Скачать аудио диктанты по сольфеджио. Музыкальный диктант на уроках сольфеджио

Harpsichord Suite No.5 in D minor

Основные сведения

Музыкант, исполняющий музыкальные произведения как на клавесине, так и на его разновидностях называется клавесинистом .

Происхождение

Самое раннее упоминание инструмента типа клавесина фигурирует в источнике 1397 года из Падуи (Италия), самое раннее известное изображение — на алтаре в Миндене (1425 год). Как солирующий инструмент клавесин сохранялся в обиходе до конца XVIII века. Несколько дольше он использовался для исполнения цифрованного баса, для сопровождения речитативов в операх. Около 1810 года практически вышел из употребления. Возрождение культуры игры на клавесине началось на рубеже XIX-XX веках.

Клавесины XV века не сохранились. Судя по изображениям, это были короткие инструменты с грузным корпусом. Большинство сохранившихся клавесинов XVI века были изготовлены в Италии, где главным центром их производства была Венеция.

Они имели 8` регистр (реже два регистра 8` и 4`), отличались изяществом. Их корпус изготовлялся чаще всего из кипариса. Атака на этих клавесинах была отчетливее, а звук — более отрывистым, чем у позднейших фламандских инструментов.

Важнейшим центром производства клавесинов в Северной Европе был Антверпен, где с 1579 года работали представители семьи Рукерс. Их клавесины имеют более длинные струны и более тяжеловесный корпус, чем итальянские инструменты. С 1590-х в Антверпене производились клавесины с двумя мануалами. Французские, английские, немецкие клавесины XVII века сочетают в себе признаки фламадских и нидерландских моделей.

Сохранились некоторые французские двухмануальные клавесины с корпусом из орехового дерева. С 1690-х во Франции производились клавесины того же типа, что и инструменты фирмы Рукерс. Среди французских клавесинных мастеров выделялась династия Бланше. В 1766 году мастерскую Бланше унаследовал Таскин.

Наиболее значительными английскими производителями клавесинов в XVIII веке были Шуди и семья Киркман. Их инструменты имели облицованный фанерой дубовый корпус и отличались сильным звуком богатого тембра. В Германии XVIII века основным центром производства клавесинов был Гамбург; среди изготовленных в этом городе инструменты с 2` и 16` регистрами, а так же с 3 мануалами. Необычно длинная модель клавесина была разработана Й.Д.Дюлкеном, ведущим нидерландским мастером XVIII века.

Во 2-й половине XVIII века клавесин стал вытесняться фортепиано . Около 1809 фирма Киркман выпустила свой последний клавесин. Инициатором возрождения инструмента стал А.Долмеч. Свой первый клавесин он построил в 1896 в Лондоне и вкоре открыл мастерские в Бостоне, Париже, Хейслмире.

Выпуск клавесинов наладили так же парижские фирмы Плейель и Эрар. Плейель начала производить модель клавесина с металлической рамой, несущей толстые, туго натянутые струны; на инструментах этого типа Ванда Ландовска воспитала целое поколение клавесинистов. Бостонские мастера Фрэнк Хаббард (Hubbard) и Уильям Дайд (Dowd) первыми начали копировать старинные клавесины.

Устройство

Имеет форму продолговатого треугольника. Его струны расположены горизонтально, параллельно клавишам.

На конце каждой клавиши стоит толкачик (или прыгун). На верхнем конце толкачика лангетта в которой закреплен плектр (язычок) из пера (на многих современных инструментах — из пластмассы), чуть выше плектра — демпфер из войлока или мягкой кожи. При нажатии клавиши толкачик поднимается, плектр защипывает струну. Если клавишу отпустить, освобождающий механизм позволит плектру вернуться на место под струну без повтороного защипывания струны. Вибрация струны заглушается демпфером.

Для регистровки, т.е. изменения силы и тембра звука, используются ручные и ножные переключатели. Плавное увеличение и уменьшение громкости на клавесине невозможно. В XV веке диапазон клавесина составлял 3 октавы (в нижней октаве некоторые хроматические ноты отсутствовали); в XVI веке он расширился до 4 октав (C — c«`), в XVIII веке до 5 октав (F` — f«`).

Типичный немецкий или нидерландский клавесин XVIII века имеет 2 мануала (клавиатуры), 2 набора струн 8` и один набор струн 4`(звучащих октавой выше), которые могут использоваться по отдельности или совместно, а так же механизм копуляции мануалов. Ножные и коленные переключатели регистров появились в конце 1750-х. У большинства инструментов есть т.н. лютневый регистр характерного носового тембра (для его получения струны с помощью специального механизма немного приглушаются кочками кожи или войлока).

Композиторы-классики известны всему миру. Каждое имя музыкального гения - неповторимая индивидуальность в истории культуры.

Что такое классическая музыка

Классическая музыка - чарующие мелодии, созданные талантливыми авторами, которых справедливо называют композиторами-классиками. Их произведения уникальны и всегда будут востребованы исполнителями и слушателями. Классической, с одной стороны, принято называть строгую, глубокосодержательную музыку, не относящуюся к направлениям: рок, джаз, народная, эстрадная, шансон и т. п. С другой стороны, в историческом развитии музыки есть период конца XIII - начала XX века, называемый классицизмом.

Классические темы отличаются возвышенной интонацией, изысканностью, разнообразием оттенков и гармонией. Они положительно влияют на эмоциональное мировосприятие взрослых и детей.

Этапы развития классической музыки. Их краткая характеристика и основные представители

В истории развития классической музыки можно выделить этапы:

• Ренессанс или эпоха Возрождения - начало 14 - последняя четверть 16 века. В Испании и Англии период Возрождения длился до начала 17 века.
• Барокко - пришел на смену Ренессанса и длился до начала 18 века. Центром стиля была Испания.
• Классицизм - период развития европейской культуры с начала 18 и до начала 19 столетия.
• Романтизм - направление, противоположное классицизму. Длилось до середины 19 века.
• Классика 20 столетия - современная эпоха.

Краткая характеристика и основные представители культурных периодов

1. Ренессанс - длительный период развития всех направлений культуры. - Томасс Таллис, Джованни да Палестина, Т. Л. де Виктория сочинили и оставили бессмертные творения потомкам.

2. Барокко - в эту эпоху появляются новые музыкальные формы: полифонии, оперы. Именно в этот период создавали свои знаменитые творения Бах, Гендель, Вивальди. Фуги Баха выстроены в соответствии с требованиями классицизма: обязательное соблюдение канонов.

3. Классицизм. создавшие свои бессмертные творения в эпоху классицизма: Гайдн, Моцарт, Бетховен. Появляется сонатная форма, увеличивается состав оркестра. и Гайдна отличаются от тяжеловесных сочинений Баха несложным построением и изяществом мелодий. Это всё ещё была классика, устремление к совершенству. Бетховенские сочинения - это грань соприкосновения романтического и классического стилей. В музыке Л. ван Бетховена чувственности и пылкости больше, чем рациональной каноники. Выделились такие важные жанры, как симфония, соната, сюита, опера. Бетховен дал начало Романтическому периоду.

4. Романтизм. Музыкальным произведениям свойственна колоритность, драматизм. Формируются различные песенные жанры, к примеру, баллады. Получили признание сочинения для фортепиано Листа и Шопена. Традиции романтизма унаследовали Чайковский, Вагнер, Шуберт.

5. Классика XX столетия - характеризуется стремлением авторов к новаторству в мелодях, возникли термины: алеаторика, атонализм. Произведения Стравинского, Рахманинова, Гласса относят к классическому формату.

Русские композиторы-классики

Чайковский П.И. - русский композитор, музыкальный критик, общественный деятель, педагог, дирижёр. Его сочинения самые исполняемые. Они искренние, легко воспринимаемые, отражают поэтическую самобытность русской души, живописные картины русской природы. Композитором создано 6 балетов, 10 опер, больше сотни романсов, 6 симфоний. Известные всему миру балет «Лебединое озеро», опера «Евгений Онегин», «Детский альбом».

Рахманинов С.В. - произведения выдающегося композитора эмоциональны и жизнерадостны, а некоторые - драматичны по содержанию. Их жанры разнообразны: от небольших пьес до концертов и опер. Общепризнанные сочинения автора: оперы «Скупой рыцарь», «Алеко» по пушкинской поэме «Цыганы», «Франческа да Римини» по сюжету, заимствованному из «Божественной комедии» Данте, поэма «Колокола»; сюита «Симфонические танцы»; фортепианные концерты; вокализ для голоса под аккомпанемент фортепиано.

Бородин А.П. был композитором, педагогом, химиком, врачом. Самое значимое творение - опера «Князь Игорь» по историческому произведению «Слово о полку Игореве», которая писалась автором почти 18 лет. При жизни Бородин не успел её закончить, уже после его кончины оперу дописали А.Глазунов и Н.Римский-Корсаков. Великий композитор является родоначальником классических квартетов и симфоний в России. Венцом мирового и русского национально-героического симфонизма считается «Богатырская» симфония. Выдающимися признаны инструментальные камерные, Первый и Второй квартеты. Один из первых ввёл в романсы богатырские фигуры из древнерусской литературы.

Великие музыканты

Мусоргский М.П., о котором можно сказать - это великий композитор-реалист, смелый новатор, затрагивающий остросоциальные проблемы, великолепный пианист и прекрасный вокалист. Самыми значимыми музыкальными произведениями являются оперы «Борис Годунов» по драматическому произведению А.С. Пушкина и «Хованщина» - народно-музыкальная драма, главный действующий персонаж этих опер - восставший народ из разных общественных прослоек; творческий цикл «Картинки с выставки», навеянный работами Гартмана.

Глинка М.И. - известный русский композитор, основоположник классического направления в русской музыкальной культуре. Он завершил процедуру создания школы русских композиторов, базируясь на ценности народной и профессиональной музыки. Произведения мастера пронизаны любовью к Отечеству, отражают мировоззренческую направленность людей той исторической эпохи. Всемирно известные народная драма «Иван Сусанин» и опера-сказка «Руслан и Людмила» стали новыми течениями в русской опере. Симфонические произведения «Камаринская» и «Испанская увертюра» Глинки - основы русского симфонизма.

Римский-Корсаков Н.А.- талантливый русский композитор, морской офицер, педагог, публицист. В его творчестве прослеживаются два течения: историческое («Царская невеста», «Псковитянка») и сказочное («Садко», «Снегурочка», сюита «Шехерезада»). Отличительная особенность произведений композитора: самобытность с опорой на классические ценности, гомофония в гармоническом построении ранних сочинений. Его сочинения имеют авторский почерк: своеобразные оркестровые решения с необычно построенными вокальными партитурами, являющимися основными.

Русские композиторы-классики старались отобразить в своих произведениях свойственное нации познавательное мышление и народный фольклор.

Европейская культура

Известные композиторы-классикиМоцарт, Гайдн, Бетховен проживали в столице музыкальной культуры того времени - Вене. Гениев объединяет мастерское исполнительство, превосходные композиционные решения, использование разных музыкальных стилей: от народных напевов до полифонических разработок музыкальных тем. Для великих классиков свойственны всеобъемлющая творческая мыслительная деятельность, компетентность, чёткость в построении музыкальных форм. В их произведениях органично связаны воедино интеллект и эмоции, трагическая и комическая составляющие, непринуждённость и расчётливость.

Бетховен и Гайдн тяготели к инструментальным композициям, Моцарту мастерски удавались как оперные, так и оркестровые сочинения. Бетховен был непревзойдённым создателем героических произведений, Гайдн ценил и успешно использовал в творчестве юмор, народно-жанровые типажи, Моцарт был композитором-универсалом.

Моцарт - создатель сонатной инструментальной формы. Бетховен усовершенствовал её, довёл до непревзойдённых высот. Период венской классики стал периодом квартетного расцвета. Гайдн, вслед за ним Бетховен и Моцарт, вносят значимый вклад в развитие этого жанра.

Итальянские мастера

Джузеппе Верди - выдающийся музыкант 19 века, развивал традиционную итальянскую оперу. Обладал безупречным мастерством. Кульминацией его композиторской деятельности стали оперные произведения "Трубадур", "Травиата", "Отелло", "Аида".

Никколо Паганини - родился в Ницце, одна из наиболее музыкально одаренных личностей 18-19 века. Виртуозно владел скрипкой. Сочинял каприсы, сонаты, квартеты для скрипки, гитары, альта и виолончели. Писал концерты для скрипки с оркестром.

Джоаккино Россини - творил в 19 столетии. Автор духовной и камерной музыки, сочинил 39 опер. Выдающиеся произведения - "Севильский цирюльник", "Отелло", "Золушка", "Сорока-воровка", "Семирамида".

Антонио Вивальди - один из крупнейших представителей скрипичного искусства 18 века. Известность приобрел благодаря своим Наиболее известная работа - 4 скрипичных концерта "Времена года". Прожил удивительно плодотворную творческую жизнь, сочинил 90 опер.

Знаменитые итальянские композиторы-классики оставили вечное музыкальное наследение. Их кантаты, сонаты, серенады, симфонии, оперы будут доставлять удовольствие не одному поколению.

Особенности восприятия музыки ребенком

Прослушивание хорошей музыки положительно влияет на психоэмоциональное развитие ребенка, так считают детские психологи. Хорошая музыка приобщает к искусству и формирует эстетический вкус, так считают педагоги.

Многие известные творения создавали композиторы-классики детям, учитывая их психологию, восприятие и специфику возраста, т. е. для слушания, а другие сочиняли для крох-исполнителей различные пьесы, легко воспринимаемые на слух и технически им доступные.

«Детский альбом» Чайковского П.И. для маленьких пианистов. Это альбом-посвящение племяннику который любил музыку и был очень одарённым ребёнком. В сборнике более 20 пьес, некоторые из них созданы на основе фольклорного материала: неаполитанские мотивы, русская плясовая, тирольские и французские мелодии. Сборник «Детские песни» Чайковского П.И. рассчитан на слуховое восприятие детской аудиторией. Песни оптимистического настроя о весне, птицах, цветущем саде («Мой садик»), о сострадании к Христу и Боге («Был у Христа младенца сад»).

Детская классика

Для детей трудились многие композиторы-классики, список произведений которых очень разнообразен.

Прокофьев С.С. «Петя и Волк» - симфоническая сказка для детей. Благодаря этой сказке, дети знакомятся с музыкальными инструментами симфонического оркестра. Текст сказки написал сам Прокофьев.

Шуман Р. «Детские сцены» - это небольшие нотные рассказы с незатейливым сюжетом, написанные для взрослых исполнителей, воспоминания о детстве.

Цикл для фортепиано Дебюсси «Детский уголок».

Равель М. «Матушка гусыня» на основе сказок Ш. Перро.

Барток Б. «Первые шаги за фортепиано».

Циклы для детей Гаврилова С. «Для самых маленьких»; «Герои сказок»; «Ребятам о зверятах».

Шостакович Д. «Альбом фортепианных пьес для детей».

Бах И.С. «Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах». Обучая своих детей музыке, создавал для них особые пьесы и упражнения для развития технических навыков.

Гайдн Й. - прародитель классической симфонии. Создал специальную симфонию под названием «Детская». Используемые инструменты: соловей глиняный, трещотка, кукушка - придают ей необычное звучание, детское и задорное.

Сен-Санс К. придумал фантазию для оркестра и 2-х фортепиано под названием «Карнавал животных», в которой музыкальными средствами виртуозно передал кудахтанье кур, рык льва, благодушие слона и его манеру передвижения, трогательно-изящного лебедя.

Сочиняя композиции для малышей и юношества, великие композиторы-классикипозаботились об интересных сюжетных линиях произведения, доступности предлагаемого материала с учётом возраста исполнителя или слушателя.

БОНОНЧИНИ - семья итальянских музыкантов:

Джованни Мария (1642 – 1648) – композитор, скрипач, теоретик. Соч. 9 сборников сонат, танцевальных пьес. Ему принадлежит трактат о контрапункте. В последние годы написал камерную оперу, ряд мадригалов, сольные кантаты.

Джованни Батиста (1670 – 1747) – его сын, композитор и виолончелист. Наследие его включает 40 опер, свыше 250 сольных кантат, около 90 симфоний, концерты, трио-сонаты. Успех его некоторых опер в Лондоне превзошёл успех его главного соперника – Генделя.

Антонио Мария (1677 – 1726) – композитор и виолончелист. Автор произведений для музыкального театра и церкви. С точки зрения фактуры и гармонии его музыка была более изысканна, чем музыка его старшего брата, но она никогда не пользовалась таким же успехом.

Джованни Мария-младший (1678 – 1753) – сводный брат, виолончелист, затем скрипач в Риме, автор вокальных произведений.

ВИВАЛЬДИ АНТОНИО (1678 – 1741)

Высшие достижения относятся к жанру инструментального концерта. Значительное место в наследии занимает вокальная музыка. Стремился к успеху в оп. жанре и много путешествовал, руководя своими постановками. Работал в оп. театрах Виченце, Венеции, Мантуи, Рима, Праги, Вены, Феррары, Амстердама. Соч. ок. 50 опер (сохранилось 20), в т.ч. «Тит Манлий», «Юстин», «Неистовый Роланд», «Верная нимфа», «Гризельда», «Баязет». Ок. 40 сольных кантат, оратория «Торжествующая Юдифь»).

Джордани Джузеппе (ок.1753 – 1798)

ДУНИ ЭДЖИДИО (1708 – 1775)

Учился в Неаполе у Дуранте. Автор 10 опер-сериа на тексты Метастазио , около 20 соч. в жанре французской комической оперы. Ввёл в неё ариетты и речитативы в итальянском стиле. Этот жанр получил название комедия с ариеттами. Оперы: «Нерон», «Демофонт», «Художник, влюблённый в свою модель» (комич.оп.).

ДУРАНТЕ ФРАНЧЕСКО (1684 – 1755)

Итальянский композитор. Учился в Неаполе, затем стал первым капельмейстером нескольких Неаполитанских консерваторий. Считался лучшим в Неаполе педагогом композиции. Среди его учеников – Дуни, Перголези, Пиччини, Паизиелло. В отличие от других ит. композиторов не писал опер. Наиболее ценная часть его наследия – духовная музыка. Интересны и инструментальные произведения – 12 сонат для клавесина, 8 концертов для квартета, пьесы педагогического репертуара.

КАВАЛЛИ ФРАНЧЕСКО (1602 – 1676)

Имел прозвище Бруни. Был певчим и органистом собора св. Марка в Венеции. Начал писать оперы, которые шли в оперных театрах Италии. После Парижа, где была поставлена его опера «Геракл-любовник» с пением и танцами, написанными для этого представления молодым Люлли, вся дальнейшая деятельность Кавалли была связана с собором св. Марка. Он – автор около 30 опер. Благодаря ему Венеция XVII в. стала центром ит. оперного искусства. Подобно поздним оп. Монтеверди, оп. Кавалли богаты контрастами и психологическими нюансами; патетические, даже трагические кульминации в них нередко сменяются эпизодами комического и бытового плана.

Оперы : «Любовь Аполлона и Дафны», «Дидона», «Орминдо», «Ясон», «Калисто», «Ксеркс», «Геракл-любовник»

Духовная музыка : Месса, 3 вечерни, 2 Магнификата, Реквием

Светская музыка: арии кантаты.

КАЛЬДАРА АНТОНИО (1670 – 1736)

Играл на виоле, виолончели, клавире. Сочинял почти исключительно вокальную музыку – оратории, кантаты, оперы-сериа. Служил церковным и театральным капельмейстером. Позднее сочинил ряд произведений для венского карнавала и придворных празднеств, а также для Зальцбурга. В общей сложности написал 3000 вокальных сочинений. Первым положил на музыку многие либретто Метастазио.

КАРИССИМИ ДЖАКОМО (1605 – 1674)

Был певчим, органистом, капельмейстером иезуитского Колледжо-Джерманико, принял духовный сан. Наиболее значительная часть наследия – оратории, выдержанные в повествовательно-речитативном стиле. Отдельные фрагменты по характеру письма приближаются к ариям. Важная роль отводится хоровым сценам. Среди его учеников – А.Чести, А.Скарлатти, М.-А.Шарпантье.

Соч.: 4 Мессы, около 100 мотетов, 14 ораторий Вт.ч. «Валтасар», «Иевфай», «Иона», около 100 светских кантат.

КАЧЧИНИ ДЖУЛИО (1545 – 1618)

Имел провище – Римлянин. Композитор, певец, лютнист. Ему покровительствовал герцог Козимо I де Медичи, взявший его во Флоренцию, где он посещал собрания Камераты и разрабатывал новый стиль пения – stile recitativo. Опубликовал сборник «Новые музыки», где наиболее полно отразил новаторские устремления. В сборник вошли мадригалы и строфические арии для голоса и basso continuo. Самая популярная песня сборника – Amarilli. В 1614 вышел в свет второй сборник композитора – «Новые музыки и новый способ их писать». Имя Каччини, выдающегося композитора и певца-новатора не было забыто в течение всего XVII в. Многие композиторы создавали сборники вокальных пьес по его образцу. Две дочери Каччини, Франческа и Сеттимия прославились как певицы и сочиняли музыку.

МАРТИНИ (1741 – 1816)

Прозвище Иль Тедеско («итальянский немец», настоящая фамилия Шварцендорф Иоганн Пауль Эгидиус). Немецкий композитор. До переезда в Париж (1764) состоял на службе у герцога Лотарингского. Преподавал в Парижской консерватории, руководил придворным оркестром.Автор13 опер, вокальных миниатюр (в т.ч. популярной песни «Plaisir d’amour».

МАРЧЕЛЛО АЛЕССАНДРО (1669 – 1747)

Брат Б.Марчелло. Музыкант-любитель, устраивал концерты в своём венецианском доме. Сочинял сольные кантаты, арии, канцонетты, скрипичные сонаты и концерты. Концерты для гобоя и струнныз (всего 6) принадлежат к последним образцам венецианской барочной разновидности жанра. Концерт для гобоя и струнных d-moll (ок.1717) известен в переложении И.С.Баха для клавира.

МАРЧЕЛЛО БЕНЕДЕТТО (1686 – 1739)

Композитор, музыкальный писатель, юрист, брат А.Марчелло. Занимал высокие государственные должности в Венеции. Широкую известность принесло собрание псалмов для 1 – 4 голосов с цифрованным басом (всего 50). Ему принадлежат также другие композиции для церкви, оратории, оперы, свыше 400 сольных кантат, дуэты, а также сонаты и концерты, отмеченные влиянием Вивальди. В его музыке полифоническое мастерство сочетается с восприимчивостью к новому галантному стилю. Интересен трактат Марчелло – сатира на оперу-сериа.

ПАИЗИЕЛЛО ДЖОВАННИ (1740 – 1816)

Учился в Неаполе у Дуранте. Завоевал репутацию одного из ведущих мастеров жанра оперы-буффа. Служил капельмейстером при дворе Екатерины II в Петербурге. Среди этого периода выделяется оп. «Севильский цирюльник». По возвращении в Неаполь стал писать оперы-семисериа (полусерьёзные) – «Нина, или Безумная от любви». Недолго служил в Париже личным капельмейстером Наполеона I . Качество опер Паизиелло оказало влияние на Моцарта – искусство муз. обрисовки характера, мастерство оркестрового письма, мелодическая изобретательность. Оперы: «Дон Кихот», «Служанка-госпожа», «Король Теодор в Венеции», «Мельничиха», «Прозерпина», «Пифагорейцы» и ещё не менее 75 опер.

ПЕРГОЛЕЗИ ДЖОВАННИ БАТИСТА (1710 – 1736)

Учился в Неаполе, одновременно работал скрипачом в оркестре. Писал сценические произведения в жанре священной драмы. Умер от туберкулёза в 26 лет. Вошёл в историю, как основоположник жанра оперы-буффа. Шедевром этого жанра явилась оп. «Служанка-госпожа». Писал произведения для церкви: «Stabat mater» для сопрано, контральто и оркестра, 2 Мессы, Вечерня, 2 «Salve Regina», 2 мотета.

ПЕРИ ЯКОПО (1561 – 1633)

Композитор и певец, священник. Служил композитором и певчим при дворе Медичи . Был известен и как исполнитель на китарроне – (струнный щипковый инструмент, разновидность басовой лютни, длина до 2 м, использовался, главным образом, для сопровождения сольного пения). Посещал собрания Камераты . Сочинял в новом речитативном стиле, подражая античной практике сольного пения с аккомпанементом. Написал оперы «Дафна», «Эвридика». Сочинил также сборник вокальных пьес, содержащий несколько образцов речитативного стиля.

ПИЧЧИНИ НИККОЛО (1728 – 1800)

Учился в Неаполе у Дуранте. Не только сочинял оперы, но и преподавал пение, был капельмейстером и органистом. Поселясь в Париже написал ряд серьёзных и комических франц. опер. Серьёзная конкуренция со стороны Глюка не помешала успеху его лирических трагедий «Роланд», «Ифигения в Тавриде», «Дидона». Международную известность ему принесла опера «Чеккина, или Добрая дочка» (1760)

САРРИ ДОМЕНИКО (1679 – 1744)

Учился в Неаполе, там же служил придворным капельмейстером. Ранние оперы, оратории, серенаты выдержаны в той же барочной манере, что и вокальная музыка А.Скарлатти. Вместе с тем, его творчество способствовало становлению более простого и мелодичного неаполитанского стиля.

СКАРЛАТТИ АЛЕССАНДРО (1660 – 1725)

Капельмейстер театров, королевской капеллы и консерватории Неаполя, где преподавал. Среди учеников – Д.Скарлатти, Ф.Дуранте, И.А.Хассе. Один из родоначальников и крупнейший представитель неаполитанской оперной школы. При нём возникли такие формы, как ария da capo, итальянская увертюра, речитатив с инструментальным сопровождением. Соч. более 125 опер-сериа , в т.ч. «Причуды любви или Розаура», «Коринфский пастух», «Великий Тамерлан», «Митридат Эвпатор», «Телемак» и др. Свыше 700 кантат, 33 серенаты, 8 мадригалов.

СКАРЛАТТИ ДОМЕНИКО (1685 – 1757)

Сын А.Скарлатти. Писал оперы, духовную и светскую музыку, но завоевал известность как клавесинист-виртуоз. Главное место в творчестве заняли одночастные клавирные сочинения, которые он называл «экзерсисами». Новатор в области клавирной техники. Соч. более 550 клавирных сонат, 12 опер, 70 кантат, 3 Мессы, Stabat Mater, Te Deum

СТРАДЕЛЛА АЛЕССАНДРО (1644 – 1682)

Итальянский композитор, сочинял музыку по заказу королевы Кристины. Среди его сочинений римского периода преобладают прологи и интермеццо, в т.ч. к операм Кавалли и Чести. Жизнь его изобиловала скандалами и громкими любовными историями. В 1677 бежал в Геную. Среди нескольких опер, поставленных в Генуе, выделяется комическая «Опекун Тресполо». Страделла был убит из мести наёмниками семьи Ломеллини.

Один из самых талантливых и разносторонних композиторов своего времени. Всего сочинил около 30 сценических произведений, около 200 кантат. Сохранилось 27 инструментальных сочинений.

ЧЕСТИ АНТОНИО (1623 – 1669)

Настоящее имя этого монаха-францисканца – Пьетро. В отрочестве служил церковным певчим в Ареццо, затем стал послушником флорентийского монастыря Санта-Кроче. Соборный органист, затем капельмейстер в Вольтере, где ему покровительствовала семья Медичи. Карьера Чести как оперного композитора началась в 1649, когда в Венеции с успехом была представлена его опера «Оронтеа». В 1652 он стал придворным музыкантом эрцгерцога Фердинанда Карла в Инсбруке и был лишён духовного сана. С 1665 служил при венском императорском дворе. За недолгое время, проведённое в Вене, создал множество опер, в т.ч. грандиозное «Золотое яблоко» , постановка которого была приурочена к свадьбе Леопольда I. Незадолго до кончины был назначен капельмейстером при тосканском дворе во Флоренции.

Какой была бы наша жизнь без музыки? В течение многих лет люди задавали себе этот вопрос и приходили к выводу, что без красивых звуков музыки мир был бы совсем другим. Музыка помогает нам полнее ощущать радость, находить свое внутреннее «я» и справляться с трудностями. Композиторы, работая над своими произведениями, вдохновлялись самыми разными вещами: любовью, природой, войной, счастьем, печалью и многим другим. Некоторые из созданных ими музыкальных композиций, навсегда останутся в сердцах и памяти людей. Перед вами список из десяти самых великих и талантливых композиторов за все время. Под каждым из композиторов вы найдете ссылку на одно из наиболее известных его произведений.

10 ФОТО (ВИДЕО)

Франц Петер Шуберт – австрийский композитор, который прожил всего 32 года, но его музыка будет жить еще очень долго. Шуберт написал девять симфоний, около 600 вокальных композиций, а также большое количество камерной и сольной фортепианной музыки.

«Вечерняя серенада»

Немецкий композитор и пианист, автор двух серенад, четырех симфоний, а также концертов для скрипки, фортепиано и виолончели. Выступал на концертах с десяти лет, впервые выступил с сольным концертом в 14 лет. При жизни обрел популярность в первую очередь благодаря написанным им вальсам и венгерским танцам.

«Венгерский танец №5».

Георг Фридрих Гендель – немецкий и английский композитор эпохи барокко, он написал около 40 опер, множество органных концертов, а также камерной музыки. Музыка Генделя звучала на коронации английских королей, начиная с 973 года, звучит она и на церемонии королевских свадеб и даже используется в качестве гимна лиги чемпионов УЕФА (с небольшой аранжировкой).

«Музыка на воде».

Йозеф Гайдн — известный и плодовитый австрийский композитор эпохи классицизма, его называют отцом симфонии, поскольку он внес значительный вклад в развитие этого музыкального жанра. Йозеф Гайдн является автором 104 симфоний, 50 сонат для фортепиано, 24 опер и 36 концертов

«Симфония №45».

Петр Ильич Чайковский – известнейший русский композитор, автор более 80 произведений, в числе которых 10 опер, 3 балета и 7 симфоний. Был весьма популярен и известен, как композитор еще при жизни, выступал в России и за рубежом в качестве дирижера.

«Вальс цветов» из балета «Щелкунчик».

Фредерик Франсуа Шопен – польский композитор, который также считается одним из лучших пианистов всех времен. Он написал много музыкальных произведений для фортепиано, включая 3 сонаты и 17 вальсов.

«Вальс дождя».

Венецианский композитор и скрипач-виртуоз Антонио Лучо Вивальди является автором более 500 концертов и 90 опер. Оказал огромное влияние на развитие итальянского и мирового скрипичного искусства.

«Эльфийская песнь».

Вольфганг Амадей Моцарт – австрийский композитор, поразивший мир своим талантом с раннего детства. Уже в пять лет Моцарт сочинял небольшие пьесы. В общей сложности он написал 626 произведений, среди них 50 симфоний и 55 концертов. 9.Бетховен 10.Бах

Иоганн Себастьян Бах – немецкий композитор и органист эпохи барокко, известен как мастер полифонии. Является автором более 1000 произведений, в которые входят практически все значимые жанры того времени.

«Музыкальная шутка».

Музыка 17-18 веков

На рубеже XVI-XVII столетий полифония, господствовавшая в музыке эпохи Возрождения, начала уступать место гомофонии (от греч. "хомос" - "один", "одинаковый" и "фоне" - "звук", "голос"). В отличие от полифонии, где все голоса равноправны, в гомофонном многоголосии выделяется один, исполняющий главную тему, а остальные играют роль аккомпанемента (сопровождения). Аккомпанемент представляет собой, как правило, систему аккордов (гармоний). Отсюда и название нового способа сочинения музыки - гомофонногармонический.

Изменились представления о церковной музыке. Теперь композиторы стремились не столько к тому, чтобы человек отрешился от земных страстей, сколько к тому, чтобы раскрыть сложность его душевных переживаний. Появились произведения, написанные на религиозные тексты или сюжеты, но не предназначенные для обязательного исполнения в церкви. (Такие сочинения называют духовными, так как слово "духовный" имеет более широкое значение, чем "церковный".) Основные духовные жанры XVII- XVIII вв. - кантата и оратория. Возросло значение светской музыки: она звучала при дворе, в салонах аристократов, в общедоступных театрах (первые такие театры были открыты в XVII в.). Сложился новый вид музыкального искусства - опера.

Инструментальная музыка также отмечена появлением новых жанров, и в первую очередь инструментального концерта. Скрипка, клавесин, орган постепенно превратились в сольные инструменты. Музыка, написанная для них, давала возможность проявить талант не только композитору, но и исполнителю. Ценилась прежде всего виртуозность (умение справляться с техническими трудностями), которая постепенно стала для многих музыкантов самоцелью и художественной ценностью.

Композиторы XVII-XVIII столетий обычно не только сочиняли музыку, но и виртуозно играли на инструментах, занимались педагогической деятельностью. Благополучие художника в значительной степени зависело от конкретного заказчика. Как правило, каждый серьёзный музыкант стремился получить место либо при дворе монарха или богатого аристократа (у многих представителей знати были собственные оркестры или оперные театры), либо в храме. Причём большинство композиторов легко сочетали церковное музицирование со службой у светского покровителя.

Оратория и кантата

Как самостоятельный музыкальный жанр оратория (ит. oratorio, от позлнелат. oratorium - "молельня") начала складываться в Италии в XVI в. Истоки оратории музыковеды видят в литургической драме (см. статью "Театр средневековой Европы") - театрализованных представлениях, рассказывающих о библейских событиях.

Подобные действа разыгрывались в храмах - отсюда и название жанра. Сначала оратории писали на тексты Свяшенного Писания, и предназначались они для исполнения в церкви. В XVII столетии композиторы стали сочинять оратории на современные поэтические тексты духовного содержания. По строению оратория близка к опере. Это крупное произведение для певцовсолистов, хора и оркестра, имеюшее драматический сюжет. Однако в отличие от оперы в оратории нет сценического действия: она рассказывает о событиях, но не показывает их.

В Италии в XVII в. сложился ещё один жанр - кантата (ит. cantata, от лат. canto- "пою"). Как и ораторию, кантату обычно исполняют солисты, хор и оркестр, но по сравнению с ораторией она короче. Кантаты писались на духовные и светские тексты.

Музыка Италии

В конце XVI столетия в Италии сложился художественный стиль барокко (от um. barocco - "странный", "причудливый"). Этому стилю присущи выразительность, драматизм, зрелищность, стремление к синтезу (соединению) разных видов искусства. Данные черты в полной мере проявились в опере, возникшей на рубеже XVI-XVII вв. Одно произведение соединяло в себе музыку, поэзию, драматургию и театральную живопись.Первоначально опера имела иное название: "драма для музыки" (ит. dramma per musica); слово "опера" (ит. opera - "сочинение") появилось только в середине XVII в. Идея "драмы для музыки" родилась во Флоренции, в художественном кружке Флорентийская камерата. Заседания кружка проходили в камерной (от ит. camera - "комната"), домашней обстановке. С 1579 до 1592 г. в доме графа Джованни Барди собирались просвещённые любители музыки, поэты, учёные. Его посещали и профессиональные музыканты - певцы и композиторы Якопо Пери (1561 - 1633) и Джулио Каччини (около 1550-1618), теоретик и композитор Винченцо Галилей (около 1520-1591), отец знаменитого учёного Галилео Галилея.

Участников Флорентийской камераты волновало развитие музыкального искусства. Его будущее они видели в соединении музыки и драмы: тексты подобных произведений (в отличие от текстов сложных хоровых полифонических песнопений XVI в.) станут понятны слушателю.

Идеал сочетания слова и музыки члены кружка находили в античном театре: стихи произносились нараспев, каждое слово, каждый слог звучали ясно. Так Флорентийская камерата пришла к идее сольного пения в сопровождении инструмента - монодии (от греч. "монос" - "один" и "оде" - "песня"). Новый стиль пения стал называться речитативным (от ит. recitare - "декламировать"): музыка следовала за текстом и пение представляло собой монотонную декламацию. Музыкальные интонации были маловыразительными - акцент делался на ясном произношении слов, а не на передаче чувств героев.

Ранние флорентийские оперы сочинялись на сюжеты из античной мифологии. Первые дошедшие до нас произведения нового жанра - две оперы под одинаковым названием "Эвридика" композиторов Пери (1600 г.) и Каччини (1602 г.). Созданы они на сюжет мифа об Орфее. Пение сопровождал инструментальный ансамбль, который состоял из чембало (предшественник фортепиано), лиры, лютни, гитары и др.

Героями первых опер правил рок, а его волю провозглашали вестницы. Действие открывалось прологом, в котором воспевались добродетели и сила искусства. Дальнейшее представление включало вокальные ансамбли (оперные номера, где одновременно поют несколько участников), хор, танцевальные эпизоды. На их чередовании строилась музыкальная композиция.

Опера стала быстро развиваться, и прежде всего как придворная музыка. Знать покровительствовала искусствам, и такая забота объяснялась не только любовью к прекрасному: процветание искусств считалось обязательным атрибутом могущества и богатства. В крупных городах Италии - Риме, Флоренции, Венеции, Неаполе - сложились свои оперные школы.

Лучшие черты разных школ - внимание к поэтическому слову (Флоренция), серьёзный духовный подтекст действия (Рим), монументальность (Венеция) - соединил в своём творчестве Клаудио Монтеверди (1567-1643). Композитор родился в итальянском городе Кремона в семье врача. Как музыкант Монтеверди сложился ещё в юности. Он писал и исполнял мадригалы; играл на органе, виоле и других инструментах. Сочинению музыки Монтеверди обучался у известных в то время композиторов. В 1590 г. в качестве певца и музыканта его пригласили в Мантую, ко двору герцога Винченцо Гонзаги; позже он возглавил придворную капеллу. В 1612 г. Монтеверди покинул службу в Мантуе и с 1613 г. поселился в Венеции. Во многом благодаря Монтеверди в 1637 г. в Венеции открылся первый в мире публичный оперный театр. Там композитор возглавил капеллу собора СанМарко. Перед смертью Клаудио Монтеверди принял духовный сан.

Изучив творчество Пери и Каччини, Монтеверди создал собственные произведения этого жанра. Уже в первых операх - "Орфей" (1607 г.) и "Ариадна" (1608 г.) - композитору удалось музыкальными средствами передать глубокие и страстные чувства, создать напряжённое драматическое действие. Монтеверди - автор многих опер, но сохранились только три - "Орфей", "Возвращение Улисса на родину" (1640 г.; на сюжет древнегреческой эпической поэмы "Одиссея") и "Коронация Поппеи" (1642 г.).

В произведениях Монтеверди гармонично сочетаются музыка и текст. В основе опер - монологречитатив, в котором ясно звучит каждое слово, а музыка гибко и тонко передаёт оттенки настроения. Монологи, диалоги и хоровые эпизоды плавно перетекают друг в друга, действие развивается неспешно (в операх Монтеверди тричетыре акта), однако динамично. Важную роль композитор отводил оркестру. В "Орфее", например, он использовал почти все известные в то время инструменты. Оркестровая музыка не просто сопровождает пение, но сама рассказывает о событиях, происходящих на сцене, и переживаниях персонажей. В "Орфее" впервые появилась увертюра (фр. ouverture, or лат. apertura - "открытие","начало") - инструментальное вступление к крупному музыкальному произведению. Оперы Клаудио Монтеверди оказали значительное влияние на венецианских композиторов, заложили основы венецианской оперной школы.

Монтеверди писал не только оперы, но и духовную музыку, религиозные и светские мадригалы. Он стал первым композитором, который не противопоставлял полифонический и гомофонный методы - хоровые эпизоды его опер включают в себя приёмы полифонии. В творчестве Монтеверди новое соединилось со старым - традициями эпохи Возрождения.

К началу XVIII в. сложилась оперная школа в Неаполе. Особенности этой школы - повышенное внимание к пению, главенствующая роль музыки. Именно в Неаполе был создан вокальный стиль бельканто (ит. bel canto - "прекрасное пение"). Бельканто славится необычайной красотой звучания, мелодичностью и техническим совершенством. В высоком регистре (диапазон звучания голоса) пение отличала лёгкость и прозрачность тембра, в низком - бархатная мягкость и густота. Исполнитель должен был уметь воспроизводить множество оттенков тембра голоса, а также виртуозно передавать многочисленные, накладывающиеся на основную мелодию быстрые последовательности звуков - колоратуры (ит. coloratura - "украшение"). Особое требование составляла ровность звучания голоса - в медленных мелодиях не должно быть слышно дыхания.

В XVIII столетии опера стала основным видом музыкального искусства в Италии, чему способствовал высокий профессиональный уровень певцов, обучавшихся в консерваториях (ит. conservatorio, err лат. conserve - "охраняю") - учебных заведениях, готовивших музыкантов. К тому времени в центрах итальянского оперного искусства - Венеции и Неаполе - было создано по четыре консерватории. Популярности жанра служили и открывшиеся в разных городах страны оперные театры, доступные для всех слоев общества. Итальянские оперы ставились в театрах крупнейших европейских столиц, а композиторы Австрии, Германии и других стран писали оперы на итальянские тексты.

Значительны достижения музыки Италии XVII-XVIII вв. и в области инструментальных жанров. Для развития органного творчества много сделал композитор и органист Джироламо Фрескобальди (1583-1643). " В церковной музыке он положил начало новому стилю. его сочинения для органа - развёрнутые композиции фантазийного (свободного) склада. Фрескобальди прославился виртуозной игрой и искусством импровизации на органе и клавире. Достигло расцвета скрипичное искусство. К тому времени в Италии сложились традиции производства скрипок. Потомственные мастера семейств Амати, Гварнери, Страдивари из города Кремона разработали конструкцию скрипки, способы её изготовления, которые хранились в глубокой тайне и передавались из поколения в поколение. Инструменты, сделанные этими мастерами, обладают удивительно красивым, тёплым звуком, похожим на человеческий голос. Скрипка получила распространение как инструмент ансамблевый и сольный.

Основатель римской скрипичной школы - Арканджело Корелли (1653-1713), один из создателей жанра кончерто гроссо (um. concerto grosso - "большой концерт"). В концерте обычно принимают участие солирующий инструмент (или группа инструментов) и оркестр. "Большой концерт" строился на чередовании сольных эпизодов и звучании всего оркестра, который в XVII столетии был камерным и преимущественно струнным. У Корелли солировали большей частью скрипка и виолончель. Его концерты состояли из разных по характеру частей; их количество было произвольно.

Один из выдающихся мастеров скрипичной музыки - Антонио Вивальди (1678-1741). Он прославился как блестящий скрипачвиртуоз.

Современников привлекала его драматическая, полная неожиданных контрастов манера исполнения. Продолжая традиции Корелли, композитор работал в жанре "большого концерта". Количество написанных им произведений огромно - четыреста шестьдесят пять концертов, сорок опер, кантаты и оратории.

Создавая концерты, Вивальди стремился к ярким и необычным звучаниям. Он смешивал тембры разных инструментов, часто включал в музыку диссонансы (резкие созвучия); выбирал в качестве солирующих редкие в то время инструменты - фагот, мандолину (считалась уличным инструментом). Концерты Вивальди состоят из трёх частей, причём первая и последняя исполняются в быстром темпе, а средняя - медленная. Многие концерты Вивальди имеют программу - название или даже литературное посвящение. Цикл "Времена года" (1725 г.) - один из ранних образцов программной оркестровой музыки. Четыре концерта этого цикла - "Весна", "Лето", "Осень", "Зима" - красочно рисуют картины природы. Вивальди удалось передать в музыке пение птиц ("Весна", первая часть), грозу ("Лето", третья часть), дождь ("Зима", вторая часть). Виртуозность, техническая сложность не отвлекала слушателя, а способствовала созданию запоминающегося образа. Концертное творчество Вивальди стало ярким воплощением в инструментальной музыке стиля барокко.

Операсериа и операбуффа

В XVIII в. сформировались такие оперные жанры, как операсериа (ит. opera seria - "серьёзная опера") и операбуффа (ит. opera buffa - "комическая опера"). Операсериа утвердилась в творчестве Алессандро Скарлатти (1660-1725) - основателя и крупнейшего представителя неаполитанской оперной школы. За свою жизнь он сочинил более ста таких произведений. Для оперысериа обычно выбирали мифологический или исторический сюжет. Она открывалась увертюрой и состояла из законченных номеров - арий, речитативов и хоров. Главную роль играли большие арии; обычно они состояли из трёх частей, причём третья являлась повторением первой. В ариях герои выражали своё отношение к происходящим событиям.

Сложилось несколько типов арий: героические, патетические (страстные), жалобные и др. Для каждого использовался определённый круг выразительных средств: в героических ариях - решительные, призывные интонаиии, бодрый ритм; в жалобных - короткие, прерывистые музыкальные фразы, показывающие волнение героя, и др. Речитативы, небольшие по размерам фрагменты, служили развёртыванию драматического повествования, как бы двигали его вперёд. Герои обсуждали планы дальнейших действий, рассказывали друг другу о случившихся событиях. Речитативы подразделялись на два типа: секко (от ит. secco - "сухой") - быстрая скороговорка под скупые аккорды клавесина, и аккомпаниато (ит. ассотраniato - "с сопровождением") - выразительная декламация под звучание оркестра. Секко чаше использовали для развития действия, аккомпаниато - для передачи размышлений и чувств героя. Хоры и вокальные ансамбли комментировали происходящее, но участия в событиях не принимали.

Количество действующих лии зависело от типа сюжета и было строго определённым; то же относится и к взаимоотношениям героев. Установились типы сольных вокальных номеров и их место в сценическом действии. Каждому персонажу соответствовал свой тембр голоса: лирическим героям - сопрано и тенор, благородному отцу или злодею - баритон или бас, роковой героине - контральто.

К середине XVIII в. стали очевидны недостатки оперысериа. Исполнение нередко приурочивалось к придворным торжествам, поэтому произведение должно было заканчиваться благополучно, что иногда выглядело неправдоподобно и неестественно. Часто тексты были написаны искусственным, изысканноманерным языком. Композиторы порой пренебрегали содержанием и писали музыку, не соответствовавшую характеру сиены или ситуации; появилось много штампов, ненужных внешних эффектов. Певцы демонстрировали собственную виртуозность, не задумываясь о роли арии в произведении в целом. Оперусериа стали называть "концерт в костюмах". Публика не проявляла серьёзного интереса к самой опере, а ходила на спектакли ради "коронной" арии знаменитого певца; во время действия зрители входили и выходили из зала.

Операбуффа сформировалась также у неаполитанских мастеров. Первый классический образец такой оперы - "Служанкагоспожа" (1733 г.) композитора Джованни Баттисты Перголези (1710-1736). Если в опересериа на первом плане - арии, то в оперебуффа - разговорные диалоги, чередовавшиеся с вокальными ансамблями. В оперебуффа совсем иные главные действующие лица. Это, как правило, простые люди - слуги, крестьяне. В основе сюжета лежала занимательная интрига с переодеваниями, одурачиванием слугами глупого богатого хозяина и т. п. От музыки требовалась изящная лёгкость, от действия - стремительность.

Большое влияние на оперубуффа оказал итальянский драматург, создатель национальной комедии Карло Гольдони. Наиболее остроумные, живые и яркие произведения этого жанра создали неаполитанские композиторы: Никколо Пиччинни (1728-1800) - "Чеккина, или Добрая дочка" (1760 г.); Джованни Паизиелло (1740-1816) - "Севильский цирюльник" (1782 г.), "Мельничиха" (1788 г.); певец, скрипач, клавесинист и композитор Доменико Чимароза (1749-1801) - "Тайный брак" (1792 г.).

Струнные смычковые инструменты

Предшественниками современных струнных смычковых инструментов - скрипки, альта, виолончели и контрабаса - являются виолы. Они появились в конце XV - начале XVI в. и вскоре, благодаря мягкому и нежному звучанию, стали играть ведущую роль в оркестрах.

Постепенно виолы были вытеснены новыми, более совершенными струнными смычковыми инструментами. В XVI-XVII столетиях над их созданием работали целые школы мастеров. Наиболее известные из них - династии скрипичных мастеров, возникшие на севере Италии - в городах Кремона и Бреша.

Родоначальник кремонской школы - Андреа Амати (около 1520 - около 1580). Особенно прославился своим искусством Николо Амати (1596-1684), его внук. Он сделал устройство скрипки почти совершенным, усилил звучание инструмента; при этом мягкость и теплота тембра сохранились. Семейство Гварнери работало в Кремоне в XVII-XVIII вв. Основатель династии - Андреа Гварнери (1626-1698), ученик Николо Амати. Выдающийся мастер Ажузеппе Гварнери (1698-1744) разработал новую модель скрипки, отличную от инструмента Амати.

Традиции школы Амати продолжил Антонио Страдивари (1644-1737). Он учился у Николо Амати, а в 1667 г. открыл собственное дело. Страдивари больше, чем другим мастерам, удалось приблизить звучание скрипки к тембру человеческого голоса.

В Бреше работала семья Маджини; лучшие скрипки создал Джованни Маджини (1580-1630 или 1632).

Самый высокий по регистру струнный смычковый инструмент - скрипка. За ней в порядке понижения диапазона звучания следуют альт, виолончель, контрабас. Форма корпуса (или резонансного яшика) скрипки напоминает очертания человеческого тела. Корпус имеет верхнюю и нижнюю деку (нем. Decke - "крышка"), причём первая изготавливается из ели, а вторая - из клёна. Деки служат для отражения и усиления звука. На верхней расположены резонаторные отверстия (в виде латинской буквы f; не случайно их называют "эфы"). К корпусу крепится гриф; обычно его делают из чёрного дерева. Это длинная узкая пластина, над которой натянуты четыре струны. Для натяжения и настройки струн служат колки; они находятся также на грифе.

Альт, виолончель и контрабас по устройству похожи на скрипку, но больше её. Альт не очень велик, его держат у плеча. Виолончель крупнее альта, и при игре музыкант сидит на стуле, а инструмент ставит на пол, между ног. Контрабас по размерам превосходит виолончель, поэтому исполнителю приходится стоять или сидеть на высоком табурете, а инструмент располагать перед собой. Во время игры музыкант водит по струнам смычком, представляющим собой деревянную трость с натянутыми конскими волосами; струна вибрирует и издаёт певучий звук. От быстроты движения смычка и силы, с которой он давит на струну, зависит качество звучания. Пальцами левой руки исполнитель укорачивает струну, прижимая её в различных местах к грифу - таким образом он добивается различной высоты звука. На инструментах этого типа звук можно извлечь также щипком или ударом деревянной части смычка по струне. Звучание струнных смычковых очень выразительно, исполнитель может придавать музыке тончайшие нюансы.