Какой театр открыл шекспир. Театр Шекспира "Глобус"

Лернер Н. Н.

Лернер Н. Н.

ЛЕРНЕР Николай Никитич (1884-) - автор множества пьес исторического характера («Фаворитка Петра I», «Правительница Руси», «Смерть Пушкина», «Петр III и Екатерина II» и пр.). Печатается и ставит пьесы на сцене с 1906. Вплоть до самых последних лет Лернер являлся характерным выразителем вкусов городского мещанства, обывательщины, ищущей в истории только эффектных происшествий и альковных тайн. С историческими фактами Л. обращается чрезвычайно вольно, зачастую дополняя их своими произвольными, малоправдоподобными гипотезами. Драмы Л. отличаются поверхностностью в трактовке темы, авантюрной фабулой, часто бьющей на сенсацию, опошлением исторических образов - в угоду примитивному восприятию мещанской аудитории.
Перу Л. принадлежит также комедия из современной жизни «Брат наркома», представляющая собой плоское подражание гоголевскому «Ревизору».
В последнее время Л. делает попытки перейти к более созвучной современности тематике; такова его пьеса о Чернышевском. Но отход от мещанства еще не привел Л. к сколько-нибудь полной обрисовке гениального утописта 60-х гг.Библиография:

I. Николай I, М., 1922 (и др. изд.); Фаворитка Петра I, М., 1924 (с дополнением: Луначарский А. В., Об исторических пьесах); Правительница Руси, Москва, 1925; Брат наркома, М., 1926; Пушкин и Николай I, М., 1927; Растрата, М., 1927; Барщина, М., 1928 (изд. 3-е, М., 1929); В селе Михайловском. Утаенная любовь, М., 1929; Николай Чернышевский, М., 1929; Смутная земля (Самозванец), Москва, 1930; Среди врагов (Растрата), издание 3-е, Москва, 1930, и другие.

II. Владиславлев И. В., Литература великого десятилетия (1917-1927), т. I, Гиз, Москва - Ленинград, 1928.

Литературная энциклопедия. - В 11 т.; М.: издательство Коммунистической академии, Советская энциклопедия, Художественная литература . Под редакцией В. М. Фриче, А. В. Луначарского. 1929-1939 .

Смотреть что такое "Лернер Н. Н." в других словарях:

Лернер еврейская фамилия. Известные носители: Лернер, Аарон Бунзен (англ.) (англ. Lerner Aaron Bunsen) (1920 2007) американский исследователь, врач. Открыл мелатонин. Лернер, Абба (1903 1982) американский экономист. Лернер,… … Википедия

Лернер Н. О. ЛЕРНЕР Николай Осипович (1877) историк литературы. Окончил курс юридического факультета, был присяжным поверенным, сотрудничает во многих журналах и газетах. В историко литературной деятельности Л. центральное место занимают работы… … Литературная энциклопедия

- (Lerner) См.: условия Маршалла Лернера (Marshall Lerner conditions). Экономика. Толковый словарь. М.: ИНФРА М, Издательство Весь Мир. Дж. Блэк. Общая редакция: д.э.н. Осадчая И.М.. 2000 … Экономический словарь

- (Lerner), Дениел (р. 30 окт. 1917) – амер. бурж. социолог. Проф. социологии (с 1951) Станфордского ун та, социологии и междунар. отношений (с 1958) Массачусетсского технологич. ин та. Основатель и директор (с 1954) парижского Institut d études… … Философская энциклопедия

- … Википедия

- … Википедия

- … Википедия

- … Википедия

- … Википедия

- … Википедия

Книги

• Марик Лернер. Цикл "Дорога без возврата" (комплект из 3 книг) , Лернер М.. Все началось, когда в газетах поднялся очередной шум вокруг пришельцев. Очень скоро стало известно, что именно можно было получить у них. Здоровье. Пришельцы вылечивали практически любого…
• Рассказы о Пушкине , Лернер Н.. Н. О. Лернер - историк литературы и критик, центральное место в его деятельности занимает изучение творчества А. С. Пушкина. В предлагаемом читателю сборнике "Рассказыо Пушкине" Лернер не…

Первый шекспировский театр просуществовал недолго, около четырнадцати лет, и сгорел дотла, когда театральная пушка дала осечку в результате которой воспламенились деревянные балки и соломенная крыша над сценой. В этот раз обошлось без жертв: пламя попало лишь на брюки одного из зрителей, который быстро потушил огонь.

Шекспировский театр «Глобус» находится в столице Великобритании, в Лондоне, на южном берегу Темзы, недалеко от моста Миллениум, по адресу: 21 New Globe Walk, Bankside, London SE1 9DT. На географической карте этот храм Мельпомены можно найти по следующим координатам: 51° 30′ 30″ с. ш., 0° 5′ 50″ з. д.

Несмотря на то, что этот театр довольно молод (строительство здания было закончено в 1997 году), история его существования насчитывает более трёхсот лет и состоит из трёх этапов со значительным перерывом:

1. Первый театр актёры труппы «Мужчины лорда Чемберлена», к которой принадлежал Уильям Шекспир, построили в 1599 году. Просуществовал этот храм Мельпомены недолго и летом 1613 года полностью сгорел во время пожара;
2. Несмотря на значительные разрушения, здание было отстроено уже через год, и театр в нём функционировал до 1642 года, после чего был разобран пришедшими к власти пуританами;
3. Современный театр, созданный по описаниям и обнаруженным во время археологических раскопок остаткам основания здания, возвели в конце девяностых годов прошлого века в двухстах метрах от местонахождения самого первого здания.

Самый первый театр

Интересно, что владельцами нового театра были почти все актёры труппы «Мужчины лорда Чемберлена»: братьям Бёрбедж, Ричарду и Кутберту принадлежало по 25% акций, а доля Шекспира, Хемингса, Филипса и Поупа составляла по 12,5 %. Со временем акции были частично проданы, количество акционеров увеличилось, а доля актёров уменьшилась (например, у Шекспира в результате различных финансовых операций осталось лишь восемь процентов бумаг).

То, что братьям Бёрдбедж принадлежала большая часть акций, не случайность: во время строительства театра были использованы деревянные элементы первого лондонского театра, который принадлежал их отцу и был сооружён на арендованной земле в 1576 году. Когда срок аренды истёк, владелец земли, где находился театр, поднял плату настолько, что выгоднее оказалось здание разобрать, перевезти на новое место и собрать заново.

Новый театр стал популярен практически сразу: имя Вильяма Шекспира, известного драматурга, актёра и совладельца театра сделало своё дело – в этом храме Мельпомены были поставлены почти все его драматургические произведения. На одном лишь Шекспире актёры зациклены не были, а потому на театральных подмостках «Глобуса» можно было увидеть пьесы и других известных драматургов того периода. К сожалению, новое здание просуществовало недолго: в июле 1613 года во время премьеры пьесы Шекспира «Генрих XVIII» его уничтожил пожар.

Внешнее описание первого театра

Возле входа в здание была установлена скульптура Атланта, на плечах которого находился опоясанный лентой земной шар (именно благодаря ему новый театр и получил своё название). На ленте глобуса можно было прочитать: «Весь мир – театр».

В стенах нового здания помещалось около 3 тыс. зрителей. По форме оно напоминало несколько вытянутый амфитеатр (29,6 на 31,1 метр), имело три этажа, а крыша была лишь над сценой. Из-за недостатка освещения представления шли лишь днём, без антрактов, с использованием минимального количества декораций (их успешно заменяли таблички со словами «Лес», «Дворец», «Поле» и т. п.)

Возле стен первого этажа находились лоджии для аристократов, над ними – галереи для богатых лондонцев (здесь были установлены сидячие места). Все остальные места были стоячими, а некоторым особо привилегированным зрителям разрешали находиться прямо на сцене. Интересный факт: возле сцены была предусмотрена площадка, где невзыскательные лондонцы, заплатив один пенни, могли смотреть на представление стоя.

Ширина сцены составляла тринадцать метров, глубина была около восьми, возвышалась она над полом на полтора метра и несколько выступала вперёд. В полу был предусмотрен люк, через который артисты имели возможность подниматься на подмостки из подвального помещения (исследователи также допускают наличие других люков вокруг сцены).

В глубине сцены была установлена верхняя площадка, на которой находились музыканты, а если того требовал сценарий, появлялся призрак отца Гамлета или стояла Джульетта во время объяснения с Ромео. Над этой площадкой был расположен «Домик», в окнах которого показывались артисты.

Расположенную над сценой соломенную крышу, «небеса», поддерживали установленные по бокам толстые колонны (исследователи допускают, что на потолке вполне могло быть изображено облачное небо). На этой крыше также было предусмотрено наличие люка, через который актёры при помощи верёвок и канатов спускались вниз.

Второй театр

Сгоревший театр в Лондоне восстановили довольно быстро и открыли для публики уже в июне 1614 года. Учитывая печальную историю предыдущего сооружения, новое здание построили из камня. Правда, и на этот раз лондонскому театру не повезло. К власти как раз пришли пуритане, которые, заявив, что всё связанное с театральной деятельностью, является греховным, безнравственным и порочным, в 1642 году закрыли «Глобус», а через два года полностью разобрали, построив вместо него доходные дома – многоквартирные жилые помещения для сдачи в аренду.

Таким образом, точное местонахождение театра на протяжении долгих веков было неизвестно, пока в конце восьмидесятых годов прошлого века под одной из автостоянок на Парк-Стрит не было обнаружено его основание.

Современный «Глобус»

История лондонского театра «Глобус» на этом не закончилась: через 350 лет по инициативе американского актёра Сэма Уэнамейкера было принято решение возродить шекспировский театр – и в 1997 году новое здание открыло перед публикой свои двери. Находилось оно в двухстах метрах от старой постройки, было построено по восстановленным чертежам времён первого «Глобуса», а при его строительстве были задействованы технологии XVII ст.

Например, штукатурка была изготовлена из смеси извести, песка и козьей шерсти, а крышу, которую установили лишь над сценой и над сидячими местами, покрыли соломой.

Таким образом, шекспировский театр оказался первой постройкой с соломенной крышей, которую разрешили установить в городе после пожара, произошедшего в Лондоне в середине XVII ст. Было решено отказаться от установки электрического освещения, которым можно было бы пользоваться во время представлений, а потому все театральные постановки происходят лишь днём в тёплое время года, с мая по сентябрь.

Хотя театр и рассчитан на 3 тыс. зрителей, из-за соображений безопасности на представлении может присутствовать не более 1300 человек. В зале предусмотрено 700 стоячих мест, а чтобы зрители полностью прочувствовали дух елизаветинской эпохи, в театре разрешены правила этикета времён Шекспира. Это значит, что все, кому не нравится игра актёров, имеют право выражать своё отношение свистом и недовольными возгласами.

Жизнь вне сезона

Несмотря на то, что на представлении в театре «Глобус» можно побывать лишь с мая по сентябрь (в остальное время труппа гастролирует), туристам, приехавшими в Лондон «не в сезон», отчаиваться особо не стоит: экскурсии здесь проводят ежедневно. Кроме того, возле театра расположен музей-парк, посвящённый великому драматургу. В нём находится самая большая выставка в мире, посвящённая Уильяму Шекспиру, а также предусмотрены различные мероприятия: можно попытаться самостоятельно написать стихотворение, поглядеть на бои с мечами, и даже активно поучаствовать в постановке спектакля.

12+

Погружение в темные глубины человеческого подсознания - в постмодернистской трагедии Юрия Бутусова, основанной на одной из самых мрачных пьес Шекспира.

 Событие уже прошло

Спектакль «Ромео и Джульетта» Уильяма Шекспира в МХАТ им. М. Горького 12+

История любви и смерти Ромео и Джульетты, а также ненависти двух семейств, погубившая любовь, в постановке народного артиста России Валерия Беляковича. Для воплощения своего замысла Белякович разумно и аккуратно сократил текст Шекспира. Акцент в постановке сделан не столько на линии любви (хотя любовь и предстаёт здесь во вселенском масштабе), сколько на теме вражды двух кланов. Враждующие герои дерутся обрезками труб, символизирующих ненависть к себе подобным и беспричинную злость. Но ни виновных, ни карающих здесь нет: все жертвы.

Спектакль «Много шума из ничего» в Театре имени А. С. Пушкина 16+
Шекспировская пьеса в современной адаптации

Режиссер Евгений Писарев перенес шекспировских героев в современную обстановку: они одеваются по последней моде и говорят на молодежном сленге. Однако шекспировский сюжет был оставлен без изменений.

 Событие уже прошло

Спектакль «Сон в летнюю ночь» в Театральном центре «На Страстном» 14+
Фантасмагоричная комедия о любви

«Сон в летнюю ночь» - одна из самых гибких и податливых шекспировских пьес, которая позволяет режиссерам экспериментировать со стилистикой и формами сценического воплощения. Одну из бесконечных «вариаций на тему» представят на студенты знаменитой «Щуки».

 Событие уже прошло

Балет «Укрощение строптивой» в Большом театре 16+
Шедевр от хореографа Жана-Кристофа Майо

Балет в двух действиях «Укрощение строптивой» на музыку Дмитрия Шостаковича и либретто создан по произведению Уильяма Шекспира. Спектакль пройдет на Новой сцене Большого, что расположена рядом с историческим зданием.

 Событие уже прошло

Спектакль «#сонетышекспира» в Театре Наций 16+
Шекспировские тайны

Спектакль на сцене представляет режиссёр Тимофей Кулябин. Загадки шекспировских сонетов не разгаданы и по сей день. Остаётся невыясненным, кому они посвящены, какова была причина их создания и кто пронумеровал сонеты в той последовательности, которая нам известна...

 Событие уже прошло

Спектакль «Гамлет» в МХАТ им. М. Горького 16+
Постановка Валерия Беляковича

Валерий Белякович, автор трёх десятков спектаклей по пьесам Шекспира, вновь обратился к самому знаменитому произведению английского драматурга. В своей постановке режиссёр обращается к стилю лондонского «Глобуса», где при Шекспире не использовали декораций.

Спектакль «Король Лир» в Театре «Сатирикон» 12+
Драматический сеанс театральной игры в двух действиях

Не упрощая шекспировских смыслов и предлагая зрителю довольно сложную метафорическую структуру, режиссер Юрий Бутусов рассказывает историю, в которой распад семьи, распад страны, распад личности - все связано друг с другом. Король Лир вообразил себя равным Богу - вот и раздал королевство дочерям, чтобы просто посмотреть, что из этого получится.

 Событие уже прошло

Спектакль «Укрощение строптивой» по мотивам комедии У. Шекспира в Театре Наций 12+
Режиссер Роман Феодори представляет свой взгляд на знаменитый сюжет английской классики

Пьеса, попавшая на постановку в

Театр Шекспира и его влияние на русский театр

Уильям Шекспир (, Великобритания), автор 11 трагедий и 17 комедий. Его произведения в разные времена и в разных странах назывались «устаревшими», но вот уже почти четыреста лет, как их сюжеты остаются востребованными, переживая поколения и эпохи. Секрет пьес Шекспира – в самих историях, которые остаются интересными именно потому, что отражают вечные темы: человеческие страсти, стремления и слабости. То есть все то, что не меняется на протяжении всей истории человечества то, что никак не зависит от технического прогресса и развития нанотехнологий.

При жизни Шекспира его пьесы играла труппа «Слуги лорда Камергера», которая играла в лондонском театре «Глобус». Постановки в «Глобусе» были очень популярны. Для них было характерно полное отсутствие декораций. Это позволяло сильно сокращать время спектакля: акты сменялись один за другим довольно быстро, так как не было необходимости разбирать и собирать декорации. О смене места действия зрителей оповещали табличкой с надписью. Еще она немаловажная деталь: актеры «Глобуса» на сцене были одеты так же, как и их современники. Через много веков в разных странах режиссеры, ставя шекспировские пьесы, станут одевать труппу в современную одежду в качестве эффектного приема. Но перед этим пройдет еще немало времени.

Вплоть до середины XIX века произведения Шекспира переводились на русский язык не с оригинала, а через французские классические адаптации (Jean-François Ducis, 1733–1816). Наиболее известным автором в Росси в ту эпоху был А. Сумароков, которому и принадлежит первое упоминание о Шекспире, которое относится к 1748 году: «Шекспир, английский трагик и комик, в котором и очень худого, и чрезвычайно хорошего очень много. Умер 23 дня апреля, в 1616 году, на 53 века своего». Сумароков, в точности как и Дюсси, был скорее интерпретатором, чем переводчиком: допускал вольности в сюжете, в диалогах и даже в фабуле. Достаточно упомянуть лишь тот факт, что в его версии Гамлет не погибает, а женится на Офелии. Вообще в те годы, по примеру Дюсси, и русские писатели выпускали не переводы пьес Шекспира, а собственные версии его сюжетов. Они так и назывались: "Отелло" Вельяминова, "Леар" Гнедича, "Гамлет" Висковатова.

Интерес к Шекспиру в России резко вырос после 1825: восстание декабристов изменило настроения в обществе в целом. Прогрессивные умы того времени жаждали перемен в государственном устройстве. В тот период все больше входил в моду фольклор, бытовой уклад крестьян, их простые нравы, а главное – устное творчество, предания, легенды. Впрочем, и сам «англицкий» Шекспир часто искал свои сюжеты в сказаниях старины. И многие русские писатели, вооружившись примером Шекспира, черпавшего сюжеты своих драм в народных сказаниях, также обратили свое внимание на фольклор, и по примеру британского классика стали воссоздавать сюжеты устных старинных преданий в своих литературных произведениях. Наилучшим шекспиристом той эпохи считается. В середине XIX века Шекспира стали переводить на русский язык с оригинала. Среди русских переводчиков Шекспира были и декабристы: Кюхельбекер и Бестужев. Первое «Полное собрание драматических произведений Шекспира в переводе русских писателей», вышло в нескольких томах в 1865–68 гг. и в дальнейшем многократно переиздавалось.

В годах популярность Шекспира на русской сцене росла. Спектакли "Ричард III" и "Отелло" в переводах Брянского и Панаева привлекли внимание русского зрителя к пьесам английского драматурга. О Шекспире много писали, появилось множество переводов, самого разного качества. О моде на Шекспира в эти годы Гоголь писал: "Не говоря о писателях отечественных, рецензент, о какой бы пустейшей книге ни говорил, непременно начнет Шекспиром, которого он вовсе не читал. Но о Шекспире пошло в моду говорить - итак, подавай нам Шекспира". За период появилась масса новых переводов, на сцене играли "Ромео и Юлию" в переводе М. Каткова, "Короля Лира" и "Кориолана" в переводе В. Каратыгина, "Венецианского купца" в переводе Н. Павлова, "Тимон Афинский" в переводе Н. Полевого и "Комедию ошибок" в переводе Кетчера.

Но массовая мода, которая увеличивает количество, обычно плохо отражается на качестве, к сожалению, так же произошло в то время и с пьесами Шескпира. Вот что писал об этом Некрасов: "Кориолан" в том виде, в каком игран, в чтении, разочарует вас, введет вас в заблуждение и, чего Боже сохрани, заставит вас сомневаться в Шекспире... Нет, нет! Нарочно предупреждаю вас, что это не Шекспир виноват... Погодите, может быть, скоро явится у нас полный перевод "Кориолана", верный, отчетистый, изящный, тогда вы увидите, как далеко нынешнему "Кориолану" до шекспировского".

Но интерес к шекспировским постановкам только рос. Наиболее известной из первых театральных постановок пьес Шескпира в России считается трагедия «Гамлет» в переводе. Прошло всего лишь десять лет после восстания декабристов. Часть общества в тайне симпатизировала высокому порыву бунтарей, часть напротив, считала деятельность, направленную на смену власти в стране крайне опасной.

В 1837 году пьесу поставили одновременно в Москве и в Санкт-Петербурге. Главную роль сыграли соответственно и. Перевод Полевого был достаточно вольным, он скорее соответствовал настроениям его современников, чем тексту оригинала. Но именно это и сделало пьесу очень популярной, вызвало массу отзывов. Мочалов сыграл также и других шекспировских персонажей: Ромео, Ричарда III, короля Лира и Отелло. Но наибольший успех принесла артисту именно роль датского принца. Память о ней дошла до наших дней. благодаря вышедшей в 1838 году статьи В. Белинского "Гамлет, драма Шекспира. Мочалов в роли Гамлета". По определению Белинского, в этом Гамлете актерской интерпретации было больше, чем авторского замысла. Но исполненный пафоса Гамлет-бунтарь Мочалова соответствовал настроениям иных современников. Это был человек, не смирившийся с окружавшей его действительностью, и бросивший ей вызов, заранее чувствуя собственную обреченность, и тем не менее не отступивший, и выразивший свой протест, прекрасно понимая, как это опасно. Прочие шекспировские герои в исполнении Мочалова были также пафосны, как и принц Датский. Впрочем, Мочалов был актером настроения. Он полагался на музу и порывы вдохновения, отчего в одних и тех же спектаклях, сыгранных в разное время, одни и те же персонажи могли «звучать» по-разному.

Совсем не таким был Гамлет Каратыгина. Из шекспировских ролей Каратыгин сыграл Отелло, Гамлета, Лира и Кориолана. В отличии от импульсивного Мочалова, он был более техничен, рационален, его персонажи меньше отражали актуальные настроения общества, но зато приближали зрителя к Вечному. Белинский, сравнивая двух этих исполнителей, писал: "Игра Мочалова, по моему убеждению, иногда есть откровение таинства, сущности сценического искусства, но часто бывает и его оскорблением. Игра Каратыгина, по моему убеждению, есть норма внешней стороны искусства, и она всегда верна себе, никогда не обманывает зрителя, вполне давая ему то, что он ожидал, и еще больше. Мочалов всегда падает, когда его оставляет его вулканическое вдохновение, потому что ему, кроме своего вдохновения, не на что опереться... Каратыгин за всякую роль берется смело и уверенно, потому что его успех зависит не от удачи вдохновения, а от строгого изучения роли... Оба эти артиста представляют собою две противоположные стороны, две крайности искусства..."

Гамлет Мочалова был протестом против существующего государственного устоя. Это был смелый, хоть и завуалированный вызов, что было очень популярно в кругах, симпатизировавших декабристским взглядам. И официальная цензура не могла смириться с таким положением дел. Так, в 1840 году были запрещены к постановке "Генрих IV" и "Комедия ошибок", в 1845 "Юлий Цезарь", в 1851 "Ричард III", в 1853 "Цимбелин". "Макбет" был допущен к русской сцене в 1860 году, и то с большими сокращениями. Был также запрещен перевод "Сна в летнюю ночь", сделанный Ап. Григорьевым.

Большую роль в популяризации трагедий Шекспира на рубеже XIX-XX веков играли гастролирующие актеры: М. Дальский, М. Иванов-Козельский, П. Самойлов, П. Орленев, братья Адельгейм, Н. Россов и другие. Для них была характерна страстная манера игры, изображение сильных эмоций, что было весьма востребовано, особенно у провинциальных зрителей. Артисты П. Самойлов и П. Орленев, культивировали в своей игре болезненный психологизм, за что были прозваны "неврастениками. Но, несмотря на этот, и ряд других недостатков, игра гастролеров пользовалась большой популярностью за счет эпатажа и за счет того, что в моду входили высокие страсти и акцентированная экспрессия. Именно в этот период в России формируется представление о Шекспире как о драматурге, в чьих пьесах центральное место занимает персонаж, а не интрига сюжета в целом.

К 1855 году остались непереведенными только шесть из 37 канонических. В г вышло в свет первое полное собрание сочинений Шекспира под редакцией Н. Некрасова и Н. Гербеля.

В 1903 году на сцене Художественного театра появилась постановка -Данченко и «Юлий Цезарь». Это были времена, когда рождался новый театр, театр реализма, и Станиславскому было не так легко найти новые способы выражения для шекспировских спектаклей, до сих пор славившихся накалом эмоций. Вот и постановка «Юлия Цезаря», по словам

Немировича-Данченко могла называться "Рим в эпоху Юлия

Цезаря" - в пьесе было уделено очень много внимания историческим деталям и правдоподобности. Да и Станиславский отмечал, что "постановка делалась не столько в плане трагедии Шекспира, сколько в историко-бытовом плане… Наша актерская внутренняя работа оказалась слабее внешней постановки.." Сама тема пьесы была актуальна в то время, и постановка имела грандиозный успех.

Главную роль исполнял в спектакле В. Качалов. Театральные критики писали: "В Юлии Цезаре Качалов раскрывает проблему власти, лишенной народной поддержки... Качалов играл диктатора, оторванного от народа, скрывающего от всех свои тревоги и подозрения, диктатора, делающего из себя "полубога", замкнувшегося в своем одиночестве и потому обреченного на гибель".

Чуть позже на той же сцене появился «Гамлет». Главного героя играл все тот же Качалов. "Он трагичен в своем бессилии изменить мир, в своей исторической безысходности. Он понимает бесплодность своего подвига, но в то же время повинуется внутреннему долгу, толкающему его на подвиг, он весь охвачен тоской по лучшей жизни, дожить до которой, он знает, ему не суждено..."

В первые годы после революции Шекспир не утратил своей актуальности. Напротив, долгое время многие любители пьес драматурга искали в его произведениях созвучие своим чаяниями. И вот, наступили долгожданные перемены. Действительность оказалась далеко не благоприятной: везде разруха, и на построение новой жизни нужны время и силы. Общество нуждается в переосмыслении жизненных ценностей, общество ищет новые ориентиры.

В 1919 году в Большом драматическом театре Петрограда началась работа над пьесами Шекспира. В течение нескольких лет был создан ряд значительных спектаклей. Как правило, это было романтическая трактовка. В то же время в Московском Малом театре старое поколение корифеев русской сцены по-новому осмыслило некоторые шекспировские образы. Об одной из постановок Малого театра писали: "Когда после двадцатилетнего перерыва в советские годы вновь выступила в роли Маргариты, с 1897 года бессменно игравший с Ермоловой в "Ричарде III", очень удачно определил это новое, внесенное великой актрисой в старую роль, как трагедию падшей власти" <"Мастера театра в образах

Шекспира", стр. 131.>.

Были также постановки Шекспира в популярном тогда формалистическом жанре. В качестве примеров, можно назвать спектакли «Макбет» Центрального просветительного театра (Москва, 1922), "Ромео и Джульетта", осуществленной Камерного театра (1921, реж. А. Таиров, в главных ролях А. Коонен и Н. Церетели), "Гамлет" в постановке на сцене театра им. Евг. Вахтангова (1932).

Художественные достоинства были и в двух других постановках ранних лет советского периода. Одна из них - "Король Лир" в Первой студии МХТ, поставленный Б. Сушкевичем, с Певцовым в главной роли. В этой постановке была озвучена этическая задача разрушения личности деспота, была представлена попытка раскрыть трагедию старого короля символ как крушения индивидуализма.

Очень созвучной современности, и можно сказать пророческой для советской интеллигенции оказалась мхатовская трактовка «Гамлета» 1924 года. Чеховский Гамлет – честный и принципиальный человек, растерявшийся перед лицом действительности, которую он не мог ни понять, ни принять.

В 1930 году осуществил постановку "Отелло", которая открыла новую страницу в историю отечественной шекспирианы. Это было принципиально новое прочтение трагедии. "Для Станиславского конфликт трагедии "Отелло" заключается в столкновении двух "романтиков" - Отелло и Дездемоны - с миром Венеции, где царит холодный расчет, с миром хищного индивидуализма и "частного интереса". До Станиславского причину трагедии рассматривали исключительно в разгуле "диких африканских страстей".

Это было не только новым словом в шекспириане, но и определяло вектор развития для русского театра в целом. В дальнейшем советские режиссеры не только на примере шекспировских пьес старались придать самому простому сюжету глубину и новый смысл, а простые человеческие отношения рассматривали не отдельно, а на фоне общественных и исторических процессов.

"Станиславский выступает не только против романтической традиции истолкования Шекспира, представляющейся ему односторонней и изжитой.

Создавая свою концепцию образа Отелло, Станиславский спорит и с существеннейшими особенностями трактовки шекспировских образов у выдающихся трагиков реалистов конца XIX века".

Работа над постановкой длилась долго: «Отелло» появился на сцене в сезоне 1934/35 года. Этот театральный сезон и стал точкой отсчета нового, классического советского прочтения пьес Шекспира, с их принципами социалистического гуманизма.

А. Остужев отошел от классической традиции исполнения Отелло, как взрывного и не в меру эмоционального характера. "Он уже не столько эпический, сколько лирический Отелло. Это не пламень, не жар страстей, а теплота души, задушевность, душа".

Остужевский Отелло – гуманист, человек с высокими идеалами. Его брак с Дездемоной тоже своего рода идеал гуманизма: она выходит за него замуж по любви, презрев общественное мнение. Не стоит забывать, что спектакль ставился во времена, когда в России упразднялось понятие социальных классов и «старого мира». А ведь в «старом мире» браки заключались с непременным учетом социального положения будущих супругов: многое зависело от приданного невесты, от ее происхождения, здоровья и бесчисленных других факторов. А теперь массовая пропаганда славила высоту чувств, способных преодолеть любые предрассудки. Человек в советской морали представлял ценность сам по себе, как личность, и в контексте новых ценностей спектакль выглядел весьма и весьма современно. Даже печальная сцена гибели Дездемоны трактовалась по-новому: если раньше Отелло убивал в порыве слепой ярости, то теперь это было холодное действие, не убийство, а настоящая казнь, наказание, жестокое, но вполне трезвое и взвешенное решение.

Оттенок особого коварства получил на таком фоне образ Яго: он не просто строит козни, а пытается сокрушить идеалы Отелло, заставить принять его жесткую реальность.

Узнав об обмане Яго, о несправедливости убийства Дездемоны, Отелло совершает суд над самим собой. В биографии Остужева этому спектаклю дана блестящая и точная оценка: «Остужев сыграл трагедию своего героя как трагедию гуманиста, слишком рано поверившего в то, что зло уничтожено. Именно тогда, когда ему казалось, что он наносит злу последний удар, карая "изменницу" Дездемону, он сам становился орудием зла. Диалектика шекспировской трагедии, отразившей противоречия эпохи Возрождения, была вскрыта Остужевым с гениальной глубиной».

Новые настроения в обществе отразились и на интерпретации другой шекспировской трагедии – «Король Лир». В своей статье «Моя работа над «Королем Лиром» актер С. Михоэлс писал: "Мы-то знаем, что такое идеология, - говорил С. Михоэлс, - что такое правильно, верно направленный взгляд. Мы-то с вами уже знаем, что вот эта пара глаз соткана из той же ткани, что и мозг, что человек вперяет глаза, эти куски мозга, в мир для того, чтобы его осознать, и знаем, как трагична гибель,

когда тускнеет взгляд и когда эти кусочки мозга, как в кривом зеркале, представляют себе весь мир, - человек натыкается на стену и разбивает голову. Вот она - философская концепция".

В трагедии короля Лира теперь была поднята тема борьбы добра со злом. "Постижение мира открывает перед его Лиром ту истину, что одним добрым пожеланием, воплощенным в образе Корделии, зла не победишь. Пафос его познания есть также пафос изменения. Воля к познанию есть также воля к преодолению. Гнев "против жестоких сердец" есть гнев против "причин, порождающих жестокие сердца", писал критик.

Шекспир в Стране Советов зазвучал по новому, к его сюжетам обращались все чаще и чаще. Наиболее яркие имена на советской сцене: А. Хорава, А. Васадзе, В. Вагаршян, А. Поляков, Н. Мордвинов, В. Дудников, П. Молчанов, А. Хидоятов, М. Касымов, А. Алекперов, А. Овчинников. Из режиссеров, ставивших Шекспира следует отметить Евгения, Вахтангова. Особенным достижением стал спектакль "Двенадцатая ночь" в МХАТ II (1934). Этот спектакль развивал мотивы, выдвинутые при студийной постановке комедии в 1917 году с участием К. Станиславского, он вошел в историю как один из лучших образцов постановки. Комедии Шекспира все больше получали окрас новых реалий. С каждым годом он звучал сильнее. Герои Шекспира на советской сцене высмеивали не просто вечные пороки человечества, а в первую очередь осуждаемые новой красной моралью жадность, ханжество и пр.

Особенно интересной в этой связи оказалась трактовка «Укрощения строптивой» (Театр Красной Армии, реж. А. Попов). В стране большими темпами шел процесс эмансипации женщин, они выходили на производство, становились народными депутатами, официальная пропаганда неустанно сравнивала положение советской и «старорежимной» женщины. В этой связи «Укрощение строптивой» стало гимном равноправию полов.

В 1944 году, еще до окончания Великой Отечественной войны в Армении состоялся большой фестиваль шекспировских спектаклей. Для обсуждения были предложены постановки "Гамлета" и «Отелло». Задумка была в том, что одну режиссерскую постановку следовало просмотреть дважды: с двумя разными исполнителями главных ролей. Гамлета играли знаменитые армянские артисты В. Вагаршян и Г. Джанибекян. Отелло Г. Джанибекян и Г. Нерсесян. Оказалось, что даже рамки одного режиссерского прочтения могут быть расширены видение м актеров, играющих совершенно разные характеры в одном персонаже

После смерти Сталина во всей стране времена сильно изменились. Коснулось это и театрального искусства, и шекспировских постановок. В 1954 году на сцене ленинградского государственного драматического театра им Пушкина появилась постановка "Гамлета" режиссера Г. Козинцева. Одновременно ту же трагедию ставят и в Москве, в театре им. Вл. Маяковского (режиссер Н. Охлопков). В Ленинграде Гамлета играл Бруно Фрейндлих, в Москве – Е. Самойлов. В обеих поставках была сильно выражена трагическая нота. Критики обозначили это как «трагедию честного человека, мыслящей личности в условиях страшной мощи зла и несправедливости». И в этом не было ничего удивительного: по сути Гамлеты 50-х выражали все, что накопилось на душе у сознательных граждан СССР за время эпохи репрессий. Это уже новый Гамлет - не герой, одержавший моральную победу при физическом поражении, не победитель, бросивший все свои силы на неравную борьбу, как это было в постановках 30-х. Это – человек, который сомневается, который стеснен под невыносимым давлением, и который заранее знает, что обречен. Гамлет читал свои монологи на фоне стен замка, напоминавших тюремные застенки, или на фоне острозубчатой ограды: через декорации самые разные режиссеры показывали атмосферу давления, в которой пребывала вся страна.

Гамлет 50-х сталкивается с чем-то, что больше и сильнее его – совсем как игравшие его артисты. Апофеозом этой обреченности стал Гамлет, сыгранный на сцене вахатнговского театра М. Астагановым в 1958 году. Это был человек, заранее знавший все, что ожидало его впереди, и тем не менее, осмелившийся сделать шаг к своей неминуемой гибели: как и поступали многие честные люди в те годы. В те же 50-е появляется определение критика: "Гамлет" - зеркало, в которое глядит на себя каждая эпоха и в свете собственного конкретного исторического опыта по-своему трактует каждую фигуру пьесы и в первую очередь самого Гамлета".

Но Генералиссимус недолюбливал эту трагедию, предпочитая ей «Отелло». И потому в сталинскую эпоху Гамлета ставили не так часто. После смерти Сталина история Принца Датского стала популярнее среди режиссеров. Тема деспотизма прозвучала также и в "Макбете" в Малом театре (Макбет - М. Царев, леди Макбет - Е. Гоголева, постановка К. Зубова, 1955). По новому прозвучал и «Отелло» благодаря появлению осетинского актера В. Тхапсаева. Считалось, что Тхапсаеву удалось добавить к своему Отелло черты Гамлета с его поиском справедливости и пафосом. Тхапсаев считался лучшим исполнителем этой роли в ту эпоху.

А в театре им. Моссовета возродили турандотовскую традицию воплщения шекспировских комедий, когда стиралась грань между сценой и залом. Первой такой постановкой стали "Виндзорских насмешниц" (1957) Ю. Завадского. Причем в фойе театра зрителей ждала оживленная средневековая ярмарка.

Но конечно, самым значимым в истории советской шескпирианы стал Гамлет в исполнении В. Высоцкого на сцене московского Театра комедии и драмы, более известного как Театр на Таганке.

И снова Гамлет, в этот раз устами Высоцкого говорил от имени всего народа. И снова известные всем монологи, много раз звучавшие со сцены передавали мысли и эмоции целого поколения. Постановка Ю. Любимова была новаторской: минимум декораций, вместо характерных костюмов на артистах черные свитера. Спектакль слыл новаторским, но как это ни странно ближе всех других постановок стоял к манере театра «Глобус». Любимовский «Гамлет» имел грандиозный успех и памятен до сих пор. Быть может потому, что самого Высоцкого многие и вне сцены воспринимали как Гамлета, человека, пытавшегося идти в одиночку против прогнившей насквозь системы. Премьера «Гамлета» в Театре на Таганке состоялась 19 ноября 1971 года. Высоцкому было 34. Сам Высоцкий очень высоко ценил эту роль, долго добивался ее у Любимова. Интересно, как он сам писал о своем Гамлете: «Он вырывался из того мира, который его окружает - он высоко образован, может быть мягок. Но ему надо действовать методами того общества, которое ему претит, от которого он оторвался. Вот и стоит он одной ногой там, а другой тут". «Высоко образован, может мягок» – не такой ли была интеллигенция тех лет? А ведь вот эта мягкая и высокообразованная интеллигенция находилась в вечном конфликте с аппаратом чиновников, которые были циничнее, тверже, приземленнее, и общаясь с которыми нужно было точно также стоять «одной ногой там». И вот еще из воспоминаний: «Я не играю принца Датского. Я стараюсь дать современного человека. Да, может быть себя. Но какой же это был трудный путь к себе. Одну только сцену с отцом Гамлета Любимов пробовал в девятнадцати вариантах! Он заставил меня раскрываться полностью, когда казалось уже дальше некуда».

В нулевые годы XXI века и по сей день театральные трактовки Шекспира приобрели новый характер. Современный человек оказался на пороге переоценки ценностей. Старые ценности, на которых он воспитан, подверглись большому сомнению, которое усиленно тем, что в новых реалиях человек остался без инструментов выживания, без качеств, необходимых для выживания. Сложилась ситуация, в которой сам зритель оказался в роли Гамлета – перед выбором и полный сомнений. Современный человек часто сам с трудом понимает правила изменившейся реальности и новых правил межчеловеческих отношений.

Все это отразилось и на шекпировских постановках. Все чаще они осуществляются с элементами абсурда , а зачастую и полностью выдержаны в этом жанре. Рассмотрим тенденцию на примере трех спектаклей: «Ричард III» (театр «Сатирикон», реж. Ю. Бутусов, 2004), «Антоний и Клеопатра» (театр «Своременник», реж. К. Серебрянников, 2006) и «Гамлет» (Александровский театр, реж. В. Фокин, 2010).

О благородных порывах и духовных поисках забыто. Общество учится выживать, а вместе с ним учатся выживать и герои Шекспира.

В роли Ричарда III – Константин Райкин. Его персонаж, сгорбленный и страшный лицом, как бы наслаждается своим уродством, и тем страхом, который он наводит на людей. В спектакле использован шекспировский прием: одни и те же актеры играют несколько ролей. Сцена декорирована гигантскими предметами: огромные стулья и столы, рядом с которыми герои кажутся маленькими, оказавшимися не на своем месте и не в своем мире. Жестокие убийства и прочие преступления Ричарда осуществляются без пафоса, в обстановке напоминающей веселый балаган. В конце спектакля, перед собственной гибелью, Ричард вызывает у зрителя чувство жалости и неизбежности воздаяния за все поступки.

События пьесы «Антоний и Клеопатра» перенесены в наши дни и одеты персонажи в современные костюмы, впрочем, сам режиссер объясняет это данью традиции играть Шекспира в современных декорациях. Приведем цитату критика: «В “Современнике” играют не любовную трагедию, а геополитический конфликт, осложненный личными чувствами. Египетская царица Клеопатра (Чулпан Хаматова) - это капризный Восток, римский триумвир Октавий Цезарь (Иван Стебунов) и его окружение в партикулярных костюмах могли бы сойти за рациональный Запад, когда б не ухватки людей из спецслужб (у Октавия ближе к финалу еще и путинские интонации). Антоний (Сергей Шакуров) - вконец запутавшийся полководец-федерал. Антураж предельно актуализирован. В первом действии вдоль задника протянута скрученная кольцами колючая проволока, второе и вовсе разыграно в спортзале школы (очевидно, бесланской) с исписанными задымленными стенами и баскетбольным кольцом. На фонограмме периодически включается самоучитель арабского языка. Бородатый сепаратист Помпей (Артур Смольянинов), наряженный как чеченский боевик, тряся “калашниковым”, проводит видеоконференцию с федеральными римскими властями. В финале Клеопатра в цыганских лохмотьях ползает перед Цезарем, голося с кавказско-базарно-вокзальным акцентом. Пожалуй, стоп, примеров хватит». В финальной сцене Клеопатре приносят зеркало вместо легендарной шкатулки со змеей. Клеопатра целует собственное отражение и падает замертво.

И наконец – новый Гамлет в исполнении Д. Лысенкова. Знаменитый монолог произносится не просто с иронией, а с кривлянием и ерничаньем. «С какой-то актерской злобой и раздражением произносит Лысенков шекспировские слова, которые за много веков поистаскали братья артисты всех времен и народов. И этот монолог тоже стал болтовней. Слова, слова, слова» <Ольга Галахова, «Дуэль Гамлета и Гертруды в Санкт-Петербурге»

Weekend: 30 апреля - 3 мая 2010 года >. В пьесе нет ни одного персонажа с человеческими качествами. Озлобленный Гамлет окружен подлецами и предателями. Истинным заказчиком его убийства является собственная мать. Гамлет гибнет, и едва ли выживет мир, который он оставляет. Таков новый ответ режиссера на вечный вопрос «Быть иль не быть».

Каким будут Гамлет или Отелло через десять лет догадаться несложно. Их образы зависят от актуальных реалий, от того, в чем будет нуждаться будущее общество. Сюжеты Шекспира, взятые из народного фольклора или исторических хроник существовали задолго до рождения автора, переживут они и нас.

«Две эпистолы», СПб., 1748, с. 9, 28

М. Загорский, Шекспир в России. - "Шекспировский сборник 1947", стр. 86-87

Вл. И.Немирович-Данченко, Из прошлого, М., 1936, стр. 203

Моя жизнь в искусстве, Соч., т. 1, стр. 265

П. Марков, Театральные портреты, М.-Л. 1939, стр. 112

, «Качалов в трагических ролях» стр. 305

К. Станиславского. "Шекспировский сборник 1958", стр. 369.

Ю. Юзовский, Образ и эпоха. На шекспировские темы, 1947, стр. 59

"Остужев - Отелло". Сб., М. ВТО, 1938; Л. Ходорковская и А. Клинчин, Остужев

Актер Шекспира. "Шекспировский сборник 1958", стр. 313-363

С. Михоэлс. Современное

сценическое раскрытие трагических образов Шекспира. "Шекспировский сборник 1958", стр. 469-470

Ю. Юзовский. Образ и эпоха. На шекспировские темы, 1947, стр. 78-189

Б. Емельянов, Трагедии Шекспира на советской сцене. "Шекспировский сборник 1958", стр. 411

Если когда-то у вас появится возможность побывать в английском городе Стратфорде, обязательно посетите Шекспировский королевский театр.

Шекспировский театр «Глобус» – один из самых старых театров на территории Англии. Расположен «Глобус» на южном берегу Темзы. Известность театру, прежде всего, принесли первые постановки на сцене произведений Шекспира. Здание перестраивалось по различным причинам три раза, что и составляет богатую историю театра Шекспира.

Появление Шекспировского театра

Начало история театра «Глобус» берет в 1599 году, когда в Лондоне, где всегда с любовью относились к театральному искусству, друг за другом строятся здания публичных театров. Для строительства новой арены были использованы строительные материалы – деревянные конструкции, оставшиеся от другого строения – самого первого публичного театра с логичным названием «Театр».

Владельцы прежнего здания «Театра», семья Бёрбеджей, в 1576 году построили его в Шордиче, где они арендовали землю.

Когда плата за землю повысилась, они разобрали старое здание и перевезли материалы к Темзе, где и возвели новое сооружение – театр Шекспира "Глобус". Любые театры строились за пределами влияния муниципалитета Лондона, что объяснялось пуританскими взглядами властей.

В эпоху Шекспира произошел переход от любительского театрального искусства к профессиональному. Возникали актерские труппы, поначалу ведущие бродячее существование. Они ездили по городам и показывали представления на ярмарках. Представители аристократии стали брать актеров под покровительство: они принимали их в ряды своих слуг.

Это давало актерам положение в общество, хотя оно было очень низким. По этому принципу часто и называли труппы, например, «Слуги лорда Камергера». Позже, когда к власти пришел Иаков I, покровительствовать актерам стали только члены королевской семьи, и труппы стали переименовывать в «Слуг его Величества Короля» или других членов монаршей семьи.

Труппа театра «Глобус» представляла собой товарищество актеров на паях, т.е. пайщики получали доход от сборов со спектаклей. Братья Бёрбеджи, как и – ведущий драматург в труппе, и еще трое актеров были пайщиками «Глобуса». Актеры второго плана и подростки состояли в театре на жаловании и не получали дохода со спектаклей.

Шекспировский театр в Лондоне имел форму восьмигранника. Зрительный зал «Глобуса» был типичным: овальная площадка без крыши, огороженная большой стеной. Название арена получила благодаря располагавшейся у входа статуе Атланта , который поддерживал земной шар. Этот шар или глобус опоясывала лента со знаменитой до сих пор надписью «Весь мир – театр » (дословный перевод – «Весь мир лицедействует»).

Театр Шекспира вмещал от 2 до 3 тысяч зрителей. По внутренней стороне высокой стены располагались ложи для представителей аристократии. Над ними была галерея для зажиточных людей. Остальные располагались вокруг сценической площадки, которая вдавалась в зрительный зал.

Зрителям предполагалось стоять во время представления. Некоторые особо привилегированные особы располагались сидя прямо на сцене. Билеты для богатых людей, готовых заплатить за места в галерее или на сцене, стоили намного дороже мест в партере – вокруг сцены.

Сцена представляла невысокий, поднятый примерно на метр помост. На сцене располагался люк, ведущий под сцену, из которого появлялись привидения по ходу действия. На самой сцене очень редко появлялась какая-то мебель и совсем не появлялись декорации. На сцене не предусматривался занавес.

Над задней сценой располагался балкон, на котором появлялись персонажи, по пьесе находящиеся в замке. Была своеобразная трибуна на верхней сцене, где также происходили сценические действия.

Еще выше располагалась конструкция, похожая на хижину, где играли сцены за окном. Интересно, что, когда в «Глобусе» начиналось представление, на крыше этой хижины вывешивался флаг, который был виден очень далеко и являлся сигналом, что в театре идет спектакль.

Бедность и некоторая аскетичность арены определяли то, что самым главным происходящим на сцене являлась игра актеров и сила драматургии. Реквизита для более полного понимания действия не было, многое отдавалось на откуп зрительской фантазии.

Примечательным является факт, что зрители в партере во время представления часто ели орехи или апельсины, что подтвердилось находками археологов при раскопках. Зрители могли громко обсуждать какие-то моменты в спектакле и не скрывать своих эмоций от увиденного действия.

Свои физиологические потребности зрители также справляли прямо в зале, поэтому отсутствие крыши являлось некоторым спасением для обоняния любителей театрального искусства. Поэтому примерно представляем тяжелую долю драматургов и актеров, дающих представления.

Пожар

В 1613 году в июле во время премьеры спектакля Шекспира «Генрих VIII» о жизни монарха здание «Глобус» сгорело, но зрители и труппа не пострадали. По сценарию одна из пушек должна была выстрелить, но что-то сработало не так, и произошло возгорание деревянных конструкций и соломенной крыши над сценой.

Конец первоначального здания «Глобуса» ознаменовал изменения в литературно-театральных кругах: примерно в это же время Шекспир перестал писать пьесы.

Восстановление театра после пожара

В 1614 году здание арены было восстановлено, причем при строительстве использовался камень. Крыша над сценой заменена на черепичную. Труппа театра продолжала играть вплоть до закрытия «Глобуса» в 1642 году. Тогда пуританским правительством и Кромвелем был издан указ, что все увеселительные представления, в том числе театральные, запрещались. «Глобус», как и все театры, закрылся.

В 1644 году здание театра снесли, а на его месте построили доходные дома. История «Глобуса» оказалась прервана почти на 300 лет.

Точное местоположение первого «Глобуса» в Лондоне было неизвестным до 1989 года, когда нашли основание его фундамента на Парк-Стрит под автостоянкой. Его контуры сейчас обозначены на поверхности автостоянки. Там же могут находиться и другие остатки «Глобуса», но сейчас эта зона входит в список исторических ценностей и, следовательно, раскопки там проводить нельзя.

Сцена театра "Глобус"

Появление современного театра Шекспира

Современную реконструкцию здания театра «Глобус» предложили не англичане, что удивительно, а американский режиссер, актер и продюсер Сэм Уонамейкер. В 1970 году он организовал Трастовый фонд «Глобуса», который предназначался для восстановления театра, открытия в нем образовательного центра и постоянной выставки.

Сам Уонамейкер скончался в 1993 году, но открытие все-таки состоялось в 1997 году под современным названием Шекспировский театр «Глобус». Расположено это здание в 200-300 метрах от прежнего места «Глобуса». Здание реконструировано в соответствии с традициями того времени, к тому же оно стало первым зданием, которое разрешено построить с соломенной крышей после великого пожара в Лондоне в 1666 году.

Спектакли идут только весной и летом, т.к. здание построено без крыши. В 1995 году первым художественным руководителем стал Марк Райленс, которого в 2006 году сменил Доминик Дромгул.

Экскурсии в современном театре идут ежедневно. Совсем недавно рядом с «Глобусом» открыли тематический парк-музей, полностью посвященный Шекспиру. Кроме того, что там можно увидеть самую большую экспозицию, посвященную известному на весь мир драматургу, можно принять участие в увеселительных мероприятиях: увидеть бой на мечах, написать сонет или поучаствовать в постановке одной из шекспировских пьес.