Что такое живопись определение для детей. Стили и направления в изобразительном искусстве

Живопись - наиболее распространенный вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо поверхность.

В художественных произведениях, создаваемых живописцами, используются рисунок, цвет, светотени, выразительность мазков, фактура и композиции. Это позволяет воспроизводить на плоскости красочное богатство мира, объемность предметов, их качественное материальное своеобразие, пространственную глубину и световоздушную среду.

Живопись, как всякое искусство, является формой общественного сознания, представляет собой художественно-образное отражение мира. Но, отражая мир, художник одновременно воплощает в произведениях свои мысли и чувства, стремления, эстетические идеалы, дает оценку явлениям жизни, по-своему объясняя их сущность и смысл, выражает свое понимание мира.

Мир живописи богат и сложен, его сокровища накапливались человечеством на протяжении многих тысячелетий. Самые древние произведения живописи обнаружены учеными на стенах пещер, в которых обитали первобытные люди. С поразительной меткостью и остротой изображали первые художники сценки охоты и повадки животных. Так возникло искусство изображения красками на стене, имевшее черты, свойственные монументальной живописи.

Монументальная живопись Различают две главные разновидности монументальной живописи фреску (от итальянского fresco - свежий) и мозаику (от итальянского mosaique, буквально - посвященная музам).

Фреска - это техника живописи красками, разведенными чистой или известковой водой, по свежей сырой штукатурке.

Мозаика – изображение, выполненное из однородных или различных по материалу частиц камня, смальты, керамической плитки, которые закрепляются в слое грунта - извести или цементе.

Фреска и мозаика - основные виды монументального искусства, которые благодаря своей долговечности и стойкости цвета употребляются для украшения архитектурных объемов и плоскостей (стенная роспись, плафоны, панно). Среди русских монументалистов хорошо известны имена А.А. Дейнеки, П.Д. Корина, А.В. Васнецова, Б.А. Тальберга, Д.М. Мерперта, Б.П. Милюкова и др.

Станковая живопись (картина) имеет самостоятельный характер и значение. Широта и полнота охвата реальной жизни сказывается в разнообразии присущих станковой живописи видов и жанров: натюрморт, бытовой, исторический, батальный жанры, пейзаж, портрет.

В отличие от монументальной станковая живопись не связана с плоскостью стены и может свободно экспонироваться. Идейно-художественное значение произведений станкового искусства не изменяется в. зависимости от места, где они находятся, хотя их художественное звучание зависит от условий экспонирования.

Помимо названных видов живописи существуют декорационная - эскизы театральных и кинодекораций и костюмов,- а также миниатюры и иконопись .

Памятником высокого мастерства древнерусской живописи XV в. по праву считается созданный Андреем Рублевым шедевр - икона «Троица», хранящаяся во Всероссийском музейном объединении «Государственная Третьяковская галерея» (ил. 6). Здесь в совершенной, высшей для своего времени форме выражен нравственный идеал гармонии духа с миром и жизнью. Икона наполнена глубоким поэтическим и философским содержанием. Изображение трех ангелов вписано в круг, подчиняющий себе все линии контуров, согласованность которых производит почти музыкальный эффект. Просветленные, чистые тона, особенно васильково-голубой («голубец») и прозрачно-зеленый, сливаются в тонко согласованную гамму. Эти цвета контрастны темно-вишневому одеянию среднего ангела, подчеркивая ведущую роль его фигуры в общей композиции.

Красота русской иконописи, имена Феофана Грека, Андрея Рублева, Дионисия, Прохора с Городца, Даниила Черного открылись миру лишь после того, как в XX в. научились расчищать древние иконы от позднейших записей.

К сожалению, бытует упрощенное понимание искусства, когда в произведениях ищут обязательной понятности сюжета, узнаваемости того, что живописец изобразил, с позиций «похоже» или «непохоже». При этом забывают: не во всех видах искусства можно найти прямое сходство того, что изображено на холсте, с картиной знакомой конкретной жизни. При таком подходе трудно оценить достоинства живописи Андрея Рублева. Не говоря уже о таких «неизобразительных» видах творчества, как музыка, архитектура, прикладное и декоративное искусство.

Живопись, как и все другие виды искусства, имеет особый художественный язык, посредством которого художник передает свои идеи и чувства, отражающие действительность. В живописи "очное изображение действительности реализуется через художественный образ, линию и цвет. Несмотря на все свое техническое совершенство, живопись еще не является художественным произведением, если не вызывает сопереживания, эмоций зрителя.

При абсолютно точном исполнении художник лишен возможности проявить свое отношение к изображаемому, если он ставит себе целью передать лишь сходство!

У известных мастеров изображение никогда полностью и точно не передает действительности, а лишь отображает ее с определенной точки зрения. Художник выявляет преимущественно то, что он сознательно или интуитивно считает особенно важным, главным в данном случае. Результатом такого активного отношения к действительности будет не просто точное изображение, а художественный образ действительности , в котором автор, обобщая отдельные детали, подчеркивает самое главное, характерное. Таким образом, в произведении проявляются миропонимание и эстетическая позиция художника.

Натюрморт - одно из самостоятельных жанров живописи. Своеобразие жанра заключается в его больших изобразительных возможностях. Через материальную сущность конкретных предметов истинный художник может в образной форме отразить существенные стороны жизни, вкусы и нравы, социальное положение людей, важные исторические события, а иногда и целую эпоху. Через целенаправленный отбор объектов изображения и их трактовку он выражает свое отношение к действительности, раскрывает свои мысли и чувства.

Для сравнения возьмем натюрморт, принадлежащий кисти выдающегося советского живописца М.С. Сарьяна (1880-1972), «Ереванские цветы» (ил. 7). Свое отношение к цветам мастер выразил в словах, ставших эпиграфом к монографии его творческих работ: «Что может быть красивее цветов, украшающих жизнь человека? ...Увидев цветы, сразу же заражаешься радостным настроением... Чистоту красок, прозрачность и глубину, которые мы видим в цветах, можно видеть только в оперении птиц и плодах»1.

"За кажущейся легкостью и непосредственностью письма стоит большая живописная культура и огромный опыт высокоталантливого художника. Его умение, как бы на одном дыхании написать большую (96x 103 см) картину, сознательно игнорируя детали, типичные для творческой манеры живописца, стремящегося пере-дать главное - безграничное богатство красок природы родной Армении.

Бытовой жанр , или просто «жанр» (от французского слова genre - род, вид) - наиболее распространенный вид станковой картины, в которой художник обращается к изображению жизни в ее повседневных проявлениях.

В русском изобразительном искусстве бытовой жанр занял ведущие позиции в XIX в., когда свой вклад в его развитие внесли 154 выдающиеся представители демократического направления в живописи: В.К. Перов (1833- 1882), К.А. Савицкий (1844- 1905), Н.А. Ярошенко (1846 -1896), В.Е. Маковский (1846- 1920), И.Е. Репин (1844-1930).

Несомненной творческой удачей А.А. Пластова (1893- 1972) считается картина «Весна», в которой художник выразил целомудренное и тонкое чувство преклонения перед материнством. Великолепно смотрится на фоне легкого весеннего снега фигура матери, повязывающей платок на голове ребенка. Много жанровых картин художник посвятил простым жизненным ситуациям односельчан.

Исторический жанр сформировался в русском искусстве во второй половине XIX в. Он по¬мог передовым русским художникам с пристальным вниманием отнестись к прошлому Родины, к острым проблемам тогдашней действительности. Своих вершин русская историческая живопись достигла в 80-90-е годы прошлого столетия в творчестве И.Е. Репина, В.И. Сурикова, В.М. Васнецова, К.П. Брюллова. Известный русский художник П.Д. Корин (1892-1967) создал триптих (композицию из трех отдельных полотен, связанных общей темой) «Александр Невский». Работа создана в суровое время Великой Отечественной войны (1942-1943). В тяжелые годы войны художник обратился к образу великого воителя Древней Руси, показав его нерасторжимую связь с народом, с самой русской землей. Триптих Корина стал одним из самых ярких документов героического периода нашей истории, выразивших веру художника в мужество и стойкость народа, подвергшегося суровым испытаниям.

Батальный жанр (от французского bataille -битва) рассматривается как разновидность исторического жанра. К выдающимся произведениям этого жанра можно отнести картины А.А. Дейнеки «Оборона Петрограда» (1928), «Оборона Севастополя» (1942) и «Сбитый ас» (1943).

Пейзаж часто используется как важное дополнение к бытовым историческим и батальным картинам, но может выступать и как самостоятельный жанр. Произведения пейзажной живописи нам близки и понятны, хотя человек на полотне нередко отсутствует.

Образы природы волнуют всех людей, рождая у них сходные настроения, переживания и раздумья. Кому из нас не близки пейзажи русских живописцев: «Грачи прилетели» А.К. Саврасова , «Оттепель» ФА. Васильева, «Рожь» И.И. Шишкина, «Ночь на Днепре» А.И. Куинджи, «Московский дворик» ВД. Поленова и «Над вечным покоем» И.И. Левитана . Мы невольно начинаем смотреть на мир глазами художников, раскрывших поэтическую красоту природы.

Художники-пейзажисты видели и передавали природу каждый по-своему. Свои излюбленные мотивы были у И.К. Айвазовского (1817-1900), изображавшего различное состояние моря, корабли и людей, борющихся со стихией. Его полотнам присущи тонкая градация светотени, эффекта освещения, эмоциональная приподнятость, тяготение к героике и пафосу.

Замечательны работы в этом жанре советских пейзажистов: СВ. Герасимова (1885-1964) , автора таких полотен, как «Зима» (1939) и «Лед прошел» (1945),

Н.П. Крымова (1884-1958), создателя полотен «Осень» (1918), «Серый день» (1923), «Полдень» (1930), «Перед сумерками» (1935) и др., акварели А.П. Остроумовой-Лебедевой (1871-1955)-«Павловск» (1921), «Петроград. Марсово поле» (1922), картины A.M. Грицая (род. 1917 г.) «Летний сад» (1955), «Полдень» (1964), «Май. Весеннее тепло» (1970) и др.

Портрет (от франц. portraire - изображать) - образ, изображение какого-либо человека или группы людей, существующих или существовавших в действительности.

Одним из важнейших критериев портретной живописи является сходство изображения с моделью (оригиналом). Возможны различные решения композиции в портрете (погрудныи, поясной, в рост фигуры, групповой). Но при всем разнообразии творческих решений и манер главное качество портретной живописи - не только передача внешнего сходства, но и раскрытие духовной сущности портретируемого, его профессии, социального положения.

В русском искусстве портретная живопись начала свою блестящую историю с начала XVIII столетия. Ф.С. Рокотов (1735-1808), Д.Г. Левицкий (1735-1822), В.А. Боровиковский (1757-1825) к концу XVIII в. достигли уровня высших достижений мирового искусства.

В начале XIX в. русские художники В.А. Тропинин (1776-1857) и О.А. Кипренский (1782-1836) создали широко известные портреты А.С. Пушкина.

Продолжили традиции русского живописного портрета художники-передвижники: В.Г. Перов (1833/34-1882), Н.Н. Ге (1831 - 1894), И.Н. Крамской (1837-1887), И.Е. Репин (1844-1930) и др.

Блестящим примером решения композиций портретов видных деятелей науки и искусства служит серия полотен, созданных художником М.В. Нестеровым (1877-1942) . Мастер как бы застал своих героев в самый напряженный момент работы их творческой, сконцентрированной мысли, духовного поиска (ил. 13). Так решены портреты известных советских скульпторов И.Д. Шадра (1934) и В.И. Мухиной (1940), академика И.П. Павлова (1935) и видного хирурга С.С. Юдина (1935) .

Живопись отличается разнообразием жанров и видов. Каждый жанр ограничен своим кругом сюжетов: изображением человека (портрет), окружающего мира (пейзаж) и т.д.
Разновидности (виды) живописи отличаются своим предназначением.

В связи с этим различают несколько видов живописи, о которых мы сегодня и поговорим.

Станковая живопись

Самый популярный и известный вид живописи – станковая живопись. Так она называется по той причине, что выполняется на станке – мольберте. В качестве основы используется дерево, картон, бумага, но чаще всего холст, натянутый на подрамник. Станковая картина является самостоятельным произведением, выполненным в определённом жанре. Она обладает богатством цвета.

Масляные краски

Чаще всего станковая живопись исполнена масляными красками. Масляными красками можно работать на холсте, дереве, картоне, бумаге, металле.

Масляные краски
Ма́сляные кра́ски – суспензии неорганических пигментов и наполнителей в высыхающих растительных маслах или олифах либо на основе алкидных смол, иногда с добавкой вспомогательных веществ. Применяются в живописи или для окраски деревянных, металлических и других поверхностей.

В. Перов «Портрет Достоевского» (1872). Холст, масло
Но живописную картину можно создать и при помощи темперы, гуаши, пастели, акварели.

Акварель

Акварельные краски

Акваре́ль (фр. Aquarelle – водянистая; итал. acquarello) – живописная техника, использующая специальные акварельные краски. При растворении в воде они образуют прозрачную взвесь тонкого пигмента, за счёт этого создаётся эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов.

Дж. Тёрнер «Фирвальдштетское озеро» (1802). Акварель. Тейт Британ (Лондон)

Гуашь

Гуа́шь (фр. Gouache, итал. guazzo водная краска, плеск) – вид клеевых водорастворимых красок, более плотный и матовый, чем акварель.

Гуашевые краски
Гуашевые краски изготавливаются из пигментов и клея с добавлением белил. Примесь белил придает гуаши матовую бархатистость, но при высыхании цвета несколько выбеливаются (высветляются), что должен учитывать художник в процессе рисования. С помощью гуашевых красок можно перекрывать темные тона светлыми.

Винсент Ван Гог «Коридор в Асулуме» (чёрный мел и гуашь по розовой бумаге)

Пастель [э]

Пасте́ль (от лат. pasta – тесто) – художественные материалы, применяемые в графике и живописи. Чаще всего выпускается в виде мелков или карандашей без оправы, имеющих форму брусков с круглым или квадратным сечением. Пастель бывает трёх типов: «сухая», масляная и восковая.

И. Левитан «Долина реки» (пастель)

Темпера

Те́мпера (итал. tempera, от латинского temperare – смешивать краски) – водоразбавляемые краски, приготовляемые на основе сухих порошковых пигментов. Связующим веществом темперных красок служит разбавленный водой желток куриного яйца или цельное яйцо.
Темперные краски – одни из древнейших. До изобретения и распространения масляных красок вплоть до XV-XVII вв. темперные краски были основным материалом станковой живописи. Их используют уже более 3 тысяч лет. Знаменитые росписи саркофагов древнеегипетских фараонов выполнены темперными красками. Темперной в основном была станковая живопись византийских мастеров. В России техника темперного письма была преобладающей вплоть до конца XVII в.

Р. Стрельцов «Ромашки и фиалки» (темпера)

Энкаустика

Энка́устика (от др.-греч. ἐγκαυστική – искусство выжигания) – техника живописи, в которой связующим веществом красок является воск. Живопись выполняется красками в расплавленном виде. В этой технике написаны многие раннехристианские иконы. Возникла в Древней Греции.

«Ангел». Техника энкаустика

Обращаем Ваше внимание на то, что можно встретить и другую классификацию, согласно которой акварель, гуашь и другие техники, использующие бумагу и краски на водной основе, относят к графике. Они совмещают особенности живописи (богатство тона, построение формы и пространства цветом) и графики (активная роль бумаги в построении изображения, отсутствие специфической рельефности мазка, характерного для живописной поверхности).

Монументальная живопись

Монумента́льная жи́вопись – живопись на архитектурных сооружениях или других основаниях. Это древнейший вид живописи, известен с палеолита. Благодаря стационарности и долговечности многочисленные ее образцы остались практически от всех культур, создавших развитую архитектуру. Основные техники монументальной живописи – фреска, а секко, мозаика, витраж.

Фреска

Фре́ска (от итал. fresco – свежий) – живопись по сырой штукатурке водяными красками, одна из техник стенных росписей. При высыхании содержащаяся в штукатурке известь образует тонкую прозрачную кальциевую плёнку, делающую фреску долговечной.
Фреска имеет приятную матовую поверхность и долговечна в условиях закрытого помещения.

Монастырь Гелати (Грузия). Церковь Пресвятой Богородицы. Фреска на верхней и южной стороне Триумфальной арки

А секко

А се́кко (от итал. a secco – по сухому) – настенная живопись, выполняемая, в отличие от фрески, по твёрдой, высохшей штукатурке, вторично увлажнённой. Используются краски, растёртые на растительном клее, яйце или смешанные с известью. Секко позволяет расписывать за рабочий день бо́льшую площадь поверхности, чем при фресковой живописи, но является не столь долговечной техникой.
Техника а секко сложилась в средневековой живописи наряду с фреской и была особенно распространена в Европе в XVII-XVIII вв.

Леонардо да Винчи «Тайная вечеря (1498). Техника а секко

Мозаика

Моза́ика (фр. mosaïque, итал. mosaico от лат. (opus) musivum – (произведение), посвящённое музам) - декоративно-прикладное и монументальное искусство разных жанров. Изображения в мозаике формируется компоновкой, набором и закреплением на поверхности разноцветных камней, смальты, керамических плиток и других материалов.

Мозаичное панно «Кот»

Витраж

Витраж (фр. vitre – оконное стекло, от лат. vitrum – стекло) – произведение из цветного стекла. С давних пор витраж использовался в храмах. В эпоху Возрождения витраж существовал как живопись на стекле.

Витраж ДК «Межсоюзный» (Мурманск)
К разновидностям живописи относятся также диорама и панорама.

Диорама

Здание диорамы «Штурм Сапун-горы 7 мая 1944 года» в Севастополе
Диорама – лентообразная, изогнутая полукругом живописная картина с передним предметным планом. Создаётся иллюзия присутствия зрителя в природном пространстве, что достигается синтезом художественных и технических средств.
Диорамы рассчитаны на искусственное освещение и располагаются в основном в специальных павильонах. Большинство диорам посвящено историческим сражениям.
Наиболее известные диорамы: «Штурм Сапун-горы» (Севастополь), «Оборона Севастополя» (Севастополь), «Бои за Ржев» (Ржев), «Прорыв блокады Ленинграда» (Петербург), «Штурм Берлина» (Москва) и др.

Панорама

В живописи панорамой называют картину с круговым обзором, на которой плоский живописный фон совмещается с объёмным предметным первым планом. Панорама создает иллюзию реального пространства, окружающего зрителя в полном круге горизонта. Панорамы применяют главным образом для изображения событий, охватывающих значительную территорию и большое число участников.

Музей-панорама «Бородинская битва» (здание музея)
В России самыми известными панорамами являются Музей-панорама «Бородинская битва», «Волочаевская битва», «Разгром немецко-фашистских войск под Сталинградом» в музей-панораме «Сталинградская битва», «Оборона Севастополя», панорама Транссибирской железной дороги.

Франц Рубо. Полотно панорамы «Бородинская битва»

Театрально-декорационная живопись

Декорации, костюмы, грим, бутафория помогают глубже раскрыть содержание спектакля (кинофильма). Декорация дает представление о месте и времени действия, активизирует у зрителя восприятие того, что происходит на сцене. Театральный художник стремится в эскизах костюмов и грима остро выразить индивидуальный характер персонажей, их социальное положение, стиль эпохи и многое другое.
В России расцвет театрально-декарационного искусства приходится на рубеж XIX-ХХ вв. В это время в театре начали работать выдающиеся художники М.А. Врубель, В.М. Васнецов, А.Я. Головин, Л.С. Бакст, Н.К. Рерих.

М. Врубель «Город Леденец». Эскиз декорации к опере Н.А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» для Русской частной оперы в Москве. (1900)

Миниатюра

Миниатюра – живописное произведение малых форм. Особенно была популярной портретная миниатюра – портрет небольшого формата (от 1,5 до 20 см), отличающийся особой тонкостью письма, своеобразной техникой исполнения и использованием средств, присущих только этой изобразительной форме.
Виды и форматы миниатюр очень разнообразны: их писали на пергаменте, бумаге, картоне, слоновой кости, на металле и фарфоре, используя акварель, гуашь, специальные художественные эмали или масляные краски. Автор может вписать изображение, в соответствии со своим решением или по желанию заказчика, в круг, овал, ромб, восьмиугольник и т. д. Классической портретной миниатюрой считается миниатюра, выполненная на тонкой пластинке из слоновой кости.

Император Николай I. Фрагмент миниатюры работы Г. Морселли
Существует несколько техник миниатюр.

Лаковая миниатюра (Федоскино)

Миниатюра с портретом княгини Зинаиды Николаевны (драгоценности Юсуповых)

Готика (от итал. gotico - непривычный, варварский) - период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Шедеврами готического стиля стали знаменитые европейские соборы, которые так любят фотографировать в мельчайших деталях туристы. В оформлении интерьеров готических соборов важная роль отводилась цветовым решениям. В наружном и внутреннем убранстве царило обилие позолоты, светоносность интерьера, ажурность стен, кристаллическая расчлененность пространства. Материя была лишена тяжеловесности и непроницаемости, она была, как бы одухотворена.

Огромные поверхности окон заполняли витражи с композициями, воспроизводившими исторические события, апокрифические сказания, литературные и религиозные сюжеты, изображения бытовых сцен из жизни простых крестьян и ремесленников, которые явили собой уникальную энциклопедию уклада жизни в период средневековья. Кона сверху донизу заполнялись фигурными композициями, которые были заключены в медальоны. Сочетание светового и цветового начала живописи в технике витража придавало повышенную эмоциональность художественным композициям. Использовались самые разные стекла: густо-алые, огненные, красные, цвета граната, зеленые, желтые, темно-синие, голубые, ультрамариновые, вырезанные по контуру рисунка… Окна грели подобно драгоценным самоцветам, пронизанные наружным светом, - они преображали весь интерьер храма и настраивали его посетителей на возвышенный лад.

Благодаря готическому цветовому стеклу зародились новые эстетические ценности, а краски приобрели высочайшую звучность сияющего цвета. Чистый цвет порождал атмосферу воздушной среды, крашенной в различные тона благодаря игре света на колоннах, полу, витражах. Цвет превратился в источник света, углублявший перспективу. Толстые стекла, зачастую неодинаковые, были наполнены не совсем прозрачными пузырьками, усиливавшими художественный эффект от витража. Свет, проходя через неравномерную толщу стекол, дробился и начинал играть.

Лучшие образцы подлинных готических витражей открыты обозрению в соборах Шартра, Буржа и Парижа (например, «Богоматерь с младенцем»). Наполнена не меньшим великолепием, а также «Огненные колеса» и «Мечущие молнии» в соборе Шартра.

С середины 1-ого столетия в красочную гамму начали вводить сложные цвета, получаемые при помощи дублирования стекол. Такие необыкновенные витражи в готическом стиле сохранились в Сент-Шапель (1250г.). коричневой эмалевой краской наносились контуры по стеклу, а формы при этом обладали плоскостным характером.

Готическая эпоха стала временем расцвета искусства миниатюрной книги, а также художественной миниатюры. Усилению светских тенденций в культуре только усилило их развитие. Иллюстрации с многофигурными композициями на религиозную тематику включали различные реалистические детали: изображения птиц, зверей, бабочек, орнаменты растительных мотивов, бытовых сценок. Особым поэтическим очарованием наполнены работы французского миниатюриста Жана Пюсселя.

В развитии французской готической миниатюры 13-14-го столетий ведущее место было занято парижской школой. Псалтырь святого Людовика изобилует многофигурными композициями, обрамленными одним мотивом готической архитектуры, отчего повествование приобретает необычайную стройность (Лувр, Париж, 1270г.). фигуры дам и рыцарей грациозны, их формы отличаются струящимися линиями, что создает иллюзию движения. Сочность и густота красок, а также декоративная архитектура рисунка превращают данные миниатюры в уникальные произведения искусства и драгоценные украшения страниц.

Стиль готической книги отличают заостренные формы, угловатый ритм, беспокойность, филигранность ажурного узора и топкость извилистых линий. Стоит отметить, что в 14-15-ом столетии светские рукописи также иллюстрировались. Часословы, научные трактаты, сборники любовных песен и хроники наполнены великолепными миниатюрами. В миниатюре, иллюстрировавшей произведения куртуазной литературы, воплотился идеал рыцарской любви, а также сцены из обычной окружающей жизни. Подобное творение – рукопись Манес (1320г.).

Со временем в готике усилилась повествовательность. «Большие французские хроники» кона 14-го столетия наглядно демонстрирую стремление художника проникнуть в смысл изображаемого им события. Наряду с этим книгам придавалась декоративная нарядность путем использования изысканных виньеток и рамок причудливых форм.

Готическая миниатюра оказала большое влияние на живопись и внесла живую струю в искусство Средневековья. Готика стала не просто стилем, а важным звеном в общем культурном развитии общества. Мастера стиля с невероятной точностью смогли воспроизвести образ своего современника в предметной и природной среде. Величавые и одухотворенные готические произведения окружены аурой неповторимого эстетического обаяния. Готика породила новое понимание синтеза искусств, а ее реалистические завоевания подготовили почву для перехода к искусству эпохи Возрождения.

Абрис - линейные очертания изображаемой фигуры, ее контур.

Абстрактное искусство - одно из формалистических направлений в изобразительном искусстве, возникшее в конце XIX - начале XX вв. Абстракционисты отказались от изображения предметов и явлений объективного мира (отсюда другое название абстракционизма - беспредметное искусство). Их творчество - это попытка выразить свои чувства и мысли посредством цветовых сочетаний пятен или линий самих по себе, без изображения реальных предметов и объектов. Абстракционисты отказались от рисунка, перспективы, колорита и всех других средств изобразительного языка искусства живописи. Этим они нарушили профессиональные основы живописи, уничтожили ее подлинные художественные возможности. Абстракционизм уродует эстетические вкусы людей, уводит их от понимания красоты природы и жизни.

Адаптация - свойство глаза приспособляться к определенным условиям освещения. Различают адаптации к свету, темноте, а также к цвету. Особенность последней заключается в приспособляемости глаза не замечать на предметах цвет освещения.

В условиях сумерек и вообще при слабом освещении в глазу наиболее чувствительны к свету нервные окончания (фоторецепторы) , называемые палочками. С их помощью глаз воспринимает черно-белые градации. При сильном освещении в дневное время более чувствительны другие фоторецепторы - колбочки, с помощью которых воспринимается цвет. При адаптации к свету чувствительность зрения снижается, а при адаптации к темноте повышается. Когда глаз адаптируется к темноте, мы начинаем хорошо различать детали пейзажа. Ввиду повышения чувствительности глаза к темноте в пасмурный день и в сумерки начинающий художник теряет из виду представление об уровне общей освещенности, которая в данных условиях значительно слабее, чем в солнечный или светлый серый день. В сумерки светлые предметы ему не кажутся пониженными по светлоте настолько, насколько освещенность стала ниже предыдущей дневной освещенности. Плохо замечает он также более сближенные тоновые отношения, характерные для сумерек и серого дня. Кроме этого, несмотря на потемнение, начинающий художник различает в натуре (или тени) весьма тонкие градации светотени на предметах и допускает излишнюю пестроту и дробность. Таким образом он поначалу не в состоянии точно оценить и передать те действительные изменения светлоты и цвета, которые происходят в природе.

Адаптация основывается на различных изменениях происходящих в нашем глазу при перемене силы освещенности. Так, например, днем зрачок уменьшается на 1-2 мм, ввиду чего в глаз проходит мало света. В темноте он расширяется на 8-10 мм, пропуская много света. Зная, что площадь зрачка пропорциональна квадрату диаметра, можно установить, что если зрачок увеличивается в два раза, то количество пропускаемого им света возрастает в четыре раза; если зрачок увеличивается в четыре раза, количество пропускаемого им света возрастает в 16 раз. В этом отчасти заключается причина того, что мы различаем в сумерки основные светлотные отношения. Зрачковый рефлекс на свет и темноту, таким образом, компенсирует в какой-то степени понижение освещенности.

Академизм - оценочный термин, относимый к тем направлениям в искусстве, представители которых целиком ориентируются на установленные художественные авторитеты, полагают прогресс современного искусства не в живой связи с жизнью, а в наибольшем приближении его к идеалам и формам искусства прошлых эпох, и отстаивают абсолютные, не зависящие от места и времени, нормы прекрасного. Исторически академизм связан с деятельностью академий, воспитывавших молодых художников в духе нерассуждающего следования образцам искусства античности и итальянского Возрождения. Зародившись впервые в Болонской академии XVI века, эта тенденция получила широкое развитие в академиях последующего времени; она была свойственна и русской Академии художеств в XIX в., что и вызвало борьбу с академией передовых художников-реалистов. Канонизируя классицистические методы и сюжеты, академизм отгораживал искусство от современности, объявляя ее «низкой», «низменной», недостойной «высокого» искусства.

Понятие академизма нельзя отождествлять со всей деятельностью художественных академий прошлого. В системе академического образования было много достоинств. В частности, основанная на длительной традиции, высокая культура рисунка, которая являлась одной из самых сильных сторон академического образования.

Акварельные краски - водно-клеевые из тонко растертых пигментов, смешанных с камедью, декстрином, глицерином, иногда с медом или сахарным сиропом; выпускаются сухие - в виде плиток, полусырые - в фарфоровых чашечках или полужидкие - в тюбиках.

Акварелью можно писать по сухой или сырой бумаге сразу, в полную силу цвета и можно работать лессировками, постепенно уточняя цветовые отношения натуры. Необходимо знать, что акварель не выносит исправлений, замученности, многочисленных повторных прописок смешанными красками.

Нередко живописцы используют технику акварели в сочетании с другими материалами: гуашью, темперой, углем. Однако в этом случае теряются главные качества акварельной живописи - насыщенность, прозрачность, чистота и свежесть, то есть именно то, что отличает акварель от любой другой техники.

Акцент - прием подчеркивания линией, тоном или цветом какого-либо выразительного предмета, детали изображения, на которые необходимо направить внимание зрителя.

Алла прима -- технический прием в акварельной или масляной, живописи, состоящий в том, что этюд или картина пишутся без предварительных прописок и подмалевка, иногда за один прием, в один сеанс.

Анималист - художник, в основном посвятивший свое творчество изображению животных.

Ахроматические цвета - белый, серый, черный; различаются только по светлоте и лишены цветового тона. В противоположность им существуют хроматические цвета, обладающие цветовым оттенком разной светлоты и насыщенности.

Блик - элемент светотени, наиболее светлое место на освещенной (главным образом блестящей) поверхности предмета. С переменой точки зрения блик меняет свое местоположение на форме предмета.

Валёр - термин художественной практики, определяющий качественную сторону отдельного, преимущественно светотеневого тона, в его взаимосвязи с окружающими тонами. В реалистической живописи материальные свойства предметного мира передаются, в основном, через объективно закономерные тоновые отношения. Но, чтобы живо, целостно воспроизвести материальность, пластику, цветность предмета при определенном состоянии освещенности и в определенной обстановке, художник должен добиться очень большой точности и выразительности в соотношениях тонов; богатство, тонкость соотношений переходов, ведущих к выразительности живописи, и являются основным признаком валёра. У крупнейших мастеров XVII-XIX вв. - таких, как Ве-ласкес, Рембрандт, Шарден, Репин - живопись всегда богата валёрами.

Видение живописное - видение и понимание цветовых отношений натуры с учетом влияния среды и общего состояния освещенности, которое характерно для натуры в момент ее изображения. В результате такого видения в этюде появляются правдивость световых и цветовых отношений, богатство тепло-холодных оттенков, их цветовое единство и гармония, передающие натуру со всей трепетностью жизни. В этом случае говорят о живописности этюда или картины.

Видение художественное - умение дать необходимую эстетическую оценку качеств, заложенных в натуре. Перед изображением натуры художник в основных чертах уже видит ее образное живописное решение с учетом определенного материала.

Витраж - живопись на стекле прозрачными красками или орнамент, составленный из кусочков разноцветного стекла, скрепленного металлическим переплетом, служит для заполнения оконных и дверных проемов. Лучи света, проникающие сквозь стекла, приобретают повышенную яркость и образуют игру цветных рефлексов в интерьере.

Воздушная перспектива - кажущиеся изменения некоторых признаков предметов под воздействием воздушной среды и пространства. Все ближние предметы воспринимаются четко, со многими деталями и фактурой, а удаленные - обобщенно, без подробностей. Контуры ближних предметов выглядят резко, а удаленных - мягко. На большом расстоянии светлые предметы кажутся темнее, а темные - светлее. Все близкие предметы обладают контрастной светотенью и кажутся объемными, все дальние - слабо выраженной светотенью и кажутся плоскими. Цвета всех удаленных предметов из-за воздушной дымки становятся менее насыщенными и приобретают цвет этой дымки - голубой, молочно-бледный или фиолетовый. Все ближние предметы кажутся многоцветными, а удаленные - одноцветными. Художник учитывает все эти изменения для передачи пространства и состояния освещенности - важных качеств пленэрной живописи.

Восприятие зрительное - процесс отражения предметов и явлений действительности во всем многообразии их свойств, непосредственно влияющих на органы зрения. Наряду со зрительными ощущениями в восприятии участвует и прошлый опыт знаний и представлений о том или ином предмете. Осмыслить, понять сущность воспринимаемого можно только при условии сопоставления наблюдаемых предметов и явлений с ранее виденными (аконстантное и константное зрительное восприятие). К этому следует добавить, что зрительное восприятие сопровождается ассоциативными чувствами, ощущением красоты, которые связаны с личным опытом чувственных переживаний от воздействия окружающего.

Гамма цветовая - цвета, преобладающие в данном произведении и определяющие характер его цветового строя. Говорят: гамма холодных, теплых, бледных оттенков цвета и т. д.

Гармония - связь, соразмерность, согласованность. В изобразительном искусстве - сочетание форм, взаимосвязь частей или цветов. В живописи - это соответствие деталей целому не только по размерам, но и по цвету (цветовое единство, гамма родственных оттенков). Источником гармонии являются закономерности цветовых изменений объектов природы под влиянием силы и спектрального состава освещения. Гармония цветового строя этюда или картины зависит также от особенностей физиологии и психологии зрительного восприятия световых и цветовых качеств объективного мира (контрастное взаимодействие цветов, явление ореола и др.).

Гравюра - печатное воспроизведение рисунка, вырезанного или вытравленного на деревянной доске (ксилография), линолеуме (линогравюра), металлической пластинке (офорт), камне (литография) и т. д. Особенностью гравюры является возможность ее тиражирования: с одной доски, выгравированной художником, можно напечатать большое количество разноцветных оттисков (эстампов). По характеру обработки печатной формы (доски или пластинки) и способу печати различают выпуклую и углубленную гравюру.

Графика - один из видов изобразительного искусства, близкий живописи со стороны содержания и формы, но имеющий свои задачи и художественные возможности. В отличие от живописи основным изобразительным средством графики является однотонный рисунок (т. е. линия, светотень); роль цвета остается в ней сравнительно ограниченной. Со стороны технических средств графика включает в себя рисунок в собственном смысле слова во всех его разновидностях. Как правило, произведения графики исполняют на бумаге, изредка применяются и другие материалы.

В зависимости от назначения и содержания, графика подразделяется на станковую, к которой относятся произведения самостоятельного значения (не требующие для раскрытия своего содержания непременной связи с литературным текстом и не ограниченные суженным, строго определенным практическим назначением), книжную, образующую идейно-художественное единство с литературным или сопроводительным текстом и одновременно предназначенную для декоративно-художественного оформления книги, плакатную, представляющую собой самый массовый вид изобразительного искусства, призванный осуществлять художественными средствами задачи политические, агитационные, художественно-производственные или прикладные (этикетки, грамоты, почтовые марки и пр.).

Гризайль - изображение черно-белой краской (или одноцветной, например, коричневой); применяется часто для вспомогательных работ при выполнении подмалевка или эскиза, а также в учебных целях при овладении приемами тонального изображения, выполняемого акварельными или масляными красками. Изображение создается на основе лишь тональных (светлот-ных) отношений предметов натурной постановки.

Грунт - тонкий слой специального состава (клеевой, масляный, эмульсионный), наносимый поверх холста или картона с целью придания их поверхности нужных цветовых и фактурных свойств и ограничения чрезмерного впитывания связующего вещества (масла). Если работать масляными красками на негрун-тованной основе (например, холсте), краски не ложатся, жухнут, масло из краски впитывается в ткань, разрушает холст и красочный слой. По составу связующего вещества различают грунты: масляные, клеевые, эмульсионные, синтетические. По цвету - тонированные и цветные. Грунт, как правило, состоит из 3 элементов: тонкого слоя клея, покрывающего пленкой всю поверхность холста (то есть проклейки), и нескольких слоев грунтовочной краски, в том числе тонкого завершающего слоя. Проклейка - тонкий слой клея (столярного, казеинового или желатинового) - предохраняет холст от проникновения грунтовочной краски или масла в ткань или на оборотную сторону холста, прочно связывает последующие слои грунта с холстом. Грунтовочная краска выравнивает поверхность холста, создает необходимый (чаще белый) цвет и обеспечивает прочное соединение красочного слоя с грунтом.

Грунтовка - в технологии живописи: процесс нанесения грунта на поверхность, предназначенную для живописной работы.

Гуашь - водная краска, обладающая большими кроющими возможностями. Краски после высыхания быстро светлеют, и нужен немалый опыт, чтобы предвидеть степень изменения их тона и цвета. Гуашевыми красками пишут на бумаге, картоне, фанере. Работы имеют матовую бархатистую поверхность.

Детализация - тщательная проработка деталей формы предметов на изображении. В зависимости от задачи, которую перед собой ставит художник, степень детализации может быть различной.

Дополнительные цвета - два цвета, дающие белый при оптическом смешении (красный и голубовато-зеленый, оранжевый и голубой, желтый и синий, фиолетовый и зеленовато-желтый, зеленый и пурпурный). При механическом смешении этих пар дополнительных цветов получаются оттенки с пониженной насыщенностью. Дополнительные цвета нередко называют контрастными.

Жанр - исторически сложившееся внутреннее подразделение во всех видах искусства; тип художественного произведения в единстве специфических свойств его формы и содержания. Понятие «жанр» обобщает черты, свойственные обширной группе произведений какой-либо эпохи, нации или мирового искусства вообще. В каждом виде искусства система жанров слагается по-своему. В изобразительном искусстве - на основе предмета изображения (портрет, натюрморт, пейзаж, историческая и батальная картина), а иногда и характера изображения (карикатура, шарж).

Живопись - один из главных видов изобразительного искусства. Правдивая передача внешнего облика предмета, его внешних признаков возможна и графическими средствами - линией и тоном. Но передать все необычайно разнообразное мно-гоцветие окружающего мира, может только живопись.

По технике исполнения живопись подразделяется на масляную, темперную, фресковую, восковую, мозаичную, витражную, акварельную, гуашевую, пастельную. Названия эти получились от связующего вещества или от применяемых материально-технических средств. Назначение и содержание живописного произведения требуют выбора таких изобразительных средств, с помощью которых можно наиболее полно выразить идейно-творческий замысел художника.

По жанрам живопись подразделяется на станковую, монументальную, декоративную, театрально-декоративную, миниатюрную.

Живопись декоративная не имеет самостоятельного значения и служит украшением экстерьера и интерьера зданий в виде красочных панно, которые реалистическим изображением создают иллюзию «прорыва» стены, увеличения размеров помещения, или, напротив, нарочито уплощенными формами зрительно как бы суживают, замыкают пространство. Узоры, венки, гирлянды и прочие виды декора, украшающие произведения монументальной живописи и скульптуры, связывают воедино все элементы интерьера, подчеркивая красоту, согласованность их с архитектурой. Декоративной живописью украшают и вещи: ларцы, шкатулки, подносы, сундуки и пр. Ее темы и формы подчинены назначению вещей.

Живопись миниатюрная получила большое развитие в средние века, до изобретения книгопечатания. Рукописные книги украшались тончайшими заставками, концовками, детально проработанными иллюстрациями, миниатюрами. Живописной техникой миниатюр русские художники первой половины XIX века умело пользовались при создании небольших (главным образом акварельных) портретов. Чистые глубокие цвета акварели, их изысканные сочетания, ювелирная тонкость письма отличают эти портреты.

Живопись монументальная - особый вид живописных произведений большого масштаба, украшающих стены и потолки архитектурных сооружений (фреска, мозаика, панно). Она раскрывает содержание крупных социальных явлений, оказавших’ положительное влияние на развитие общества, прославляет их и увековечивает. Возвышенность содержания монументальной живописи, значительные размеры ее произведений, связь с архитектурой требуют больших цветовых масс, строгой простоты и лаконизма композиции, ясности силуэтов и обобщенности пластической формы.

Живопись станковая - название происходит от станка (мольберта), на котором создается картина. В качестве материальной основы используют дерево, картон, бумагу, но чаще всего холст, натянутый на подрамник. Картина вставляется в раму и воспринимается как самостоятельное художественное произведение, независимое от окружения. В связи с этим для создания произведений станковой живописи используются несколько иные художественные средства, даются более тонкие и обстоятельные цветовые и тональные отношения и более сложная и подробно разработанная психологическая характеристика персонажей.

Живопись театрально-декорационная - декорации, костюмы, грим, бутафория, выполненные по эскизам художника; помогают глубже раскрыть содержание спектакля. Особые театральные условия восприятия живописи требуют учета множества точек зрения публики, их большей удаленности, воздействия искусственного освещения и цветовых подсветов. Декорация дает представление о месте и времени действия, активизирует у зрителя восприятие того, что происходит на сцене. В эскизах костюмов и грима театральный художник стремится остро выразить индивидуальный характер персонажей, их социальное положение, стиль эпохи и многое другое.

Живопись академическая - живопись, выполненная с какой-либо учебной целью.

Живопись по сырому - технический прием масляной и акварельной живописи. При работе маслом необходимо окончить работу до подсыхания красок и исключить такие этапы, как подмалевок, лессировки и повторные прописки. Живопись по сырому обладает известными преимуществами - свежестью красочного слоя, хорошей сохранностью, сравнительной простотой техники исполнения.

В акварели перед началом работы по сырому бумагу равномерно смачивают водой. Когда вода впитается в бумагу и немного просохнет (через 2-3 мин), начинают писать; мазки краски, ложась на влажную поверхность, расплываются, сливаются друг с другом, создают плавные переходы. Так, можно добиться мягкости в передаче очертаний предметов воздушности и пространственности изображения.

Жухлость - нежелательные изменения в высыхающем красочном слое, из-за которых живопись лишается свежести, теряет блеск, звучность красок, темнеет, становится черноватой. Причина жухлости - чрезмерное уменьшение в краске связующего масла, впитываемого грунтом или нижележащим красочным слоем, а также нанесение красок на не вполне просохший предыдущий слой масляных красок.

Законченность .- такая стадия в работе над этюдом или картиной, когда достигнута наибольшая полнота воплощения творческого замысла, или когда выполнена определенная изобразительная задача.

«Замесы» опорных красок - предварительное заготовление на палитре смеси красок, которые соответствуют основным тоновым и цветовым отношениям объектов натуры (пейзажа). В процессе работы в эти основные смеси вносятся различные вариации оттенков, вливаются новые краски. Однако заготовленные на палитре краски основных объектов не позволяют впасть в чрезмерное расцвечивание, не дают потерять характер основных цветовых отношений. В акварели эти опорные «замесы» делаются в отдельных чашечках.

Зарисовка - рисунок с натуры, выполненный преимущественно вне мастерской с целью собирания материала для более значительной работы, ради упражнения, иногда же - с какой-либо специальной целью (например, по заданию газеты, журнала). В отличие от подобного по техническим средствам наброска, исполнение зарисовки может быть очень детализированным.

Идеализация в искусстве - отступление от жизненной правды вследствие намеренного или невольного приукрашивания художником предмета изображения. Идеализация обычно проявляется в преувеличении и абсолютизации положительного начала как некоего предельного, якобы уже достигнутого совершенства; в сглаживании жизненных противоречий и конфликтов; в воплощении отвлеченного, наджизненного идеала и т. д. Идеализация всегда означает разрыв с принципами реализма и так или иначе оказывается связанной с идеологией реакционных классов, склонных уйти от правдивой картины жизни и подменяющих изучение действительности субъективно приукрашенными представлениями о ней.

От идеализации следует отличать отражение в реалистическом искусстве определенного общественно-прогрессивного жизненного идеала, которое, являясь важной стороной идейного содержания всякого реалистического художественного образа, может иногда быть определяющим началом в художественном решении образа.

Идея картины - основная мысль произведения, определяющая его содержание и образный строй, выражаемый в соответствующей форме.

Иллюзорность - сходство изображения с натурой; граничит с обманом зрения. Вследствие иллюзорности может быть утрачена художественная выразительность произведения и глубина его содержания, если в картине стремление к внешнему сходству заслоняет главное - ее замысел.

Импрессионизм - направление в искусстве последней трети 19 - начала 20 вв., представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления. Импрессионизм зародился в 1860-х гг. во французской живописи. Э. Мане, О. Ренуар, Э. Дега внесли в искусство свежесть и непосредственность восприятия жизни, изображение мгновенных, как бы случайных движений и ситуаций, кажущуюся неуравновешенность, фрагментарность композиции, неожиданные точки зрения, ракурсы, срезы фигур. В 1870-80 гг. сформировался импрессионизм во французском пейзаже. К. Моне, К. Писарро, А. Сислей выработали последовательную систему пленэра. Кроме живописцев интерес к мгновенному движению, текучей форме восприняли скульпторы (О. Роден, М. Рос-со, П. П. Трубецкой).

Импрессионизм развивал реалистические принципы искусства, но в творчестве его последователей часто сказывался отход от изучения основных явлений социальной действительно/ сти, постоянных устойчивых качеств материального мира. Такая направленность творчества привела поздних импрессионистов к формализму.

Интерьер - внутренний вид помещения. Изображение интерьера требует обстоятельного знания перспективы. Важно при этом найти место, откуда можно интереснее закомпоновать изображение. Законченное изображение интерьера, кроме интересной композиции, верного перспективного построения, размещения предметов в пространстве, должно давать представление об освещении.

Картина - произведение станковой живописи, правдиво воплощающее замысел художника, отличающееся значительностью содержания, правдивостью и завершенностью художественной формы. Картина является итогом длительных наблюдений и размышлений художника над жизнью. Ей предшествуют наброски, зарисовки, этюды, эскизы, в которых художник фиксирует отдельные явления жизни, собирает материал для будущей картины, ищет основу ее композиции и колорита. Создавая картину, художник опирается на натуру, исходит из нее как в общем замысле, так и в отдельных деталях. В этом процессе большую роль играет наблюдательность, воображение, замысел. Картина по-своему несет в себе определенную идейно-образную концепцию, а формы выражения являются зрительно достоверными. Каждая деталь, часть соотнесена с целым, каждый элемент выражает образ. Для упадочных формалистических направлений характерен кризис сюжетно-тематической картины, отказ от значительной идейной проблематики и психологизма. Из картин не только изгоняется сюжет, но и происходит разрыв с предметным изображением вообще. По форме изображения картина становится беспредметной, абстрактной.

Клеевые краски - сухие краски, выпускаемые в порошках и смешиваемые самим художником с клеевой водой. Хорошо растертые, они иногда применяются художниками при оформлении репродукционных оригиналов как заменители гуашевых красок. Чаще всего ими выполняют театральные декорации.

Клячка - разновидность мягкой резинки, применяемая в тех случаях, когда нужно осветлить тон тушевки в карандашных рисунках. Клячка мягка и легко разминается пальцами; ею не стирают карандаш, а ее слегка прижимают к тем частям рисунка, которые осветляют: графит пристает к клячке и удерживается ею, после того как она будет отнята от бумаги. Если осветляемые участки очень малы, клячке придают вид остроконечного конуса.

Клячку можно изготовить следующим образом. Обыкновенную резинку помещают на два-три дня в бензин (можно в керосин), затем ее выдерживают еще два дня. После этого размягченную резину месят с картофельной мукой (крахмалом), муку следует брать щепотками и ее количеством регулировать вязкость клячки.

Колорит (этюда или картины) - характер взаимосвязи всех цветовых элементов изображения, его цветовой строй. Главное его достоинство - богатство и согласованность цветов, сооответствующих самой натуре, передающих в единстве со светотенью предметные свойства и состояние освещенности изображаемого момента. Колорит этюда определяется: 1) выдержанностью пропорциональных натуре цветовых отношений с учетом общего тонового и цветового состояния освещенности, 2) богатством и разнообразием рефлексов свето-воздушной и предметной среды, 3) контрастным взаимодействием теплых и холодных оттенков, 4) влиянием цвета освещения, который объединяет цвета натуры, делает их соподчиненными и родственными.

Правдивое отражение состояния реальных условий освещенности оказывает воздействие на чувства зрителя, создает настроение, вызывает соответствующие эстетические переживания.

Кисти . Кисти бывают колонковые, беличьи, щетинные. Щетинные кисти предназначены для работы масляными красками, но могут быть использованы в живописи темперными и гуа-шевыми красками. Беличьи и колонковые кисти используют в акварели. По форме бывают плоские и круглые. Величину кисти обозначают номером. Номера плоских кистей и флейцев соответствуют их ширине в миллиметрах, а номера круглых кистей - диаметру (также выраженному в миллиметрах).

После работы масляными красками кисти моют теплой водой с мылом. Нельзя мыть кисти в ацетоне: от этого портится волос. Акварельные кисти после работы моют в чистой воде. Ни в коем случае нельзя давать кистям засыхать, особенно после работы масляными красками, ставить кисти в банку волосом вниз, так как происходит деформация волоса. Вымытую кисть нужно завернуть в бумагу, тогда она сохранит свою форму.

Композиция - построение этюда или картины, согласование ее частей. При натурном изображении: подбор и постановка предметов, выбор наилучшей точки зрения, освещенности, определение формата и размера холста, выявление композиционного центра, подчинение ему второстепенных частей произведения. При создании картины: выбор темы, разработка сюжета, нахождение формата и размера произведения, характеристика действующих лиц, их отношения друг к другу, позы, движения и жесты, выразительность лиц, использование контрастов и ритмов - все это составные элементы композиционного построения картины, служащие наилучшему воплощению замысла художника. В такой композиции учитывается все: массы предметов и их силуэты, ритм, с которым они размещены на полотне, перспектива, воображаемая линия горизонта и точка зрения на изображаемое, колорит картины, группировка действующих лиц, направление их взглядов, направление линии перспективного сокращения предметов, распределение светотени, позы и Жесты и т. д.

Константность зрительного восприятия - тенденция воспринимать предмет, его размеры, форму, светлоту, цвет устойчивыми и неизменными, независимо от происходящих с ним изменений (удаление от зрителя, изменение освещения, влияние среды и др.)- Константность размера - тенденция воспринимать размер объекта постоянным, несмотря на изменение расстояния до него. Как правило, начинающие рисовальщики перспективных изменений не замечают.

Константность формы - тенденция воспринимать действительную форму, даже если объект повернут так, что его изображение на сетчатке глаза отличается от действительной формы. (Например, квадратный лист бумаги, лежащий на столе, кажется квадратным, даже если его проекция на сетчатке глаз не является квадратной.)

Константность яркости - тенденция воспринимать светлоту объекта постоянной, несмотря на изменения в освещенности; зависит главным образом от постоянного соотношения интенсивности света, отраженного как от предмета, так и от окружающей его среды.

Константность цвета - тенденция воспринимать предметный цвет (его локальную окраску) независимо, от изменяющихся условий освещения, его силы и спектрального состава (дневное, вечернее, искусственное).

Из-за явления константности восприятие и передача в живописи предметов и явлений именно такими, какими они представляются глазу в конкретных условиях освещения, в определенной среде и на определенном расстоянии, представляют в начале обучения определенную трудность. Начинающий художник хотя и знает, что цвет изменяется в зависимости от условий освещения, видит его без изменений и не решается, например, зеленые по цвету деревья в лучах заходящего солнца написать красноватыми или голубое небо написать сложным розово-охристым, каким оно бывает на закате.

Неопытному живописцу кажется, что белый предмет во всех своих частях белый, темный предмет - темный. А между тем в натурной постановке обращенная к свету поверхность темного предмета будет отражать больше световых лучей, чем теневая часть белого предмета, и поэтому тень белого предмета будет темнее, чем световая часть темного предмета.

Во время работы над этюдом пейзажа неопытный живописец не замечает, как наступают сумерки, хотя освещение значительно снизилось.

Окружающие предметы могут освещаться светом различного спектрального состава, отчего меняется спектральный состав отраженного от предметов света. Однако глаз начинающего художника не замечает и этой перемены цветности.

Константность восприятия может возрастать и усиливаться от многих причин. Чем сильнее хроматическое освещение, а также чем больше расстояние, с которого наблюдается предмет, тем слабее проявление константности. Способность поверхности предмета сильно отражать световые лучи тоже способствует аконстантному восприятию: светлые по окраске предметы более заметно показывают влияние цвета освещения. Световая и цветовая адаптации усиливают константность восприятия. Наблюдая зимний пейзаж при пасмурной погоде, можно заметить лишь сложные сероватые оттенки. Если же посмотреть на этот же зимний мотив из окна освещенной электричеством комнаты, то пейзаж за окном будет восприниматься напряженно-синеватым. Если выйти из помещения под открытое небо, то через несколько минут синий тон пейзажа исчезнет. Аналогично этому нулевая константность у зрителей проявляется при цветном освещении театральной сцены; после того как угасает в зале теплое электрическое освещение, открывается занавес и зритель восторгается сценой зимнего, лунного или других состояний освещенности.

В результате практики художник приобретает умение замечать в натуре обусловленные средой и освещением изменения цвета предмета, видит и передает все богатство и разнообразие внешнего мира, великое множество цветовых градаций. В результате на полотне появляются убедительность освещения, цвет выглядит усложненным и обогащенным средой и освещением. Многие художники и педагоги выполняли специальные упражнения, создавая наглядные модели, чтобы уяснить колористические особенности разных состояний освещенности. К.. Моне, например, написал серию этюдов, изображая один и тот же объект (стог сена), и изучил таким образом изменение цвета в разных условиях освещенности в природе. Для выработки акон-стантного восприятия Н. Н. Крымов ставил белый куб, окрашенный с одной стороны черной краской, и освещал его с этой стороны мощной лампой, оставляя белую сторону в тени. При этом ученики его убеждались, что черная, освещенная сторона куба, светлее, чем белая, находящаяся в тени. Крымов предлагал ученикам написать небольшую картонную ширму-гармошку, плоскости которой были окрашены в различные цвета и освещались с двух сторон: с одной - электрической лампой, с другой - дневным светом. Лучи от лампы были направлены на участки, окрашенные холодными цветами, теплые же цвета были обращены к дневному освещению. Учащиеся убеждались, что условия освещения существенно изменяют предметные цвета, и таким образом освобождались от константного восприятия цветов.

Начинающий живописец должен избавиться от константности восприятия и уметь воспринимать форму предмета, его светлоту и цвет, обусловленные световой средой, освещением и пространством.

Конструкция - в изобразительном искусстве сущность, характерная особенность строения формы, предполагающая закономерную взаимосвязь частей формы, ее пропорций.

Контраст - 1) резкое различие, противоположность двух величин: размера, цвета (светлого и темного, теплого и холодного, насыщенного и нейтрального), движения и т. д.; 2) контраст светлотный и хроматический - явление, при котором воспринимаемое различие значительно больше, чем физическая основа. На светлом фоне цвет предмета кажется более темным, на темном - более светлым. Светлотный контраст наиболее четко троявляется на границе темной и светлой поверхностей. Хроматический контраст - изменение цветового тона и насыщенности под влиянием окружающих цветов (одновременный контраст) или под влиянием цветов, предварительно наблюдавшихся (последовательный контраст). Например: зеленый цвет рядом с красным увеличивает свою насыщенность. Серый цвет на красном фоне приобретает зеленоватый оттенок. Хроматический контраст проявляется сильнее, когда взаимодействующие цвета приблизительно равны по светлоте.

Копирование - процесс получения копий рисунка или чертежа; может производиться различными способами: перекалыванием, калькированием, передавливанием, перерисовкой на просвет, перерисовкой по сетке, а также с помощью пантографа и эпидиаскопа.

Перекалывание - способ копирования без изменения масштаба: оригинал накладывают на чистый лист бумаги и при помощи тонкой иглы накалывают все характерные точки рисунка или чертежа, через которые затем на наколотой бумаге проводят карандашные линии.

Калькирование - способ копирования без изменения масштаба. Кальку накладывают на оригинал, по которой карандашом или тушью рисуют изображение; рабочую поверхность кальки следует предварительно обезжирить - протереть порошком мела или углекислой магнезии.

Передавливание - способ копирования без изменения масштаба: под оригинал или его копию на кальке подкладывают сухую переводную бумагу; по линиям изображения оригинала водят заостренной иглой, благодаря чему на чистом листе бумаги оттискивается переводимое изображение. Оборотную сторону оригинала (кальки) можно натереть мягким карандашом, в этом случае передавленное изображение получается более четким.

Перерисовка на просвет - способ копирования без изменения масштаба. Оригинал кладут на стекло и покрывают чистой бумагой или калькой; за стеклом находится источник света (дневной или электрический); просвечивающие через бумагу линии оригинала обводят карандашом. Существуют специальные копировальные станки, приспособленные для этой цели.

Перерисовка по сетке - способ копирования с возможным изменением масштаба (увеличением или уменьшением рисунка) при помощи сделанной на оригинале и чистом листе бумаги координатной сетки. Изображение рисуется «по клеткам». Клетки строят квадратные или прямоугольные. Перерисовка по клеткам очень трудоемка и не может с безукоризненной точностью передать линии оригинала, поскольку производится на глаз и от руки.

Корпусная (пастозная) прокладка красок - исполнение этюда или картины плотным, непрозрачным, сравнительно толстым слоем масляной краски, часто имеющим рельефную фактуру.

Кроки - быстрая зарисовка с натуры, реже беглая фиксация композиционного замысла в виде рисунка. Термин «кроки» малоупотребителен; по общему смыслу он близок более широкому термину «набросок».

Ксилография - гравюра на дереве, основная техническая разновидность выпуклой гравюры, древнейшая техника гравюры вообще. Ксилографию выполняют, вырезая на доске, обычно грушевого, букового дерева, те части нанесенного поверх нее гравюрного рисунка, которые должны оставаться белыми. В продольной или обрезной гравюре волокна доски параллельны ее поверхности, а работа ведется, в основном, остроконечными ножами. Возможности этой техники сравнительно нешироки, трудности же значительны (так как сопротивление волокнистого материала ножу неравномерно в разных направлениях). Торцовая гравюра исполняется на доске с перпендикулярным к поверхности волокном; ее основной инструмент - штихель, допускает очень тонкую и разнообразную технику.

В отличие от любой разновидности углубленной гравюры, ксилография может печататься вместе с набором на обычной типографской машине, и нередко применяется поэтому в книжной иллюстрации.

Лаки . Художники покрывают лаками грунты, чтобы предохранить их от проникновения масла из красок, вводят лаки в состав связующего вещества краски, наносят на затвердевший красочный слой йеред дальнейшей работой (для лучшей связи слоев) и, наконец, покрывают лаком законченные произведения. При этом лак усиливает насыщенность красок. Лаковая пленка предохраняет картину от непосредственного соприкосновения с вредными газами атмосферы, пылью и копотью, находящимися в воздухе. Лаки в составе масляной краски способствуют ее более равномерному и быстрому высыханию, а красочные слои лучше связываются с грунтом и между собой. Картины лучше покрывать скипидарными лаками, чем масляными (тогда они меньше темнеют). Лак-фиксатор закрепляет работы, выполненные углем, сангиной, пастелью, акварельными красками.

Лепка формы цветом - процесс моделирования предмета, выявления его объема и материала цветовыми оттенками с учетом их изменений по светлоте и насыщенности.

Лессировка - один из приемов живописной техники, состоящий в нанесении очень тонких слоев прочных и полупрозрачных красок поверх высохшего плотного слоя других красок. При этом достигается особая легкость, звучность цветов, что является результатом их оптического смешения.

Линогравюра - гравюра на линолеуме, разновидность выпуклой гравюры. По технике и художественным средствам линогравюра сходна с ксилографией и в отпечатке нередко отличается от нее лишь отсутствием тонких деталей.

Литография - в изобразительном искусстве широко распространенная разновидность графической техники, связанная с работой на камне (плотный известняк) или заменяющей его металлической пластинке (цинк, алюминий).

Литографию художник исполняет, рисуя по зернистой или гладкой поверхности камня жирным литографским карандашом и специальной тушью. Вслед за травлением камня кислотой (воздействующей на непокрытую жиром поверхность) рисунок смывают: взамен наносится типографская краска, которая пристает лишь к непротравленным частицам камня, в точности соответствующим рисунку. Краску накатывают валиком по увлажненному камню; печатание производится на специальном станке.

Локальный цвет - цвет, характерный для данного предмета (его окраска) и не претерпевший никаких изменений. В действительности так не бывает. Предметный цвет постоянно несколько изменяется под воздействием силы и цвета освещения, окружающей среды, пространственного удаления и называется он уже не локальным, а обусловленным. Иногда под локальным цветом подразумевают не предметный цвет, а однородное пятно обусловленного цвета, взятого в основных отношениях к соседним цветам, без выявления мозаики цветных рефлексов, без нюансировки этих основных пятен.

Манера - в отношении к художественной практике: характер или способ исполнения как чисто техническая особенность (например, «широкая манера»).

В истории искусства термином «манера» обозначаются иногда общие свойства исполнения, характерные для художника или художественной школы в определенный период творческого развития (например, «поздняя манера Тициана»).

М анерность - в художественной практике: свойства подхода и исполнения, лишенные простоты и естественности, приводящие к вычурным, надуманным или условным результатам. Чаще всего манерность называют пристрастие к какой-либо внешне эффектной, заученной манере и всякого рода предвзятым художественным приемам, тяготение к стилизаторству. Крайнее выражение манерности дает формалистическая практика современного буржуазного искусства.

Масляные краски - красители, смешанные с растительным маслом: льняным (преимущественно), маковым или ореховым; масляные краски от воздействия света и воздуха постепенно затвердевают. Многие основы (холст, дерево, картон) для работы на них масляными красками заранее загрунтовывают. Наиболее часто применяемая грунтовка следующая: материал покрывают жидким столярным клеем, а когда он высохнет, протирают пемзой, после чего покрывают мелким порошком мела, смешанным с клеевой водой до консистенции сметаны. Для очистки кистей их моют в керосине, скипидаре или бензине и окончательно в теплой воде с мылом, выжимая краску из корня кисти, после чего полощут в чистой воде.

Материальность изображаемых предметов передается прежде всего характером светотени. Предметы, состоящие из разных материалов, имеют характерные для них градации светотени. Гипсовый предмет цилиндрической формы имеет плавные переходы от света через полутень, тень и рефлекс. Стеклянный цилиндрический сосуд не имеет ярко выраженных градаций светотени. На его форме только блики и рефлексы. Металлические предметы тоже характеризуются в основном бликами и рефлексами. Если передать на рисунке характер светотени, то предметы будут выглядеть материальными. Другое, еще более важное условие, от которого зависит изображение материальных качеств предметов, - это выдержанность на рисунке или живописном этюде пропорциональных натуре тональных и цветовых отношений между предметами. При восприятии материальных качеств предметов наше сознание опирается главным образом на их тональные и цветовые отношения (различия). Поэтому, если характер светотени, тональные и цветовые отношения переданы соответственно зрительному образу натуры, мы получаем правдивое изображение материальных качеств предметов натюрморта или объектов пейзажа.

Многослойная живопись - важнейшая техническая разновидность масляной живописи, требующая расчленения работы на ряд последовательных этапов (подмалевки, прописки, лессировка), разделенных перерывами для полного про-сыхания краски. При исполнении крупной тематической композиции, а также при длительной работе вообще, многослойная живопись является единственной полноценной техникой масляной живописи. До середины XIX в. все крупнейшие передовые художники прошлого применяли эту технику как основную. Позднее импрессионисты и их последователи отказались от нее.

С узкотехнологической точки зрения, не связанной с техникой старых мастеров, понятию многослойная живопись могут соответствовать лишь прописки по высохшему красочному слою (без подмалевка и лессировок).

Моделировка - в изобразительном искусстве: передача объемно-пластических и пространственных свойств предметного мира посредством светотеневых градаций (живопись, графика) или соответствующей пластикой трехмерных форм (скульптура, в частности рельеф). Моделировка обычно осуществляется с учетом перспективы, в живописи же, кроме того, с помощью неразрывно связанных со светотенью цветовых градаций. Задачи моделировки не ограничиваются простым воспроизведением предметного мира: участвуя в идейно-образной характеристике предмета, она обобщает, усиливает и выявляет наиболее существенное, характерное.

Модернизм - общее обозначение направлений искусства и литературы конца XIX-XX вв. (кубизм, дадаизм, сюрреализм, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство и т. п.). Основные черты модернизма: отрицание познавательной и общественной роли искусства, его идейности, народности, подмена искусства всевозможными трюкачествами, полное искажение или игнорирование профессиональных традиций реалистического художественного наследия.

Мозаика - особая техническая разновидность монументальной живописи, основанная на применении разноцветных твердых веществ - смальты, естественных цветных камней, цветных эмалей поверх обожженной глины и пр. в качестве основного художественного материала. Изображение составляется из кусочков таких материалов, хорошо пригнанных друг к другу, укрепленных на цементе или специальной мастике и затем отшлифованных. По способу так называемого прямого набора мозаика исполняется с лицевой стороны - на предназначенном ей месте (стена, свод и др.) или на отдельной плите, которая затем вделывается в стену. При обратном наборе цветные кусочки видны художнику лишь с оборота, так как наклеиваются лицевой поверхностью на временную тонкую подкладку (удаляемую вслед за переносом мозаики на стену). Первый из этих способов сравнительно сложен и трудоемок, но более совершенен с художественной точки зрения.

Мольберт - станок (отсюда определение «станковая живопись»), необходимый художнику для поддержки нужного наклона картины во время работы. Основное требование к мольберту - устойчивость.

Монотипия - особый вид графической техники, связанный с процессом печатания, но резко отличающийся от любой разновидности гравюры полным отсутствием механических или технических воздействий на поверхность доски. Краски наносятся от руки на гладкую поверхность с последующим печатанием на станке. Полученный отпечаток является единственным

и неповторимым.

М онументальность в произведениях станковой живописи обусловлена общественной значимостью тематики картины, ее героическим пафосом, глубиной и силой воплощения идей в соответствующих образах - простых, строгих, величественных и экспрессивных.

Набросок в цвете - этюд небольших размеров, бегло и быстро исполненный. Главное назначение такого наброска - приобретение умения цельно воспринимать натуру, находить и передавать верные цветовые отношения основных ее объектов. Известно, что полноценный живописный строй изображения определяется пропорциональной передачей различий между основными цветовыми пятнами натуры. Без этого никакая тщательная проработка деталей, рефлексов, мозаики цветных оттенков не приведет к полноценному живописному изображению.

Народность - связь искусства с народом, обусловленность художественных явлений жизнью, борьбой, идеями, чувствами и стремлениями народных масс, выражение в искусстве их интересов и психологии. Один из основных принципов социалистического реализма.

Натура - в практике изобразительного искусства это любые природные явления, объекты и предметы, которые художник изображает, наблюдая как модель непосредственно. С натуры выполняется, как правило, лишь этюд, набросок, зарисовка, портрет, а иногда пейзаж.

Натурализм - в изобразительном искусстве выражается в отрыве от широких обобщений, от идейности и приводит к методу чисто внешнего копирования всего, что находится в поле зрения. Начинающие живописцы тоже иногда думают, что достоверное изображение натуры при передаче ее объемных, материальных и пространственных качеств и есть абсолютная цель.изобразительного искусства. Конечно, владеть изобразительной грамотой, техническими приемами живописного мастерства необходимо. Однако не менее важно параллельно с этим развивать способность видеть действительность глазами художника. Живописное изображение не является зеркальным отражением природы. «Живопись, - говорил И. И. Левитан, - не протокол, а объяснение природы живописными средствами». Живописец отбирает и обобщает в красочном многообразии природы те ее элементы, которые смогут выразительно передать идейно-образный замысел. Он старается раскрыть сущность изображаемого, показывает то, что его взволновало. В этом проявляется личность художника, его мировоззрение, а также вкус и практический опыт в использовании красочных материалов и технических приемов.

Натюрморт - один из жанров изобразительного искусства, посвященный воспроизведению предметов обихода, фруктов, овощей, цветов и т. п. Задача художника, изображающего натюрморт средствами живописи, передать колористическую красоту окружающих человека предметов, их объемную и материальную сущность, а также выразить свое отношение к изображаемому. Изображение натюрморта особенно полезно в учебной практике для овладения живописным мастерством. В натюрморте художник постигает законы цветовой гармонии, приобретает технический навык живописной моделировки формы.

Обобщение художественное - способность художника познавать объективную действительность, выявляя главное, существенное в объектах и явлениях путем сравнения, анализа и синтеза. Произведение изобразительного искусства является результатом выразительности общего, сохраняя вместе с тем всю неповторимость конкретно-зрительного образа.

В узкопрофессиональном понимании обобщение - это последняя стадия процесса выполнения рисунка или живописи с натуры, следующая за детальной проработкой формы. На этой стадии работы осуществляется обобщение деталей с целью создания целостного образа натуры на основе цельного ее зрительного восприятия.

Образ художественный - специфическая форма отражения действительности в конкретно-чувственной зрительно воспринимаемой форме. Создание художественного образа тесно связано с отбором наиболее характерного, с подчеркиванием существенных сторон предмета или явления в пределах индивидуальной неповторимой природы этих предметов и явлений. Известно, что сознание человека отражает не только объективный зрительный образ предмета или явления, но и эмоциональные качества их восприятия. Поэтому художественный образ в живописи содержит не только реальные черты изображаемого объекта, но и его чувственно-эмоциональную значимость. Каждый образ - это одновременно правдивое отображение объективной действительности и выражение эстетических чувств художника, индивидуального, эмоционального его отношения к изображаемому, вкуса и стиля.

Обратная перспектива - ошибочный прием рисования перспективы, суть которого в том, что параллельные и горизонтальные в пространстве линии на картине изображаются не сходящимися, а расходящимися; встречается довольно часто в старинной иконописи, как следствие незнания художниками элементарных правил построения перспективы (в некоторых случаях допускается сознательное нарушение правил перспективного построения).

Общее тоновое и цветовое состояние натуры - результат разной силы освещения. Чтобы передать состояние разной освещенности (утром, днем, вечером или в серый день), при построении цветового строя этюда не всегда используются светлые и яркие краски палитры. В одних случаях художник строит отношение в пониженной гамме светлот и силы цвета (серый день, темное помещение), в других случаях светлыми и яркими красками (например, солнечный день). Таким образом художник выдерживает тоновые и цветовые отношения этюда в разных тональных и цветовых диапазонах (масштабах). Это способствует передаче состояния освещенности, что особенно важно в пейзажной живописи, так как именно этим состоянием определяется ее эмоциональное воздействие (см. тональный и цветовой масштаб изображения).

Объем - изображение трехмерности формы на плоскости. Осуществляется прежде всего правильным конструктивным и перспективным построением предмета. Другим важным средством передачи объема на плоскости являются градации светотени, выраженные цветом: блик, свет, полутень, тень собственная и падающая, рефлекс. Изображению объема на изобразительной плоскости способствует также направление мазка или штриховки, движение их по направлению формы (на плоских поверхностях они прямые и параллельные, на цилиндрических и шаровых - дугообразные).

Ореол - явление, известное также под названием «иррадиация»; возникает в результате рассеивания яркого света в прозрачной жидкости, заполняющей глазное яблоко. В связи с увеличением чувствительности глаза в темноте, он сильно реагирует при наблюдении источников яркого света (костер или зажженная лампа). Днем они не кажутся яркими, в сумерки же или ночью они могут слепить глаза. Цвет источников яркого света глаз почти не воспринимает, но ореол вокруг светящихся тел Или сильно освещенных предметов имеет цвет более выраженный. Пламя свечи выглядит почти белым, а ореол вокруг него - желтым. Сильный блик на блестящей поверхности кажется белым, а ореол вокруг него принимает на себя цветовое свойство источника света. Тонкие стволы деревьев на фоне неба полностью окутываются ореолом, то есть выглядят синими, а на фоне желтого заката - оранжевыми или красными. Когда ореол передается на изображении, глаз воспринимает предметы светящимися (свеча, светлые окна днем и ночью, звезды на небе и др.). Изображенные без ореола, непременного спутника яркого света, ствол дерева и его крона выглядят жесткой аппликацией на фоне светлого неба, звезды без ореола производят впечатление крапинок краски, разбрызганной пульверизатором по темному фону, яркие блики без ореола на фоне кувшина выглядят светлыми заплатами.

Основа - в технологии живописи: материал, на который наносится грунт и красочный слой картины. Самая распространенная разновидность основы - холст, дерево (являлось наиболее распространенной основой в античности, в средние века и в эпоху Возрождения), реже употребляются картон, бумага, металл, стекло, линолеум и др. В некоторых видах живописи (например, фреска, акварель и др.) основа употребляется без специальной подготовки.

Отмывка - 1) акварельная техника с использованием очень жидкой краски или туши. Для закрашивания сравнительно большой площади светлым тоном подцвечивают краской примерно ‘/* стакана воды, дают краске отстояться (лучше затем еще и профильтровать) и кисточкой берут «раствор» сверху, не касаясь дна стакана; 2) прием осветления краски или удаление ее с бумаги при помощи кисточки, смоченной в чистой воде, и сбор отмоченной краски промокательной бумагой (процедура повторяется несколько раз).

Отношения тоноцветовые - различия предметов по светлоте и цвету: что в натуре светлее, что темнее, плюс различия по цвету и его насыщенности.

Оттенок (нюанс) - небольшое, часто едва заметное различие в цвете, светлоте или насыщенности цвета.

Офорт - игловой или штриховой офорт, широко употребительная техническая разновидность углубленной гравюры на металле. Работа над офортом процарапыванием гравюрного грунта специальными иглами, обычно в свободной технике штрихового рисунка. Неравномерной продолжительностью травления деталей изображения кислотами достигают различия в силе и сочности штриха. Техника офорта отличается сравнительной простотой и большой гибкостью.

Ощущение зрительное - результат взаимодействия лучистой энергии с органом зрения и восприятие этого взаимодействия сознанием. В результате человек получает разнообразные ощущения света и цвета, богатые цветовые градации, характеризующие форму предметов и явления природы в разнообразных условиях освещения, среды и пространства.

Палитра - 1) небольшая тонкая доска четырехугольной или овальной формы, на которой художник смешивает краски во время работы; 2) точный перечень красок, которыми пользуется тот или иной художник в своей творческой практике.

Панорама - живописный холст в виде замкнутой круговой ленты. Перед живописным изображением на холсте помещаются различные реальные бутафорские предметы, которые создают иллюзию непосредственного перехода реального пространства переднего плана в живописное пространство картины. Панорама располагается в специально построенном для нее картинном зале с центральной, обычно затемненной, смотровой площадкой. В отличие от панорамы, диорама - это живописная картина в виде изогнутой полукруглой ленты.

Непревзойденными до сих пор образцами являются панорамы, созданные художником Ф. А. Рубо «Оборона Севастополя» (1902-1904) и «Бородинская битва» (1911).

Пастель - цветные карандаши без оправы, изготовленные из красочного порошка. Их получают путем смешивания красочного порошка с клеящим веществом (вишневым клеем, декстрином, желатином, казеином). Работают пастелью на бумаге, картоне или холсте. Краски наносят штрихами, как в рисунке, или втирают пальцами с растушевкой, что позволяет добиться тончайших красочных нюансов и нежнейших переходов цветов, матовой бархатистой поверхности. При работе пастелью можно легко снимать или перекрывать красочные слои, так как она свободно соскабливается с грунта. Произведения, выполненные пастелью, обычно закрепляются специальным раствором.

Пастозность - 1) в технике масляной живописи: значительная толщина красочного слоя, использованная как художественное средство. Выступая технической особенностью, пастозность всегда остается заметной для глаза и проявляется в известной неравномерности красочного слоя, в «рельефном мазке» и др. В узком, чисто технологическом смысле пастозной называют иногда и толстослойную живопись с ровной поверхностью, при которой пастозность может быть незаметна (корпусная живопись); 2) особое свойство пластичности красочного материала, позволяющее неразжиженной масляной краской целиком сохранять ту форму, какую придает ей кисть.

Пейзаж - вид, изображение какой-либо местности; в живописи, и графике жанр и отдельное произведение, в котором основной предмет изображения - природа. Часто изображаются виды городов и архитектурных комплексов (архитектурный пейзаж), морские виды (марина).

Пестрота (дробность) изображения - недостатки рисунка или этюда, которые получаются в том случае, когда начинающий художник рисует или пишет натуру по частям, «в упор». В результате форма предметов оказывается перегруженной деталями, контуры их резкие, многие предметы и их поверхности выглядят одинаковыми по тону и силе цвета. Это получается потому, что неопытный художник хотя и сравнивал предметы по тону и цвету, но смотрел на них попеременно, раздельно. Когда у художника вырабатывается навык одновременного (цельного) видения и сравнения предметов по трем свойствам цвета (цвет, светлота, насыщенность), тональная пестрота изображения исчезает.

Планы пространственные - условно разделенные участки пространства, находящиеся на разном расстоянии от наблюдателя. В картине различают несколько планов: первый, второй, третий, или передний, средний, задний. Пространство на плоскости холста или бумаги передается главным образом правильным перспективным построением. Если предметы или объемы на пространственных планах нарисованы без строгого соблюдения их перспективных изменений, цветовое решение мало что даст для изображения пространства. Передаче пространственных качеств изображения способствует также характер мазка (в рисунке - характер штриха). Техника нанесения штриховки предметов переднего плана более определенная, жесткая и плотная. Мазок красок - более пастозный, рельефный, дробный. Дальние планы передаются более мягким штрихом, тонким лессировочным слоем краски.

Пластичность - гармоничность, выразительность и гибкость форм, линий, подмеченных художником в изображаемой натуре.

Пленэрная живопись - живопись под открытым небом. Активное значение в написании этюда на открытом воздухе имеют изменения красок природы под воздействием света и воздуха. Особое внимание при этом следует уделять общему тоновому и цветовому состоянию натуры (зависящему от силы и цвета освещения) и явлению воздушной перспективы. Определяющим моментом в живописи на пленэре является выдержанность тонального и цветового масштаба при построении тоновых и цветовых отношений этюда (см. тональный и цветовой масштаб изображения):

Подмалевок - подготовительная стадия работы над картиной, выполняемая в технике масляной живописи. Подмалевок выполняется обычно тонким красочным слоем и может быть однотонным или многоцветным.

Подрамник. Холст, на котором художник пишет картину, натягивается на подрамник. Его назначение - держать холст в натянутом состоянии. Это обеспечивается не жестким скреплением деревянных планок подрамника. При глухом креплении углов подрамника трудно исправить провисание холста от сырости. На рейках подрамника делают скосы, направленные внутрь подрамника. Иначе на местах соприкосновения холста с внутренними ребрами подрамника холст деформируется, на нем проявляются внутренние ребра подрамника. Подрамники больших размеров изготовляют с крестовиной, которая предохраняет их от диагональных перекосов и прогибов планок.

Полутень - одна из градаций светотени на поверхности объемного предмета, промежуточная между светом и тенью (как в натуре, так и на изображении).

Портрет - изображение, в котором запечатлен внешний облик конкретного человека, его индивидуальные черты. Искусство портрета требует, чтобы, наряду с внешним сходством, в облике человека отражались его духовные интересы, социальное положение, типические черты той эпохи, к которой он принадлежит. Личное отношение художника к изображенным людям, его мировоззрение, отпечаток творческой манеры также должны присутствовать в портрете.

Примитивизм - одно из формалистических течений в изобразительном искусстве. Характеризуется полным отказом от достижений реализма ради подражания формам искусства так называемых примитивных эпох (первобытных племен), нарочитого заимствования особенностей детских рисунков и т. п.

Прописки - в технике масляной живописи основной этап исполнения крупного полотна, который следует за подмалевком, предшествуя лессировке. Количество прописок зависит от хода работы художника; каждая из них завершается полным просыха-нием краски. В широком и неточном смысле слова прописками называют иногда и подмалевок, а также любую переработку уже законченного полотна или его детали.

Пропорции - отношения размеров предметов или их частей друг к другу и к целому. В рисунке или живописи эти отношения передаются в пропорциональном соответствии, то есть подобными, уменьшенными или увеличенными в одно и то же число раз. Соблюдение пропорций имеет решающее значение, так как они являются характернейшим признаком предмета и составляют основу правдивого и выразительного изображения.

Пропорциональность отношений - закон реалистической живописи, определяющий пропорциональную зрительному образу натуры взаимосвязь каждого светоцветового пятна этюда с другими, важное условие правдивого и целостного изображения действительности. Наше зрительное восприятие и узнавание формы, окраски, материала предметов, состояния освещенности опирается на их тональные и цветовые отношения. Особенности тона и цвета зрительно воспринимаются не изолированно, а в зависимости от окружения, вместе с другими тонами и цветами. Поэтому тоновые и цветовые различия натуры художник воспроизводит на этюде, как и перспективные размеры предметов, методом пропорционального соответствия изображения и зрительного образа натуры. Этим достигается состояние освещенности этюда, правдивая моделировка объемной формы, материальность, пространственная глубина и другие живописные качества изображения.

Процесс живописи с натуры предполагает особый порядок ведения работы в начале, в середине и на завершающей стадии. Этот процесс идет от общего к детальной проработке формы и заканчивается обобщением - выделением главного и подчинением ему второстепенного. В живописи на этих стадиях решаются следующие конкретные задачи: 1) нахождение отношений основных цветовых пятен с учетом тонового и цветового состояния освещенности (ее силы и спектрального состава), 2) цветотоновые «растяжки» в пределах найденных основных отношений, цветовая лепка объемной формы отдельных предметов, 3) в стадии обобщения - смягчение резких контуров предметов, приглушение или усиление тона и цвета отдельных предметов, выделение главного, подчинение ему второстепенного. В конечном итоге все живописное изображение приводится к целостности и единству, к тому впечатлению, которое получает зрение при цельном видении натуры.

Разбавители . Для акварельных и гуашевых красок единственный разбавитель - вода. Для разбавления масляных красок применяются составы скипидарного происхождения (пинен № 4) или продукты переработки нефти в смеси со спиртом или льняным маслом (разбавители № 1, 2). Добавление, например пинена, в масляную краску способствует быстрейшему их высыханию. Кроме того, чтобы обеспечить лучшее сцепление красочных слоев, перед повторной пропиской пйненом протирают затвердевшую поверхность красочного слоя.

Ракурс - перспективное сокращение формы предмета, приводящее к изменению его привычных очертаний; резко выраженные сокращения, возникающие при наблюдении предмета сверху или снизу.

Рама. Картина, созданная художником, имеет обрамление, раму. Она завершает композицию, придает ей единство, направляет внимание зрителя на само произведение. Чаще всего рама имеет прямоугольную форму, изредка круглую или овальную. Часто рейки рамы имеют тонкие профилировки, как бы ступеньки, нисходящие к самой картине. Они помогают глазу зрителя легче погрузиться в мир изображаемого. Художники относятся к раме как к существенной части живописной композиции и окрашивают ее в светлые и темные цвета разных оттенков. Имеются рамы с богатыми пластическими мотивами, орнаментом условного растительного или геометрического содержания.

Реализм - метод художественного творчества, основанный на глубоком познании жизни и образном отражении ее сущности и красоты. Реализм в живописи основывается на изображении жизни в формах самой жизни. Художник постоянно изучает жизнь с карандашом и кистью в руке и в совершенстве овладевает мастерством правдивого изображения предметов и объектов реальной действительности. Без органического познания и обобщения жизни, с одной стороны, и умения воплотить все это в конкретном наглядном изображении, с другой стороны, художественный образ в картине превращается в схему, лишенную жизненной убедительности.

Реализм социалистический - метод социалистического искусства, направленный на правдивое, исторически конкретное отображение действительности в ее революционном развитии в целях идейно-эстетического воспитания людей в духе социализма и коммунизма.

Рефлекс - светлый или цветной отсвет, возникающий на форме в результате отражения лучей света окружающих предметов. Цвета всех предметов взаимно связаны между собой рефлексами. Чем больше разница по светлоте и цвету между двумя расположенными рядом предметами, тем заметнее рефлексы. На шероховатых, матовых поверхностях они слабее, на гладкой они более заметны и более отчетливы в очертаниях. На полированных поверхностях они особенно отчетливы (в этом случае их усиливает зеркальное отражение).

Рисунок -1) полноценное воспроизведение предметного мира: объемно-пространственная моделировка, верные пропорции, правдивая экспрессия, ясно выраженный характер и т. д. Это основа для реалистического изображения действительности вообще - любыми техническими средствами и приемами. Обучение рисунку составляет важнейшую часть профессионального образования живописца, графика и скульптора; 2) разновидность художественной графики, основанная на технических средствах и возможностях рисования. В отличие от живописи, рисунок исполняется преимущественно твердым красящим веществом (карандаш, уголь, сангина и др.), как правило, посредством штриха и линии, при вспомогательной роли цвета; 3) отдельное произведение соответствующей разновидности графики.

Ритм и ритмичность - повторяемость тех или иных композиционных элементов произведения, особая их соразмерность, ведущая к стройной, закономерной слаженности целого. Ритм может проявляться через контрасты и соответствия группировок фигур, предметов, линий, движений, светотеневых и цветовых пятен, пространственных планов и др.

Свет - элемент светотеневых градаций, служит для обозначения освещенной части поверхности предметов.

Светлота (тон) - сравнительная степень отличия от темного: чем дальше от темного, тем большую светлоту имеет цвет.

Светосила - степень светлоты предмета, его тон. Светосила зависит от присутствия других (соседних) тонов, а также от окраски предметов.

Светотень - закономерные градации светлого и темного на объемной форме предмета, благодаря которым как в натуре, так и на рисунке воспринимаются глазом такие предметные свойства, как объем и материал. Основные градации светотени: блик, свет, полутень, тень собственная, рефлекс, тень падающая.

Свойства цвета - цветовой тон, или оттенок: красный, синий, желтый, желто-зеленый, светлота и насыщенность (степень отличия его от серого, то есть степень приближенности к чистому спектральному цвету). В процессе живописи по этим трем свойствам сравниваются цвета натурной постановки, находятся их цветовые различия и передаются на этюде в пропорциональных отношениях.

Связующее вещество - это вяжущее вещество (клей, масло, гашеная известь, желток куриного яйца), с помощью которого частицы пигмента соединяются между собой и закрепляются на поверхности грунта, образуя красочный слой. Виды живописи - фреска, масляная живопись, темпера - различаются именно составом связующего вещества, хотя пигмент, как правило, один и тот же.

Силуэт - темное на светлом фоне одноцветное плоскостное изображение. человека, животного или предмета. Термин произошел от фамилии французского министра финансов XVIII в. Э. де Силуэтта, на которого была нарисована карикатура в виде теневого профиля.

Символ. - образ, иносказательно выражающий какое-либо широкое понятие или отвлеченную идею. В том случае, если связь символа с выражаемым им понятием вытекает из внутреннего содержательного сходства, родства между изображаемым предметом и его иносказательным значением, употребление символа становится уместным и возможным в реалистическом изобразительном искусстве. Символ употребляют тогда, когда хотят в лаконичной и сжатой форме выразить широкое, многовмещающее понятие.

Содержание и форма в искусстве - неразрывно связанные и взаимообусловленные категории, одна из которых указывает на то, что именно отражено и выражено в произведении (содержание), а вторая на то, как, какими средствами это достигнуто (форма). Ведущая, определяющая роль принадлежит содержанию. Им становится определенное явление жизни, осознанное и эстетически осмысленное художником в процессе творческой работы. К категории художественной формы в изобразительном искусстве относят: сюжет, композицию, типаж, рисунок, цветовой строй, объем, пространственность, светотеневое построение и пр. При этом следует отметить, что художественные достоинства произведения находятся в прямой зависимости от того, насколько профессионально подготовлен художник в использовании форм выражения. Без практического овладения кулвтурой использования цвета невозможно выразить образное содержание средствами живописи в определенном материале.

Сравнение - метод определения пропорций, тональных и цветовых отношений и др. Свойства и качества познаются нашим сознанием путем сравнения. Понять характер формы предмета, определить его тон и цвет можно только в сравнении его с другими предметами. Чтобы изобразить натуру правдиво, художник должен создать на этюде пропорциональные натуре различия предметов по размерам, тону и цвету. Именно только методом сравнения (при цельном восприятии натуры) можно определить в натуре цветовые отношения между предметами, передать их на холсте или бумаге.

Стилизация - 1) намеренная имитация художественного стиля, характерная для какого-либо автора, жанра, течения, для искусства и культуры определенной социальной среды, народно^ сти, эпохи. Обычно предполагает свободное истолкование содержания и стиля искусства, послужившего прототипом; 2) в изобразительном искусстве и преимущественно в декоративном искусстве, дизайне обобщение изображаемых фигур и предметов с помощью условных приемов; стилизация особенно характерна для орнамента, где она превращает объект изображения в мотив узора.

Стиль - 1) общность идейно-художественных особенностей произведений искусства определенной эпохи. Возникновение и смена стилей определяется ходом исторического развития общества (например, классицизм, барокко и др.); 2) национальная особенность искусства (китайский, мавританский стиль и т. д.). Говорят также о стиле группы художников или одного художника, если их творчество отличается яркими индивидуальными чертами.

Сухая кисть - в живописи и графике вспомогательный технический прием, состоящий в работе слабо насыщенными краской жесткими кистями. В качестве самостоятельной техники сухая кисть применяется главным образом в декоративном искусстве.

Сфумато - в живописи и графике термин, связанный с живописью итальянского Возрождения начиная с Леонардо да Винчи и означающий мягкость исполнения, неуловимость предметных очертаний как результат определенного художественного подхода.

Сюжет - 1) конкретное событие или явление, изображенное в картине. Одна и та же тема может быть раскрыта во множестве сюжетов; 2) иногда под сюжетом понимается любой объект живой натуры или предметного мира, взятый для изображения. Нередко сюжет заменяет понятие мотив, положенный в основу произведения (особенно пейзажа).

Творческий процесс (творчество) - процесс создания художественного произведения, начиная от зарождения образного замысла до его воплощения, процесс претворения наблюдений действительности в художественный образ. В живописи творчество заключается в создании произведения в непосредственно достоверных зримых формах.

Тема - круг явлений, выбранный художником для изображения и раскрытия идеи произведения.

Темперные краски - водно-клеевые краски, приготовленные из сухих порошков, смешанных с яичным желтком, разведенным клеевой водой. В настоящее время изготовляются также полужидкие краски, заключенные в тюбики и приготовленные на желтке, цельном яйце или эмульсии из растительного масла с яйцом и клеем. Темперными красками можно писать густо, как масляными, и жидко, как акварельными, разбавляя их водой. Сохнут они медленнее гуаши. Недостатком является разница в оттенках сырой и высохшей краски. Картины, написанные темперными красками, имеют матовую поверхность, поэтому их иногда покрывают специальным лаком, устраняющим эту матовость.

Тень - элемент светотени, наиболее слабо освещенные участки в натуре и в изображении. Различают тени собственные и падающие. Собственными называют тени, принадлежащие самому предмету. Падающие - это тени, отбрасываемые телом на окружающие предметы.

Теплые и холодные цвета . Теплые цвета условно ассоциируются с цветом огня, солнца, накаленных предметов: красные, красно-оранжевые, желто-зеленые. Холодные цвета ассоциируются с цветом воды, льда и других холодных объектов: зелено-голубые, голубые, сине-голубые, сине-фиолетовые. Эти качества цвета относительны и зависят от расположения рядом другого цвета. Ультрамарин, например, холодный сам по себе, рядом с берлинской лазурью будет теплым, а краплак красный будет казаться более холодным, чем киноварь красная.

В цветовом облике видимой натуры всегда присутствуют и теплые, и холодные оттенки. Это теплохолодность оттенков основывается прежде всего на естественных цветовых противопоставлениях на свету и в тени. В природе часто бывает так, что цвета у предметов холодные, а их тени теплые, и наоборот. Явлению тешюхолодности способствует и так называемое контрастное зрительное восприятие цветов: от присутствия в воспринимаемой натуре теплого цвета на сетчатке глаз возникает и впечатление холодного, хотя в натуре этого нет. Теплохолодность в живописи является естественным явлением и неотъемлемым качеством живописного изображения этюда натуры или картины.

Техника - в области искусства: совокупность специальных навыков и приемов, посредством которых исполняется художественное произведение. Понятию «техника» в узком смысле слова обычно соответствует прямой, непосредственный результат работы художника специальным материалом и инструментом, умение использовать художественные возможности этого материала; в более широком значении это понятие охватывает и соответствующие элементы изобразительного характера - передачу вещественности предметов, лепку объемной формы, моделировку пространственных отношений и др. Все без исключения технические средства должны приводить к известному, хотя бы скромному художественному результату.

Технические средства искусства не остаются нейтральными по отношению к содержанию. Основные особенности реалистической техники обусловлены прежде всего ее подчиненностью идейно-образному строю произведения.

Т ехника живописи - см. масляная живопись, акварель, гуашь, темпера, клеевая живопись, пастель, энкаустика, фреска, мозаика.

Тон (без сопровождения словом «цветовой») - в терминологии художников равнозначен понятию светлоты цвета (краски). Любой хроматический или ахроматический цвет может иметь различную светлоту. Можно сказать о тоне в пределах одного цвета, например красного: «светлый тон красной краски» или «темный тон краски». Иногда термин «тон» применяется в отношении к колориту, например «золотистый тон панно», «коричневый тон картины». Художники часто вместо термина «тон» цвета применяют термин «светлота» или «светосила» цвета.

Тональность - термин, обозначающий внешние особенности колорита или светотени в произведениях живописи и графики. Он более употребителен в отношении к цвету и совпадает с термином «гамма цветовая».

Тональный и цветовой масштаб изображения . Передача пропорциональных натуре тоновых и цветовых отношений может осуществляться в разных диапазонах светлоты и насыщенности красок палитры. Это зависит от общего состояния силы освещенности натуры и от удаления ее от рисующего.. Чтобы передать это состояние, перед началом каждой работы с натуры художник предварительно выясняет, какими по силе света и силе цвета будут на этюде светлые и яркие пятна натуры. Самые светлые и самые насыщенные по цвету в натуре предметы художник может взять на этюде или в полную силу светлых и ярких красок палитры, или только в половину их возможностей. Так выдерживается тональный и цветовой масштаб изображения, в котором находят отражения тоновые и цветовые отношения предметов натурной постановки.

Тоновое изображение - изображение с различными тоновыми переходами от света к тени, то есть с участками, имеющими разную силу тона. Типичным примером тонового изображения является фотография, масляный или акварельный рисунок одним цветом (гризайль), а также рисунок карандашом, выполненный приемом тушевки.

Тоновые отношения . Узнавание объемной формы предметов, их материала происходит в нашем сознании на основе зрительного восприятия их светлотных отношений. Поэтому светлотные отношения рисунка художник должен воспроизводить методом подобия. Посредством градаций светотени на объемной форме и передаче пропорциональных натуре тональных отношений между окраской (материалом) предметов художник достигает правдивой объемной моделировки формы, выражения материальности, пространственной глубины и состояния освещенности (тональный рисунок, живопись техникой гризайль).

Фактура - характерные особенности поверхности предметов из различного материала как в натуре, так и в изображении (рельеф красочного слоя мазков). Фактура может быть гладкой, шероховатой, рельефной. Фактура письма во многом зависит от свойств красочного материала, от особенностей объекта натуры, которые изображает художник, а также от поставленной задачи и материала исполнения. В акварели фактура во многом зависит от поверхности бумаги. В фактуре письма проявляется индивидуальный почерк художника.

Фас (анфас) - лицевая сторона, вид спереди. Этот термин показывает, что модель (голова человека или предмет) расположена фронтально, параллельно плоскости картины.

Фон - любая среда или плоскость, находящиеся за объектом изображения.

Форма - 1) внешний вид, очертание; предполагает наличие объемности, конструкции, пропорции; 2) в изобразительном искусстве художественная форма - это художественные средства, служащие для создания образа, раскрытия содержания (см. содержание и форму).

Формализм - общее обозначение многочисленн*>1Х антиреалистических школ и направлений в изобразительном искусстве: кубизм, футуризм, конструктивизм, сюрреализм, супрематизм, пуризм, дадаизм, абстракционизм, поп-арт и пр. Все эти разновидности формализма основываются на противоестественном отделении формы искусства от содержания, на признании независимости и самостоятельности формы, ошибочно претендуя на то, чтобы путем различных комбинаций «чистых» линий или цветов создавать произведения искусства. Формалистическое изображение грубо искажает действительность, утрачивает способность образного познания мира, иногда превращается в бессмысленные, шарлатанские эксперименты.

Формат - форма плоскости, на которой выполняется изображение. Он обусловлен общими очертаниями натуры, отношением высоты к ширине. Выбор формата зависит от содержания и соответствует композиции изображения. Для образного строя формат имеет существенное значение.

Фреска - важнейшая техническая разновидность монументальной живописи, применяющая известь в качестве основного связующего вещества.

Цвет в живописи. Цвет вообще - это свойство предметов вызывать определенное зрительное ощущение в соответствии со спектральным составом отраженных лучей. В обыденной жизни за каждым предметом или объектом закрепляется какой-то один определенный цвет. Такой цвет называют предметным или локальным (трава - зеленая, небо - голубое, морская вода - синяя и т. д.). У начинающих живописцев, как правило, преобладает предметное видение цвета, что приводит к дилетантской раскраске. В живописном отношении правильно изобразить предмет можно только в том случае, если передавать не предметный цвет, а цвет, измененный освещением и окружающей средой. Предметный цвет изменяется при усилении и ослаблении силы света. Он изменяется также от спектрального состава освещения. Среда, в которой находится предмет, тоже отражает цветовые лучи, которые, попав на поверхность других предметов, образуют на них цветные рефлексы. Цвет меняется и от контрастного взаимодействия. Таким образом, цвет предмета всегда представляет собой мозаику, составленную из цветных и светотеневых пятен (рефлексов и бликов), и называется он в этом случае не предметным, а обусловленным. Именно такой цвет является одним из основных изобразительных средств реалистической живописи.

Принято считать, что цвет сам по себе может оказывать некоторые воздействия на человека. Иногда думают, что темные и светлые тона создают бодрое настроение; серые и черные вызывают чувство уныния и т. д. В психологии на этот счет ведутся исследования и эксперименты, однако определенных закономерностей в этом деле все еще не выявлено. Художник-живописец не использует указанные выше знач’ения цвета. Общего правила эмоционального воздействия колорита на «разные случаи» у него не существует. Совершенно не обязательно решать картину в темном или суровом колорите, если тема ее трагическая или грустная, а для радостных сюжетов не обязателен яркий колорит. Например, сюжеты картин Сурикова «Меншиков в Березове» и «Боярыня Морозова» посвящены трагической судьбе людей сильной воли и убеждений. В колорите первой картины преобладают темные тона. Вторая картина построена на богатых цветовых сочетаниях пленэрной живописи зимнего пейзажа, ярких одежд толпы, праздничной «ковровости» колорита. Характер натурного сюжета, состояние освещенности обусловили и колорит этих работ. Таким образом, колорит картины создается системой цветовых отношений, направленных на изображение реальных жизненных условий и обстановки. Цвет является средством изображения объемной формы предмета, ее материальности, пространственных качеств, колористического состояния освещенности натуры, и только раскрывая таким образом смысловое содержание картины, он и оказывает необходимое эмоциональное воздействие.

Цветовое единство и родство красок. Цвет освещения, его спектральный состав, соответствующим образом влияет на разнообразные краски предметов и объектов природы, подчиняет их определенной гамме. В результате получается колористическое единство цветов. Правдивое отражение этих качеств делает этюд с натуры особенно правдивым и гармоничным в живописном отношении.

Цветовые отношения - различия цветов натуры по цветовому тону (оттенку), светлоте и насыщенности. В натуре цвет всегда воспринимается в отношениях с окружающими его цветами, с которыми он находится в строгом взаимодействии и зависимости. Поэтому цветовые отношения этюда должны передаваться пропорционально цветовым отношениям натуры. В этом заключается закон колористического переложения красок видимой натуры на диапазон красок палитры, обусловливается он психофизиологией нашего зрительного восприятия и мышления.

Целостность изображения - результат работы с натуры методом отношений (сравнений) при цельном видении натуры, в результате чего художник избавляется от таких недостатков рисунка или этюда, как дробность и пестрота.

Цельность восприятия - умение художника видеть предметы натурной постановки одновременно, все сразу. Только в результате цельного зрительного восприятия можно правильно определить пропорции предметов, тоновые и цветовые отношения и добиться целостности изображения натурной постановки. В цельности восприятия заключается профессиональное умение видеть и «постановка глаза» художника.

Существует ряд советов, как практически воспринимать натуру цельно: 1) в момент наблюдения, при определении цветовых отношений прищурить или «распустить» глаза на всю натуру, 2) П. П. Чистяков советовал «мысленно иметь перед собой как бы стекло плоское, оно дает отношения», 3) Р. Фальк для цельности видения рекомендовал вырезать в куске картона прямоугольное отверстие (2X1 см) и смотреть на натуру в плоскости этого окошка (глаз получает при этом целостный живописный строй основных цветовых отношений натуры, похожий на мозаику из драгоценных камней); 4) воспринять натуру цельно и понять ее цветовые отношения можно также с помощью «черного зеркала» (если закрасить одну сторону прозрачного стекла черной краской, то получим зеркало, в котором при ярком солнечном освещении можно рассматривать объекты пейзажа в пониженной яркости. В таком зеркале предметы отражаются в одной плоскости в уменьшенном виде, их можно охватить взором все одновременно. Это позволит точнее уловить тональные и цветовые отношения натуры).

Экстерьер (в противоположность интерьеру) - изображение наружного вида здания.

Энкаустика - восковая живопись - малоупотребительная в настоящее время разновидность живописной техники, основанная на применении воска в качестве связующего вещества. Лучший по результатам и прочности способ восковой живописи - античная энкаустика. Достоинства ее заключаются в исключительных качествах специально приготовленного воска, который почти не поддается воздействию времени или сырости, никогда не дает трещин и сохраняет неизменным свой цвет.

Эскиз - подготовительный набросок этюда или картины. В процессе работы с натуры эскизы используются в качестве вспомогательного материала; в них разрабатываются варианты композиций листа бумаги или холста. Эскизы выполняют как в виде беглых карандашных зарисовок, так и в материале.

Этюд - изображение вспомогательного характера ограниченного размера, выполненное с натуры ради тщательного ее изучения. Посредством этюда художник совершенствует свое профессиональное мастерство. Основной целью этюдной работы всегда остается правдивое и живое воплощение живописного замысла, создание картины. В реалистическом искусстве этюд всегда выполняет вспомогательную роль.

Этюдность является результатом переоценки роли этюда, она неизбежно ведет к обеднению идейно-образного содержания. Принято считать, что этюдность порождена импрессионизмом, ограничивающим деятельность живописца беглой работой с натуры, подменой этюдом картины.

Эффект Пуркине - изменение относительной яркости цветов при усилении или ослаблении освещения. Например, днем сильной кажется относительная яркость красного и желтого, а в сумерки - зеленого и синего цветов. Дело здесь в том, что днем при нормальном освещении наш глаз видит посредством одних клеток сетчатки глаза, так называемых колбочек, а при очень слабом уже посредством других - палочек. Колбочки более чувствительны к желтому и красному цвету, тогда как палочки - к сине-зеленому. Еще Леонардо да Винчи замечал: «Зеленый и голубой усиливают свои цвета в полутени, а красный и желтый выигрывают в цвете в самых освещенных местах».

Живопись – одно из древних искусств, которое на протяжении многих веков прошло эволюцию от наскальных росписей палеолита, до новейших течений XX и уже даже XXI века. Это искусство родилось практически с появлением человечества. Древние люди, даже не осознав полностью себя человеком, почувствовали необходимость изображать окружающий мир на поверхности. Они рисовали всё, что видели: животных, природу, охотничьи сцены. Для рисования они использовали что-то похожее на краски, сделанные из натуральных материалов. Это были земляные краски, древесный уголь, чёрная сажа. Кисточки делали из волос животных, либо просто рисовали пальцами.

В результате изменений возникали новые виды и жанры живописи. За древним периодом последовал период Античности. Возникло стремление живописцев и художников к воспроизведению реальной окружающей жизни, таковой, какова она видится человеку. Стремление к точности передачи вызвало зарождение основ перспективы, основ светотеневых построений различных изображений и исследование этого художниками. И они, в первую очередь, изучали то, как можно изобразить объёмное пространство на плоскости стены, во фресковой живописи. Некоторые произведения искусства, такие как объёмное пространство, светотени, стали использовать для украшения помещений, центров религии и погребения.

Следующим важным периодом в прошлом живописи является Средневековье. В это время живопись была более религиозного характера, и мировоззрение стало отражаться на искусстве. Творчество художников было направлено на иконопись и другие мелодии религии. Основными важными моментами, которые должен был подчеркнуть художник, было не столько точное отображение реальности, сколько передача духовности даже в самых различных живописных произведениях. Полотна мастеров того времени поражали своей выразительностью контуров, колоритностью и красочностью. Живопись средневековья кажется нам плоскостной. Все персонажи художников того времени находятся на одной линии. И поэтому многие произведения кажутся нам несколько стилизованными.

Период серого Средневековья сменил более яркий период Ренессанса. Эпоха Возрождения вновь внесла перелом в историческое развитие этого искусства. Новые настроения в обществе, новое мировоззрение стали диктовать художнику: какие же аспекты в живописи раскрывать более полно и ясно. Жанры живописи, такие как портрет и пейзаж, станут независимыми стилями. Художники выражают эмоции человека и его внутренний мир через новые способы живописи. На XVII и XVIII век приходится ещё более серьёзный рост живописи. В этот период католическая церковь теряет свою значимость, и художники в своих произведениях всё чаще отображают истинные виды людей, природы, бытовой и обыденной жизни. В этот период также формируются такие жанры, как – барокко, рококо, классицизм, маньеризм. Возникает романтизм, который позже сменяется более эффектным стилем - импрессионизмом.

В начале ХХ века живопись кардинально меняется и появляется более новое направление современного искусства – абстрактная живопись. Идея этого направления в том, чтобы передать согласие между человеком и искусством, создать гармоничность в сочетаниях линий и цветовых бликов. Это искусство не имеющее предметности. Она не преследует точной передачи реального образа, а наоборот – передаёт то, что в душе художника, его эмоции. Важной ролью для этого вида искусства являются формы и цвета. Суть её заключается в том, чтобы по-новому передать ранее знакомые предметы. Здесь художникам предоставляется полная свобода своих фантазий. Это и дало толчок к зарождению и развитию современных направлений, таких как авангардизм, андеграунд, абстракционизм. С конца ХХ века и по настоящее время живопись постоянно меняется. Но, несмотря на всё новые достижения и современные технологии, художники всё-таки остаются верны классическому искусству – масляной и акварельной живописи, творят свои шедевры при помощи красок и холстов.

Наталия Мартыненко

История изобразительного искусства

История живописи - бесконечная цепочка, начавшаяся с самых первых сделанных картин. Каждый стиль вырастает из стилей, которые были перед ним. Каждый великий художник добавляет что-то к достижениям более ранних художников и влияет на более поздних художников.

Мы можем наслаждаться живописью за её красоту. Его линии, формы, цвета и состав (расположение частей) могут нравиться нашим чувствам и задерживаться в наших воспоминаниях. Но наслаждение искусством возрастает, когда мы узнаем, когда и почему и как оно было создано.

На историю живописи повлияли многие факторы. География, религия, национальные особенности, исторические события, разработка новых материалов - все это помогает формировать видение художника. На протяжении всей истории живопись отражала меняющийся мир и наши представления об этом. В свою очередь, художники предоставили одни из лучших записей о развитии цивилизации, иногда раскрывая больше, чем письменное слово.

Доисторическая живопись

Пещерные жители были самыми ранними художниками. Цветные рисунки животных, датируемые от 30 000 до 10 000 лет до нашей эры, были найдены на стенах пещер на юге Франции и в Испании. Многие из этих рисунков удивительно хорошо сохранились, потому что пещеры были запечатаны на протяжении многих веков. Ранние люди рисовали диких животных, которых они видели вокруг. Очень грубые человеческие фигуры, сделанные в жизненных позициях, были найдены в Африке и на востоке Испании.

Пещерные художники заполняли стены пещеры рисунками в богатых ярких тонах. Некоторые из самых красивых картин находятся в пещере Альтамира, в Испании. Одна деталь показывает раненного бизона, больше не способного стоять - вероятно, жертву охотника. Он окрашен в красновато-коричневый цвет и очерчен просто, но умело, чёрным. Пигменты, которые использовали пещерные художники - охра (оксиды железа, различающиеся по цвету от светло-желтого до темно-оранжевого) и марганец (тёмный металл). Они измельчались в мелкий порошок, смешивались со смазкой (возможно, с жирным маслом), и наносились на поверхность какой-то щёткой. Иногда пигменты приобретали форму палочек, похожих на мелки. Жир, смешанный с порошкообразными пигментами, делал лакокрасочную жидкость, а частицы пигмента склеивались. Жители пещеры делали щётки из животных волосков или растений, а острые инструменты из кремния (для рисования и царапин).

Ещё 30 000 лет назад люди изобрели основные инструменты и материалы для живописи. Методы и материалы были усовершенствованы и улучшены в последующие столетия. Но открытия пещерного жителя остаются основными для живописи.

Египетская и месопотамская живопись (3400–332 до н.э.)

Одна из первых цивилизаций появилась в Египте. Из письменных записей и искусства, оставленного египтянами, известно многое об их жизни. Они считали, что тело должно быть сохранено, чтобы душа могла жить после смерти. Великие пирамиды были сложными гробницами для богатых и могущественных египетских правителей. Многое египетское искусство было создано для пирамид и гробниц царей и других важных людей. Чтобы быть абсолютно уверенным, что душа будет продолжать существовать, художники создавали изображения мёртвого человека в камне. Они также воспроизводили сцены из жизни человека в настенных росписях в погребальных камерах.

Египетские техники изобразительного искусства оставались неизменными на протяжении веков. В одном способе акварельная краска наносилась на глинистые или известняковые поверхности. В другом процессе контуры вырезались на каменных стенах и окрашивались акварельными красителями. Материал, называемый гуммиарабиком, вероятно, использовался для приклеивания краски к поверхности. К счастью, сухой климат и запечатанные гробницы мешали некоторым из этих акварельных картин разрушаться от сырости. Много охотничьих сцен со стен гробниц в Фивах, датируемых около 1450 г. до н.э., хорошо сохранились. Они показывают, как охотники преследуют птиц или рыбу рыбу. Эти сюжеты всё ещё можно идентифицировать сегодня, потому что они были аккуратно и тщательно окрашены.

Месопотамская цивилизация, которая продолжалась с 3200 по 332 год до нашей эры, была расположена в долине между реками Тигр и Евфрат на Ближнем Востоке. Дома в Месопотамии строились, в основном, из глины. Поскольку глина смягчается дождём, их здания рушились в пыль, уничтожая любые настенные картины, которые, возможно, были бы очень интерсными. Что сохранилось, это украшенная керамика (окрашенная и обжигаемая) и красочные мозаики. Хотя мозаики нельзя рассматривать как живопись, они часто оказывают на неё влияние.

Эгейская цивилизация (3000–1100 до н.э.)

Третьей великой ранней культурой была Эгейская цивилизация. Эгейцы жили на островах у берегов Греции и на полуострове Малой Азии примерно в то же время, что и древние египтяне и месопотамцы.

В 1900 году археологи начали выкапывать дворец короля Миноса в Кноссе на острове Крит. Раскопки открыли произведения искусства, написанные около 1500 г. до н.э. в необычно свободном и грациозном стиле того времени. Очевидно, критяне были беззаботными, любящими природу людьми. Среди их любимых тем в искусстве были морская жизнь, животные, цветы, спортивные игры, массовые процессии. В Кноссе и других эгейских дворцах картины были выполнены на мокрых гипсовых стенах красками из минеральных веществ, песка и земляных охр. Краска пропиталась влажной штукатуркой и стала постоянной частью стены. Эти картины позже назвали фресками (от итальянского слова «свежие» или «новые»). Критянам нравились яркие жёлтые, красные, синие и зёленые тона.

Греческая и римская классическая живопись (1100 г. до н.э. – 400 г. н.э.)

Древние греки украшали стены храмов и дворцов фресками. Из древних литературных источников и из римских копий греческого искусства можно сказать, что греки рисовали маленькие картины и делали мозаики. Известны имена греческих мастеров и немного из их жизни и работ, хотя очень мало греческой живописи пережило века и последствия войн. Греки не много писали в гробницах, поэтому их работы не были защищены.

Окрашенные вазы - это всё, что сохранилось от греческой живописи сегодня. Изготовление керамики было большой отраслью в Греции, особенно в Афинах. Контейнеры пользовались большим спросом, поставлялись на экспорт, так же как масло и мёд, и для бытовых целей. Самая ранняя вазочная живопись была выполнена в геометрических фигурах и орнаментах (1100-700 до н.э.). Вазы были украшены и человеческими фигурами в коричневой глазури на светлой глине. К VI веку вазочные художники часто рисовали чёрные человеческие фигуры на естественной красной глине. Детали были вырезаны на глине острым инструментом. Это позволило красному проявиться в глубинах рельефа.

Красно-фигурный стиль в конечном итоге заменил чёрный. Т. е. наоборот: фигуры красные, а чёрным стал фон. Преимущество этого стиля заключалось в том, что художник мог использовать кисть для создания контуров. Щётка даёт более свободную линию, чем металлический инструмент, используемый в чёрных фигурных вазах.

Римские настенные росписи были найдены главным образом на виллах (загородных домах) в Помпеях и Геркулануме. В 79 году нашей эры эти два города были полностью погребены извержением вулкана Везувий. Археологи, которые раскопали этот район, смогли много узнать о древнеримской жизни из этих городов. Почти на каждом доме и вилле в Помпеях на стенах были картины. Римские живописцы тщательно готовили поверхность стены, нанося смесь из мраморной пыли и штукатурки. Они полировали поверхности до качества мраморного покрытия. Многие из картин являются копиями греческих картин IV века до н.э. Изящные позы фигур, написанных на стенах Виллы Мистерий в Помпеях, вдохновили художников XVIII века, когда город был раскопан.

Греки и римляне также писали портреты. Небольшое количество из них, в основном портреты мумий, выполненные в греческом стиле египетскими художниками, сохранились вокруг Александрии, на севере Египта. Основанная в IV веке до нашей эры Александром Великим из Греции, Александрия, стала ведущим центром греческой и римской культуры. Портреты писались в технике энкаустики по дереву и устанавливались в виде мумии после смерти изображённого человека. Энкаустические картины, сделанные в краске, смешанной с расплавленным пчелиным воском, хранятся очень долго. Действительно, эти портреты всё ещё выглядят свежими, хотя они были сделаны ещё во втором веке до нашей эры.

Ранняя христианская и византийская живопись (300–1300 г.г.)

Римская империя пошла на спад в 4 веке н.э. В то же время набирало силу христианство. В 313 году римский император Константин официально признал религию и сам принял христианство.

Возникновение христианства сильно повлияло на искусство. Художникам было поручено украсить стены церквей фресками и мозаикой. Они делали панно в церковных часовнях, иллюстрировали и украшали церковные книги. Под влиянием Церкви, художники должны были как можно яснее сообщать об учениях христианства.

Ранние христиане и византийские художники продолжили технику мозаики, о которой они узнали от греков. Маленькие плоские кусочки цветного стекла или камня устанавливались на влажный цемент или штукатурку. Иногда использовались другие твёрдые материалы, такие как кусочки испечённой глины или скорлупа. В итальянской мозаике цвета особенно глубоки и полны. Итальянские художники делали фон кусками позолоченного стекла. Они изображали человеческие фигуры в богатых цветах на фоне сверкающего золота. Общий эффект получался плоским, декоративным и не реалистичным.

Мозаики византийских художников часто были ещё менее реалистичными и ещё более декоративными, чем мотивы ранних христиан. «Византийское» - это название, данное стилю искусства, которое развивалось вокруг древнего города Византии (ныне Стамбул, Турция). Мозаичная техника идеально соответствовала византийскому вкусу для великолепно украшенных церквей. Знаменитые мозаики Феодоры и Юстиниана, изготовленные около 547 г. н.э., демонстрируют вкус к богатству. Ювелирные изделия на фигурах блестят, а цветные придворные платья сверкают на фоне блестящего золота. Византийские художники также использовали золото на фресках и панелях. Золото и другие драгоценные материалы использовались в средние века, чтобы отделить духовные предметы от повседневного мира.

Средневековая живопись (500–1400 г.г.)

Первая часть средневековья, примерно с 6 по 11 века нашей эры, обычно называют Тёмными. В это время беспорядков искусство хранилось в основном в монастырях. В V веке н.э. варранские племена из Северной и Центральной Европы бродили по континенту. В течение сотен лет они доминировали в Западной Европе. Эти люди произвели искусство, в котором главным элементом является узор. Они особенно увлекались структурами переплетающихся драконов и птиц.

Лучшее из кельтского и саксонского искусства можно найти в рукописях 7 и 8 веков. Книжные иллюстрации, освещение и миниатюрная живопись, практикуемая с позднего римского времени, получила распространение в средние века. Освещение - это украшение текста, заглавных букв и полей. Использовались золотые, серебряные и яркие цвета. Миниатюра - это маленькая картинка, часто портрет. Первоначально этот термин использовался для описания декоративного блока вокруг начальных букв в рукописи.

Карл Великий, который был коронован императором Священной Римской империи в начале IX века, пытался возродить классическое искусство позднего римского и раннехристианского периодов. Во время его правления художники миниатюр подражали классическому искусству, но они также передавали через свои предметы личные чувства.

Очень мало росписи стен сохранилось со средневековья. В церквях, построенных во время романского периода (11-13 вв.), было несколько великих фресок, но большинство из них исчезло. В церквях готического периода (XII-XVI вв.) не было достаточно места для настенных росписей. Книжная иллюстрация была главной работой готического живописца.

Среди лучших иллюстрированных рукописей были книги часов - сборники календарей, молитв и псалмов. Страница из итальянской рукописи показывает тщательно оформленные инициалы и мелко детализированную маргинальную сцену святого Георгия, убивающего дракона. Цвета блестящие и похожи на драгоценные камни, как в витражном стекле, а золото мерцает над страницей. Изящно тонкие листовые и цветочные конструкции граничат с текстом. Художники, вероятно, использовали увеличительные стекла для выполнения такой сложной детализированной работы.

Италия: Чимабуэ и Джотто

Итальянские художники в конце XIII века всё ещё работали в византийском стиле. Человеческие фигуры были сделаны плоскими и декоративными. Лица редко имели выражение. Тела были невесомыми и, казалось, плавали, а не стояли твёрдо на земле. Во Флоренции художник Чимабуэ (1240-1302) Пытался модернизировать некоторые из старых византийских методов. Ангелы в «Мадонне на престоле» более активны, чем обычно на картинах того времени. Их жесты и лица показывают немного больше человеческих чувств. Чимабуэ добавил к своим картинам новое чувство монументальности или великолепия. Однако, он продолжал следовать многим византийским традициям, таким как золотой фон и узорное расположение предметов и фигур.

Это был великий флорентийский художник Джотто (1267-1337), который фактически порвал с византийской традицией. Его фресковая серия в Часовне Арены в Падуе оставляет византийское искусство далеко позади. В этих сценах из жизни Марии и Христа есть настоящие эмоции, напряжение и натурализм. Все качества человеческого тепла и симпатии присутствуют. Люди не кажутся совершенно нереальными или небесными. Джотто заштриховал контуры фигур, и он поместил глубокие тени в складки одежд, чтобы дать ощущение округлости и прочности.

Для своих небольших панелей Джотто использовал чистую яичную темперу, среду, которая была усовершенствована флорентийцами в 14-м веке. Ясность и яркость его цветов должны были сильно повлиять на людей, привыкших к тёмным цветам византийских панелей. Картины темперой создают впечатление, что на сцену падает мягкий дневной свет. Они имеют почти плоский вид, в отличие от глянца масляной живописи. Яичная темпера оставалась главной краской, пока масло почти полностью не заменило её в 16 веке.

Поздняя средневековая живопись к северу от Альп

В начале XV века художники в Северной Европе работали в стиле, совершенно отличном от итальянской живописи. Северные художники достигли реализма, добавив к своим картинам бесчисленные подробности. Все волосы были изящно очерчены, и каждая деталь драпировки или настила пола была точно установлена. Изобретение масляной живописи упростило детализацию деталей.

Фламандский художник Ян ван Эйк (1370-1414) внёс свой большой вклад в развитие масляной живописи. Когда используется темпера, цвета нужно наносить отдельно. Они не могут хорошо затенять друг друга, потому что краска быстро сохнет. С маслом, которое медленно сохнет, художник может достичь более сложных эффектов. Его портреты 1466-1530 г. г. были исполнены в фламандской масляной технике. Все детали и даже зеркальное отражение - чёткие и точные. Цвет прочный и имеет твёрдую, эмалеобразную поверхность. Грунтованная деревянная панель, была приготовлена ​​так же, как Джотто готовил свои панели для темперы. Ван Эйк создал картину слоями тонкого цвета, называемого глазурью. Темпера, вероятно, использовалась в оригинальной подлеске и для бликов.

Итальянский ренессанс

В то время, когда ван Эйк работал на Севере, итальянцы переходили в золотой век искусства и литературы. Этот период называется Ренессансом, что означает возрождение. Итальянские художники были вдохновлены скульптурой древних греков и римлян. Итальянцы хотели возродить дух классического искусства, который прославляет человеческую независимость и благородство. Художники эпохи Возрождения продолжали рисовать религиозные сцены. Но они также подчёркивали земную жизнь и достижения людей.

Флоренция

Достижения Джотто в начале 14 века положили начало Ренессансу. Итальянские художники XVII века его продолжили. Мазаччо (1401-1428) был одним из лидеров первого поколения художников эпохи Возрождения. Он жил во Флоренции, богатом торговом городе, где начиналось искусство эпохи Возрождения. К моменту его смерти в конце двадцатых годов он произвёл революцию в живописи. В своей знаменитой фреске «The Tribute Money» он ставит солидные скульптурные фигуры в пейзаж, который, кажется, уходит далеко вдаль. Мазаччо, возможно, учился перспективе у флорентийского архитектора и скульптора Брунеллески (1377-1414).

Техника фрески была очень популярна в эпоху Возрождения. Она особенно подходила для больших росписей, потому что цвета на фреске сухие и идеально плоские. Изображение можно просматривать под любым углом без бликов или отражений. Также фрески обладают доступностью. Обычно, у художников было несколько помощников. Работы выполнялись по частям, потому что их нужно было закончить, пока штукатурка была ещё влажной.

Полный «трёхмерный» стиль Мазаччо был типичным для нового прогрессивного направления 15-го века. Стиль Фра Анджелико (1400-1455) представляет собой более традиционный подход, используемый многими художниками раннего Ренессанса. Он был менее озабочен перспективой и больше интересовался декоративным рисунком. Его «Коронация Богородицы» - пример темперы в самом красивовом исполнении. Весёлые, насыщенные цвета на фоне золота и акцентированные золотом. Картина выглядит как увеличенная миниатюра. Длинные узкие фигуры имеют мало общего с Мазаччо. Композиция организована в широких линиях движения, кружащихся вокруг центральных фигур Христа и Марии.

Ещё одним флорентийцем, который работал в традиционном стиле, был Сандро Боттичелли (1444-1515). Текучие ритмические линии соединяют участки «Весны» Боттичелли. Фигура Весны, переносимая западным ветром, проносится справа. Три грации танцуют в кругу, развевающиеся складки их платьев и изящные движения их рук выражают ритмы танца.

Леонардо да Винчи (1452-1519) учился живописи во Флоренции. Он известен своими научными исследованиями и изобретениями, а также своими картинами. Очень немногие его картины сохранились, отчасти потому, что он часто экспериментировал с разными способами создания и применения краски, а не с использованием проверенных и достоверных методов. «Тайная вечеря» (написанная между 1495 и 1498 годами) была сделана в масле, но, к сожалению, Леонардо написал её на влажной стене, из-за которой краска раскололась. Но даже в плохом состоянии (до реставрации) картина обладала способностью возбуждать эмоции у всех, кто это видит.

Одной из отличительных особенностей стиля Леонардо был его метод изображения огней и темноты. Итальянцы называли его полутёмное освещение «сфумато», что означает дымчатый или туманный. Фигуры в «Мадонне из скал» завуалированы в атмосфере сфумато. Их формы и черты мягко затенены. Леонардо достиг этих эффектов, используя очень тонкие градации светлых и тёмных тонов.

Рим

Кульминация ренессансной живописи произошла в 16 веке. В то же время центр искусства и культуры переместился из Флоренции в Рим. Под папой Сикстом IV и его преемником, Юлием II, город Рим был славно и богато украшен художниками эпохи Возрождения. Некоторые из самых амбициозных проектов этого периода были начаты во времена папства Юлия II. Юлий поручил великому скульптору и живописцу Микеланджело (1475-1564) расписать потолок Сикстинской капеллы и вырезать скульптуру для гробницы Папы. Юлий также пригласил живописца Рафаэля (1483-1520) помочь украсить Ватикан. С помощниками Рафаэль расписывал четыре комнаты квартир Папы в Ватиканском дворце.

Микеланджело, флорентиец по рождению, разработал монументальный стиль живописи. Фигуры в его картине настолько прочные и объёмные, что они выглядят как скульптуры. Сикстинский потолок, который занял у Микеланджело 4 года, состоит из сотен человеческих фигур из Ветхого Завета. Чтобы выполнить эту грандиозную фреску, Микеланджело пришлось ложиться на спину на леса. Задумчивое лицо Иеремии среди пророков, которые окружают потолок, некоторые эксперты считают автопортретом Микеланджело.

Рафаэль приехал во Флоренцию из Урбино ещё очень молодым человеком. Во Флоренции он впитал идеи Леонардо и Микеланджело. К тому времени, когда Рафаэль отправился в Рим для работы в Ватикане, его стиль стал одним из величайших по красоте исполнения. Он особенно любил свои прекрасные портреты Мадонны с младенцем. Они были воспроизведены тысячами, их можно увидеть повсюду. Его «Мадонна дель Грандука» успешна благодаря своей простоте. Безвременная в своей мирности и чистоте, она так же привлекательна для нас, как и для итальянцев эпохи Рафаэля.

Венеция

Венеция была главным северным итальянским городом эпохи Возрождения. Его посетили художники из Фландрии и других регионов, которые знали о фламандских экспериментах с масляной краской. Это стимулировало раннее использование масляной техники в итальянском городе. Венецианцы научились писать картины на плотно вытянутом холсте, а не на деревянных панелях, обычно используемых во Флоренции.

Джованни Беллини (1430-1515) был величайшим венецианским художником 15 века. Он также был одним из первых итальянских художников, кто использовал масло на холсте. Джорджоне (1478-1151) и Тициан (1488-1515), который является самым известным из всех венецианских художников, были учениками в мастерской Беллини.

Мастер масляной техники Тициан писал огромные холсты в тёплых, насыщенных цветах. В своих зрелых картинах он пожертвовал деталями для создания потрясающих эффектов, например как в «Мадонне Песаро». Он использовал большие кисти, чтобы делать крупные мазки. Его цвета особенно богаты, потому что он терпеливо создавал глазури контрастных цветов. Обычно глазури наносили на коричневую темперированную поверхность, что придавало картине единый тон.

Ещё одним великим венецианским художником XVI века был Тинторетто (1518-1594). В отличие от Тициана, он обычно работал непосредственно на холсте без предварительных эскизов или контуров. Он часто искажал свои формы (выкручивал их) ради композиции и драмы сюжета. Его техника, которая включает в себя широкие мазки и драматические контрасты света и темноты, кажется очень современной.

Художник Кириакос Теотокопулос (1541-1614) был известен как Эль Греко («Греческий»). Рожденный на острове Крит, который был оккупирован венецианской армией, Эль Греко обучался итальянскими художниками. Будучи молодым человеком, он отправился учиться в Венецию. Объединённое влияние византийского искусства, которое он видел вокруг себя на Крите, и итальянского искусства эпохи Возрождения, сделали работу Эль Греко выдающейся.

В своих картинах он искажал естественные формы и использовал ещё более странные, более неземные цвета, чем Тинторетто, которым он восхищался. Позже, Эль Греко перебрался в Испанию, где мрачность испанского искусства повлияла на его работу. В его драматическом видении Толедо, шторм бушует над смертельной тишиной города. Холодный блюз, зелень и сине-белые оттенки разносят холод над пейзажем.

Ренессанс во Фландрии и Германии

Золотым веком живописи во Фландрии (ныне частью Бельгии и северной Франции) был 15-й век, время ван Эйка. В XVI веке многие фламандские художники подражали итальянским художникам эпохи Возрождения. Однако некоторые фламандцы продолжали фламандскую традицию реализма. Тогда распространилась жанровая живопись - сцены из повседневной жизни, которые иногда были очаровательными, а иногда и фантастическими. Иероним Босх (1450-1515), предшествовавший жанровым художникам, имел необычайно яркое воображение. Он придумал всевозможных странных, гротескных существ для «The Temptation of St. Anthony». Питер Брейгель Старший (1525-1569) также работал во фламандской традиции, но добавил к своим жанровым сценам перспективу и другие характеристики Ренессанса.

Альбрехт Дюрер (1471-1528), Ганс Гольбейн Младший (1497-1543) и Лукас Кранах Старший (1472-1553) были тремя наиболее важными немецкими художниками XVI века. Они многое сделали для смягчения мрачного реализма ранней немецкой живописи. Дюрер как минимум один раз имел визит в Италию, где он был впечатлён картинами Джованни Беллини и других северных итальянцев. Благодаря этому опыту он привил немецкой живописи знание перспективы, чувство цвета и света и новое понимание композиции. Гольбейн усвоил ещё больше итальянских достижений. Его чувствительный рисунок и способность выбирать только самые важные детали сделали его мастером-портретистом.

Барочная живопись

XVII век известен в искусстве как период Барокко. В Италии художники Караваджо (1571-1610) и Аннибале Карраччи (1560-1609) представляли две контрастные точки зрения. Караваджо (настоящее имя Микеланджело Мериси) всегда черпал вдохновение непосредственно из реалий жизни. Одна из его главных проблем заключалась в том, чтобы скопировать природу как можно точнее, не прославляя её каким-либо образом. Карраччи, с другой стороны, следовал идеалу красоты эпохи Возрождения. Он изучал древнюю скульптуру и работы Микеланджело, Рафаэля и Тициана. Стиль Караваджо восхищал многих художников, особенно испанца Риберу и молодого Веласкеса. Карраччи вдохновил Николу Пуссена (1594-1665), ивестного французского живописца XVII века.

Испания

Диего Веласкес (1599-1660), придворный живописец испанского короля Филиппа IV, был одним из величайших из всех испанских художников. Будучи поклонником работ Тициана, он был мастером в использовании богатого, гармоничного цвета. Ни один художник не мог лучше создать иллюзию богатых тканей или кожи человека. Портрет маленького принца Филиппа Проспера показывает это мастерство.

Фландрия

Картины фламандского художника Питера Пауля Рубенса (1577-1640 гг.) Представляют собой воплощение полноцветного стиля барокко. Они разрываются энергией, цветом и светом. Рубенс порвал с фламандской традицией рисовать маленькие картины. Его полотна огромны, наполнены человеческими фигурами. Он получал больше заказов yа большие картины, чем мог бы выполнить. Поэтому он часто рисовал только небольшой цветной эскиз. Затем его помощники переносили эскиз на большой холст и заканчивали картину под руководством Рубенса.

Голландия

Достижения голландского живописца Рембрандта (1606-1669) являются одними из самых выдающихся в истории. У него был замечательный дар - точно поймать и передать человеческие эмоции. Как и Тициан, он долго работал над созданием многослойных картин. Земные цвета - жёлтая охра, коричневая и коричнево-красная - были его фаворитами. Его картины выполнены, в основном, в тёмных тонах. Важное значение тёмных многослойных частей, делают его технику необычной. Акцент передаётся ярким освещением относительно светлых участков.

Ян Вермеер (1632-1675) был в одной из групп голландских художников, которые писали скромные сцены повседневной жизни. Он был мастером в рисовании любых текстур - сатиновых, персидских ковров, хлебных корочек, металла. Общее впечатление от интерьера Вермеера - это солнечная, жизнерадостная комната, наполненная знаковыми бытовыми предметами.

Живопись 18 века

В 18 веке Венеция произвела на свет несколько прекрасных художников. Самым известным был Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770). Он украшал интерьеры дворцов и других зданий грандиозными красочными фресками, представляющими сцены богатства. Франческо Гварди (1712-1793) был очень искусен кистью, всего несколькими пятнами цвета он мог вызвать в воображении идею крошечной фигуры в лодке. Зрелищные виды Антонио Каналетто (1697-1768 гг.) воспевали прошлую славу Венеции.

Франция: стиль Рококо

Во Франции вкус к пастельным цветам и замысловатой отделке в начале 18 века привёл к развитию стиля Рококо. Жан Антуан Ватто (1684-1721), придворный художник короля Людовика XV, а позднее Франсуа Буше (1703-1770) и Жан Оноре Фрагонар (1732-1806) были связаны с трендами Рококо. Ватто писал мечтательные видения, жизнь, в которой всё - веселье. В основе стиля - пикники в парках, лесные вечеринки, где веселые джентльмены и элегантные дамы развлекаются на природе.

Другие художники 18-го века изображали сцены обычной жизни среднего класса. Как и Голландский Вермеер, Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779) ценил простые домашние сюжеты и натюрморты. Его цвета трезвы и спокойны по сравнению с Ватто.

Англия

В XVIII веке англичане впервые разработали отдельную школу живописи. Ядро состояло, в основном, из художников-портретистов, на которых влияли художники венецианского ренессанса. Сэр Джошуа Рейнольдс (1723-1792) и Томас Гейнсборо (1727-1788) являются самыми известными. Рейнольдс, который путешествовал по Италии, следовал идеалам живописи ренессанса. Его портреты, обаятельные и трогательные, не особенно интересны по цвету или текстуре. У Гейнсборо, с другой стороны, был талант к блеску. Поверхности его картин светятся сияющим цветом.

Живопись 19 века

XIX век иногда рассматривается как период, в течение которого начало складываться современное искусство. Одной из важных причин так называемой революции в искусстве в это время было изобретение камеры, которая заставила художников пересмотреть цель живописи.

Более важным событием стало широкое использование заранее изготовленных красок. До 19-го века большинство художников или их помощники делали свои собственные краски путём измельчения пигмента. Ранние коммерческие краски уступали ручным краскам. Художники в конце 19-го века обнаружили, что тёмные синие и коричневые тона более ранних картин в течение нескольких лет становились чёрными или серыми. Они снова начали использовать чистые цвета, чтобы сохранить свою работу, а иногда потому, что пытались более точно отражать солнечный свет в уличных сценах.

Испания: Гойя

Франсиско Гойя (1746-1828) был первым великим испанским художником, появившимся с 17-го века. Как любимый художник испанского двора, он сделал много портретов королевской семьи. Королевские персонажи оснащены элегантной одеждой и прекрасными драгоценностями, но на некоторых их лицах все, что отражается, это тщеславие и жадность. Помимо портретов, Гойя рисовал драматические сцены, такие как Третье мая 1808 года. На этой картине изображено исполнение группой испанских повстанцев французскими солдатами. Смелые контрасты светлых и темных и мрачных цветов, пронизанные красными брызгами, вызывают мрачный ужас зрелища.

Хотя Франция была великим центром искусства в 1800-х годах, английские ландшафтные художники Джон Констебль (1776-1837) и Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (1775-1851) внесли ценный вклад в живопись 19-го века. Оба интересовались живописью света и воздуха, двумя аспектами природы, которые художники XIX века исследовали полностью. Констебль использовал метод, известный как деление, или сломанный цвет. Он использовал контрастные цвета над основным цветом фона. Он часто использовал нож для палитры, чтобы плотно нанести цвет. Картина «Hay Wain» сделала его знаменитым, после показа в Париже в 1824 году. Это простая деревенская сцена сенокоса. Облака дрейфуют над лугами, покрытыми пятнами солнечного света. Картины Тёрнера более драматичны, чем у Констебля, который писал величественные достопримечательности природы - бури, морские пейзажи, пылающие закаты, высокие горы. Часто золотая дымка частично скрывает объекты в его картинах, заставляя их казаться плавающими в бесконечном пространстве.

Франция

Период правления Наполеона и Французская революция ознаменовали появление двух противоположных тенденций во французском искусстве - классицизма и романтизма. Жак Луи Давид (1748-1825) и Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867) были вдохновлены древнегреческим и римским искусством и эпохой Возрождения. Они подчёркивали детали и использовали цвет для создания твёрдых форм. Будучи любимым художником революционного правительства, Давид часто писал исторические события того периода. В своих портретах, таких как мадам Рекамье, он стремился к достижению классической простоты.

Теодор Герико (1791-1824) и романтик Эжен Делакруа (1798-1863) восстали против стиля Давида. Для Делакруа цвет был самым важным элементом в живописи и у него не было терпения для имитации классических статуй. Вместо этого он восхищался Рубеном и венецианцами. Он выбрал красочные, экзотические темы для своих картин, которые сверкают светом и полны движения.

Художники Барбизона также были частью общего романтического движения, которое продолжалось примерно с 1820 по 1850 год. Они работали недалеко от деревни Барбизон на краю леса Фонтенбло. Они черпали вдохновение на природе и заканчивали картины в своих студиях.

Другие художники экспериментировали с повседневными обычными предметами. Ландшафты Жана Батиста Камиля Коро (1796-1875) отражают его любовь к природе, и его этюды человеческого тела показывают своего рода сбалансированное спокойствие. Гюстав Курбе (1819-1877) называл себя реалистом, потому что он изображал мир таким, как видел его - даже его суровую, неприятную сторону. Он ограничил свою палитру всего лишь несколькими мрачными цветами. Эдуар Мане (1832-1883) также брал основу для своих сюжетов из окружающего мира. Люди были потрясены его красочными контрастами и необычными приёмами. На поверхностях его картин часто есть плоская, узорная текстура мазков. Методы Мане по нанесению эффектов света на форму повлияли на молодых художников, особенно импрессионистов.

Работая в 1870-х и 1880-х годах, группа художников, известных как импрессионисты, хотела изображать природу именно так, какой она была. Они пошли намного дальше, чем Констебль, Тёрнер и Мане в изучении эффектов света в цвете. Некоторые из них разработали научные теории цвета. Клод Моне (1840-1926) часто писал один и тот же вид в разное время суток, чтобы показать, как он меняется в разных условиях освещённости. Каким бы ни был объект, его картины состоят из сотен крошечных мазков, расположенных рядом друг с другом, часто в контрастных цветах. На расстоянии штрихи смешиваются, чтобы создать впечатление твёрдых форм. Пьер Огюст Ренуар (1841-1919) использовал методы импрессионизма, чтобы захватить праздник парижской жизни. В его «Танце у Мулен де ла Галетт» люди в ярко окрашенной одежде толпились и весело танцевали. Ренуар написал всю картину мелкими мазками. Точки и штрихи краски создают текстуру на поверхности картины, которая придаёт ей особый вид. Толпы людей, кажется, растворяются в солнечном свете и мерцающем цвете.

Живопись 20-го века

Ряд художников вскоре стали недовольны импрессионизмом. Художники, такие как Пол Сезанн (1839-1906), чувствовали, что импрессионизм не описывает прочность форм в природе. Сезанн любил рисовать натюрморты, потому что они позволяли ему сосредоточиться на форме фруктов или других предметов и их расположении. Объекты его натюрмортов выглядят прочно, потому что он сводил их к простым геометрическим формам. Его техника размещения пятен краски и коротких мазков богатого цвета бок о бок показывает, что он многому научился у импрессионистов.

Винсент Ван Гог (1853-90) и Поль Гоген (1848-1903) отреагировали на реализм импрессионистов. В отличие от импрессионистов, которые говорили, что они объективно рассматривают природу, Ван Гог мало заботился о точности. Он часто искажал объекты, чтобы выразить свои мысли более творчески. Он использовал импрессионистские принципы для помещения контрастных цветов рядом друг с другом. Иногда он сжимал краску с трубок прямо на холст, как в «Поле жёлтой кукурузы».

Гоген не заботился о пятнистом цвете импрессионистов. Он плавно применял цвет в больших плоских областях, которые он отделял друг от друга линиями или тёмными краями. Красочные тропические народы обеспечили большую часть его сюжетов.

Метод Сезанна создания пространства при помощи простых геометрических форм был развит Пабло Пикассо (1881-1973), Жоржем Браком (1882-1963) и другими. Их стиль стал известен как Кубизм. Кубисты рисовали объекты так, как будто их можно было увидеть с нескольких углов сразу или, как если бы их разобрали и собрали на плоском холсте. Часто объекты оказывались не похожими на что-либо существующее в природе. Иногда кубисты вырезали фигуры из ткани, картона, обоев или других материалов и наклеивали их на холст, чтобы сделать коллаж. Текстуры также варьировались, добавляя к краске песок или другие вещества.

Более поздние тенденции заключались в том, чтобы уделять меньше внимания теме. Больший акцент стали получать композиция и техника изображения.