Знаменитые художники японии. Современный арт: Япония

Монохромная живопись Японии - одно из уникальных явлений искусства Востока. Ей посвящено немало работ и исследований, но часто ее воспринимают как вещь весьма условную, а порой даже декоративную. Это не так.Духовный мир японского художника очень богат, и он заботится не столько об эстетической составляющей, сколько о духовной. ИскусствоВостока - это синтез внешнего и внутреннего, явного и неявного.

В данном посте хотелось бы уделить внимание не истории монохромной живописи, а ее сути. Об этом и пойдет речь.

ширма "Сосны" Хасэгава Тохаку, 1593г.

То, что мы видим на монохромных картинах - это результат взаимодействия художника сосновной триадой: бумага, кисть, тушь. Поэтому чтобы правильно понимать работу, надо понимать самого художника и его отношение.

"Пейзаж" Сэссю, 1398г.

Бумага для японского мастера не просто подручный материал, который он подчиняет своей прихоти, а скорее наоборот - это «собрат», поэтому и отношение к ней сложилось соответствующее. Бумага это часть окружающей природы, к которой японцы всегда относились трепетно и старались не подчинить себе, а мирно сосуществовать с ней. Бумага - это в прошлом дерево, которое стояло в определенной местности, определенное время, «видело» что-то вокруг себя, и она все это хранит. Так материал воспринимает японский художник. Часто мастера прежде чем начать работу, долго смотрели на чистый лист (созерцали его) и только потом приступали кживописи. Даже сейчас современные японские художники, которые занимаются техникой Нихон-га (традиционная японская живопись) тщательно выбирают бумагу. Они покупают ее под заказ на бумажных фабриках. Для каждого художника определенной толщины, влагопроницаемости и фактуры (многие художники даже заключают договор с владельцем фабрики не продавать эту бумагу другим художникам) - поэтому каждая картина и воспринимается как нечто уникальное и живое.

"Читая в бамбуковой роще" Сюбун, 1446г.

Говоря о значимости этого материала, стоит упомянуть такие известные памятники литературы Японии как «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон и «Гэндзи моноготари» Мурасаки Сикибу: и в «Записках», и в «Гэндзи» можно встретить сюжеты, когда придворные или влюбленные обмениваются посланиями. Бумага, на которой писались эти послания была соответствующего времени года, оттенка, а манера написания текста соответствовала ее фактуре.

"Мурасаки Сикибу в храме Исияма" Кёсэн

Кисть - вторая составляющая, это продолжение руки мастера (опять же - это природный материал). Поэтому кисти тоже делались на заказ, но чаще всего самим художником. Он подбирал волоски необходимой длины, выбирал размер кисти и наиболее удобную рукоять. Мастер пишет только своей кистью и никакой другой. (Из личного опыта: была на мастер-классе китайского художника Цзян Шилуня,зрители попросили показать, что умеют его ученики, присутствовавшие на мастер-классе, и каждый из них, взяв в руки кисть мастера, говорил, что получится не то что они ожидают, так как кисть не их, они к ней не привыкли и не знают как правильно ей пользоваться).

"Фудзи" эскиз тушью Кацусика Хокусай

Тушь - третий важный элемент. Тушь бывает разных видов: она может дать после высыхания глянцевый или матовый эффект, может быть с примесью серебристых или охристых оттенков, поэтому правильный выбор туши также не маловажен.

Ямамото Байцу, конец XVIII - XIX век.

Основные сюжеты монохромной живописи это пейзажи. Почему в них нет цвета?

Парная ширма "Сосны", Хасэгава Тохаку

Во-первых, японского художника интересует не сам предмет, а его суть, некая составляющая, которая является общей для всего живого и приводит к гармонии человека с природой. Поэтому изображение - всегда намек, оно обращено к нашим чувствам, а не к зрению. Недосказанность - это стимул диалога, а значит соединения. В изображении важны линии и пятна - они образуют художественный язык. Это не вольность мастера, который где захотел, там оставил жирный след, а в другом месте наоборот недорисовал - в картине все имеет свой смысл и значение, и не несет случайного характера.

Во-вторых, цвет всегда несет какую-то эмоциональную окраску и по-разному воспринимается разными людьми в разных состояниях, поэтому эмоциональная нейтральность позволяет зрителю наиболее адекватно вступить в диалог, расположить его к восприятию, созерцанию, мысли.

В-третьих,это взаимодействие инь и ян, любая монохромная картина гармонична с точки зрения соотношения в ней туши и нетронутой области бумаги.

Почему большая часть пространства бумаги не задействована?

"Пейзаж" Сюбун, середина XV века.

Во-первых, незаполненность пространства окунает зрителяв изображение; во-вторых, изображение создается так, словно оно на мгновение выплыло на поверхность и вот-вот исчезнет - это связано с мировоззрением и мировосприятием; в-третьих, на тех областях, где нет туши на первый план выходит фактура и оттенок бумаги (на репродукциях это не всегда видно, но на деле это всегда взаимодействие двух материалов - бумаги и туши).

Сэссю, 1446г.

Почему пейзаж?

"Созерцание водопада" Гэйами, 1478г.

Согласно японскому мировоззрению, природа совершеннее человека, поэтому он должен у нее учиться, всячески ее беречь, а не уничтожать или подчинять. Поэтому на многих пейзажах можно увидеть небольшие изображения людей, но они всегда незначительны, малы по отношению к самому пейзажу, или изображения хижин, которые вписаны в окружающее их пространство и даже не всегда заметны - это все символы мировоззрения.

"Времена года: Осень и Зима" Сэссю. "Пейзаж" Сэссю, 1481г.

В заключение, хочу сказать, что монохромная японская живопись это не хаотично разбрызганная тушь, это не прихоть внутреннего эго художника - это целая система образов и символов, это хранилище философской мысли, а главное, способ коммуникации и гармонизации себя и окружающего мира.

Вот, думаю, ответы на основные вопросы, возникающие у зрителя при столкновении с монохромной японской живописью. Надеюсь, они помогут вам наиболее правильно понять ее и воспринять при встрече.

Японская живопись - это абсолютно уникальное направление в мировом искусстве. Оно существует ещё с древних времён, но как традиция не утратило своей популярности и способности удивлять.

Внимательность к традициям

Восток - это не только пейзажи, горы и восходящее солнце. Это ещё и люди, которые создавали его историю. Именно такие люди поддерживают традицию японской живописи на протяжении многих столетий, развивая и приумножая своё искусство. Теми, кто внёс немалый вклад в историю японские художники. Современные именно благодаря им сохранили в себе все каноны традиционной японской живописи.

Манера исполнения картин

В отличие от Европы, японские художники предпочитали писать ближе к графике, чем к живописи. В таких картинах не найти грубых, небрежных мазков маслом, которые так характерны для импрессионистов. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская деревья, скалы, животные и птицы - всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Декоративность - именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира.

Контрасты в живописи

Контраст - ещё один характерный приём, который используют японские художники. Это может быть разница в тоне, цвете или контраст теплых и холодных оттенков.

Художник прибегает к приему тогда, когда хочет выделить какой-то элемент предмета. Это может быть прожилка на растении, отдельный лепесток или ствол дерева на фоне неба. Тогда изображается светлая, освещённая часть предмета и тень под ним (или наоборот).

Переходы и цветовые решения

Рисуя японские картины, часто используют переходы. Они бывают разными: например, от одного цвета к другому. На лепестках водяных лилий, пионов можно заметить переход от светлого оттенка к насыщенному, яркому какого-то цвета.

Также переходы применяют в изображении водной поверхности, неба. Очень красиво выглядит плавный переход от заката к тёмным, сгущающимся сумеркам. В рисовании облаков тоже используют переходы от разных оттенков и рефлексы.

Основные мотивы японской живописи

В искусстве всё взаимосвязано с реальной жизнью, с чувствами и эмоции тех, кто причастен к нему. Как и в литературе, музыке и других проявлениях творчества, в живописи существует несколько вечных тем. Это исторические сюжеты, изображения людей и природы.

Японские пейзажи бывают разнообразными. Часто в картинах встречаются изображения прудов - излюбленного предмета интерьера японцев. Декоративный пруд, несколько водяных лилий и бамбук неподалёку - так выглядит обычная картина 17-18 века.

Животные в японской живописи

Животные - тоже часто повторяющийся элемент азиатской живописи. Традиционно это крадущийся тигр или домашняя кошка. Вообще, азиаты очень любят и поэтому их представители встречаются во всех формах восточного искусства.

Мир фауны - ещё одна тема, которой следует японская живопись. Птицы - журавли, декоративные попугаи, роскошные павлины, ласточки, незаметные воробьи и даже петухи - все они встречаются в рисунках восточных мастеров.

Рыбы — не менее актуальная тема для японских художников. Карпы кои - японский вариант золотой рыбки. Эти существа обитают в Азии во всех прудах даже маленьких парков и садов. Карп кои - своего рода традиция, принадлежащая именно Японии. Эти рыбы символизируют борьбу, решительность, достижение своей цели. Не зря их изображают плывущими по течению, обязательно с декоративными гребнями волн.

Японские картины: изображение людей

Люди в японской живописи - особенная тема. Художники изображали гейш, императоров, воинов и старцев.

Гейши нарисованы в окружении цветов, всегда в сложных одеяниях с множеством складок и элементов.

Мудрецов рисуют сидящими или объясняющими что-то своим ученикам. Образ старого учёного - символ истории, культуры и философии Азии.

Воина изображали грозным, порой устрашающим. Длинные были детально прорисованы и похожи на проволоку.

Обычно все детали доспеха уточнены с помощью туши. Нередко обнажённые воина украшают татуировки с изображением восточного дракона. Это - символ силы и военной мощи Японии.

Правителей изображали для императорских семей. Красивые одеяния, украшения в волосах мужчин - то, чем изобилуют такие произведения искусства.

Пейзажи

Традиционный японский пейзаж - горы. Азиатские живописцы преуспели в изображении разнообразных ландшафтов: одну и ту же вершину они могут изобразить в разных цветах, с разной атмосферой. Единственное, что остаётся неизменным - обязательное присутствие цветов. Обычно вместе с горами художник изображает какое-то растение на переднем плане и детально его прорисовывает. Красиво смотрятся гор и цветущей сакуры. А если рисуют опадающие лепестки - картина вызывает восхищение грустной красотой. Контраст в атмосфере картины - ещё одно замечательное качество японской культуры.

Иероглифы

Часто композицию картины в японской живописи совмещают с письменами. Иероглифы располагают так, чтобы смотрелось красиво композиционно. Обычно их рисуют слева или справа картины. Иероглифы могут обозначать то, что изображено на картине, её название или имя художника.

Япония - одна из самых богатых историей и культурой держав. Во всём мире принято считать японцев педантичными людьми, которые находят эстетику абсолютно во всех проявлениях жизни. Поэтому японские картины всегда очень гармоничны по цвету и тону: если и есть вкрапления какого-то яркого цвета - то только в смысловых центрах. На примере картин азиатских художников можно изучать теорию цвета, правильную передачу формы с помощью графики, композицию. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.

Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.

Wojciech Babski

Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.

Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.

Warren Chang

Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.

Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.

Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.

Aurelio Bruni

Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.

Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.

Alekasander Balos

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Antonio Finelli

Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.

Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.

Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.

Flaminia Carloni

Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.

Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.

Denis Chernov

Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.

Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.

Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.

Любите ли вы японскую живопись? Как много вы знаете о знаменитых японских художниках? Давайте рассмотрим с вами в этой статье наиболее известных художников Японии которые творили свои произведения в стиле укиё-э (浮世絵). Этот стиль живописи получил свое развитие с периода Эдо. Иероглифы, которыми записывается этот стиль 浮世絵 дословно означают «картины (образы) изменчивого мира», подробнее об этом направлении живописи вы можете прочитать

Хисикава Моронобу (菱川 師宣, 1618-1694). Считается основателем жанра укиё-э, хотя, на самом деле, он всего лишь первый мастер, о жизни которого сохранились биографические сведения. Моронобу родился в семье мастера по окраске тканей и вышивке золотыми и серебряными нитями и долгое время занимался семейным ремеслом, поэтому отличительной чертой его работ являются красиво декорированные одежды красавиц, дающие прекрасный художественный эффект.

Переехав в Эдо, он сначала самостоятельно изучал приёмы живописи, а затем его обучение продолжил художник Камбун.

До нас дошли, в основном, альбомы Моронобу, в которых он изображает исторические и литературные сюжеты и книги с образцами узоров для кимоно. Также мастер работал в жанре сюнга, а среди отдельных работ сохранилось несколько с изображением прекрасных женщин.

(鳥居清長, 1752-1815). Признанный в конце 18 века мастер Сэки (Сэкигути) Синсукэ (Исибэй) носил псевдоним Тории Киёнага, который он взял, унаследовав школу укиё-э Тории от Тории Киёмицу после смерти последнего.

Родился Киёнага в семье торговца книгами Сиракоя Исибэй. Наибольшую известность ему принёс жанр бидзинга, хотя начинал он с якуся-э. Сюжеты для гравюр в жанре бидзинга брались из повседневной жизни: прогулки, праздничные шествия, выезд на природу. Среди многих работ художника выделяются серии «Состязания модных красавиц из весёлых кварталов», изображающая Минами, один из «весёлых кварталов» на юге Эдо, «12 портретов южных красавиц», «10 видов чайных лавок». Отличительной чертой мастера была детальная проработка фонового вида и использование пришедших с Запада приёмов изображения света и пространства.

Первоначальную славу Киёнага получил при возобновлении в 1782 году серии «Образцы мод: модели, новые, как весенняя листва», начатой Корюсаем в 1770-е для издателя Нисимурая Ёхати.

(喜多川歌麿, 1753-1806). На этого выдающегося мастера укиё-э оказали существенное влияние Тории Киёнага и издатель Цутая Дзюдзабуро. В результате длительного сотрудничества с последним вышло множество альбомов, книг с иллюстрациями и серий гравюр.

Несмотря на то, что Утамаро брал сюжеты из жизни простых ремесленников и стремился изображать природу («Книга о насекомых»), слава к нему пришла как к художнику произведений, посвящённых гейшам из квартала Ёсивара («Ежегодник зелёных домов Ёсивара»).

Утамаро достиг высокого уровня в выражении душевных состояний на бумаге. Впервые в японской ксилографии стал использовать погрудные композиции.

Именно творчество Утамаро повлияло на французских импрессионистов и способствовало интересу европейцев к японским гравюрам.

(葛飾 北斎, 1760-1849). Настоящее имя Хокусая — Токитаро. Наверное, самый широко известный по всему миру мастер укиё-э. На протяжении всего творчества использовал свыше тридцати псевдонимов. Нередко историки используют псевдонимы для периодизации его творчества.

Сначала Хокусай работал резчиком, работа которого ограничивалась замыслом художника. Этот факт тяготил Хокусая, и он начал искать себя как самостоятельный хужодник.

В 1778 году он стал учеником в студии Кацукава Сюнсё, специализировавшейся на гравюрах в жанре якуся-э. Хокусай был и талантливым, и очень прилежным учеником, всегда оказывавшим почтение учителю, а поэтому пользовался особым благоволением Сюнсё. Таким образом, первые самостоятельные работы Хокусая были в жанре якуся-э в виде диптихов и триптихов, а популярность ученика сравнялась с популярностью учителя. В это время молодой мастер уже настолько развил свой талант, что ему стало тесно в рамках одной школы, и после смерти учителя Хокусай покидает студию и изучает направления других школ: Кано, Сотацу (иначе - Коэцу), Римпа, Тоса.

В этот период художник испытывает значительные финансовые трудности. Но в это же время происходит его формирование как мастера, который отказывается от привычного изображения, которое требовало общество, и ищет свой собственный стиль.

В 1795 году свет увидели иллюстрации к поэтической антологии «Кэка Эдо мурасаки». Затем Хокусай пишет картины суримоно, которые тут же начали пользоваться популярностью, и многие художники принялись за их имитацию.

С этого периода Токитаро начал подписывать свои работы именем Хокусай, хотя некоторые его произведения выходили под псевдонимами Тацумаса, Токитаро, Како, Соробэку.

В 1800 году мастер стал называть себя Гакэдзин Хокусай, что означало «Безумный живописью Хокусай».

К известным сериям иллюстраций относятся «36 видов горы Фудзи», из которой наиболее выделяются «Победный ветер. Ясный день» или «Красная Фудзи» и «Большая волна в Канагаве», «100 видов горы Фудзи», вышедшая тремя альбомами, «Манга Хокусая» (北斎漫画), которую называют «энциклопедией японского народа». Художник вложил в «Мангу» все свои взгляды на творчество, философию. «Манга» является важнейшим источником по изучению жизни Японии того времени, так как включает множество культурных аспектов. Всего при жизни художника вышло двенадцать выпусков, а после его смерти - ещё три:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (после смерти художника)

Искусство Хокусая повлияло на такие европейские направления, как ар-нуво и французский импрессионизм.

(河鍋 暁斎, 1831 -1889). Использовал псевдонимы Сэйсэй Кёсай, Сюрансай, Байга Додзин, обучался в школе Кано.

В отличие от Хокусая, Кёсай был довольно развязным, что стало причиной его разлада с художником Цубоямой Тодзаном. После школы стал самостоятельным мастером, хотя иногда и посещал её в течение ещё пяти лет. В то время он писал кёга, так называемые «сумасшедшие картины».

Среди выдающихся гравюрных работ выделяют «Сто картин Кёсая». В качестве иллюстратора Кёсай создаёт в сотрудничестве с другими художниками изображения к новеллам и романам.

В конце 19 века в Японию часто наведывались европейцы. С некоторыми из них художник был знаком, и несколько его работ сейчас находятся в Британском музее.

(歌川広重, 1797-1858). Работал под псевдонимом Андо Хиросигэ (安藤広重) и известен тонкой передачей природных мотивов и природных явлений. Первую картину «Гора Фудзи в снегу», которая сейчас хранится в музее Сантори в Токио, он написал в десять лет. Сюжеты ранних работ основывались на реальных событиях, происходящих на улицах. Его известные циклы: «100 видов Эдо», «36 видов горы Фудзи», «53 станции Токайдо», «69 станций Кимокайдо», «100 известных видов Эдо». На Моне и русского художника Билибина оказали большое влияние «53 станции дороги Токайдо», написанные после путешествия по восточно-приморской дороге, а также «100 видов Эдо». Из серии в жанре катё-га в 25 гравюр наиболее известен лист «Воробьи над покрытой снегом камелией».

(歌川 国貞, известен также, как Утагава Тоёкуни III (яп. 三代歌川豊国)). Один из самых выдающихся художников укиё-э.

Уделял особое внимание актёрам кабуки и самому театру – это около 60% от всех произведений. Также известны работы в жанре бидзинга и портреты борцов сумо. Известно, что он создал от 20 до 25 тысяч сюжетов, в которые вошли 35-40 тысяч листов. К пейзажам и воинам он обращался редко. Утагава Куниёси(歌川 国芳, 1798 — 1861). Родился в семье красильщика шёлка. Учиться рисованию Куниёси начал в десятилетнем возрасте во время проживания в их семье художника Кунинао. Затем он продолжил обучаться у Кацукавы Сюнъэй, а в 13-летнем возрасте он поступает на обучение в мастерскую Токуёни. Первые годы у молодого художника дела идут неважно. Но после получения от издателя Кагая Китибэй заказа на пять гравюр для серии 108 героев Суйкодэн дела пошли в гору. Он создаёт остальных героев этой серии, а затем приступает к другим различным работам, и через пятнадцать лет он становится в один ряд с Утагавой Хиросигэ и Утагавой Кунисадой.

После запрета 1842 года на изображения театральных сцен, актёров, гейш и куртизанок Куниёси пишет свою «кошачью» серию, делает гравюры из воспитательной серии для домохозяек и детей, изображает национальных героев в серии «Традиции, мораль и благочиние», а к концу 1840-х - началу 1850-х годов после ослабления запретов художник возвращается к теме кабуки.

(渓斎 英泉, 1790-1848). Известен работами в жанре бидзинга. В его лучшие работы входят портреты типа окуби-э («большие головы»), которые считаются образцами мастерства эпохи Бунсэй (1818-1830), когда жанр укиё-э был в упадке. Художник написал много лирических и эротических суримоно, а также цикл пейзажей «Шестьдесят девять станций Кисокайдо», который он не смог довести до конца, и его закончил Хиросигэ.

Новизна в изображении бидзинга заключалась в чувственности, которой раньше не было у других художников. По его произведениям мы можем понять моду того времени. Также он издал биографии «Сорока семи ронинов» и написал ещё несколько книг, включая «Историю гравюр укиё-э» (Укиё-э руйко), содержащую биографии художников. А в «Записках безымянного старца» он описал себя как развратного пьяницу и бывшего владельца борделя в Недзу, сгоревшего дотла в 1830-е годы.

Судзуки Харунобу (鈴木春信, 1724-1770). Настоящее имя художника — Ходзуми Дзиробэй. Он является первооткрывателем полихромной печати укиё-э. Учился в школе Кано и изучал живопись. Затем под влиянием Сигэнага Нисимура и Тории Киёмицу его увлечением стала ксилография. Гравюры в два-три цвета изготавливались ещё с начала 18 века, а Харунобу начал писать картины в десять цветов, используя три доски и комбинируя три цвета – жёлтый, синий и красный.

Выделялся в изображении уличных сценок и картин в жанре сюнга. А с 1760-х был одним из первых, кто начал изображать актёров театра кабуки. Его работы оказали влияние на Э.Мане и Э.Дега.

(小原 古邨, 1877 — 1945). Его настоящее имя Матао Охара. Изображал сцены из русско-японской и китайско-японской войны. Однако после появления фотографии его работы стали продаваться плохо, и он начал зарабатывать на жизнь преподаванием в школе изящных искусств в Токио. В 1926 году Эрнест Феллоза, куратор отдела японского искусства в Бостонском музее, уговорил Охару вернуться к живописи, и художник начал изображать птиц и цветы, а его работы хорошо продавались за рубеж.

(伊藤若冲, 1716 - 1800). Выделялся среди остальных художников эксцентричностью и образом жизни, заключающемся в дружбе со многими культурными и религиозными деятелями того времени. Изображал животных, цветы и птиц в весьма экзотическом виде. Был очень известен и принимал заказы на роспись ширм и храмовые картины.

(鳥居 清信, 1664-1729). Один из важнейших представителей раннего периода укиё-э. Несмотря на большое влияние своего учителя Хисикавы Моноробу, стал основателем жанра якуся-э в изображении афиш и плакатов и изобрёл свой собственный стиль. Актёры изображались в специальных позах в роли храбрых героев и были окрашены в
благородный оранжевый цвет, а злодеи были нарисованы в синих цветах. Для изображения страсти художник изобрёл особый тип рисунка мимидзугаки — это извилистые линии с чередованием тонких и толстых штрихов и совмещение с гротескным изображением мускулов конечностей.

Тории Киёнобу является основателем династии художников Тории. Его учениками были Тории Киёмасу, Тории Киёсигэ I, Тории Киёмицу.

А кто ваш любимый художник укиё-э?

Японский язык отличается от любого европейского своей структурой, что может вызвать определённые трудности при изучении. Однако не волнуйтесь! Специально для вас вы разработали курс « «, на который вы можете записаться прямо сейчас!

Хокусай, японский художник 18-го века, создал головокружительное количество художественных работ. Хокусай работал до глубокой старости, неизменно утверждая, что «все, что он сделал до 70 лет, не было стоящим и не стоило внимания».

Возможно, самый известный японский художник в мире, он всегда выделялся из своих коллег - современников интересом к повседневной жизни. Вместо того, чтобы изображать гламурных гейш и героических самураев, Хокусай рисовал рабочих, рыбаков, городские жанровые сценки, которые тогда еще не были предметом интереса для японского искусства. Он также использовал европейский подход к композиции.

Вот краткий перечень ключевых терминов, которые помогут вам немного ориентироваться в творчестве Хокусая.

1 Укие-э - гравюры и картины, популярные в Японии 1600-х до 1800-х годов. Направление в изобразительном искусстве Японии, получившее развитие с периода Эдо. Этот термин происходит от слова "укие", что означает "изменчивый мир". Уикие - намек на гедонистические радости расцветающего купечества. В этом направлении Хокусай - самый известный художник.

Хокусай использовал не менее тридцати псевдонимов на протяжении своей жизни. Несмотря на то, что использование псевдонимов было обычной практикой у японских художников того времени, по числу псевдонимов он существенно превосходил других крупных авторов. Псевдонимы Хокусая нередко используются для периодизации этапов его творчества.

2 Период Эдо - это время между 1603 и 1868 годах в японской истории, тогда был отмечен экономический рост и новый интерес к искусству, культуре.

3 Shunrō является первым из псевдонимов Хокусая.

4 Шуньга буквально означает "картину весны" и "весна" - японский сленг для секса. Таким образом, это гравюры эротического характера. Их создавали самые уважаемые художники, в том числе Хокусай.

5 Суримоно. Последние «суримоно» — так назывались эти выполненные по заказу оттиски — имели колоссальный успех. В отличие укие-э гравюры, которыебыли рассчитаны на массового зрителя, суримоно редко продавались для широкой публики.

6 Гора Фудзи - симметричная гора, которая, оказывается, самая высокая в Японии. За эти годы она вдохновила многих художников и поэтов, в том числе Хокусая, выпустившего серию укие-э "Тридцать шесть видов горы Фудзи". Эта серия включает в себя самые знаменитые гравюры Хокусая.

7 Японизм - длительное влияние, которое оказал Хокусай на последующие поколения западных художников. Японизм - это стиль, вдохновленный яркими цветами гравюр укие-э, отсутствием перспективы и композиционными экспериментами.