрелись красоты и тоже захотелось. Они могут быть работающие и нет, семейные и холостые, с детьми и без, но все с какой-то внутренней эстетикой. Все леди очень интересные, со многими мы продолжаем общаться и после мастер-классов.

Знаю, что мы с вами читали одну и ту же книгу с названием "Завтрак у Sotheby"s", где автор подсвечивает острые темы. Вот пара из них: есть художники бесвкусные, но очень популярные при жизни. И это, конечно, очень бесит тех, у кого есть вкус, хорошие работы, но нет популярности и денег. А есть уже умершие, но ставшие очень популярными, возможно за счет драматизма их биографии: гениальность + болезнь и личная драма, и вот уже ими интересуются и их любят. Близка ли вам точка зрения автора или он все же передергивает?

Книга, кстати, потрясающая, с тонкой иронией и, местами, сарказмом. Автор полностью прав, но нельзя забывать, что он говорит о художников прошлых времен. Прошлые времена в данном случае - это времена "до интернета". В наше время говорить, что знаменитым можно стать лишь после смерти - это как-то наивно. Сегодня, благодаря интернету, ты не живешь отшельником в Арле, ты живешь в мире без границ. Даже для того, чтобы попасть на выставку, надо уметь заполнить онлайн форму, состоять в онлайн сообществе и тд. То есть ты можешь моментально стать известным всему миру. Поэтому сетовать на талант, но безвестность - это уже как-то несовременно. Заметьте, я не сказала "немодно". Кэлвин Кулидж сказал: "Ничто так не распространено, как неудачники с талантом". Резко, но доля истины в этом есть. Горевать, что "ах, я талант, а меня не признали" - это в какой-то степени даже оскорблять мировое сообщество критиков, устроителей выставок, обвинять их в некомпетентности, в неспособности рассмотреть талант. Это раньше, в том неспешном мире до интернета часто случалось так, что художник оказывался недооценен при жизни, должно было пройти время, чтобы вдруг мир осознал его величие. Сегодня время летит намного быстрее, информация распространяется мгновенно, известные и признанные художники живут и творят до сегодняшнего дня, по-моему, уже не осталось направления, которое не может найти себе места в искусстве, а, соответственно, и поклонников и покупателей. Это импрессионистов не понимали, а сегодня мир открыт абсолютно всему.

Здравствуйте, дорогие друзья!

Сегодня, я хочу вас познакомить с Александром Сергеевым — великолепным художником, руководителем и преподавателем «Школы живописи мастихином».

Картины Александра Сергеева

Посетите сайт художника Александра Сергеева и галерею его работ по адресу — http://sergeev-art.com/ .

Удивительные картины цветов, не правда ли? Мне даже захотелось поучиться создавать что-то подобное, такое-же воздушное и легкое, парящее… и прекрасное…:)

Интервью с художником

Художник Александр Сергеев

1. Здравствуйте Александр! Пожалуйста, расскажите немного о себе:).

Здравствуйте. Я Александр Сергеев, художник, преподаватель, руководитель школы живописи мастихином. Живу и работаю в Москве.

2. Блиц опрос: любимый цвет, любимый инструмент художника, любимое время года, любимый цветок, любимое блюдо.

Цвет солнечный, цвет золотисто-оранжевые, мастихин, лето, пион, ромашки, морепродукты.

3. Помните ли момент когда Вы окончательно и бесповоротно приняли решение стать художником? С чем было связано такое решение?

Не помню, даже никогда и не думал, что стану художником. Решение принималось скорей всего с трудом и сомнениями. Подтолкнули на это самые близкие люди…

4. Бытует мнение, что родные и близкие не всегда поддерживают увлечение живописью, а как было у Вас? У Вас в семье есть художники?

Не всегда. У меня так складывалось на протяжении жизни, что в окружении всегда все знали, что я умею рисовать. Но чтобы я стал именно художником, никто не предполагал, даже я. Художников в семье нет, но из родственников начали появляться. Видимо я заразил…

Как рисовать орхидею фаленопсис

5. Как Вы осваивали живопись?

Интуитивно.

— Где учились?

Окончил Архитектурный институт в Киргизии.

— Был ли у Вас наставник?

Очень давно самый первый, народный художник Киргизии Беребин Михаил Кузьмич. Я тогда первый раз увидел картины маслом в его мастерской в неформальной, домашней обстановке.

— Расскажите пожалуйста немного о своем творческом пути.

Я самоучка. В большей степени копировал других, наблюдал, запоминал, и пробовал. Сначала дарил свои картины, потом стал предлагать.

6. У Вас просто необыкновенные картины с цветами. Расскажите пожалуйста как Вы нашли свой стиль?

Однажды увидел как один японец по телеку, (я еще тогда не был художником) какими-то лопатками рисовал большие цветы. Они были легки и получались как бы в полете, такие танцующие. Думаю, что это меня и вдохновило…

7. Где Вы черпаете вдохновение, как рождаются идеи новых работ?

Цветы Александра Сергеева

Как правило, это происходит неожиданно, спонтанно.

8. Кто из художников оказал на Ваше творчество самое значительное влияние?

Художница Рума Даурова. Я случайно увидел на вернисаже в Москве в 1998г, около ЦДХ ее работы. Они были похожи на стиль того японца, которого я когда-то давно увидел по телевизору.

Видеоурок живописи «Древовидные пионы»

9. Есть ли темы в живописи, которые вас совсем не привлекают?

Тема «демонизма», насилия, изощрения, может и абстракции (не всей)…. Очень осторожно к этому отношусь. Не рекомендую просмотры таких картин и тем более приобретать и хранить дома!

10. Расскажите пожалуйста, какими по Вашему мнению чертами характера должен обладать настоящий художник?

Художник должен быть прежде всего открытым и творчески отдающим, для своего зрителя именно для своего. Должен быть искренним.

11. Много ли у Вас близких друзей художников?

Друзей из художников как правило нет, лично я мало с кем общаюсь, в основном только на выставках, именно сейчас.

— Просмотрев на Вашем сайте фото галерею выставок, не могу не спросить, какие творческие отношения Вас связывают с знаменитым художником Никасом Сафроновым? 🙂

Фотография с Николаем Семеновичем, это скорее всего внимание к моему творчеству, а словами обывателя – пиар.

12. Чем кроме живописи Вы занимаетесь в свободное время? Расскажите, пожалуйста, немного о своих увлечениях.

Люблю путешествовать.

13. Если бы Вы сейчас только начинали свой творческий путь, как бы Вы построили свое обучение и развитие, чтобы получить те знания которыми Вы обладаете сейчас в максимально сжатые сроки, максимально эффективно?

Как рисовать стекло: как сделать вазу стеклянной

14. Существует мнение, что художнику чтобы создать что либо удивительное нужно быть либо «голодным», либо постоянно пребывать в эмоциональном потрясении. Как Вы относитесь к такой точке зрения?

Не исключено…

15. Вы проводите оффлайн мастер классы живописи в Москве, расскажите немного о том, что побудило Вас заняться обучением других людей, в каком формате у Вас проводится мастер классы, и немного о ваших учениках и их результатах.

Меня уже очень давно просили давать уроки, обычно подходили на выставках с этими предложениями. А я все думал, что еще не созрел, что еще не готов. Сейчас конечно понимаю, что был не прав. Потому, что почти в каждом человеке есть талант и тяга к рисованию. Нужно всего лишь сказать ему и показать ему, ответить на вопросы. Потому, что через краски и картины, происходит раскрытие этого таланта, а далее это просто в человеке растет и совершенствуется.

Вера Тропилло - интервью с художником

16. По Вашему мнению, насколько в современном мире важно художнику уметь коммерциализировать свое искусство?

Да, это ВАЖНО! Нужно не бояться и не стесняться выставлять свои работы, иначе не узнаешь истиной оценки своему творчеству, искать своего зрителя, своих поклонников, ценителей «Твоего» стиля, твоей манеры письма. Участвовать в выставках.

17. Какие у Вас планы на ближайшее будущее? Возможно готовится необычный интересный арт проект с Вашим участием?

Писать картины, и проводить мастер-классы, не только в Москве. Общаться, вживую с людьми. Это важно! ибо общение на языке красок трансформирует и возвышает обе стороны. Далее формировать свою постоянную школу.

18. Что настоящему художнику достаточно для счастья? 🙂

Думаю ответ в п.17. и быть востребованным.

19. Дайте пожалуйста несколько советов читателям Арт-рецептов, а также тем, кто стоит только в самом начале своего творческого пути в живописи.

Хорошие советы дает на этот счет И.Сахаров:

• Доверяйте своему вкусу, от вас в картине требуется поступок, а не хоровод сомнений.
• Старайтесь писать как можно чаще.
• Не экономьте на краске.
• Не покупайте краску в наборах.
• Не обращайте внимания на критику, находите соратников своему творчеству.
• Больше копируйте признанных великих мастеров.
• Не выбрасывайте ранее написанные Вами картины.
• При работе, особенно мастихином, удобнее использовать мелкозернистые холсты на подрамнике, лучше работать на холстах где наполнение хлопка больше чем льна.
• Мастихины не должны быть жесткими.
• Пробуйте разные стили в живописи, чтобы найти свой
• Слушайте любимую музыку во время работы, чтобы настроить сердце, оно настроится куда быстрее чем руки и поможет рукам.
• Будьте предпринимателем в продаже своих картин. Не сомневайтесь в ценности своего продукта. Соедините в себе качество творца и продавца. Это поможет развивать мастерство в разы быстрее.
• Рабочее место должно быть организованно безупречно удобно. Если возможно выделить для этого комнату или хотя бы 2х2 м.
• Доверяйте себе, прислушивайтесь к себе, верьте в свои возможности и действуйте без правил и ограничений до поры. Потом разберетесь, что вы натворили.
• Обыгрывайте отсутствие навыков, вдыхая в картину жизнь, эмоцию, вкус, поступок, жест.
• Рекомендую работать стоя, чтобы мочь легко отходить от картины и видеть ее издали в целом. И не забывайте отходить!
• Во время работы используйте разные мастихины и кисти, подбирая их под каждую задачу. Не забывайтесь с тоненькой кистью в руке. Чаще используйте крупные кисти для легкости письма и обобщений. Мастихин, тряпка, палец, губка пусть станут равноправными участниками творческого процесса. Старайтесь находить в картине то, что можно исполнить этими инструментами.
• Не бойтесь писать на больших форматах.
• Не пишите на холсте натянутом на картон (без комментариев).
• Не слушайте «высокоумных» советов. Слушайте простые и ясные рекомендации.
• Создайте сайт где вы разместите первые 10 своих картин и разместите свои картины в 10-ти интернет-галереях. Вы получите огромную аудиторию зрителей, поклонников и даже друзей из мира художников.

Пейзаж «Закат над морем»: пишем мастихином без разбавителей

20. Александр, Вы счастливый человек?

Однако Вы все же решили поступать в художественное училище. Скажите, почему в дальнейшем ваш выбор пал на Академию Глазунова, не жалеете, что закончили именно эту школу живописи?

Об Академии я узнал случайно, в магазине на глаза попался буклет интересных студенческих работ, из него я и узнал о Глазунове. Когда приехал в Академию и посмотрел работы художников, понял, что именно это близко. Несмотря на то, что в Академии довлеет академизм, реализм, никто не заставляет работать как Глазунов. Художник сам волен выбирать близкую ему технику.
В какой манере нужно писать не говорили, вернее говорили, но я не слушал (смеется ).

Что закончил именно эту Академию не жалею. Меня долго отговаривали, уверяли, что не поступлю. Но я принял такое решение и поступил с первого раза. Если бы была возможность вернуться в прошлое, пошел бы туда снова.

Скажите, чье мнение о Вашем творчестве для Вас важно?

Мнение отца, свое собственное мнение. Я всегда ценил советы своего учителя Аликберова Виталлия Мурсаловича, он преподавал у меня еще в ОГХУ. Это удивительный педагог, студенты на его занятиях очень быстро развивались в творческом плане, он умел увидеть и за короткое время развить сильные стороны каждого.
Я всегда ценю объективность, когда хвалят за дело, это оказывает поддержку, но критика тоже нужна, она стимулирует стремление развиваться.

Раньше Вы преподавали в Академии, собираетесь ли вернуться к преподаванию в будущем?

Очень трудно совместить образ жизни, который я веду, с регулярной преподавательской деятельностью. Преподавание всегда привязывает к месту и ограничивает свободу передвижения. Я всегда пишу с натуры и для меня очень важна возможность в любое время выехать на пленэр. Хотя было очень интересно общаться с молодыми художниками, у них очень свежий взгляд и они наполнены энтузиазмом и воодушевлением. С ними интересно и этот заряд положительной энергии, который получаешь от них, здорово дополняет жизнь. Если в дальнейшем я буду преподавать, то скорее в форме мастер-классов, совместных пленэров.

Ярослав, расскажите немного о своих творческих планах. Интересно знать, чем живет художник.

Я планирую продолжать работу, потом будет видно. Мне нравится много путешествовать. Часто хочется поскорее выехать за город, туда, где еще осталась нетронутая природа. Очень хочется съездить на Байкал. Это удивительное место, я там никогда раньше не был. Есть желание съездить в тайгу, на Урал, по Енисею. Я не ставлю перед собой цель посетить максимум мест, чтобы просто отметиться. Мне всегда хочется углубиться, проникнуть в место, куда я приехал. Мне нравится ездить в Суздаль, это спокойный город, компактный. С эти местом у меня связано много приятных воспоминаний и впечатлений.

Как вам удается заниматься только творчеством, в наше время у художников это нечасто получается?

Удается как-то, я этому очень рад. Самое главное, удается путешествовать, посещать новые места. У меня получилось принять участие в научно-исторической экспедиции «Маршрутами древних мореплавателей в Атлантическом океане». Наш парусник был реконструирован по типу древнего финикийского судна, без использования современных технологий, на нем не было даже мотора, только весла.

Как Вы относитесь к тому, что художник продает свои картины?

Работы продают себя сами. Я всегда пишу то, что мне нравится, а не то, что можно продать. Для меня очень важно писать, что мне хочется, а не работать на заказ. Покупатели обычно сами меня находят, звонят с предложениями купить работы. Когда пишу картину, ко мне часто подходят люди и спрашивают, я пишу для себя или на продажу. Я всегда честно говорю, что пишу для себя.

Каким Вам видится Ваш творческий путь в развитии?

Пока планирую двигаться в этом направлении, потом не знаю, время покажет. Иногда бывает так, что хороший художник – реалист вдруг становится абстракционистом и думает, что вырос в творческом, интеллектуальном плане, а остальным кажется, что он наоборот творчески деградировал. Лично я в таком творческом искании не вижу смысла для себя. Свой путь в живописи я уже выбрал.

А что привлекает, что именно нравится в живописи?

Привлекает живопись, в которой художнику удается передать ощущения – запах весны, журчание воды. Часто работа настоящего мастера сильно отличается от репродукции, например «Березовая роща» Левитана меня долгое время вообще не привлекала, пока не увидел в Третьяковке, где долго возле нее стоял, она несет энергетику, информацию.

Умение точно передать ощущение состояния души через состояние природы – это то, что я ценю больше всего. На мой взгляд, природу всегда нужно писать с натуры на пленере, иначе это будет мертвая живопись. Я, как художник, сразу могу отличить работу написанную на пленере от сделанной в мастерской.

Работа написанная на пленере несет в себе энергетику природы, саму природную силу. Работая в мастерской художнику нужно вспоминать образы, а на пленере собираешь из живой массы природы самые яркие моменты. Для меня важно, чтобы работа приносила удовольствие, это дает мне ощущение свободы.

Вы пишите этюды с натуры, скажите, как они превращаются в картину?

Сначала я пишу небольшой этюд – это поиск, он показывает, что я хочу изобразить, основу, стержень. Этюды – это найденные состояния, если я чувствую, что из этого может получиться что-то большее, то прихожу с большим холстом и переношу все на него, что-то уточняю, делаю детали или не делаю. Этюд необходим чтобы запечатлеть на нем тот момент, то состояние природы, которое хочется изобразить, он помогает не потерять первое впечатление, которое хочется написать, очень важно, чтобы найденное ощущение не потерялось.

Ярослав, как к Вам приходит замысел картины?

Я всегда пишу то, что мне близко, исходя из своего ощущения красоты, я всегда прислушиваюсь к самому себе и пишу как чувствую, и все равно как это будут называть. Иногда приходится долго искать выражение образа, а бывает, что сразу находишь – это как строчки стиха. Все зависит от состояния, настроения, которое хочешь передать.

Так в родных местах ходишь годами мимо и не замечаешь, а потом открывается нечто ценное и дорогое, как сказал один великий человек, открыть в обыкновенном необыкновенное. Картина – это всегда этап жизни, а не день, каждая несет в себе запас информации. Есть работы, которые нравятся почти всем, случается, что это хмурые, пасмурные пейзажи. Я всегда стараюсь, чтобы палитра не повторялась, все работы написаны по-разному.

Ярослав, почему вы не изображаете в своих пейзажах человека?

Просто я считаю, что наедине с природой не нужен никто. Необходимо уединение для проникновения в природу, а фигура человека отвлекает и привлекает к себе слишком много внимания. В работы хочется погрузиться, а когда там уже кто- то есть возникает желание их рассмотреть, когда человек появляется в природе, он становится центром внимания. Мои картины и есть человек в природе, но этот человек - зритель. Мой пейзаж самостоятелен, это не «задники» для жанровых сцен.

Глядя на Ваши работы невольно приходит на ум сравнение с Левитаном, как вы относитесь к подобного рода сравнениям?

Да, случается. Левитан один из моих любимых художников. Мне нравится его лирическое отношение к природе, умение передать чувства, тонкое понимание природы. Это нормально, людям свойственно сравнивать. Я к этому спокойно отношусь. Ведь мои работы - не перепев чужих мотивов, все найдено мной.

Поражает написанное Вами количество работ, как удается столько написать?

На самом деле я пишу не быстро, на работу уходит обычно месяц, в год около 10 работ.

Потом работа долгое время зреет в мастерской, я что-то убираю, добавляю, обобщаю. Бывает и так, что маленькую картину пишу две недели, а большую два дня – размер не показатель времени работы над созданием картины, а время не показатель художественной ценности.

Скажите, Ваше творчество находит почитателей за рубежом?

Да, у меня проходили выставки в США и во Франции. Есть работы, написанные за границей, но там их и покупают, я не привожу эти картины в Россию. Я не стараюсь писать узнаваемые места. Мне всегда хочется в чем-то простом создать какой-то образ, а когда окружают новые красивые виды,ты просто их запечатлеваешь. Работы за границу я продаю неохотно, хочется, чтобы был к ним доступ, и у меня была возможность в любой момент их выставить, безвозвратно работы почти не уходят.

Что бы Вы хотели сказать или пожелать своему зрителю?

Смотрите работы, все в них.

Расскажите про Ваше творческое кредо, что вы хотите сказать своими работами?

Живописью говорю то, что невозможно выразить словами. Это всегда родное, привычные вещи, которые любишь с детства. Культура, которую люди берегут. Как сказала моя маленькая дочь: «хорошо нам художникам, нарисуешь что-то красивое и радуешься».

Вот к этому я и стремлюсь – сделать и возрадоваться. Найти себя и продвигаться к этому, для меня очень важна свобода делать то, что хочу. Поэтому всегда говорю себе: делай так, как нравится самому.

Ярослав, спасибо Вам большое за интересную беседу. В свою очередь, мне хочется присоединиться к Ярославу Зяблову, и пригласить всех на выставки художника. В его работах действительно каждый сможет найти нечто близкое и родное, то, что дороже всего на свете.

Беседовала с художником историк искусства Юлия Чмеленко