Главная › Прогулка › Современные японские художницы. Величайшие художники укиё-э

Современные японские художницы. Величайшие художники укиё-э

Японская живопись - это абсолютно уникальное направление в мировом искусстве. Оно существует ещё с древних времён, но как традиция не утратило своей популярности и способности удивлять.

Внимательность к традициям

Восток - это не только пейзажи, горы и восходящее солнце. Это ещё и люди, которые создавали его историю. Именно такие люди поддерживают традицию японской живописи на протяжении многих столетий, развивая и приумножая своё искусство. Теми, кто внёс немалый вклад в историю японские художники. Современные именно благодаря им сохранили в себе все каноны традиционной японской живописи.

Манера исполнения картин

В отличие от Европы, японские художники предпочитали писать ближе к графике, чем к живописи. В таких картинах не найти грубых, небрежных мазков маслом, которые так характерны для импрессионистов. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская деревья, скалы, животные и птицы - всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Декоративность - именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира.

Контрасты в живописи

Контраст - ещё один характерный приём, который используют японские художники. Это может быть разница в тоне, цвете или контраст теплых и холодных оттенков.

Художник прибегает к приему тогда, когда хочет выделить какой-то элемент предмета. Это может быть прожилка на растении, отдельный лепесток или ствол дерева на фоне неба. Тогда изображается светлая, освещённая часть предмета и тень под ним (или наоборот).

Переходы и цветовые решения

Рисуя японские картины, часто используют переходы. Они бывают разными: например, от одного цвета к другому. На лепестках водяных лилий, пионов можно заметить переход от светлого оттенка к насыщенному, яркому какого-то цвета.

Также переходы применяют в изображении водной поверхности, неба. Очень красиво выглядит плавный переход от заката к тёмным, сгущающимся сумеркам. В рисовании облаков тоже используют переходы от разных оттенков и рефлексы.

Основные мотивы японской живописи

В искусстве всё взаимосвязано с реальной жизнью, с чувствами и эмоции тех, кто причастен к нему. Как и в литературе, музыке и других проявлениях творчества, в живописи существует несколько вечных тем. Это исторические сюжеты, изображения людей и природы.

Японские пейзажи бывают разнообразными. Часто в картинах встречаются изображения прудов - излюбленного предмета интерьера японцев. Декоративный пруд, несколько водяных лилий и бамбук неподалёку - так выглядит обычная картина 17-18 века.

Животные в японской живописи

Животные - тоже часто повторяющийся элемент азиатской живописи. Традиционно это крадущийся тигр или домашняя кошка. Вообще, азиаты очень любят и поэтому их представители встречаются во всех формах восточного искусства.

Мир фауны - ещё одна тема, которой следует японская живопись. Птицы - журавли, декоративные попугаи, роскошные павлины, ласточки, незаметные воробьи и даже петухи - все они встречаются в рисунках восточных мастеров.

Рыбы — не менее актуальная тема для японских художников. Карпы кои - японский вариант золотой рыбки. Эти существа обитают в Азии во всех прудах даже маленьких парков и садов. Карп кои - своего рода традиция, принадлежащая именно Японии. Эти рыбы символизируют борьбу, решительность, достижение своей цели. Не зря их изображают плывущими по течению, обязательно с декоративными гребнями волн.

Японские картины: изображение людей

Люди в японской живописи - особенная тема. Художники изображали гейш, императоров, воинов и старцев.

Гейши нарисованы в окружении цветов, всегда в сложных одеяниях с множеством складок и элементов.

Мудрецов рисуют сидящими или объясняющими что-то своим ученикам. Образ старого учёного - символ истории, культуры и философии Азии.

Воина изображали грозным, порой устрашающим. Длинные были детально прорисованы и похожи на проволоку.

Обычно все детали доспеха уточнены с помощью туши. Нередко обнажённые воина украшают татуировки с изображением восточного дракона. Это - символ силы и военной мощи Японии.

Правителей изображали для императорских семей. Красивые одеяния, украшения в волосах мужчин - то, чем изобилуют такие произведения искусства.

Пейзажи

Традиционный японский пейзаж - горы. Азиатские живописцы преуспели в изображении разнообразных ландшафтов: одну и ту же вершину они могут изобразить в разных цветах, с разной атмосферой. Единственное, что остаётся неизменным - обязательное присутствие цветов. Обычно вместе с горами художник изображает какое-то растение на переднем плане и детально его прорисовывает. Красиво смотрятся гор и цветущей сакуры. А если рисуют опадающие лепестки - картина вызывает восхищение грустной красотой. Контраст в атмосфере картины - ещё одно замечательное качество японской культуры.

Иероглифы

Часто композицию картины в японской живописи совмещают с письменами. Иероглифы располагают так, чтобы смотрелось красиво композиционно. Обычно их рисуют слева или справа картины. Иероглифы могут обозначать то, что изображено на картине, её название или имя художника.

Япония - одна из самых богатых историей и культурой держав. Во всём мире принято считать японцев педантичными людьми, которые находят эстетику абсолютно во всех проявлениях жизни. Поэтому японские картины всегда очень гармоничны по цвету и тону: если и есть вкрапления какого-то яркого цвета - то только в смысловых центрах. На примере картин азиатских художников можно изучать теорию цвета, правильную передачу формы с помощью графики, композицию. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.

Имеет очень богатую историю; её традиция обширна, при этом уникальное положение Японии в мире в значительной степени повлияло на доминирующие стили и техники японских художников. Известный факт, что Япония была весьма изолирована в течение многих столетий, обусловлен не только географией, но также и доминирующей японской культурной склонностью к изоляции, которая обозначила историю страны. В течение столетий существования того, что мы могли бы назвать «японской цивилизацией», культура и искусство развивались отдельно от тех, что были в остальном мире. И это даже заметно в практике японской живописи. Например, картины Нихонга являются одними из основных произведений практики японской живописи. Она основана на более чем тысячелетней традиции, а картины обычно создаются кистями на ваши (японская бумага) или егину (шёлк).

Тем не менее, японское искусство и живопись находились под влиянием иностранных художественных практик. Сначала, это было китайское искусство в XVI веке и китайская живопись и китайская традиция искусства, которая была особенно влиятельной в нескольких аспектах. По состоянию на XVII век японская живопись также находилась под влиянием западных традиций. В частности, в довоенный период, который длился с 1868 по 1945 год, на японскую живопись повлиял импрессионизм и европейский романтизм. В то же время на новые европейские художественные движения также значительно влияли японские художественные техники. В истории искусства это влияние называют «японизмом», и оно особенно существенно для импрессионистов, кубистов и художников, связанных с модернизмом.

Длинная история японской живописи может рассматриваться как синтез нескольких традиций, которые создают части признанной японской эстетики. Прежде всего, буддистское искусство и методы живописи, так же как и религиозная живопись, оставили существенный след на эстетике японских картин; водно-тушевая живопись пейзажей в традиции китайской литературной живописи - другой важный элемент, признанный во многих знаменитых японских картинах; живопись животных и растений, особенно птиц и цветов - это то, что обычно связано с японскими композициями, как и пейзажи и сцены из повседневной жизни. Наконец, большое влияние на японскую живопись имели древние представления о красоте из философии и культуры Древней Японии. Ваби, что означает кратковременную и суровую красоту, саби (красота натуральной патины и старения) и югэн (глубокая грация и тонкость) по-прежнему влияют на идеалы в практике японской живописи.

Наконец, если мы концентрируем внимание на выборе десять самых известных японских шедевров, мы должны упомянуть укиё-э, который является одним из самых популярных жанров искусства в Японии, даже несмотря на то, что он относится к гравюре. Он доминировал в японском искусстве с XVII - XIX век, при этом художники, принадлежащие к этому жанру создавали ксилографии и картины с такими предметами как красивые девушки, актёры Кабуки и борцы сумо, а также сцены из истории и народных сказок, сцены путешествии и пейзажи, флора и фауна и даже эротика.

Всегда сложно составлять список лучших картин из художественных традиций. Многие удивительные произведения будут исключены; однако в этом списке представлены десять самых узнаваемых японских картин в мире. В этой статье будут представлены только картины, созданные с XIX века по сегодняшний день.

Японская живопись имеет чрезвычайно богатую историю. На протяжении веков японские художники разработали большое количество уникальных техник и стилей, которые являются самым ценным вкладом Японии в мир искусства. Одна из этих техник - суми-э. Суми-э буквально означает «чернильный рисунок», сочетающий в себе каллиграфию и рисование чернилами для создания редкой красоты композиций, нарисованных кистями. Эта красота парадоксальна - древняя, но современная, простая, но сложная, смелая, но подчиненная, несомненно, отражающая духовную основу искусства в дзен-буддизме. Буддийские священники завезли твёрдочернильный брикет и бамбуковую кисть в Японию из Китая в шестом веке, а за последние 14 столетий Япония разработала богатое наследие тушевой живописи.

Scroll down and see 10 Japanese Painting Masterpieces

1. Кацусика Хокусай «Сон жены рыбака»

Одна из самых узнаваемых японских картин - «Сон жены рыбака». Она была написана в 1814 году известным художником Хокусаем. Если следовать строгим определениям, эту удивительное произведение Хокусая нельзя рассматривать как живопись, так как оно является ксилографией жанра укиё-э из книги «Молодые сосны» (Kinoe no Komatsu), которая представляет собой трёхтомную книгу сюнга. В композиции изображена молодая ныряльщица ама, обвитая сексуально парой осьминогов. Этот образ был весьма влиятельным в XIX и XX веках. Работа повлияла на более поздних художников, таких как Фелисьен Ропс, Огюст Роден, Луис Окок, Фернан Кнопф и Пабло Пикассо .

2. Тессай Томиока «Абэ-но Накамаро пишет ностальгическую поэму, наблюдая за луной»

Тессай Томиока - псевдоним известного японского художника и каллиграфа. Он считается последним крупным художником в традиции бунцзинга и одним из первых крупных художников стиля Нихонга. Бунцзинга была школой японской живописи, которая процветала в эпоху позднего Эдо среди художников, которые считали себя литераторами или интеллектуалами. Каждый из этих художников, включая Тессайя, разработал свой собственный стиль и технику, но все они были большими поклонниками китайского искусства и культуры.

3. Фудзисима Такэдзи «Восход солнца над Восточным морем»

Фудзисима Такэдзи был японским художником, известным за труд по развитию романтизма и импрессионизма в художественном движении йога (западный стиль) в конце XIX - начале XX века. В 1905 году он отправился во Францию, где на него повлияли французские движения того времени, в частности, импрессионизм, что можно увидеть в его картине «Восход солнца над Восточным морем», который была написана в 1932 году.

4. Китагава Утамаро «Десять типов женских лиц, коллекция властвующих красавиц»

Китагава Утамаро был выдающимся японским художником, который родился в 1753 году и умер в 1806 году. Он, безусловно, наиболее известен серией под названием «Десять типов женских лиц. Коллекция властвующих красавиц, темы большой любви классической поэзии» (иногда называемая «Женщины в любви», содержащая отдельные гравюры «Обнажённая любовь» и «Задумчивая любовь»). Он является одним из наиболее значительных художников, принадлежащих к жанру ксилографии укиё-э.

5. Каванабэ Кёсай «Тигр»

Каванабэ Кёсай был одним из самых известных японских художников периода Эдо. Его искусство находилось под влиянием творчества Тохаку, художник школы Кано XVI века, который был единственным художником своего времени, рисовавший ширмы полностью тушью на нежном фоне из порошкового золота. Хотя Кёсай известен как карикатурист, он написал некоторые из самых известных картин в японской истории искусства XIX века. «Тигр» - одна из тех картин, для создания которой Кёсай использовал акварель и чернила.

6. Хироси Ёсида «Фудзи со стороны озера Кавагути»

Хироси Ёсида известен как один из самых крупных фигур стиля син-ханга (син-ханга - это художественное движение в Японии в начале XX века, в периоды Тайсё и Сёва, которое возродило традиционное искусство укиё-э, пустившее свои корни в период Эдо и Мэйдзи (XVII - XIX вв)). Он обучался традиции западной живописи маслом, которая была заимствована в Японии в период Мэйдзи.

7. Такаси Мураками «727»

Такаши Мураками, вероятно, самый популярный японский художник современности. Его работы продаются за астрономические цены на крупных аукционах, а творчество уже вдохновляет новые поколения художников не только в Японии, но и за её пределами. Искусство Мураками включает в себя целый ряд сред и обычно описывается как суперплоскость. Его творчество известно использованием цвета, включением мотивов из японской традиционной и популярной культуры. Содержание его картин часто описывается как «милое», «психоделическое» или «сатирическое».

8. Яёи Кусама «Тыква»

Яой Кусама также является одной из самых известных японских художниц. Она творит в различных техниках, включая живопись, коллаж, скэт-скульптуру, перфоманс, энвайронментальное искусство и инсталляцию, большинство из которых демонстрируют её тематический интерес к психоделическим цветам, повторению и узору. Одной из самых известных серий этой великой художницы является серия «Тыква». Покрытая узором горошек обычная тыква ярко-жёлтого цвета представлена на фоне сети. В совокупности все такие элементы образуют визуальный язык, который безошибочно соответствует стилю художницы, и был развит и усовершенствован на протяжении десятилетий кропотливого изготовления и воспроизведения.

9. Тэммёя Хисаси «Японский дух №14»

Тэммёя Хисаси - современный японский художник, который известен своими картинами в стиле нео-нихонга. Он участвовал в возрождении старой традиции японской живописи, которая представляет собой полную противоположность современной японской живописи. В 2000 году он также создал свой новый стиль butouha, который демонстрирует стойкое отношение к авторитетной художественной системе через его картины. «Японский дух № 14» был создан как часть художественной схемы «БАСАРА», интерпретированной в японской культуре как мятежное поведение низшей аристократии во время периода Воюющих царств, чтобы лишить власти возможности добиваться идеального образа жизни, одеваясь в пышные и роскошные одежды и действуя по свободной воле, не соответствовавшее их социальному классу.

10. Кацусика Хокусай «Большая волна в Канагаве»

Наконец, «Большая волна в Канагаве», вероятно, самая узнаваемая японская картина, когда-либо написанная. Это на самом деле самое известное произведение искусства, созданное в Японии. На ней изображены огромные волны, угрожающие лодкам у берегов префектуры Канагава. Несмотря на то, что иногда принимаемая за цунами, волна, как предполагает название картины, скорее всего, просто имеет аномально большую высоту. Картина выполнена в традиции укиё-э.

От: ,

Яёи Кусама вряд ли сможет ответить, что легло в основу ее карьеры художницы. Ей 87 лет, ее искусство признано во всем мире. Скоро пройдут крупные выставки ее работ в США и Японии, но она еще не все сказала этому миру. «Оно еще на подходе. Я собираюсь создать это в будущем», - говорит Кусама. Ее называют самой успешной художницей в Японии. Кроме того, она самая дорогая из ныне живущих художниц: в 2014 году ее картина «Белый №28» была продана за 7,1 млн долларов.

Кусама живет в Токио и на протяжении почти сорока лет добровольно находится в психиатрической лечебнице. Раз в день она покидает ее стены, чтобы заняться живописью. Она встает в три часа утра, не имея возможности уснуть и желая с пользой провести время за работой. «Сейчас я старая, но все еще собираюсь создать больше работ и лучшие работы. Больше, чем я сделала в прошлом. Мое сознание полно картин», - говорит она.

(Всего 17 фото)

Яёи Кусама на выставке своих работ в Лондоне в 1985 году. Фото: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

С девяти до шести Кусама работает в своей трехэтажной студии, не вставая из инвалидного кресла. Она может ходить, но слишком слаба. Женщина работает на холсте, разложенном на столах или закрепленном на полу. В студии полно новых картин, ярких работ, усыпанных маленькими крапинками. Художница называет это «самозаглушением» - бесконечным повторением, которое заглушает шум в ее голове.

Перед вручением наград в области искусства Praemium Imperiale в 2006 году в Токио. Фото: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Через дорогу скоро откроется новая галерея, а к северу от Токио строится еще один музей ее искусства. Кроме того, открываются две крупных выставки ее работ. «Яёи Кусама: бесконечные зеркала», ретроспектива ее 65-летней карьеры, открылась в музее Хиршхорн в Вашингтоне 23 февраля и пройдет до 14 мая, после чего приедет в Сиэтл, Лос-Анджелес, Торонто и Кливленд. В экспозицию включено 60 картин Кусамы.

Ее горошины покрывают все - от платьев Louis Vuitton до автобусов в ее родном городе. Работы Кусамы регулярно продаются за миллионы долларов и встречаются по всему миру - от Нью-Йорка до Амстердама. Выставки работ японской художницы так популярны, что требуются меры по предотвращению давки и беспорядков. Например, в Хиршхорне билеты на выставку продаются на определенное время, чтобы как-то регулировать поток посетителей.

Презентация совместного дизайна Louis Vuitton и Яёи Кусамы в Нью-Йорке в 2012 году. Фото: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Но Кусаме все равно нужно одобрение извне. Когда в интервью ее спросили о том, достигла ли она своей цели, став богатой и знаменитой десятки лет назад, она удивленно сказала: «Когда я была маленькой, мне было очень трудно убедить маму, что я хочу стать художницей. Это действительно правда, что я богата и знаменита?»

Кусама родилась в Мацумото, в горах Центральной Японии, в 1929 году в состоятельной и консервативной семье, торговавшей саженцами. Но это не был счастливый дом. Ее мать презирала изменяющего ей мужа и отправляла маленькую Кусаму шпионить за ним. Девочка видела отца с другими женщинами, и это вызвало в ней пожизненное отвращение к сексу.

Витрина бутика Louis Vuitton, оформленная Кусамой в 2012 году. Фото: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Еще в детстве она начала испытывать зрительные и слуховые галлюцинации. В первый раз, когда она увидела тыкву, она представила, что та с ней разговаривает. Будущая художница справлялась с видениями, создавая повторяющиеся узоры, чтобы заглушить мысли в голове. Даже в таком юном возрасте искусство стало для нее своего рода терапией, которую она позже назовет «арт-лекарством».

Работа Яёи Кусамы на выставке в Музее современного искусства Уитни в 2012 году. Фото: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Мать Кусамы была резко против желания дочери стать художницей и настаивала на том, чтобы девочка последовала традиционному пути. «Она не давала мне рисовать. Она хотела, чтобы я вышла замуж, - рассказывала художница в интервью. - Она выбрасывала мои работы. Я хотела броситься под поезд. Каждый день я воевала с матерью, и поэтому мой рассудок повредился».

В 1948 году, после окончания войны, Кусама поехала в Киото изучать традиционную японскую живопись нихонга со строгими правилами. Она возненавидела этот вид искусства.

Один из экспонатов выставки Яёи Кусамы в Музее современного искусства Уитни в 2012 году. Фото: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

Когда Кусама жила в Мацумото, она нашла книгу Джорджии О’Киф и была поражена ее картинами. Девушка отправилась в американское посольство в Токио, чтобы найти там статью об О’Киф в справочнике и узнать ее адрес. Кусама написала ей письмо и отправила несколько рисунков, и, к ее удивлению, американская художница ответила ей.

«Я не могла поверить своей удаче! Она была так добра, что ответила на внезапный выплеск чувств скромной японской девочки, которую она никогда в жизни не встречала и даже не слышала о ней», - написала художница в своей автобиографии «Сеть бесконечности» (Infinity Net).

Яёи Кусама в оформленной ею витрине бутика Louis Vuitton в Нью-Йорке в 2012 году. Фото: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Несмотря на предупреждения О’Киф, что в США молодым художникам приходится очень тяжело, не говоря уж о юных одиноких девушках из Японии, Кусаму было не остановить. В 1957 году ей удалось получить паспорт и визу. Она зашила доллары в свои платья, чтобы обойти строгий послевоенный валютный контроль.

Первой остановкой стал Сиэтл, где она провела выставку в маленькой галерее. Потом Кусама отправилась в Нью-Йорк, где ее постигло горькое разочарование. «В отличие от послевоенного Мацумото, Нью-Йорк был во всех смыслах злым и жестоким местом. Для меня он оказался слишком стрессовым, и я вскоре погрязла в неврозе». Что еще хуже, Кусама оказалась в полной нищете. Кроватью ей служила старая дверь, и она выуживала рыбные головы и гнилые овощи из мусорных баков, чтобы варить из них суп.

Инсталляция Infinity Mirror Room - Love Forever («Комната с зеркалами бесконечности - любовь навсегда»). Фото: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Это тяжелое положение побудило Кусаму еще больше погрузиться в работу. Она начала создавать свои первые картины из серии «Сеть бесконечности», покрывая огромные холсты (один из них достигал 10 метров в высоту) завораживающими волнами маленьких петель, которые, казалось, никогда не закончатся. Сама художница описывала их так: «Белые сети, обволакивающие черные точки молчаливой смерти на фоне беспросветной тьмы небытия».

Инсталляция Яёи Кусамы на открытии нового здания музея современного искусства «Гараж» в ЦПКиО имени М. Горького в Москве в 2015 году. Фото: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

Это обсессивно-компульсивное повторение помогло отогнать невроз, но это не всегда спасало. Кусама постоянно страдала от приступов психоза и оказалась в одной из больниц Нью-Йорка. Будучи амбициозной и целеустремленной и с радостью приняв на себя роль экзотичной азиатки в кимоно, она влилась в тусовку влиятельных людей в искусстве и общалась с такими признанными художниками, как Марк Ротко и Энди Уорхол. Позже Кусама говорила, что Уорхол имитировал ее работы.

Вскоре Кусама приобрела определенную степень известности и выставлялась в многолюдных галереях. Кроме того, слава художницы приобрела скандальность.

В 1960-е, когда Кусама была одержима узором в горошек, она начала устраивать в Нью-Йорке хэппенинги: провоцировала людей раздеваться догола в таких местах, как Центральный парк и Бруклинский мост, и разрисовывала их тела горошком.

Предпоказ на выставке Art Basel в Гонконге в 2013 году. Фото: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

За несколько десятков лет до появления движения «Оккупируй Уолл-стрит» Кусама устроила хэппенинг в финансовом округе Нью-Йорка, заявив, что хочет «уничтожить мужчин с Уолл-стрит узором в горошек». Примерно в это же время она начала покрывать различные предметы - кресло, лодку, коляску - выпуклостями фаллического вида. «Я начала создавать пенисы, чтобы излечить свое чувство отвращения к сексу», - писала художница, рассказывая, как этот творческий процесс постепенно превращал ужасное в нечто знакомое.

Инсталляция Passing Winter («Преходящая зима») в галерее Тейт в Лондоне. Фото: James Gourley/REX/Shutterstock

Кусама ни разу не была замужем, хотя, когда она жила в Нью-Йорке, на протяжении десяти лет у нее были похожие на брак отношения с художником Джозефом Корнеллом. «Мне не нравился секс, а он был импотентом, так что мы очень хорошо подходили друг другу», - рассказала она в одном из интервью журналу Art Magazine.

Кусама становилась все более известной благодаря своим выходкам: она предложила переспать с президентом США Ричардом Никсоном, если он прекратит войну во Вьетнаме. «Давайте разукрасим друг друга узором в горошек», - написала она ему в письме. Интерес непосредственно к ее искусству угасал, она оказалась в немилости, и снова начались проблемы с деньгами.

Яёи Кусама во время ретроспективы ее работ в Музее современного искусства Уитни в Нью-Йорке в 2012 году. Фото: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Известия об эскападах Кусамы дошли до Японии. Ее стали называть «национальным бедствием», а ее мать заявила, что лучше бы дочь умерла от болезни в детстве. В начале 1970-х годов обнищавшая и потерпевшая фиаско Кусама вернулась в Японию. Она встала на учет в психиатрической лечебнице, где живет до сих пор, и канула в художественную безвестность.

В 1989 году Центр современного искусства в Нью-Йорке устроил ретроспективу ее работ. Это стало началом пусть и медленного, но возрождения интереса к искусству Кусамы. Она наполнила зеркальную комнату тыквами для инсталляции, которая была представлена на Венецианской биеннале в 1993 году, а в 1998 году состоялась крупная выставка в Музее современного искусства MoMa в Нью-Йорке. Именно здесь она когда-то устраивала хэппенинг.

На выставке My Eternal Soul («Моя вечная душа») в Национальном центре искусства в Токио, февраль 2017 года. Фото: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

В последние несколько лет Яёи Кусама стала международным феноменом. Современная галерея Тейт в Лондоне и Музей Уитни в Нью-Йорке провели крупные ретроспективы, которые привлекли огромные толпы посетителей, а ее знаковый узор в горошек стал очень узнаваем.

Художница не собирается приостанавливать работу, но начала задумываться о своей смертности. «Я не знаю, как долго я смогу выжить даже после смерти. Есть будущее поколение, которое следует по моим стопам. Это будет честью для меня, если людям будет нравиться смотреть на мои работы и если они будут тронуты моим искусством».

Несмотря на коммерциализацию ее искусства, Кусама думает о могиле в Мацумото - не в семейном склепе, ей и так досталось от родителей - и о том, как не превратить ее в святилище. «Но я еще не умираю. Я думаю, я проживу еще лет 20», - говорит она.

В каждой стране есть свои герои актуального искусства, чьи имена на слуху, чьи выставки собирают толпы поклонников и любопытствующих, а работы – расходятся по частным коллекциям.

В этой статье мы познакомим вас с самыми популярными современными художниками Японии.

Кейко Танабе (Keiko Tanabe)

Родившаяся в Киото Кейко, будучи ребенком, побеждала во множестве художественных конкурсов, но высшее образование получила вовсе не в сфере искусства. Работала в отделе международных отношений в японской торговой организации самоуправления в Токио, в крупной юридической фирме в Сан-Франциско и в частной консалтинговой фирме в Сан-Диего, много путешествовала. Начиная с 2003 года оставила работу и, изучив основы рисования акварелью в Сан-Диего, посвятила себя исключительно искусству.

Икенага Ясунари (Ikenaga Yasunari)

Японский художник Икенага Ясунари пишет портреты современных женщин в древней японской традиции живописи, используя кисть Menso, минеральные пигменты, сажу, чернила и льняную ткань, в качестве основы. Его персонажи – женщины нашего времени, но, благодаря стилю Nihonga, возникает ощущение, что они пришли к нам из глубины веков.

Абэ Тошиюки (Abe Toshiyuki)

Абэ Тошиюки – художник-реалист, в совершенстве овладевший акварельной техникой. Абэ можно назвать художником-философом: он принципиально не рисует всем известных достопримечательностей, предпочитая субъективные композиции, отражающие внутренние состояния человека, который за ними наблюдает.

Хироко Сакаи (Hiroko Sakai)

Карьера художницы Хироко Сакаи началась в начале 90-х в городе Фукуока. По окончанию университета Сейнан Гакуин и французской школы дизайна интерьера Нихон в области дизайна и визуализации, она основала «Atelier Yume-Tsumugi Ltd.» и успешно управляла этой студией в течение 5 лет. Многие ее работы украшают вестибюли больниц, офисы крупных корпораций и некоторые муниципальные здания Японии. Переехав в США, Хироко стала рисовать маслом.

Риусуки Фукахори (Riusuke Fukahori)

Трехмерные работы Риусуки Фукахори похожи на голограммы. Они выполнены акриловой краской, наложенной в несколько слоев, и прозрачной жидкостью из смолы – все это, не исключая традиционных методов вроде прорисовки теней, смягчения краев, контроля прозрачности, позволяет Риусуки создавать скульптурную живопись и придает работам глубину и реализм.

Нацуки Отани (Natsuki Otani)

Нацуки Отани – талантливый японский иллюстратор, живущий и работающий в Англии.

Макото Мураматсу (Makoto Muramatsu)

Макото Мураматсу основой для своего творчества избрал беспроигрышную тему – он рисует котиков. Его картинки популярны во всем мире, особенно, в виде паззлов.

Тетцуя Мишима (Tetsuya Mishima)

Большая часть картин современной японской художницы Мишима выполнена маслом. Она профессионально занимается живописью с 90-х, на ее счету несколько персональных выставок и большое количество выставок коллективных, как японских, так и зарубежных.

Искусство и дизайн

2904

01.02.18 09:02

Сегодняшняя художественная сцена Японии очень разнообразна и провокационна: рассматривая работы мастеров из Страны Восходящего солнца, вы решите, что попали на другую планету! Тут живут новаторы, которые изменили «ландшафт» отрасли в глобальном масштабе. Представляем вам список 10 современных японских художников и их творения – от невероятных существ Такаси Мураками (который сегодня празднует день рождения) до пестрой вселенной Кусамы.

От футуристических миров до точечных созвездий: современные японские художники

Такаси Мураками: приверженец традиций и классик

Начнем с виновника торжества! Такаси Мураками – один из самых знаковых современных японских художников, работающий над картинами, крупномасштабными скульптурами и модной одеждой. На стиль Мураками влияют манга и аниме. Он основатель движения Superflat, поддерживающего японские художественные традиции и послевоенную культуру страны. Мураками продвигал многих своих коллег-современников, с некоторыми из них мы сегодня тоже познакомимся. «Субкультурные» произведения Такаси Мураками представлены на арт-рынках моды и искусства. Его провокационный My Lonesome Cowboy (1998-й год) был продан в Нью-Йорке на аукционе Sotheby’s в 2008-м за рекордные 15,2 миллиона долларов. Мураками сотрудничал со всемирно известными брендами Marc Jacobs, Louis Vuitton и Issey Miyake.

Тихо Асима и ее сюрреалистическая вселенная

Член художественной производственной компании Kaikai Kiki и движения Superflat (и та, и другое основаны Такаси Мураками) Тихо Асима известна своими фантастическими городскими пейзажами и странными поп-существами. Художница создает сюрреалистические мечты, населенные демонами, призраками, молодыми красавицами, изображаемыми на фоне диковинной природы. Ее произведения обычно крупномасштабны и печатаются на бумаге, коже, пластике. В 2006-м году эта современная японская художница участвовала в Art on the Underground в Лондоне. Она создала 17 последовательных арок для платформы – волшебный пейзаж постепенно превращался из дневного в ночной, из городского – в сельский. Это чудо расцвело на станции метро Gloucester Road.

Тихару Сима и бесконечные нити

Другая художница – Тихару Сиота – работает над широкомасштабными визуальными установками для конкретных достопримечательностей. Она родилась в Осаке, но сейчас живет в Германии – в Берлине. Центральные темы ее творчества – забвение и память, мечты и реальность, прошлое и настоящее, а еще – конфронтация тревоги. Самые знаменитые работы Тихару Сиоты – непроницаемые сети черной нити, охватывающие множество бытовых и личных предметов – таких как старые стулья, свадебное платье, сожженное фортепиано. Летом 2014-го года Сиота соединила пожертвованные ей туфли и ботинки (которых было более 300) нитками красной пряжи и подвесила их на крючки. Первая выставка Тихару в столице Германии прошла во время Берлинской художественной недели в 2016-м году и вызвала сенсацию.

Эй Аракава: везде, ни нигде

Эй Аракава вдохновлен состояниями перемен, периодами нестабильности, элементами риска, а его инсталляции нередко символизируют темы дружбы и коллективного труда. Кредо современного японского художника определяется перформативным неопределенным «везде, но нигде». Его творения всплывают в неожиданных местах. В 2013-м году работы Аракавы выставлялись на Венецианском биеннале и в экспозиции японского современного искусства в Музее искусств Мори (Токио). Инсталляция Hawaiian Presence (2014) была совместным проектом с нью-йоркской художницей Кариссой Родригес и участвовала в биеннале Whitney. В том же 2014-м году Аракава и его брат Тому, выступающие дуэтом под названием «United Brothers», предлагали посетителям Frieze London свое «произведение» «The This Soup Taste Ambivalent» с «радиоактивными» корнеплодами дайкона Фукусимы.

Коки Танака: взаимосвязь и повторения

В 2015-м Коки Танака был признан «Художником года». Танака исследует общий опыт творчества и воображения, поощряет обмен между участниками проектов и выступает за новые правила сотрудничества. Его установка в японском павильоне на Венецианском биеннале 2013-го года состояла из видео с объектами, превращающими помещение в платформу для художественного обмена. Инсталляции Коки Танака (не путайте с его полным тезкой-актером) иллюстрируют взаимосвязь между объектами и действиями, например, на видео присутствует запись простых жестов, выполняемых с обычными предметами (нож, нарезающий овощи, пиво, наливаемое в стакан, открытие зонта). Ничего существенного не происходит, но навязчивое повторение и внимание к мельчайшим деталям заставляют зрителя ценить мирское.

Марико Мори и обтекаемые формы

Еще одна современная японская художница, Марико Мори, «колдует» над мультимедийными объектами, сочетая видео, фотографии, предметы. Ей свойственны минималистское футуристическое видение и гладкие сюрреалистические формы. Повторяющейся темой творчества Мори является сопоставление западной легенды с западной культурой. В 2010-м году Марико основала Фонд Фау, образовательную культурную некоммерческую организацию, для которой она изготовила серию своих художественных инсталляций в честь шести обитаемых континентов. Совсем недавно постоянная установка Фонда «Кольцо: одна с природой» была водружена над живописным водопадом в Ресенде недалеко от Рио-де-Жанейро.

Риоджи Икеда: синтез звуков и видео

Риоджи Икеда – новый медиахудожник и композитор, чья работа, в основном, связана со звуком в разных «сырых» состояниях, от синусоидальных звуков до шумов с использованием частот на грани человеческого слуха. Его захватывающие инсталляции включают звуки, созданные компьютером, которые визуально преобразуются в видеопроекции или цифровые шаблоны. Аудиовизуальные арт-объекты Икеды используют масштаб, свет, тень, объем, электронные звуки и ритм. Известный тестовый объект художника состоит из пяти проекторов, которые освещают площадь 28 метров в длину и 8 метров в ширину. Установка преобразует данные (текст, звуки, фотографии и фильмы) в штрих-код и двоичные паттерны нулей и единиц.

Тацуо Миядзима и светодиодные счетчики

Современный японский скульптор и художник-монтажник Тацуо Миядзима использует в своем искусстве электрические схемы, видео, компьютеры и другие гаджеты. Основные концепции Миядзимы вдохновлены гуманистическими идеями и буддистскими учениями. Светодиодные счетчики в его установках непрерывно мигают в повторении от 1 до 9, символизируя путешествие от жизни к смерти, но избегая окончательности, которая представлена 0 (ноль никогда не появляется в работах Тацуо). Вездесущие цифры в сетках, башнях, схемах выражают интерес Миядзимы к идеям непрерывности, вечности, связи и потока времени и пространства. Не так давно объект Миядзимы «Стрела времени» был продемонстрирован на инаугурационной выставке «Незавершенные мысли, видимые в Нью-Йорке».

Нара Ёсимото и злые дети

Нара Ёсимото создает картины, скульптуры и рисунки, изображающие детей и собак – субъектов, в которых отражены ребячье чувство скуки и разочарования и яростная независимость, естественная для малышей. Эстетика работ Ёсимото напоминает традиционные книжные иллюстрации, это смесь беспокойной напряженности и любви художника к панк-року. В 2011-м году в Музее общества Азии в Нью-Йорке состоялась первая персональная выставка Ёсимото под названием «Yoshitomo Nara: Nobody"s Fool», охватывающая 20-летнюю карьеру современного японского художника. Экспонаты были тесно связаны с мировыми молодежными субкультурами, их отчужденностью и протестом.

Яёй Кусама и пространство, разрастающееся диковинными формами

Поразительная творческая биография Яёй Кусамы длится семь десятилетий. За это время удивительная японка успела изучить сферы живописи, графики, коллажа, скульптуры, кино, гравюры, экологического искусства, инсталляции, а также литературы, моды и дизайна одежды. Кусама разработала весьма своеобразный стиль точечного искусства, которых стал ее торговой маркой. Иллюзорные видения, представленные в работах 88-летней Кусамы (когда мир кажется покрытым разрастающимися диковинными формами), – это результат галлюцинаций, которые она испытывала с детства. Комнаты с красочными точками и «бесконечными» зеркалами, отражающими их скопления, узнаваемы, их не перепутаешь ни с чем иным.