Общая характеристика классицизма в музыкальном искусстве. Эпохи в музыке, живописи, архитектуре

Введение

Характеристика классицизма как направления в искусстве

Особенности классицизма в музыке

Заключение

Список литературы

Введение

классицизм искусство музыка

Актуальность работы заключается в рассмотрении взаимосвязи господствующего направления в искусстве и тенденций в музыке эпохи классицизма.

Цель работы заключается в изучении классицизма и его проявления в музыке.

Достижение цели предполагает решение ряда задач:

) дать характеристику классицизма как направления в искусстве;

) изучить особенности классицизма в музыке.

Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера классицизма стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойденными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы.

1. Характеристика классицизма как направления в искусстве

Классицизм ――

В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с таковыми же в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, «должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания» . Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное - в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства (Аристотель, Гораций).

Классицизм устанавливает строгую иерархию жанров, которые делятся на высокие (ода, трагедия, эпопея) и низкие (комедия, сатира, басня). Каждый жанр имеет строго определённые признаки, смешивание которых не допускается.

Появился классицизм во Франции. В формировании и развитии этого стиля можно выделить два этапа. Первый этап относится к XVII веку. Для классиков этого периода непревзойденными образцами художественного творчества были произведения античного искусства, где идеалом являлся порядок, разумность, гармония. В своих произведениях они добивались красоты и истины, ясности, стройности, законченности построения. Второй этап ― XVIII век. В историю европейской культуры он вошел как эпоха Просвещения или Век Разума. Человек придавал большое значение знаниям и верил в способность объяснить мир. Главным героем является личность, готовая на героические поступки, подчиняя свои интересы ― общим, душевные порывы - голосу разума. Его отличает нравственная стойкость, мужество, правдивость, верность долгу. Рациональная эстетика классицизма нашла отражение во всех видах искусства.

В живописи главное значение приобрели логическое развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая передача объема, с помощью светотени подчиненная роль цвета, использование локальных цветов (Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж. Давид).

В поэтическом искусстве произошло деление на «высокие» (трагедия, ода, эпопея) и «низкие» (комедия, басня, сатира) жанры. Выдающиеся представители французской литературы П. Корнель, Ф. Расин, Ж.Б. Мольер оказали большое влияние на формирование классицизма в других странах.

Важным моментом этого периода было создание различных академий: наук, живописи, скульптуры, архитектуры, надписей, музыки и танца.

Художественный стиль классицизм (от лат. classicus ― «образцовый») возник в XVII столетий во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля «стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов» . Высшими, непревзойденными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы в разных видах искусства, в том числе и в музыке. В опере XVIII в. классицизм представлен произведениями Кристофа Виллибальда Глюка, создавшего новую трактовку этого вида музыкальнодраматического искусства. Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Йозефа Гайдна,

Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена, работавших преимущественно в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре второй половины XVIII ― начала XIX столетия ― венскую классическую шкалу.Классицизм в музыке во многом не похож на классицизм в литературе, театре или живописи. Б музыке невозможно опираться на античные традиции ― они почти неизвестны. Кроме того, содержание музыкальных сочинений часто связано с миром чувств человека, которые не поддаются жёсткому контролю разума. Однако композиторы венской школы создали очень стройную и логичную систему правил построения произведения. Благодаря такой системе самые сложные чувства облекались в ясную и совершенную форму. Страдания и радости становились для композитора предметом размышления, а не переживания. И если в других видах искусства законы классицизма уже в начале XIX в. многим казались устаревшими, то в музыке система жанров, форм и правил гармонии, разработанная венской школой, сохраняет своё значение до сих пор.

2. Особенности классицизма в музыке

Классицизм в музыке отличался от классицизма смежных видах искусств. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень «стройную и логическую систему правил построения произведения» . В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната.

― простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не сладкоголосия. Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные эффекты, дает поэзии большей выразительной силы, а музыка полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев. Опера «Орфей и Эвридика» была первым произведением, в котором Глюк осуществил новые идеи и положил начало оперной реформе. Строгость, соразмерность формы, благородная простота без вычур, чувство художественной меры в сочинениях Глюка напоминает гармоничность форм античной скульптуры. Арии, речитативы, хоры образуют большую оперную композицию.

Расцвет музыкального классицизма начался во второй половине XVIII века в Вене. Австрия в то время была могущественной империей. Многонациональность страны сказалась и на художественной культуре. Высшим выражением классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, Людвига ван Бетховена, которые работали в Вене и образовали направление в музыкальной культуре ― венскую классическую школу.

Гайдна называют «основателем классической инструментальной музыки, родоначальником современного симфонического оркестра и отцом симфонии» . Он установил законы классической симфонии: придал ей стройный, законченный вид, определил порядок их расположения, который сохранился в основных чертах до наших дней. Классическая симфония имеет четырехзначный цикл. Первая часть идет в быстром темпе и звучит чаще всего энергично, взволнованно. Вторая часть ― медленная. Ее музыка передает лирическое настроение человека. Третья часть ― менуэт ― один из любимых танцев эпохи Гайдна. Четвертая часть ― финал. Это итог всего цикла, вывод из всего, что было показано, продумано, прочувствовано в предыдущих частях. Музыка финала обычно устремлена вверх, она жизнеутверждающая, торжественная, победная. В классической симфонии найдена идеальная форма, способная вместить очень глубокое содержание.

В творчестве Гайдна устанавливается и тип классической трехчастной сонаты. Произведениям композитора присущи красота, порядок, тонкая и благородная простота. Его музыка очень светлая, легкая, в основном мажорная, полна бодрости, чудесной земной радости и неисчерпаемого юмора.

Искусство Гайдна оказало громадное воздействие на формирование симфонического и камерного стиля Моцарта. Опираясь на его достижения в области сонатно-симфонической музыки Моцарт внес много нового, интересного, оригинального. Вся история искусства не знает личности более поразительной, чем он. Моцарт обладал феноменальной памятью и слухом, имел блестящие данные импровизатора, прекрасно играл на скрипке и органе, а его первенство как клавесиниста не мог оспаривать никто. Он был самым популярным, самым признанным, самым любимым музыкантом Вены. Огромную художественную ценность составляют его оперы. Уже два столетия пользуются успехом «Свадьба Фигаро» и «Дон Жуан», поражающие обаятельно изящной мелодией, простотой, роскошной гармонией. А «Волшебная флейта» вошла в историю музыки как «лебединая песня» Моцарта, как произведение с наибольшей полнотой и яркостью раскрывающее его мировоззрение, его заветные мысли, как эпилог целой жизни, как некое грандиозное художественное завещание. «Искусство Моцарта совершенное по мастерству и абсолютно естественное. Он подарил мудрость, радость, свет и добро» .

Бетховен прославился как величайший симфонист. Его искусство пронизано пафосом борьбы. Оно претворило передовые идеи эпохи Просвещения, утвердившего права и достоинства человеческой личности. Ему принадлежат девять симфоний, ряд симфонических увертюр («Эгмонт», «Кориолан»), а тридцать две фортепианные сонаты составили эпоху в фортепианной музыке. Мир образов Бетховена разнообразен. Его герой не только смелый и страстный, он наделен тонко развитым интеллектом. Он борец и мыслитель. В музыке Бетховена жизнь во всем ее разнообразии ― бурные страсти и отрешенная мечтательность, драматическая патетика и лирическая исповедь, картины природы и сцены быта. Завершая эпоху классицизма, Бетховен одновременно открывал дорогу грядущему веку.

Классицизм ― стиль исторически определенной эпохи. Но его идеал гармонии и соразмерности остается и поныне образцом для последующих поколений.

Заключение

Классицизм ― художественное направление в искусстве и литературе XVII ― начала XIX вв. Он во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы.

В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с таковыми же в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания.

Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к ясным и строгим формам, гармоничным образцам, воплощению высоких нравственных идеалов. Высшими, непревзойденными образцами художественного творчества они считали произведения античного искусства, поэтому разрабатывали античные сюжеты и образы.

Классицизм в музыке отличался от классицизма смежных видах искусств. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень стройную и логическую систему правил построения произведения. В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната.

Настоящей революцией стала оперная реформа Кристофа Глюка. Его творческой программой были три великих принципа ― простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не сладкоголосия. Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные эффекты, дает поэзии большей выразительной силы, а музыка полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев.

1. Алиев, Ю.Б. Настольная книга школьного учителя-музыканта / Ю.Б. Алиев. ― М.: ВЛАДОС, 2000. ― 336 с.

Жабинский, К.А. Энциклопедический музыкальный словарь / К.А. Жабинский. ― М.: Феникс, 2009. ― 474 с.

Ильина, Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство / Т.В. Ильина. - М.: Высшая школа, 2000. - 368 с.

Минакова, А.С. Минаков, С.А. История мировой музыки: Жанры. Стили. Направления / А.С. Минакова, С.А. Минаков. ― М.: Эксмо, 2010. ― 544 с.

Петкова, С.М. Справочник по мировой культуре и искусству / С.М. Петкова. - Ростов-на-Дону: Феникс, 2007 - 507 с.

Рескин, Дж. Лекции об искусстве / Дж. Рескин. - М.: Б.С.Г.-Пресс, 2006. - 319 с.

Холопова, В.Н. Теория музыки: Мелодика, ритмика, фактура, тематизм / В.Н. Холопова. ― М.: Лань, 2002. ― 368 с.

Сразу договоримся не путать понятия «классическая музыка» и «музыка эпохи классицизма»…

Классическая музыка – это музыка образцовая, которая выдержала испытание временем и считается эталоном в своем жанре или стиле.

А эпоха классицизма – это время примерно с середины XVIII до середины XIX века. В этот период произведения искусства и литературы должны были создаваться в соответствии с определенными требованиями эстетики классицизма, в эти требования входили гармоничное сочетание частей, отделка деталей, каноны формы и т.д. То есть, произведение искусства (музыки, живописи, литературы и др.) должны были строиться по определенным канонам (правилам). Первоначально классицизм был прогрессивным явлением, т.к. вырабатывал стройность, определенность, некий образец того, каким должно быть произведение искусства. Но, как известно, процесс движения неостановим, постепенно рамки классицизма стали мешать творчеству, ограничивать его. Поэтому на смену классицизму пришло другое направление в искусстве – романтизм.

Обычно период классицизма связывают с венскими классиками – Гайдном, Моцартом, Бетховеном . Почему их называют «венскими классиками»? Все они жили в Вене, которая в то время считалась столицей музыкальной культуры. Термин «венские классики» впервые был употреблен австрийским музыковедом Кизеветтером в 1834 г. в отношении Гайдна и Моцарта. Позднее другие авторы добавили в этот список и Бетховена. Венских классиков часто называют также представителями Первой венской школы.

Этих великих композиторов венской школы объединяет виртуозное владение разными стилями музыки и приёмами композиции: от народных песен до полифонии (одновременное звучание, развитие и взаимодействие нескольких голосов или мелодических линий, мелодий). Венские классики создали высокий тип инструментальной музыки, в котором все богатство образного содержания воплощено в совершенную художественную форму. В этом и заключается основная особенность классицизма.

Для представителей венской классической школы характерны универсальность художественного мышления, логичность, ясность художественной формы. В их сочинениях органично сочетаются чувства и интеллект, трагическое и комическое, точный расчёт и естественность, непринуждённость высказывания.

В эпоху классицизма сформировалась сонатная форма , симфония (4-частный сонатно-симфонический цикл), концерт , появился струнный квартет . Расширился состав симфонического оркестра. Сложились главные классические типы камерных ансамблей - фортепианное трио , струнный квартет и другие.

Из музыки для сольных инструментов особенно выделилась фортепианная музыка. Моцарт оказал большое влияние на развитие оперного искусства: он развил различные типы оперы - лирической и социально-обличительной комедии, музыкальной драмы, философской оперы-сказки и других.

Каждый из представителей венской классической школы обладал неповторимой индивидуальностью. Гайдну и Бетховену более близкой была инструментальная музыка, Моцарт в равной мере проявил себя и в оперном, и в инструментальных жанрах. Гайдн больше тяготел к объективным народно-жанровым образам, юмору, шутке, Бетховен - к героике, Моцарт был универсальным художником - ему удавалось всё.

Система жанров, форм и правил гармонии, разработанная классической венской школой, сохраняет своё значение и до сих пор.

А теперь поговорим более подробно о жанрах музыки эпохи классицизма.

Сонатная форма

Сонатная форма сформировалась во второй половине XVIII века в творчестве Моцарта и получила наивысший расцвет в творчестве Бетховена. Творчество Бетховена стало непревзойдённой кульминацией в истории сонатной формы. Композиторы следующей исторической эпохи понимали, что Бетховен довёл сонату до своего абсолюта, и были вынуждены искать пути обновления формы. Условно говоря, сонатная форма в чистом виде после Бетховена начинает уже разрушаться, приобретая изначально чуждые ей признаки.

Разные композиторы решали задачу обновления формы по-разному. Однако, все они искали способ соединения сонатной формы с иными принципами формообразования. Иногда это были принципы, противоположные идее сонатности (то есть непрерывного обновления и развития). Например, Шуберт внёс в сонатную форму песенное начало, Шуман соединил сонатную форму с принципом сюиты. Берлиоз соединил сонатную форму с подробной литературной программой. Лист шёл по пути объединения сонатной формы и сонатно-симфонического цикла.

Итак, сонатная форма - это музыкальная форма, основанная на сопоставлении и развитии 2-х тем, обычно контрастных. Применяется преимущественно в инструментальных произведениях.

Сонатная форма состоит из 3-х разделов:

1) экспозиция - завязка действия. В ней излагаются: главная партия и примыкающая к ней связующая партия , побочная партия и заключительная партия . Чаще всего главная партия носит динамичный, решительный характер, ей противостоит более созерцательная лирическая побочная партия;

2) разработка - драматический центр сонатной формы: сопоставление, столкновение и широкое развитие тем, изложенных в экспозиции; 3) реприза (французское reprise - возобновление) - развязка действия, несколько видоизмененное повторение экспозиции с изложением обеих основных партий в главной тональности.

Иногда перед экспозицией бывает вступление , а после репризы - кода (дополнительный, завершающий раздел, построенный на одной или обеих темах).

Сонатная форма характерна для первых, быстрых частей сонатного цикла, почему и называется сонатным allegro (аллегро).

Сонатной форме предшествовала старосонатная (на рубеже XVII-XVIII вв.).

Поясним, что из себя представляла старосонатная форма.

Старосонатная форма - музыкальная форма, распространенная на рубеже XVII-XVIII вв. и предшествовавшая появлению сонатной формы. Старосонатная форма была основана на сопоставлении 2-х тем, обычно сходных; существенным отличием ее от сонатной формы являлось отсутствие индивидуализированных тем. В старосонатной форме 2 раздела. Первый - изложение главной партии в главной тональности, а побочной партии - в иной тональности.

Наиболее совершенные образцы старосонатной формы - сонаты для клавесина Д. Скарлатти.

Симфония

В переводе с греческого слово «симфония» обозначает «созвучие».

В связи с тем, что симфония сходна по строению с сонатой, сонату и симфонию объединяют под общим названием «сонатно-симфонический цикл». В классической симфонии (в том виде, в котором она представлена в творчестве венских классиков - Гайдна, Моцарта и Бетховена) обычно имеется четыре части.

• 1-я часть, в быстром темпе (аллегро), пишется в сонатной форме;
• 2-я, в медленном движении, пишется в форме вариаций, рондо (музыкальная форма, в которой неоднократные (не менее 3-х) проведения главной темы (рефрена) чередуются с отличающимися друг от друга эпизодами), рондо-сонаты, сложной трёхчастной, реже в форме сонаты;
• 3-я - скерцо (стремительный темп) или менуэт (старинный народный французский грациозный танец) - в трёхчастной форме da capo с трио (то есть по схеме A-trio-A);
• 4-я часть, в быстром темпе - в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты.

Существуют симфонии как с большим, так и с меньшим количеством частей (есть даже одночастные симфонии).

Программная симфония связана с известным содержанием, изложенным в программе (выраженной, например, в названии или эпиграфе), - например, «Пасторальная симфония» Бетховена, «Фантастическая симфония» Берлиоза и пр. Первыми ввели программу в симфонию Диттерсдорф, Розетти и Гайдн.

Конце́рт (от итал. concerto - гармония, согласие и от лат. concertare - состязаться) - музыкальное сочинение для одного или нескольких солирующих инструментов с оркестром. Существуют также концерты для одного инструмента - без оркестра, концерты для оркестра - без строго определённых сольных партий, концерты для голоса (или голосов) с оркестром и концерты для хора а cappella (пение без инструментального сопровождения).

Концерт появился в Италии на рубеже XVI-XVII вв. как вокальное полифоническое произведение церковной музыки.

В концертах I половины XVIII в. быстрые части обычно основывались на одной, реже на двух темах. Во II половине XVIII в. в творчестве «венских классиков» утвердилась сонатно-симфоническая форма концерта.

Произведение для четырёх смычковых инструментов (как правило - двух скрипок , альта и виолончели ), а также музыкальный коллектив соответствующего состава, исполняющий такие произведения. Струнный квартет - наиболее распространённая разновидность квартета, хотя пользуются популярностью и некоторые другие составы (фортепианный квартет, квартет деревянных духовых).

Здесь следует пояснить, что такое альт. - струнно-смычковый музыкальный инструмент такого же устройства, что и скрипка, но несколько больших размеров, отчего он звучит в более низком регистре. Струны альта настроены ниже скрипичных и выше виолончельных

Форма струнного квартета определялась в творчестве Гайдна. Он кодифицировал квартет как четырёхчастную пьесу (до этого камерные ансамбли могли состоять из произвольного количества частей) и установил композиционную последовательность, аналогичную структуре симфонии: быстрая часть - медленная часть - менуэт - быстрый финал.

Эпоха венской классики стала для квартета эпохой расцвета, и вслед за Гайдном огромный вклад в развитие жанра внесли Моцарт и Бетховен.

Но также есть и «классический» период в истории музыки, называемый классицизм, яркими представителями классицизма были Гайдн и Моцарт. Это прежде всего появление первых публичных концертов, образование в столицах и больших городах музыкальных обществ и оркестров.

Поздний классицизм, связанный с Просвещением, приблизительно с середины XVIII до начала XIX века, ассоциируется прежде всего с венской классической школой. К этому направлению принадлежат, в частности, реформаторские оперы К. В. Глюка, ранняя венская и мангеймская школы.

Классицизм в музыке – венские классики

В музыке, как ни в одном другом виде искусства, понятие «классика» имеет неоднозначное наполнение. Да простят меня любители старинной музыки за легкомысленное слово «шлягер», но ведь и великие композиторы когда-то писали для своих современников популярную музыку, вовсе не замахиваясь на вечность. В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности.

Эстетические установки классицизма

Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное.

Общая характеристика стиля

Развитие новой музыкальной культуры в середине XVIII века породило возникновение множества частных салонов, музыкальных обществ и оркестров, проведение открытых концертов и оперных представлений. Столицей музыкального мира в те времена была Вена. Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен – три великих имени, вошедших в историю, как венские классики.

Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, – вот главная черта творчества венских классиков. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке – к сонатам, концертам и симфониям. Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки – таких, как соната, симфония, концерт.

В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей – трио, струнный квартет. Кратко остановимся на характерных для классицизма нововведениях. Классическая сонатная форма основана на противопоставлении 2-х тем (часто контрастных, иногда – конфликтных) – главной и побочной – и их развитии. Как правило, в сонатной форме были написаны первые, быстрые части сонатного или симфонического цикла, потому за ними закрепилось название сонатное allegro.

Сонатно-симфонический цикл

Это произведение для оркестра и солирующего инструмента. Музыка классицизма удивительным образом сочетает в себе внешнюю простоту и ясность с глубоким внутренним содержанием, которому не чужды сильные чувства и драматизм. Классицизм, кроме того, является стилем определенной исторической эпохи, причём стиль этот не забыт, а имеет серьёзные связи с музыкой современности (неоклассицизм, полистилистика).

Всё не отвечающее разуму, всё безобразное должно было предстать в искусстве К. очищенным и облагороженным

Термин «классическая» в музыке в основном ипользуется для определения серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Классицизм начался в эпоху Просвещения — время радикальных перемен в осознании человеческих и социальных ценностей и правил поведения в обществе. Новый состав оркестра привел к появлению симфонии — важнейшего типа музыки, по стандарту состоящей из трех темпов — быстрого начала, медленной середины и быстрого окончания.

Работы создаются специально для струнного квартета со своим стандартом в четыре темпа, напоминающим о симфонии. В эту же эпоху было создано пианино или фортепиано (правильное название). Это позволило музыкантам-клавишникам исполнять музыку в различных вариациях, как мягко (piano), так и более громко (forte), в зависимости от используемых клавиш.

Как и симфонии, сонаты стали способом объединения множества различных типов инструментальной музыки в один тип. 1750 и до 1820 я склоняюсь больше к тому что эта эпоха началась после капиталистической революции в Британии и закончилась великой буржуазной революцией во Франции.

Существенные перемены в это время отличают музыкальную жизнь Европы. Оркестры расширяются по составу, из них уходят орган и клавесин, увеличиваются группы духовых инструментов, в обиход входит кларнет с его чувствительным, полным неги звучанием. Из этой среды формируется один из важнейших жанров эпохи классицизма — струнный квартет. По глубине и актуальности образов, по развитой технике музыкальной ткани и строению формы он в состоянии соперничать с симфонией — этой своеобразной классицистской инструментальной драмой.

Вторая половина XVIII в. — время реформаторских процессов, можно сказать, революционных изменений в опере. Они связаны в первую очередь с именами К.-В. Глюка и В.-А. Моцарта. Кристоф Виллибальд Глюк (1714-1787) — австрийский композитор, детство и юность которого прошли в Чехии, затем он переехал в Милан, где был руководителем капеллы итальянского аристократа А. Мельци.

Вместе с тем врожденный инстинкт драматурга и ощущение неудовлетворенности оперой-sena с ее культом певцов-виртуозов влекут композитора в сторону музыкальной драмы, к античному образцу. И на рубеже 1760-х гг. Глюк вступает на путь реформ: не технически изощренная колоратура, а драматическое действие с острыми коллизиями, выраженными музыкой.

В музыке виднейшим его представителем был Ж. Б. Люлли, создатель жанра «лирической трагедии», к-рая по своей тематике и осн. cтилистич

В основе сюжета оперы — древнегреческий миф о поэте-певце Орфее, силой чувства и своего мастерства разжалобившего фурий подземного царства, в которое попадает его умершая жена Эвридика. Персонажи из статичных фигур превращаются в актеров, вступающих в активные действия, конфликтные отношения.

Это одна из немногочисленных опер классицизма, активно сохраняющихся в репертуаре современных музыкальных театров. Классицизм (от лат. classicus — образцовый), художественный стиль, существовавший в 17 — нач. 19 вв. в европ. литературе и искусстве. В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность. Высшие достижения классицизма в музыке связаны с деятельностью венской классической школы - с творчеством Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. ван Бетховена.

В истории музыки отмечаются два исторических периода классицизма. Ранний классицизм, пришедший еще из эпохи Возрождения, был характерен для XVII века и развивался одновременно с . Наиболее ярко ранний классицизм проявился во французском музыкальном искусстве, там же, во Франции, возникли и наиболее серьезные разногласия между приверженцами классицизма и барокко.

Поздний период классицизма характерен для второй половины XVIII века — начала XIX века и отождествляется многими с эпохой Просвещения и Венской классической школой.

Между музыковедами разных поколений периодически возникают споры относительно этих периодов и направлений развития музыкального искусства. Даже в XX веке происходила серьезная дискуссия: немецкие музыковеды относили к периоду барокко весь временной отрезок от Возрождения до Просвещения, а их французские оппоненты, наоборот, считали стиль барокко одним из направлений классицизма.

Четкое разделение эпох и музыкальных стилей барокко и классицизма усложнено, в первую очередь, разным временем распространения музыкальных стилей в конкретных национальных школах. Не подлежит сомнению, что к середине XVIII века классицизм господствовал во всей Европе, а его расцвет связан с творчеством таких великих композиторов, как Кристоф Глюк, Йозеф Гайдн, Вольфганг Моцарт и Людвиг ван Бетховен.

Опера-сериа и опера-буффа

XVIII век с музыкальной точки зрения характеризовался безраздельным господством итальянской оперы, может быть, за исключением Франции. Практически при всех королевских дворах Европы состояли театральные труппы, в которых играли либо сами итальянцы, либо музыканты и актеры, обучавшиеся в Италии.

Развитие жанра опера-сериа (серьезной оперы) состоялось во многом благодаря деятельности Пьетро Метастазио. Находясь на должности придворного поэта у Карла VI Австрийского, он написал множество либретто на тематику античной мифологии. «Метастазианские» либретто использовали многие знаменитые композиторы XVIII века, а сами оперные произведения состояли из трех актов, в них было не более шести персонажей, и практически не использовался хор.

Композиторы – «метастазианцы», среди которых Адольф Гассе, Карл Генрих Граун и даже итальянцы Никколо Джемелли и Томмазо Ираетта, постепенно заменяли оперные арии «da capo» (с начала) каватинами, уменьшали количество сухих речитативов.

Между тем, во Франции продолжался расцвет лирической трагедии. Хоры, балеты, эффектные театральные постановки этого жанра достигли совершенства в творчестве Жана-Филиппа Рамо. Однако где-то рядом, постепенно, пробивала себе дорогу на музыкальный олимп более востребованная слушателем, более схожая с галантностью классицизма комическая опера-буффа.

Первые оперы-буффа являлись краткими пьесами, которые ставились во время антрактов для развлечения публики, пришедших смотреть серьезную оперу. Но уже к 1750 году комические оперы заняли прочное место на сцене и начали вытеснять свою серьезную предшественницу. Последняя знаменитая опера-сериа «Милосердие Тита» была написана Моцартом в 1791 году, уже в эпоху классицизма.

Оперные жанры Франции, Германии и Испании

Франция. Опера-буффа неаполитанского композитора Перголези под названием «Служанка-госпожа», блестящая премьера которой состоялась в Париже в 1752 году, вызвала ожесточенную полемику культурных деятелей Франции. Великие философы Дидро, Д’аламбер, Руссо были восхищены естественностью произведения, и считали премьеру победой над излишним символизмом и пафосом эпохи барокко. Руссо даже сочинил собственную оперу – «Деревенский колдун», премьера которой состоялась в том же 1752 году во французской столице. Французскими первопроходцами в жанре комической оперы стали Андре Филидор (1726-1795) а Андре Гретри (1741-1813).

Между тем, сторонники французской лирической трагедии не видели в опере-буффа соответствия канонам высокого искусства. Они добились высылки итальянской труппы из страны, но брешь в устоях барокко уже была пробита.

Германия, Австрия. Немецкая и австрийская публика того времени восхищались победой собственного музыкального жанра – зингшпиля. Основой нового стиля стали переводы на немецкий язык английских балладных опер и традиции народной австрийской импровизационной комедии (в том числе, театра марионеток).

Высшее развитие зингшпиль получил в творчестве Моцарта. В его произведениях «Похищение из сераля», «Волшебная флейта» простенькие народно-бытовые сюжеты ранних зингшпилей были обогащены глубокой лирикой и философией происходящего. Среди произведений Бетховена также можно найти зингшпиль «Фиделио» и другие, а к XX столетию жанр зингшпиля трансформировался мюзикл.

Испания. В испанском музыкальном искусстве также существуют «родные сестры» оперы-буффа и зингшпиля — это сарсуэла и тонадилья. Сарсуэла прошла сложный путь популярности: появившись в начале XVII века, она была вытеснена классической оперой, но уже в XIX вернула былую известность. Тонадилья являлась краткой комической интермедией и со временем стала все больше походить на итальянскую оперу-буффа.

Развитие крупных инструментальных форм

Классицизм. Рождение симфонии. Еще до появления в XVIII веке как отдельного инструментального жанра этот термин использовался для определения инструментальных фрагментов музыкальных произведений.

Большой вклад в начальное развитие жанра внесли композиторы мангеймской музыкальной школы. Начиная с 1740 года, придворная капелла Мангейма стала музыкальным центром развития новых оркестровых форм. Увеличения количества инструментов в оркестре новой формации сделало невозможным управление музыкальным коллективом «от клавесина», и фигура дирижера вышла на главные роли.

Окончательное формирование канонов симфонической музыки сформировалось благодаря творчеству Йозефа Гайдна, Вольфганга Моцарта и Людвига ван Бетховена.

Классический концерт. Форма , основу которого составляет некое противостояние сольного инструмента и всего оркестра, получила наивысшее развитие благодаря сочинениям Георга Генделя, Антонио Вивальди, Вольфганга Моцарта, а впоследствии Ференца Листа и Иоганна Брамса. Наиболее частыми инструментами для солирования были признаны фортепиано и скрипка, а наряду с классическими трехчастными концертами появлялись одночастные и четырехчастные произведения.

Камерная музыка. Принципы классицизма позволили провести четкие различия между музыкой, сочиняемой для больших оркестровых групп и небольших, камерных музыкальных коллективов. Сформировались классические виды небольшого инструментального ансамбля: соната, трио, квартет. В последующие десятилетия необычайную популярность приобрел струнный квартет, для которого было написано множество популярных произведений.

Церковная музыка эпохи классицизма

Более тысячи лет, вплоть до XVII столетия христианская церковь оставалась главным центром сосредоточения музыкального профессионализма. В XVII-XVIII веках бурное развитие светской музыки, появление симфонии, оперы, сонаты, концерта оказало сильнейшее влияние на церковную музыку. Классицизм привнес драматизацию и симфонизацию церковного жанра, реформа иногда приводила к тому, что произведения, написанные специально для богослужений, переводились в разряд светской музыки.

Вот небольшое и неполное перечисление бесценных произведений великих композиторов эпохи классицизма, их дань церковной музыке и всем верующим людям:

Создал ряд гениальных произведений в жанре «страстей», пришедших на смену мотету — «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею», «Высокая месса h-moll».

«Stabat Mater», написанная в 1736 году итальянским композитором Перголези, придала церковной музыке некую галантную эстетику.

На протяжении жизни написал множество месс и ораторий, среди которых «Нельсон-месса», «Месса Терезия», «Семь слов Спасителя на кресте», «Сотворение мира», «Te deum».

Оратория «Христос на Масличной горе», «Месса C-Dur» и «Торжественная месса» стали венцом церковной музыки в сочинениях Людвига ван Бетховена.

Вольфганг Амадей Моцарт написал 18 месс, а также мотеты, оратории, кантаты, оффертории, вечерни, литании. Золотыми страницами Моцарта являются «Коронационная месса», «Большая месса C-Dur», мотет «Ave Verum», а также «Реквием», начатый в год его смерти и завершенный его учеником Францем Зюйсмаром.

Назад Вперёд

Внимание! Предварительный просмотр слайдов используется исключительно в ознакомительных целях и может не давать представления о всех возможностях презентации. Если вас заинтересовала данная работа, пожалуйста, загрузите полную версию.

В настоящее время все детские музыкальные школы и школы искусств России переходят на новые стандарты обучения. Образовательные программы стали разделяться на предпрофессиональные и общеразвивающие. И если дети, которые учатся по предпрофессиональным программам, получают углубленные знания по всем предметам, то знания детей, осваивающих общеразвивающие программы, очень поверхностные. Особенно по теоретическим предметам, т.к. согласно учебным планам вместо полноценных уроков “сольфеджио”, “музыкальной литературы”, “теории музыки”, “анализа музыкальных формы” учащиеся проходят предмет “Музыка и окружающий мир” (1 ч. в неделю).

Играя произведения по специальности, учащиеся должны иметь хотя бы элементарные знания о музыкальных эпохах, стилях, т.к. эти знания очень важны для расширения кругозора, воспитания познавательной активности учащихся, для поддержания интереса к обучению. Уроки в музыкальной школе должны быть интересными, красочными, информативными, а главное – запоминающимся.

Отсюда проистекает главная цель урока-лекции:способствовать формированию у учащихся представления об эстетических ценностях посредством знакомства с музыкальными эпохами.

Для достижения поставленной цели необходимо решить следующие задачи урока:

• познакомить учащихся со стилями “барокко”, “классицизмом” и “романтизмом”;
• дать представление о звучании мировых шедевров, созданных в эти эпохи;
• закрепить и обобщить знания.

Ход урока

Слайд 1. Музыка сопровождает человека с первых дней и на протяжении всей его жизни. Мы слушаем ее с момента пробуждения, в течение дня и засыпаем под звуки музыки. Мы слышим ее всегда: в дороге, на отдыхе, на работе… Музыка способна поднять настроение, вдохновить, но может и привести в состояние тоски, скорби или тихой грусти. Музыка, как один из видов искусства, направлена, прежде всего, на душу человека.

Что же такое музыка? Музыка - это искусство звуков. Ученые доказали, что древние люди выжили в ледниковый период и стали преобладающим видом на планете, потому, что обладали способностью творить: передавать и созидать звуки, краски, создавать зрительные и звуковые образы.

Музыка развивалась параллельно с другими видами искусства, поэтому в ней много общего с живописью, архитектурой, скульптурой, литературой и театром.

Искусство, и прежде всего музыка разных эпох, отражало своё время и выражалось определённым художественным стилем.

Музыка не всегда была такой, какой мы знаем ее сейчас. Сегодня мы предлагаем Вам совершить музыкальное путешествие во времени и познакомиться с некоторыми стилями классической музыки.

Слайд 2. Первая остановка -эпоха барокко.

Эпоха барокко (от ит. barocco – “странный”, “причудливый”), возникшая на рубеже XVI – XVII вв. – одна из наиболее значимых в истории развития человечества. Именно в это время зарождаются новые стили и направления в искусстве: литературе, музыке, живописи, архитектуре. Эпоха барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью.

Слайд 3. Например, в то время женщина должна быть неестественно бледной, в вычурном парике, в тугом корсете и в огромной юбке.

Слайд 4. Мужчина в парике без усов и бороды, напудрен и надушен духами.

Этому стилю присущи выразительность, драматизм, зрелищность, торжественность, парадность, стремление к соединению разных видов искусств. Данные черты в полной мере проявились в опере, где соединились музыка, поэзия, драматургия и театральная живопись.

Слайд 5. Первые дошедшие до нас произведения нового жанра - две оперы под одним названием “Эвридика”, композиторов Якопо Пери и Джулио Каччини , созданные на сюжет мифа об Орфее.

Опера стала быстро развиваться, возникали различные оперные школы. Например, в Неапольской оперной школе сложился вокальный стиль бельканто (ит. bel canto – “прекрасное пение”), который славился необычайной красотой звучания, мелодичностью и техническим совершенством.

В эпоху барокко изменилось представление о церковной музыке. Появились произведения, написанные на тексты или сюжеты, но не предназначенные для обязательного исполнения в церкви. К ним относятся кантата, оратория.

Слайд 6. Мастером монументальной оратории того времени является Георг Фридрих Гендель (1685-1759), немецкий композитор и органист. Он создал новый тип оратории, грандиозный по масштабам, демократический по музыкальному языку. Оратории Генделя оказали значительное влияние на творчество европейских композиторов.

В эпоху Барокко полифония, господствовавшая в музыке эпохи Возрождения, начала уступать место гомофонии (от греч. “хомос” - “один” и “фоне” - “звук”. В отличие от полифонии, где все голоса равноправны, в гомофонии выделяется один голос, а остальные играют роль аккомпанемента. Это дало толчок к развитию инструментальной музыки, появлению новых жанров и в первую очередь инструментального концерта.

Слайд 7. В жанре “Кончерто – гроссо” - большого концерта работал один из выдающихся мастеров скрипичной музыки Антонио Вивальди (1678-1741), который написал 465 концерта. Концерты А. Вивальди состоят из 3 частей – быстрые крайние части и медленная средняя часть. Многие концерты А. Вивальди имеют программу, например, цикл концертов “Времена года”.

Приложение 1. А. Вивальди “Времена года”: “Зима” 1ч.

Слайд 8. Представителем Немецкой школы барокко является Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) - крупнейшая фигура мировой музыкальной культуры. Его творчество представляет собой одну из вершин философской мысли в музыке. Свободно скрещивая черты не только разных жанров, но и национальных школ, Бах создал бессмертные шедевры, стоящие над временем.

Приложение 2. И.С. Бах Токката и фуга d-moll

Будучи последним (наряду с Г.Ф. Генделем) великим композитором эпохи барокко обобщил достижения музыкального искусства переходного периода от барокко к классицизму.

Слайд 9. Следующая остановка – эпоха классицизма .

Художественный стиль классицизм от лат. Classicus – “образцовый”, “совершенный” возник в XVII столетии во Франции. Основываясь на представлениях о закономерности, разумности мирового устройства, мастера этого стиля стремились к идеалу, ясным и строгим формам, гармоничным образам. Классицизм во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью. Как и сам человек, искусство классицизма было жизнеутверждающим и светлым. Именно в это время в западноевропейской музыке складываются "образцовые" для всей последующей истории структуры сонаты и симфонии.

Слайд 10. Сонатная форма – это принцип изложения музыкального материала, который предполагает взаимодействие тем и художественных образов. Темы - главная и побочная – либо противопоставляются друг другу, либо дополняют друг друга. Развитие тем проходит три этапа – экспозицию, разработку и репризу. Темы возникают в экспозиции, разработке происходит дальнейшее развитие тем. Реприза - итог сложного пути, к которому темы пришли обогащенные развитием в экспозиции и разработке. Итоги развития иногда закрепляют в дополнительном разделе – коде, однако она необязательна.

Слайд 11. Симфония – наиболее сложная форма инструментальной музыки. Исполняется симфоническим оркестром. Композиторы венской классической школы (Гайдн, Моцарт, Бетховен) разработали сонатно-симфонический цикл из четырёх частей, которые различаются характером музыки, темпом и приёмами развития темы.

Первая часть обычно исполнялась в быстром темпе, наполнена драматическим содержанием, писалась в сонатной форме. Вторая часть медленная, созерцательная - это лирический центр композиции. Третья часть подвижная, носит танцевальный либо шутливый характер (Менуэт или Скерцо). Четвертая часть Финал, обычно быстрая часть, здесь подводятся итоги развития образов и тем всей симфонии.

Слайд 12. В опере XVII в. классицизм представлен произведениями Кристофа Виллибальда Глюка (1714-1787), создавшего новую трактовку этого вида музыкально-драматического искусства. Врожденный инстинкт драматурга и ощущение неудовлетворенности оперой-сериа, с ее культом певцов-виртуозов влекут композитора в сторону музыкальной драмы, к античному образцу.

Первыми операми, созданными по новым правилам, стали “Орфей и Эвридика” (1762), “Парис и Елена” (1770). Либретто к этим операм написал поэт и драматург Раньери да Кальцабиджи, это был первый пример сотрудничества автора музыки и либреттиста в процессе создания оперы, прежде композиторы писали музыку на уже готовые и отдельно изданные либретто. Для своих опер Глюк выбирал, как правило, античные сюжеты, в которых воспевался подвиг во имя любви и исполнение долга. Основное внимание композитор уделял слову. Он стремился к тому, чтобы музыка точно выражала дух и настроение поэтического текста. Важную роль в операх Глюка играли речитативы, они всегда звучали под аккомпанемент оркестра (в отличие от “секко” - речитативов оперы - “сериа”), которые сопровождались клавесином. Главная мелодическая линия проводится в ариях. Возросла роль оркестра. Уже в увертюре были обозначены основные идеи. В произведениях Глюка привлекали ясность драматургического развития, цельность образов, классическая строгость и выразительность музыки, естественность и красота мелодий, благородство чувств героев.

Вершиной в развитии музыкального классицизма стало творчество Й. Гайдна, В.А. Моцарта и Л. Бетховена, работавших, преимущественно, в Вене и образовавших направление в музыкальной культуре – венскую классическую школу.

Слайд 13. С творчеством Йозефа Гайдна (1732-1809) связан расцвет таких жанров, как симфония (их у него 104), струнный квартет, клавирная соната. Большое внимание композитор уделял концертам для различных инструментов, камерным ансамблям, духовной музыке. Композиторам венской классической школы, и, прежде всего, Гайдну, принадлежит заслуга формирования устойчивого состава оркестра. Звучание музыкальных инструментов приводилось в строгую систему, которая подчинялась правилам инструментовки, основанных на знании возможностей инструментов.

Слайд 14. Творчество Вольфганга Амадея Моцарта (1756-1791) занимает особое место в венской классической школе. В его произведениях классическая строгость и ясность форм соединились с глубокой эмоциональностью.

Особое внимание Моцарт уделял опере, но не стремился по примеру Глюка к созданию новой оперной формы – новаторской была сама его музыка. В зрелых произведениях композитор отказался от строгого разграничения оперы на серьёзную и комическую – появился музыкально-драматический спектакль, в котором эти элементы переплетены (“Свадьба Фигаро”, “Дон Жуан”, “Волшебная флейта”).

Приложение 3. В.А. Моцарт Ария Царицы Ночи из оперы “Волшебная флейта”, написанная в стиле bel canto.

Большое внимание Моцарт уделял симфонии, особенно популярны три последние – №39, №40 и №41 “Юпитер”. В произведениях этого жанра окончательно закрепились 4-х частный цикл и правила сонатной формы.

Моцарт стал одним из создателей жанра классического концерта. Фортепианное творчество включает 19 сонат, а также сочинения в жанре фантазии. Им созданы и духовные произведения: мессы, кантаты, оратории, реквием.

Слайд 15. Последним представителем Венской классической школы был Людвиг ван Бетховен (1770-1827). Мировоззрение Бетховена складывалось под воздействием идей Просвещения и Французской революции. В музыкальном отношении его творчество, с одной стороны, продолжало традиции венского классицизма, с другой – содержит в себе черты нового, романтического искусства (смелое экспериментаторство в симфониях и сонатах, интерес к вокальной и инструментальной миниатюре и программность). За свою жизнь композитор написал девять симфоний, тридцать две сонаты для фортепиано, а также для скрипки и виолончели, шестнадцать струнных квартетов, оперу “Фиделио”, пять концертов для фортепиано. Вершиной симфонического творчества по праву считают Девятую симфонию. Симфония грандиозна по масштабам, особенно необычен финал, представляющий собой нечто вроде большой кантаты для хора, солистов и оркестра, написанной на текст орды к радости И.Ф. Шиллера.

Слайд 16. Следующая остановка – эпоха романтизма.

На рубеже XVIII-XIX столетий в европейском искусстве сложилось новое направление – романтизм (фр. romantisme), в формировании которого огромную роль сыграла Французская революция 1789 года. Она принесла людям разочарование и безнадёжность, т.к. за что боролись революционеры, не сбылось. Реальность была мрачна, поэтому романтики искали утешение в мире мечты. Основными темами становятся одиночество, далёкое прошлое, мечта, сказка. Романтиков интересует человеческая душа, её страсти и переживания.

Общество мещан, торговцев, простых обывателей диктовало музыкальному искусству свои вкусы, что привело к созданию “лёгких” жанров. Получили широкое развитие песня и романс.

Ведущим жанром становится миниатюра, часто имеющая конкретное название. В небольшом инструментальном сочинении-миниатюре можно было запечатлеть и мимолётные чувства, и глубокое душевное потрясение, и мгновенное настроение, и зарисовку с натуры.

Важным средством создания музыкального образа стала словесная программа, раскрывающая содержание произведения. Иногда музыка писалась как иллюстрация к произведению литературы или живописи. Порой композитор сам сочинял сюжет для инструментальной музыки и излагал его в специальном пояснении к партитуре.

Композиторы-романтики часто обращались к фольклору, используя интонации, ритмы, мотивы народных танцев и песен.

Композиторы-романтики были убеждены, что через музыкальное просвещение можно изменить мир и человека, поэтому немало сил отдавали публицистике и просветительской деятельности. Они стремились лично воздействовать на большую аудиторию и становились исполнителями или дирижёрами. Именно романтики создали в Европе систему общедоступных концертов.

Слайд 17. Первым представителем романтизма стал австрийский композитор Франц Шуберт (1797-1828).За свою короткую жизнь композитор создал более 1000 сочинений. Инструментальная музыка Шуберта связана с традициями венской классической школы. Композитор написал девять симфоний. Симфония №8, имеющая подзаголовок “Неоконченная” (1822г.) - одно из самых ярких произведений не только в творчестве Шуберта, но и в мировой симфонической музыке. Но при жизни он получил признание лишь как автор песен, а его симфонии, сонаты, фортепианные миниатюры были надолго забыты.

Приложение 4. Ф. Шуберт “Пчёлка”.

Шуберт написал более 600 песен. Каждая из них – это рассказ о человеке, способном на сильные, искренние чувства. Основная часть песен посвящена любви, однако есть среди них пейзажные и жанровые зарисовки (например, “Форель”), романтические легенды (баллада “Лесной царь” на стихи немецкого поэта И.В. Гёте). В песнях огромное значение приобретает партия фортепиано, которое будто бы полностью подчинено голосу, именно инструмент передает те чувства и эмоции, которые не выразить словами. Вокальные циклы “Прекрасная мельничиха” и “Зимний путь” - являются вершиной творчества Ф. Шуберта.

Слайд 18. Еще один представитель романтизма композитор Роберт Шуман (1810-1856). В своём творчестве композитор уделял большое внимание фортепианной музыке. Один за другим были написаны знаменитые фортепианные циклы “Вариации” (1830г.), “Бабочки” (1831г.), “Карнавал” (1835г.), “Фантастические пьесы” (1837г.), а так же “Детские сцены”, “Крейслериана”, “Новелетты”. Композитор писал психологическую музыку, которая далека была от фольклорных мотивов. Произведения Шумана – это нечто “личное”. Гармоничный язык его произведений более сложный, нежели у его современников. Ритм творений Шумана достаточно прихотлив и капризен.

Композитор обращался и к вокальной музыке. Центральное место в вокальном наследии Шумана занимают два цикла “Любовь и жизнь женщины” и “Любовь поэта”.

Приложение 5. Р. Шуман “Я не сержусь” из цикла “Любовь поэта”.

Слайд 19. Фредерик Шопен (1810-1849) - композитор – романтик, основоположник польской национальной композиторской школы. Ф. Шопен – уникальный композитор, так как писал практически только фортепианную музыку. Характерной чертой “шопеновского” стиля является соединение камерной лирики, поэтической импровизационности с блестящей виртуозной техникой. Для композиторского стиля Шопена характерен синтез романтических и классических традиций. Обращение к народным истокам: использование народных ладов, ритмов и гармонизации. Фортепиано часто “подражает” народному оркестру. Многие фортепианные сочинения композитора носят элегический характер мелодики. Многие произведения Шопен создал в ритме польских народных и городских танцев (мазурка, полонез, вальс).

Приложение 6. Ф. Шопен Ноктюрн Es-dur.

Слайд 20. Опера в эпоху романтизма развивалась двумя путями – путем развития и обновления традиций (Джузеппе Верди (1813-1901) в Италии, Жорж Бизе (1838-1875) во Франции) и путем реформы (Рихард Вагнер (1813-1883) в Германии).

Оперы Верди и Бизе обобщили лучшие достижения итальянской и французской оперы, существенно обновив их содержание. Главное – новые герои. Это не мифологические персонажи и исторические деятели, а простые люди, нередко – “униженные и оскорбленные”. Шут в “Риголетто”, куртизанка в “Травиате” Верди, работница табачной фабрики и солдат в “Кармен” Бизе. Но именно их жизненные истории становятся основой сюжета, именно их чувствам и страстям сопереживает слушатель. При этом характеры героев раскрываются в условиях драматических, даже трагедийных.

Оперы Верди и Бизе являются образцами психологической лирики в музыке, и объединяют черты романтического и реалистического искусства.

Слайд 21. Р. Вагнер – крупнейшая фигура в истории музыки XIX в. Его личность и творчество вызвало бурные дискуссии, которые продолжаются едва ли не до сих пор. Вся его жизнь была сосредоточена на одном деле – создании того, что сам он называл “Произведение искусства будущего”.

Принципы оперной реформы Р. Вагнера (сформулированы им самим в многочисленных теоретических трудах, например, “Опера и драма”):

1) Процесс сочинения начинается с формулирования художественной идеи.

2) Композитор и драматург – одно лицо. Ему принадлежит идея, он сам пишет и текст, и музыку своей оперы. Это полностью его сочинение.

3) В основе сюжета – мифы и легенды. Именно в них можно найти вечные, прошедшие многовековую проверку временем, а значит, всегда актуальные идеи.

4) Композитор вырабатывает музыкальный язык, который стал бы “чувственным выражением мысли”.

Слушатель не просто наслаждается красивыми созвучиями, но прочитывает музыку, как текст. Для этого используется система лейтмотивов. Лейтмотив (т. е. повторяющаяся тема) может символизировать чувство (любовь, страдание), понятие (искушение, судьба, смерть,), предмет (волшебный меч, кольцо власти), явление природы (буря). Выстраивая эти лейтмотивы в разнообразные последовательности, повторяя и изменяя их, композитор направляет мысль слушателя.

Интересно, что каждая из реформаторских опер Вагнера, при всей обобщенности мифологического содержания и значимости философских идей, вызвана к жизни глубоко личными переживаниями, т.е. основана на автобиографических мотивах. И это выдает в нем типичного художника-романтика.

Вот и подошло к концу наше музыкальное путешествие. Мы кратко ознакомились с некоторыми важнейшими для развития искусства эпохами. Небольшая викторина поможет нам подвести итоги нашего путешествия.

Слайды 22, 23. Вопросы и ответы:

С какими эпохами мы сегодня познакомились? (Барокко, классицизм, романтизм)

Как называется оперной вокальный стиль, который славился необычайной красотой звучания, мелодичностью и техническим совершенством? (bel canto – “прекрасное пение”)

Чем отличается полифоническая музыка от гомофонной музыки? (В полифонии все голоса равноправны, а в гомофонии выделяется один голос, а остальные играют роль аккомпанемента.)

1. Кто автор цикла инструментальных концертов “Времена года”? (А. Вивальди)
2. Великий немецкий композитор эпохи Барокко - крупнейшая фигура мировой музыкальной культуры? (И.С.Бах)
3. Назовите строение сонатной формы. (Экспозиция, разработка, реприза)
4. Назовите композиторов венской классической школы. (Й.Гайдн, В.А.Моцарт и Л.Бетховен)
5. К каким жанрам чаще всего обращались композиторы романтики? (миниатюра, песня, романс)
6. Какой немецкий композитор в теоретическом труде “Опера и драма” изложил свои принципы оперной реформы? (Р.Вагнер)